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Yandel, el artista puertorriqueño inició su gira como solista luego de la despedida que hizo con el dúo «Wisin y Yandel» con un show programado para el 18 de enero en el Luna Park, el cantante puso a bailar a todo el público siendo uno de los pioneros del reggaetón. Pasamos una noche llena de clásicos pero también con temas que han hecho lucir al artista en solitario.
Alrededor de las 20 horas fue el turno de Flor Vigna que aprovechó para calentar la noche con todo su carisma y con un público que estaba dispuesto a bailar y pasarla bien. El show de Yandel, iniciado alrededor de las 21:30 horas, comenzó con la euforia del público y una gran seguidilla de clásicos como «Mayor que yo» «Rakata» «Abusadora» que han reventado la noche durante el inicio del show.
Más tarde siguió la presentación de Gadiel, que ha usado su tiempo para compartir «Plakito» junto a Yandel pero también para cantar dos canciones más en solitario mientras el artista principal preparaba su próximo acto.
Yandel nos ha dado una gran noche que también fue acompañado por un grupo de bailarines que han estado a tono con el perreo que invitan todas sus canciones. También se tomó su tiempo para hablar sobre el público argentino y llevar puesta la bandera hacia el final del recital. El cierre del show fue con «Yandel 150» uno de los últimos grandes éxitos que ha sacado el artista junto a la colaboración de Feid.
El viernes pasado tuvimos el agrado y el gusto de asistir al estreno de “La novia de mi mejor amigo” escrita por Sebastián Padilla, quien recientemente arribó a la Argentina desde su país natal Chile y nos trae esta buena comedia teatral. Actúan junto a él, Brian D’Ricco y Laura Demartino. Los tres jóvenes destacan y demuestran compromiso y pasión para con el escenario y el espectador en esta trama que, justificadamente, sorprende y se atreve. Julio(Sebastián Padilla), Cristóbal(Brian D’Ricco) y Paloma, la novia de Cristóbal(Laura Demartino) nos entretienen, nos atrapan y nos inquietan desde lo cotidiano y rutinario de nuestros días hasta temáticas universales que hacen honor al teatro más clásico.
La escenografía, de una paleta de azules y plateados, es simple pero cuidada al detalle; hábilmente se producen y desarrollan diferentes líneas de tiempo-espacio. La musicalización es otro de los destaques, la versión de George Michael de “Roxanne” acierta grandiosamente en el ambiente y el espectador; pudimos oír también funk-soul, a Vicentico y música clásica!
En la sala 1 del teatro Multiescena de la calle Corrientes, vivimos una pequeña batería de expresión, ideas y humor. Nos divertimos y se disfrutó! Las funciones son Viernes de Enero y Febrero a las 20hs.
Los coreanos se destacan por sus buenas series y algunas que otras películas de acción. Pero.
¿Cómo poder desglosar esta película sin hundirla?
La película se divide en tres capítulos que se dividen en saltos de tiempos que componen la trama de la historia.
La historia comienza con una pareja compuesta por un actor famoso y premiado y su mujer que trabaja en una empresa donde es jefa operaria y está embarazada. Viven en un block de departamentos dónde tuvieron una serie de problemas con un vecino que vive en el piso de abajo. Hasta ahí todo normal, hasta que una noche Hyeon.soo, el protagonista de la película se despierta de la nada y se queda mirando hacia la puerta de entrada del departamento y, es ahí donde comienza la vorágine y el tema central de esta historia. Todas las noches se despierta y cada vez sus actos son más erráticos, raros y fuera de lo normal y a base de estos problemas, lleva a su esposa Soo-jin a la locura y tensión sobre sus actos y sobre su vida junto a él.
Para los momentos de tensión y suspense la historia se apoya de una música típica para estas películas que te mantiene atento a lo que pueda suceder, al igual que el juego de las cámaras y las expresiones corporales de los actores, pero de ahí, nada más.
