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Mafalda es un espectáculo teatral protagonizado por Celeste Campos y que desde el viernes pasado se trasladó al horario de las 22:30 en el Teatro Border de Palermo. Es un acierto el cambio de horario, ya que al aprovechar la flexibilización de las restricciones horarias, podemos disfrutar de una excelente previa de viernes a la noche a pura carcajada.
Mafalda es un monólogo creado por la misma Celeste Campos, dónde interpreta a una mujer de 80 años pero con una vitalidad mayor de quién les escribe de 30. Para no andar contando todo lo que sucede en este relato, vamos a decir que nos cuentan la gran gira que se mandó nuestra protagonista. Una salida en la que conocemos anécdotas que incluyen sexo, drogas, música y disparatadas situaciones. Si, la locura la sentimos desde un principio, el espectador también es participe del show, ya que si queremos se nos permite grabar para subir alguna historia o interactuar con la misma Mafalda.
La obra tuvo un cambio de horario y consigo un cambio de espacio. Pasando de la tradicional sala de teatro, a un salón del mismo teatro, donde se ofrece una experiencia más descontracturada. Con la posibilidad de pedir una picada y algo para tomar, somos los amigos de Mafalda a los que nos va a contar su alocada anécdota.
Mafalda es un espectáculo que se disfruta de principio a fin, es un monólogo que no se priva de lo políticamente incorrecto y con ellos nos regala muchas risas durante la velada. Mafalda es bastante guaranga, pero tiene un gran carisma para hacernos reír mucho en un viernes a la noche, y así olvidar los problemas de la semana.
Mafalda está disponible los días viernes a las 22:30 horas en Border Teatro (Godoy Cruz 1838). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web
¿Qué tan malvado puede ser el humano?, ¿Nacemos o nos hacemos personas oscuras?
Son preguntas que la sociedad y la ciencia intentan explicar, ¿Qué pasa por la mente de una persona cuando asesina? Hay casos que dejan conmocionada a la población, hoy en día se registran en los archivos criminales y en las manchas históricas oscuras de una localidad.
»El pasado y los pensamientos nocturnos se entrecruzan en un viaje interminable. Un relato que gira en círculos hipnóticos en un intento feroz por sobrevivir al silencio. La violencia machista y la incapacidad de huir de las propias limitaciones brotan con el sudor de un cuerpo eufórico y abatido. Lo que se oculta y no se dice. Lo que no sucede y se inventa. Chancho está basada en un suceso real ocurrido en Córdoba Capital. el primer caso caratulado como “femicidio” en esa ciudad. La obra recompone de manera ficcional la biografía del asesino sin dejar de lado aquel hecho brutal y aberrante.» Es la sinopsis de la obra de Agustín Meneses, la cual dirige Mercedes Jacobo.
Javier Medina se pone en la piel de este femicida, lo vemos en ropa deportiva moviéndose por todos lados y jugando una pirámide de aluminio, nos lleva hacia lo más profundo de la psiquis y somos testigos de los orígenes de la maldad de su personaje.
Tal cual como si estuviéramos en un episodio de la serie de David Lynch »Mindhunter», quedamos horrorizados ante el perfil psicocriminal del personaje, todo esto gracias a una buena actuación de Medina, que va desde la inocencia en primera instancia hasta ir descendiendo hasta lo más oscuro.Vamos construyendo los hechos en base a la información dosificada.
Los relatos criminales vistos desde la perspectiva del quien lo comete suelen ser interesantes pues no buscamos empatía, queremos conocer el porqué, hay una cierta morbosidad casi innata hacia la maldad ajena y sobre chismear cada detalle de los hechos. El texto de Agustín Meneses nos da esos recursos con este monólogo bien ejecutado y perturbador, donde una canción de Sumo nos hará no hablar de ciertas cosas.
