Sindicatos astrales


La revolución será de los trabajadores vivos o muertos…

¿Qué puede pasar mal en una asamblea? Pues mucho, las peleas por el control del poder y la razón serán motivos para caldear al colectivo. Quien tiene la presidencia no es precisamente la persona más justa para el cargo, sin embargo podríamos hacer una sesión astral para convocar  a quienes no están, a fin de cuentas, también tienen voz, ¿No?

»Cuenta las peripecias de un elenco de teatro universitario que es tomado, inesperadamente, por fuerzas oscuras. Algunas que parecen habitar el recinto académico; y otras, acaso más complejas, que surgen del corazón del grupo. Todas sumiendo al equipo en las contradicciones propias de la tarea artística, los deseos, la política y el poder» Esta es la sinopsis de la comedia creada por Fernando Ferrer, la misma fue parte del proyecto final de grado para la carrera de artes dramáticas de la UNA.


Con un elenco coral, conformado por jóvenes y actores con trayectoria, encabezados por Analía Ayala, Juan Uriel Dujo, Guadalupe Durante, Camila Ferro, Arturo Andrés Galacho, Lula Gonzalez, Mara Guerra, Geronimo Gutierrez, Martín JAUREGUILORDA, Alexia Martinovich y Macarena Rodriguez llega  Cuello, llega esta histriónica y divertida comedia.


La escenografía representa un teatro abandonado en reforma, los detalles están presentes y es gracias a María Guadalupe Gonzalez y su trabajo. Estos 11 actores se van a desplazar por el escenario con un ritmo acelerado y también transitando entre materia espiritual. Hay una enorme carga de comedia absurda y ocurrente, esto la vuelve simpática y es gracias al compromiso de los actores y la química entre ellos.


La Asamblea de los espíritus es un sindicato jugando a la Ouija, la rebelión del proletariado, el abuso de poder o el efecto de alucinógenos, o lo que sea. Lo que si está asegurado es la diversión plena.


Disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro El Extranjero (Valentin Gomez, 3378) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Lucha por el trono


Dentro del gran abanico de la historia universal, hay sucesos que llaman la atención por el grado de juego de poder que se genera, más en la Europa medieval marcada por la ambición, traición, sangre y familia.

¿Pueden dos personas odiarse sin conocerse? La respuesta es sí. Cuando hay grandes intereses de por medio, en este caso un trono, la sangre que ha de correrse será la necesaria. Solo hay un lugar pero el resentimiento y las presiones sociales siempre tendrán espacio. Este es el caso de la historia de «Las dos reinas», adaptación de  la obra María Estuardo de Friedrich von Schiller, la cual se resume de la siguiente manera. »Cuenta la historia de  laturbulenta vida de la carismática María Estuardo, reina de Escocia y la persuasiva Isabel I, reina de Inglaterra. Rivales en el poder y en el amor, reinas en un
mundo gobernado por hombres. Isabel inclinada al protestantismo se proclamaba como la única soberana. Por derecho de nacimiento, María Estuardo, ferviente católica, podía reclamar el trono inglés. Ambas mujeres sienten una fascinación recíproca, y solo ellas saben realmente lo que significa reinar en una tierra de hombres»


Marcelo Silgueiro es el encargado de dirigir este clásico que data del año 1800, para ello elige a las grandes actrices Victoria Aragón y Paula Cantone para interpretar  a estas primas enfrentadas por el trono.

Cantone interpreta a la cautiva pero legítima María Estuardo y Aragón a la decidida Isabel I. El primer atractivo técnico- estético de la obra es sin duda el diseño de vestuario de Claudia Abalos.  Abalos establece con suma delicadeza y detalle cómo estará vestido cada personaje, enfocando los cambios de Aragón y Cantone, aportando peso y realismo a estas figuras reales. Carla Pereyra es la encargada del prolijo diseño de maquillaje y peluquería.


Las dos reinas, cuenta con dos grandes actrices en sus hombros, ambas con personalidades opuestas e intereses en común.  Aragón y  Cantone están increíbles en sus roles, caracterizándolos de una manera prolija y dedicada y con un acto final que causará escalofríos en el público.   Las dos reinas puede ser la historia de dos mujeres enfrentadas no solo en la edad media sino en la actualidad, es un ejemplo de cómo el poder logra romper con los lazos familiares y el género.


Disponible los sábados a las 20:30 en el Teatro Multiescena. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

                                                                

Hablamos con Lourdes Varela, joven actriz de apenas 20 años, quien nos contó pormenores en las obras que participa: “Como piensan el Tiempo las Tortugas” y “Cosa Hecha”. Actualidad y sucesos de vida que tienen que ver del entrelazo de la ficción con la realidad.

         



“El teatro under es juego”, con simpleza y convencimiento, Lourdes nos resume la esencia del teatro independiente que, casi desde que tiene memoria, atraviesa no solo como pasatiempo, sino como modo de vida. El disparador fue tanto la convivencia con sus padres, donde floreaban historias y, además, el rol que el scout cumplió y lo hace en su vida, que ejerce hace ya una década. 

  Luego de pasar por escuelas como Timbre 4, hoy se forma en la UNA para cumplir a rajatabla con la denominación: actriz.

  Con apenas dos años por encima de la mayoría de edad, la joven encaja en la definición clásica, tan a veces contraproducente, donde se pronuncia, “en unos años va a estar en.…”, y la frase se completa en paralelo a alguna intuición con la mejor fe del mundo. 



–  ¿Cómo observas desde tu lugar a lo que es la estructura comercial de la actuación?


–  Cada cosa tiene lo suyo, aprendí que en todos lugares hay gente buena y mala. Creo que no hay que etiquetar en algo en que es «comercial o no», en todo hay mucho para valorar.