La trama se va desenredando tan predecible y fácil que al espectador no le deja nada a pensar o asimilar. Las transiciones son flacas para no decir débiles y el desenlace es tan flojo que uno queda preguntándose “¿en serio, todo esto para eso?”
Lo rescatable –por así decirlo- es la lucha de la pareja/familia protagonista, sus toques (que son poco) de humor, el drama y las expresiones corporales de los personajes en los momentos de tensión y de “terror”.
Por cierto. Esta película es una mezcla de drama, suspense y terror psicológico. Aunque tiene más de las dos primeras que de la última.
Las actuaciones son normales, no hay una que se destaque o sobresalga por los demás.
No la recomiendo para verla en el cine, pero su funcionaria bien si llega a alguna plataforma streaming para verla un fin de semana en que no haya un panorama mejor.
La síntesis argumental diría se trata del encuentro obligado de dos personajes opuestos, en este caso oficinistas que quedan atrapados en un ascensor, que poco a poco se irán sincerando y descubriendo que son complementarios. Ustedes bien podrían pensar que la obra peca de falta de originalidad, y no estarían equivocados, pero nada de esto resulta molesto al momento de verla.
No es una obra mas; la dupla de autores, los uruguayos Patricia Álvarez y Sebastián Slepovich, nos entregan un texto lleno de matices que logra emocionarnos profundamente por momentos y causarnos mucha gracia en otros. Texto portador de un humor muy sutil, con toques de humor negro y que se las ingenia siempre para escaparse del chiste fácil o a grosero.
Evidentemente Esteban Prol, director de la puesta, entendió a la perfección las características del texto y le saca gran provecho al mismo montando un espectáculo sumamente entretenido, que pese a las limitaciones de movimiento corporal que propone el texto, nos pasea por una montaña rusa de emociones que no da tiempo para aburrirse, todo lo contrario.
Cuenta con la complicidad de un dúo de buenos actores que se lucen componiendo personajes creíbles, que transmiten emociones constantemente y que al mismo tiempo saben usar con maestría las herramientas del humor.
Susana Giannone compone a una mujer empoderada, muy segura de si misma, acostumbrada a dar ordenes y a la que poco a poco iremos descubriendo como una mujer bloqueada emocionalmente que se niega a asumir su soledad.
El personaje interpretado por Juan Paya, opuesto complementario del anterior, es inseguro, dubitativo y acostumbrado a la monotonía; con pocas pretensiones y acostumbrado a la soledad. Al mismo tiempo no deja de enternecernos, resultando muy empático para el espectador.
Entre ellos se complementan, se enfrentan , se agreden y terminaran por abrir sus sentimientos; confesiones mediante se entenderán y saldrán del encierro juntos.
Escenografía mas que sencilla pero que sirve para realzar el trabajo impecable de los actores, que se lucen y nos entregan un espectáculo muy logrado y agradable; que vale la pena ver. Vayan sin dudarlo, que lo van a disfrutar.
Jueves 21 hs. Multiescena CPM; Av. Corrientes 1764, C.A.B.A.
“Regresando vencedor de una batalla decisiva contra los invasores, Macbeth es interceptado por las brujas fatídicas del páramo de huesos, quienes le profetizan un provenir de gloria y poder. A partir de ese encuentro inesperado y del influjo de su esposa, se internará en un derrotero de crímenes con los que intentará precipitar los vaticinios. Pero las profecías de las sombras esconden una trampa para los que a ellas se confían».
Esta obra es una sucesión de personajes fuertes, impactantes, débiles, abusivos, traidores manipuladores y todos magistralmente interpretados por el brillante Pompeyo Audivert.Audivert le presta su cuerpo (diría “sus” cuerpos porque cada personaje parece estar hecho por un cuerpo distinto) a cada uno de sus personajes, sus voces que son todas diferentes, sus gestos y sus sentimientos.