Chacho está disponible los viernes a las 21 horas en el Teatro La Gloria (Yatay 890) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La historia ha retratado de manera injusta a Juana I de Castilla (alias La Loca), su escepticismo religioso y el amor fueron la condena que la llevó a más de cuarenta años de encierro, cuestionando su cordura, incluso hoy en día. La sucesora del trono de Castilla pagó las consecuencias de sus decisiones en vida, los historiadores hacen revisión de los hechos, ¿Estaba Juana realmente loca?
»Juana La Loca es una épica romántica sobre una de las mujeres más famosas de la historia. Su prisión durante más de cuarenta años fue su paraíso, pues allí voló un alma pura rodeada por la crueldad y la ambición de los hombres. Traicionada por su padre, su marido y su propio hijo, Juana La Loca no es un unipersonal. Se trata de una magnética obra en donde esta convive con su madre, Isabel La Católica; su nieto Felipe II su incondicional Leonor y fundamentalmente, con el causante de su supuesta locura: Felipe El Hermoso. Juana La Loca habla de la locura del amor no correspondido. De las brutales pasiones del poder, y de la magia del deseo fabricado.» Es la sinopsis del texto de Pepe Cibrián Campoy, monólogo lírico dirigido por Ana Padilla.
Una silla antigua, una sólida y segura actriz reflexionando luego de un sueño, al despertar hablará consigo misma y sobre sus deseos. Su madre, su esposo y su familia serán aquellos quienes hablarán con ella durante su cautiverio. María Seghini da potencia a este monólogo, su actuación es asombrosa, potente e histriónica. Durante 80 minutos mantiene el ritmo, su voz no flaquea al usar el texto cortesano y poético de Cibrián, memoriza cada línea sin titubear. se demuestra una habilidad que solo da la experiencia para conservar la voz y que esta no se quiebre.
Seghini, nos hace entrar en la cabeza de Juana de una manera en la que podemos ver otra versión de este personaje histórico, no desde su locura sino sus pensamientos reales, su visión disruptiva para aquella época hacia la sexualidad, el amor, la corte real y Dios.Juana La Loca es la versión que necesitamos de Juana I de Castilla, una mirada profunda, poética de una mujer condenada por la historia.
Juana La Loca está disponible los jueves a las 20:30 en el Patio de actores (Lerma 568) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Encontrar una pequeña joya es un valor en sí mismo. El momento impetuoso de tener entre tus manos un objeto que genera valor por el mero hecho de existir, por ser eso mismo, genera un atisbo de satisfacción más allá del valor que le asigne la sociedad. Y es nuestro buen deber el de apreciar una joyita en nuestras manos, con sus óxidos y sus brillos. Diría que Glyph trata sobre eso mismo; ¿cuánto valoras obtener una pequeña joya? ¿Cuánto tiempo emplearás en ese coleccionable sin valor, pero que te dará gran satisfacción al obtenerlo?
Glyph es un sencillísimo juego de plataformas tridimensional donde el control lo es todo. En él, seremos un mágico escarabajo que rebota entre plataformas para alcanzar el final de distintos niveles, ganar carreras y obtener coleccionables, todo ello sin poder tocar la arena. Es un juego centrado en el apartado jugable, así que hablaré de él lo último.