En “Como Piensan el Tiempo las Tortugas”, obra de Pilar Boyle (escrita por Ricardo Ryser), cumple con la labor de ser asistente de dirección, tarea dinámica que conlleva prestar responsabilidad y atención a todo un elenco, a lo que bien en el fútbol se podría denominar en el presente como «técnico alterno»; mientras que, en «Cosa Hecha», de Ignacio Torres hace de Ailín, alguien quien tiene una efervescencia particular, y que está en el medio de situaciones afectivas muy relevantes, con quien comparte empatía, como a su vez diferencias circunstanciales y viscerales.


– Sin caer en cuál te parece mejor, desde las semejanzas, ¿qué sentís que ambas tienen?


– Las dos tienen mucho desde lo vincular, cada obra tiene lo importante del recorrido de una historia que se cuenta a partir de las emociones que hay, y en el paso del tiempo… 



A lo largo de la nota, Lourdes nos hace mención al convencimiento y al entusiasmo, nos deja en claro, “no podría hacer algo que no me guste”, desde esa definición nos hace replantear sobre un sinfín de sucesos que posee a veces los trabajos, donde hay diversas correlaciones de poder que fuerzan, por distintos motivos, a dar luz verde.


– Y estás dando clases de actuación frente a cámara a niños/as entre 10 y 13 años, en el Teatro Quiron, ¿cómo lo sobrellevas?


– Se dio por un corto que dirigí en un tren de la alegría, había muchos chicos/as como extras, y ahí empezó la idea por parte del director, Sergio Albornoz. Al principio tenía inseguridades por ser chica, pero después me fui soltando. 

  Arranqué de octubre a diciembre, estoy dando con Martina Valmaggia. Y a pesar del amor al arte, lo tomo como un trabajo. Actualmente son 16 chicos/as, que bueno, por la edad me gusta mucho estar en su formación, más a esa edad preadolescente. Trató en los trabajos de que hablen fuerte, que no den espalada a cámara. 

  Me pasa que me preguntan mucho sobre como aparecer, por ejemplo, en una publicidad… Las madres sobre todo… Hace rato terminaron de ver la cuarta de «Stranger Things» y tienen esa idea dando vueltas (risas).


– La digitalización avanzó mucho, ¿te pasa a vos y en tu alrededor, de a lo mejor priorizar hacer contenido en diversas plataformas virtuales antes que estar en un formato tradicional?


– No, no me pasó. Obvio que, si tengo la posibilidad, es trabajo y lo haría. Obviamente que no reemplazaría a lo que hago, sino que lo agregaría. Lo que sí, no podría estar en un lugar que no me guste.



Conclusión


La dinámica actual de las distintas plataformas digitales de contenido, implica obtener visibilidad y deseabilidad al respecto. ¿Sea como sea? Pareciera que la actualidad, lo rebelde o innovador, sea que hace que alguien menor a 25/23 años, entre a jugar en esa liga, donde el click, tan ansiado y a veces trabajado, es democrático, pero a costa de entrar en un concepto resultadista maquiavélico.

  Con otras exigencias y prioridades, la actualidad de Lourdes toma un timón diferente, y el día a día la hace surfear una ola de distinta, de formación, donde los tiempos, la constancia y la relevancia al respecto en cada suceso, no son para nada triviales, y que, sobre todo, asume responsabilidades y las analiza como tales, y con tan solo 20 años… 

  Personalidades icónicas como Freddy Mercury, Elvis Presley y Whitney Houston, entre otras, son quienes llamaría a formar parte de una hipotética y surrealista del juego de la “única cena”, en la que los personajes plasmados, tienen en común un recorrido firmemente exitoso con desenlaces ampliamente semejantes.

  


Disponible “Cosa Hecha” los sábados a las 20 en Teatro El Brío (Avenida Álvarez Thomas 1582) y “Como piensan el Tiempo las Tortugas” – hasta el 06/09 – los martes en Nün Teatro Bar (Ramírez de Velasco 419). Escribió Nicolás Doyle para La Butaca Web

Por Diego Di Vicenzo

Un espacio de expiación, con tres niveles de altura —el del medio es la escalera, que también se utiliza. Desde arriba se ve en perspectiva, es decir, desde otro ángulo, y los textos que allí se dicen son de otro orden, casi de corifeo: se reflexiona sobre lo que pasa, se orienta con formulaciones teóricas, se invita a la reflexión.

A ese espacio llegan una serie de personajes estereotipados en algunos de sus vínculos afectivos primarios. Y esos vínculos están contenidos, pero también traducidos, en algún objeto.

Para la actuación, el objeto es siempre un talismán de apoyo para la construcción del personaje. Y en este caso particular, en el cual todos los personajes actúan con mayor o menor eficacia el cuerpo del grotesco, los objetos son, a un tiempo, un elemento de composición actoral, pero además una reminiscencia de la escena originaria, es decir, del deseo primario. Esta referencia a lo psi no es azarosa; en realidad, toda la obra es un manifiesto psicoanalítico, a veces demasiado explícito. O mejor: una lectura psicoanalítica en clave teatral porteña de seis sujetos atados a un conflicto “objetado” del cual esperan desprenderse.  Para ello contarán con la ayuda de un Virgilio-psi-gurú, que va haciendo desplazar a estos atormentados por la madre, la muerte, la ex…, por un itinerario algo dantesco, muy bien logrado con el manejo del espacio y de la luz, y en particular, por un ritmo corporal que recibe la música como un complemento natural. El mayor mérito de El funeral de los objetos es que se trata de un musical chiquito y arrinconado, pero con suma delicadeza y detalle por la voz y los movimientos. 

Muy parejo de energía, el grupo se mueve al unísono y no hay disonancias, por el contrario, se advierte un mancomunado y amoroso trabajo en equipo.