En un poco más de una hora el genial Audivert es (porque no hace de, él ES) Hécate, cada una de las 3 brujas, Lady Macbeth, Banquo, el sirviente de Macbeth, el rey Duncan y el propio y torturado Macbeth. El contraste de Lady Macbeth y del propio Macbeth en una escena en que ambos tienen una conversación, sólo, a proscenio con un marco de cuadro en la cara y alumbrando él mismo su cara una vez con una luz roja y otra con una luz azul (dependiendo de si es Lady Macbeth o su marido) es IMPRESIONANTE y podría seguir puntualizando cada momento porque cada uno es mágico pero quiero que no se pierdan de descubrirlo ustedes mismos y así sentir la magia que sucede cuando hay talento arriba del escenario.
Como dije, cada personaje tiene su propia voz, su propio cuerpo, su propia historia y todos surgidos de un solo y enorme actor. La escenografía es mínima y es totalmente suficiente, diría más, que es utilería, que entra y sale de la mano del sirviente, que habla en alemán, sólo y como protestando, es increíble
El vestuario es simplemente una camisa grande color nude y no necesita más, todo su talento hace el resto. Lo acompaña en cello Claudio Peña, acentuando los momentos fuertes, importantes y violentos con su bella música (original) y con un talento exquisito. Audivert además es el autor de esta versión para un solo actor de la tragedia del genial Shakespeare, pero también es el director. Tres en uno, y uno mejor que otro. El escenario del teatro Metropolitan es grande pero a este enorme actor no le queda grande, él sólo en escena habita el espacio con soltura, con profesionalismo y con un talento increíble. Estuvo mucho tiempo en el Centro Cultural de la Cooperación con localidades agotadas siempre y ahora pasó al teatro Metropolitan que seguro seguirá agotando sus localidades.
No se pierdan esta master class de actuación, no se pierdan de ver a un enorme y talentoso actor, no se pierdan esta versión de un Macbeth para un sólo actor porque un solo y enorme actor es un montón de personajes a cada cual mejor.
Gracias señor Pompeyo Audivert por una noche a puro talento, la magia se produce y salí plena.
Actuación, dirección y versión para un solo actor: Pompeyo Audivert Música y cello en vivo: Claudio Peña Asistentes: Mónica Goizueta, Marta Davico, Verónica Costa, Iván Altschuler Producción ejecutiva: Mónica Goizueta, Marta Davico Vestuario: Luciana Gutman Diseño de luces: Horacio Novelle Escenografía: Lucía Rabey Fotos prensa: Santiago Martinelli Diseño/Redes: Verónica Costa, Micaela Borlasca Foto afiche: Bernabé Rivarola
Contradicciones humanas en relaciones humanas. Matrimonio y roles de género. Maternidad, paternidad e infancia. Pérdida, justicia y arte. (Pará un poco Justine, me vas a matar!)
Las cosas no son lo que parecen. Y no lo digo como un cliché, lo digo de la forma más alejada de Hollywood posible. Justine Triet no quiere mostrarte algo para que un plot twist te deje con la boca abierta tras el impacto. Las cosas no son lo que parecen porque lo que percibimos de la realidad es tan sólo una parte de la misma, una pequeña e imparcial pieza de una fragmentada verdad, la cual puede ser, y seguramente sea, tendenciosa y sesgada.
Anatomía de una caída. Sí, pero también anatomía de un matrimonio. Sí, pero además la caída de un matrimonio. Porque para la directora, aunque haciendo un thriller judicial siempre tuvo claro lo importante que era el vínculo entre Sandra y Samuel.
“Había una vez un erizo que se sacó todas sus púas para no herir a su pareja que no era un erizo. Ahora al mirar su reflejo, no puede reconocerse a sí mismo.”
Justine Triet, nos trae con su cuarto largometraje, Anatomy of a fall, su mejor película hasta el momento, y digo que es la mejor de su filmografía hasta el momento no porque no me hayan gustado sus anteriores películas, que sí me gustaron y mucho, sino porque confío en que esta aún joven autora nos dará grandes obras en los próximos años y décadas. Luego de La Batalla de Solférino de 2013, Victoria de 2016 y Sibyl de 2019, Anatomía de una caída no es solamente un thriller judicial, es EL thriller judicial, y aunque no soy un especialista en el subgénero, no recuerdo ninguno mejor en lo que llevamos de siglo.
Lo que hace Justine Triet tanto en dirección como en el guion (escrito junto a Arthur Harari) es realmente excelso, no hay una sola escena que no aporte al crecimiento de la obra, no hay una línea de diálogo de más, ni de menos. Crea personajes realmente brillantes, excelentemente pensados con diferentes matices y aristas. Para ponerse de pie y aplaudir.
Si quieren cine con mujeres protagonistas, reales, complejas y de varias dimensiones sólo dejen que las mujeres sean quienes escriban y dirijan las películas. Ya tuvimos suficientes femmes fatales e indefensas mujeres que necesitan ser rescatadas. La directora escribe un personaje que Sandra Hüller, dándole su impronta, potencia interpretándolo a la perfección. En especial porque al enfrentarse al caos que está atravesando (como suelen ser los personajes femeninos en los guiones de Triet) no lo hace sumisamente, se da el lujo de no ser una víctima más, no es la víctima perfecta, no se la pasa llorando para que le crean pero tampoco es la heroína ideal, tiene bien ganado el derecho a ser una mujer imperfecta a los ojos de la sociedad.
«En un juicio, cuando hay una mujer y no hay evidencias, inmediatamente sacan su vida privada, su vida sexual, sus hábitos, y lo hacen desde una aproximación que no es neutral.» Responde la directora. «Fue provocativo hacer a Sandra una mujer dominante. Pensé que era interesante mostrar que cuando las mujeres están en esa posición, son mucho más criticadas por la sociedad. Al mismo tiempo, como es una novelista de éxito, todos podrían verla como una presencia amenazante.» Afirma Justine.
El cast creo que no podría ser mejor para cada personaje, Sandra Hüller digna de Oscar en el papel de Sandra Voyter; Milo Machado Graner es el hijo, Daniel; Swann Arlaud es el abogado defensor, Antoine Reinartz ocupa espléndidamente la figura de un odioso fiscal; Samuel Theis es el difunto marido Samuel. Y no quiero dejar afuera a Jehnny Beth, Camille Rutherford y a Messi. Así es, la película es tan buena que hasta Messi da una brillante actuación, dándonos una de las mejores y más tensas escenas, pero ese Messi no, estoy hablando del perro que interpreta a Snoop y que su nombre real es por nuestro 10. No es un chiste, el perro Snoop tiene escenas impactantes y relevantes para la historia, me parece increíble.
Volviendo con la autora, es necesario un párrafo aparte para lo tremendamente bien utilizado que está el fuera de campo y aunque lo implementa en más de una ocasión hay una escena clave donde Triet decide mostrarte lo que creemos que ocurre pero hasta cierto punto y deja a tu criterio, y el de los personajes el resto. Sublime. La puesta de cámara es tan sobria como admirable; al igual que el montaje, cada corte está realmente donde tiene que estar.
¿Ritmo lento? No, para nada. RITMO PERFECTO. Que la película no se apresure en avanzar a donde tu ansiedad quiere que llegue para que te escupa una explicación ya masticada de lo que pasa no significa que sea lenta. Justamente de eso trata, de que el espectador vea cual juicio las evidencias que hay, y también tenga en cuenta las que no; pero puede suponerlas, aunque nunca sepa si son verdad o no. Y repito, justamente de eso trata la película. No quiero hacer citas textuales para no spoilear pero uno no debe ‘fingir’ su posición antes de estar seguro de algo, ni demostrar seguridad cuando tal vez no la tenga completamente; pero sí tiene que decidir inicialmente de qué lado está en lo que cree, aunque viva con la duda de si es o no su creencia factiblemente una verdad absoluta, probablemente no. En palabras de la directora, «Esta película trata sobre la verdad, la imposibilidad de capturarla y de que es una construcción”. ¿El último plano de la película? CINE. Así como lo hace el tribunal con el juicio, la autora con la obra y el espectador con su opinión; la realidad es una construcción (social).
Y aunque podría seguir analizando esta obra, también podemos comentar por fuera de lo que es, el porqué Anatomy of a fall como drama judicial es un rotundo sí y Oppenheimer es un decadente no. Podríamos citar a la directora por lo menos 10 veces más. Con dichos como, “Soy bastante tímida, y cuando sos tímida y hablás, tenés que hacerlo con fuerza. Respaldo mis palabras, pude triunfar gracias a un sistema de financiación cinematográfica que es la envidia del mundo. Quiero decir, protejamos eso y pensemos en las futuras generaciones de cineastas”. Y también hilarlo con la incógnita sobre la presunta disputa que tiene Triet con el ambiente de cine francés que cometió el, para mí, grave error de no elegirla como representante de su país para la nómina de Mejor Película Internacional para los Premios Oscar.
Ahora sí, para finalizar volvamos a lo importante. Lo mejor de la obra, donde cada apartado podría tranquilamente ser lo mejor de casi cualquier otro film del 2023, es que el lúdico debate, interno o con otros, de la pregunta ¿Fue un accidente, fue un asesinato o fue un suicidio? No es lo más importante de la película. Y con una historia tan atrapante, que la respuesta a la pregunta del detonante no sea lo principal, no sea con lo que nos quedemos solamente, hace a Anatomy of a fall aún más brillante. Pero para quienes quieren saber un poco más, aunque insisto que no es necesario, la directora dijo que decidió precisamente que pasó con Samuel, pero ese es su secreto y que tal vez revele su versión dentro de 10 años, aunque remarcó que cualquiera sea la respuesta, Anatomía de una caída trata acerca de aceptar y poder vivir con la duda.
¿Qué pensarías, si una noche al dormir, te aparece un hombre fuera de todo contexto del sueño y no hace nada… Absolutamente nada? Y que este hombre se aparezca a varias personas más en distintos lugares y países y haga exactamente lo mismo.
Esto es Dream Scenario, la nueva película de Nicolas Cage, que aparte de actuar es productor de esta misma. La película se centra en un hombre común y corriente, un simple profesor de colegio que lleva una vida ordinaria y cotidiana como todos. Pero de un momento a otro y sin explicación alguna comienza a aparecer en los sueños de las personas.
Lo raro. Es que no hace nada en los sueños, absolutamente nada, solo aparece y nada más y ahí comienza una vertiginosa historia que te atrapa y te mantiene atento a las situaciones que pasan.Mientras pasan los minutos, la película te sube en un vaivén de emociones; te ríes, te hace pensar, te emociona y por, sobre todo te hace sentir extraño por momentos.
Nicolas Cage se come la película; su personaje es sublime, memorable y épico. La fotografía es buena al igual que soundtrack y el resto de las actuaciones son excelentes.
Está película promete ser clásico en todo su esplendor. Y Nicolas Cage vuelve a demostrar que está a la altura de interpretar cualquier personaje y hacer que las situaciones vividas sean tan cómicas y sublimes como únicas. En 101 minutos que dura este drama cómico queda demostrado que quedará entre las películas de culto y favoritas del público.
El pasado 10 d enero, presenciamos el reestreno de la comedia musical: El funeral de los objetos. Esta obra, dirigida por Nicolas Manasseri y María Fernanda Provenzano, es un disparador de estímulos constantes como las luces, la música en vivo, las coreografías y las voces de los actores que desempeñan un talento increíble tanto en lo vocal, así como en lo teatral.
Esta comedia disfrazada de musical o viceversa, analiza las relaciones entre los sujetos y los objetos, a los que les damos afecto e importancia, porque depositamos algo de nosotros mismos en ellos. La terapia de un grupo de desconocidos con historias tragicómicas se desarrolla mientras un pianista toca en vivo las diferentes piezas musicales que colaboran con la construcción de los personajes.
La obra muestra lo que un objeto puede obsesionar a una persona, como un bien material crea tantos sentimientos y condiciona el comportamiento de los personajes en su vida diaria. Un objeto puede representar miedos y frustraciones, los cuales intentan ser superado en este funeral en donde las lagrimas son solo por las risas.
La obra fue nominada a los Hugo en el 2022, a los Estrella de Mar en el 2023 y ganadora como «mejor comedia musical» en los premios Luisa Vehil 2022.
La cuarta temporada, tendrá lugar en el Paseo La Plaza y las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro Av. Corrientes 1660 y plateanet.
«EL FUNERAL DE LOS OBJETOS»
Libro – Idea Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano
Música Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano
Elenco: Eugenia Fernández – Fernanda Provenzano – Nicolás Manasseri – Victor Hugo Araguas – Martina Alonso – Matias Zajic – Rafael Escalante – Daniela Rubiatti
Covers: Christian Edelstein – Nicolás Hernán Quaglini – Alejandra Oteiza – Estefania Alati – Nicolle Scher
Pianista: Facundo Cicciu
Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ
Diseño de Vestuario: La Costurera Teatro
Diseño Gráfico: Mariano Morelli
Fotografía: Fiorella Romay
Asistente General: Aldana Alessandroni
Prensa: BMZ Comunicaciones
Coordinadora de Prensa: Vero Larrea
Dirección Musical y Arreglos Musicales: Facundo Cicciu
Coreografías: Fernanda Provenzano
Dirección de actores – Puesta en escena – Dirección General: Nicolás Manasseri
PRODUCCIÓN GENERAL: PHEPANDÚ
EL FUNERAL DE LOS OBJETOS
DURACIÓN: 80 MINUTOS
Desde el 10 de enero 2024, todos los miércoles a las 20 hs.
Sala Pablo Picasso – Paseo La Plaza
Av Corrientes 1660 – CABA
Entradas en la boletería del teatro y en Plateanet
La obra del griego es un caso aparte dentro del cine. Su forma de contar historias no es algo a lo que el espectador promedio está acostumbrado. Sin embargo, la industria hollywoodense le ha dado un lugar de lujo ya que no se ve tan cohibido (como otros realizadores). Dentro de sus films, hemos visto comedia negra pero esta vez parece ir más allá de todo. Ya en los trailers y afiches podemos percibir que estamos un estilo cine muy clásico. ¿Estamos ante otro gran tabajo?
Bella es una joven revivida por un científico ambicioso: el doctor Godwin Baxter. Para ella todo es nuevo y constantemente siente curiosidad por aprender de lo que la rodea. Cuando conoce a Duncan, un perverso abogado, ambos hacen un recorrido por varios continentes por lo que la muchacha empezará a comprender su sentido de la vida.
Aunque la sinopsis parezca no ofrecer sorpresas, les aseguro que las hay. El enfoque que el realizador le da nos hará, no sólo ser parte de la aventura de Emma Stone, sino también nos dará una caricia a las almas cinéfilas. Nos encontraremos con un surrealismo extravagante en el que podemos sentir estilos y aspectos de otros trabajos y autores como: «El Barón de Munchausen» de Terry Gilliam, algo de lo clásico de Tim Burton; encuadres coloridos y casi irreales como los de Wes Anderson, con cierto dejo del sucio ‘gore’ estético de cintas de la «Hammer».
El trabajo de Stone es colosal. Se sabe que es una gran actriz. Muchos lo pudimos notar desde sus inicios en largometrajes como «Easy-A» o «Supercool». Se entrega de lleno a esa experimentación que necesita para el rol. La temporada de premios ya arrancó y arrasa por donde pasa. Basada en el libro de Alasdair Gray y con guión de Tony McNamara, la fusión de este guionista con la intérprete nos da grandes cosas. Más si sumamos el talento del autor que nos trajo «The lobster». Todos fueron parte de «La favorita» (donde hay algo de ese tono y humor).
Un párrafo aparte también son Willem y Mark, cumplen de sobra con una increíble labor. La contención y el conflicto que requiere la protagonista. Visualmente es soberbia; hasta lo más artificial se siente más real que casi todos los efectos digitales de las grandes producciones de Hollywood. La ganadora del «Léon de Oro» en el Festival de Venecia es un obra difícil de digerir en una primer cita. Pero cuando reflexionas sobre ella notás la maravilla del séptimo arte que es.
Ni la misma Mary Shelley pudo representar a esta bella Frankestein, dotada de las mejores partes de una industria que parece podrida pero aún queda una gran inteligencia y amor por lo que esos retazos le da vida a este valioso espécimen.
Basada en el corto homónimo (Night Swim) del mismo director de este largometraje, Bryce McGuire. Una peli que hace agua cuando tiene que justificar su existencia pero con algunas cositas para destacar.
Una de terror en el agua, ya sé, estás pensando que ya la viste, pero no, esta es nueva. Es que el terror se lleva casi tan bien con el agua que como con los niños y los juguetes poseídos.
En este caso tenemos dos y medio de tres, ya que tenemos agua y niños en la película, y en lugar de un juguete poseído tenemos una piscina poseída.
La historia:
Una familia está buscando un nuevo hogar, ya que el padre de la familia está atravesando una recuperación lo que no le permite seguir con su ascendente carrera de beisbolista. Nada les llamaba la atención hasta que ven una casa algo abandonada pero si con una importante piscina en el patio trasero.
Deciden que esa opción sería la mejor ya que podría hacer allí su terapia acuática, rápidamente la familia se adapta a su nueva realidad, el padre se recupera rápidamente y los chicos y su madre disfrutan la pileta buscando cosas bajo el agua.
Pero tanta felicidad no puede ser para siempre, y comienzan a ver cosas oscuras debajo del agua cristalina, quizás la misma oscuridad de sus propias almas.
¿Qué me gustó?
Lo mejor son las actuaciones, son actores que están emergiendo. El protagonista Wyatt Russell, conocido por ser el fallido nuevo capitán américa en el universo marvel. Y Kerry Kondon, casualmente también participó del universo marvel como la voz de Friday (la que escucha ironman en su traje).
Los más jóvenes de esta familia ficticia no tienen tanta trayectoria pero se nota que pueden tener futuro, especialmente la chica más grande interpretada por Amélie Hoeferle.
El sonido también se destaca, fundamental para este tipo de pelis y ayuda con alguno de esos sustitos que le gustan a los amantes del género, aunque a veces se abusan un poco de ese recurso.
¿Qué no me gusto?
La peli hace agua (cuac) en la explicación que da del fenómeno, y cuando quiere sacar al peligro, que casi toda la peli está contenido dentro de la pileta, fuera de ese ámbito, todo se cae a pedazos.
¿Aporta algo nuevo al género?
Nada nuevo, puros clichés del género de terror que ya vimos en otras películas, incluso de algunas escenas icónicas toma demasiado prestado, estamos hablando por ejemplo de que el payaso Pennywise sacó la temporada de pileta.
¿Para quién recomiendo ir a ver esta peli?
Fanáticos del género que siempre están a la espera de algún nuevo elemento de la vida cotidiana que les dé un buen susto.
Calificación: 6/10
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