Desgraciadamente, no puedo saber si el juego tiene historia, ya que un error en la traducción me impidió leer ni una línea de texto, pero por suerte no parece tener ninguna relevancia. Completaremos distintos niveles para ir desbloqueando nuevos templos y áreas de un nexo común. Es un juego arcade de accesibilidad, donde las fases de juego se abren a medida que obtengamos los coleccionables. Creo que el escarabajo mágico que nos acompaña sí tenía algo que decir, pero de nuevo, me lo he perdido…
Gráficamente es vistoso, con un aspecto desértico muy llamativo, sin necesidad de unos altos gráficos. Su paleta es muy variada, pintando cuadros de dunas en diferentes posiciones solares, muy agradable a la vista, por lo que cumple. Jugablemente, el escarabajo se controla sorprendentemente bien. La única manera de alcanzar las lejanas y complejas estructuras en las cuales saltamos es dominando las tres mecánicas de movimiento; salto, rebote y vuelo, aprovechando todo lo que nos brinda el escenario y la combinación de todas ellas para movernos libremente. Es como ir en bici; al principio te mueves con mucho cuidado y prontamente comienzas a volar y aterrizar sin detenerte siquiera. En ese sentido, es un buen juego, pero algunas cosas necesitan pulido. La dificultad se regula poco, teniendo fases muy sencillas junto a carreras demasiado complejas que no he podido ganar, o plataformas muy muy lejanas que requerían demasiado dominio.No es que sea injusto, pero no organiza bien sus exigencias. Aparte de ello, algún clipeo nos harán caer en la arena y sin mencionar algún que otro bug existente.
En general, es un juego aceptable que se puede jugar sin mucho problema, pero se torna algo repetitivo y quizá incluso tedioso tras repetir muchas veces el mismo nivel.
Hoy nos metemos al emparrillado, armamos la formación de escopeta y nos aventamos un pase de touchdown, en pocas palabras, jugamos NFL 2022 para PS4, y aquí les cuento cuales fueron mis impresiones; ¿vale la pena comprarlo o solamente es un upgrade de roster en la franquicia?
Madden es una de las franquicias mas respetadas en la historia del deporte. En esta edición 22, EA SPORTS busca un cambio interesante y relevante con respecto a otras entregas, es decir, busca que ésta sea mas que un simple update común, y aunque no sea un avance totalmente grande en esas cuestiones, EA SPORTS logra hacer algunos cambios notables en la parte del gameplay, con algunas adiciones interesantes al modo más querido en esta franquicia, que es justo el modo Franquicia.
Desde su presentación, Madden NFL 22, es un juego con un aspecto gráfico sobresaliente, punto que nunca ha sido discutible en la franquicia, por lo que nos brinda una experiencia de juego única en la parte visual. Cada aspecto del emparrillado, así como cinemáticas en las que vemos a jugadores, staff y oficiales, están cuidados de manera meticulosa y son sin lugar a dudas aspectos sobresalientes de la experiencia de juego, pues aprovechan cada detalle para maximizarlo y regalarnos una experiencia completa.
Pero hablemos de lo realmente importante; el gameplay. EA no hizo grandes adiciones en modos de juego, y prefirió definir y pulir aspectos de los modos que ya se tenían. En este aspecto no te recomiendo que esperes un gameplay muy diferente, en cuanto a que botones usar o como defender o atacar. Las mejoras se ven reflejadas en el sistema y la fluidez del uso de cada botón, así como en las coaliciones entre jugadores, y la experiencia general dentro del campo de juego.
Ahora…el punto prometido en esta ocasión es el de un gameplay más fluido y físicas mejoradas, cosa que habrá que resaltar es la mejor adición a este juego. La experiencia dentro del emparrillado es muy suave, sencilla y sin duda es un gran upgrade con respecto a versiones anteriores, por lo que, jugadores habituales de la franquicia sentirán esta diferencia y disfrutarán todavía más del juego, mientras que, nuevos jugadores tendrán una experiencia más gratificante al conocer los nuevos controles y el sentir de cada pase, jugada y cada intercepción incluso. Sin duda, MADDEN NFL 22 ofrece la entrada más friendly en la franquicia y la mejor experiencia de gameplay hasta la fecha.
Pasemos al modo más querido; franchise. Todos los fans han exigido muchos cambios para que se haga un poquito más interesante, pues cada año se siente como un “rehash” de lo que sucedió años tras año desde que empezó este modo.
Este año, se agrega la parte del manejo de staff, que tendrá cinemáticas mas realistas y aspectos completos de scouting, entrenamiento y estrategia, que la verdad aunque son mejoras interesantes, no pasan más allá de darle un poquito mas de profundidad a la experiencia al jugar franchise…se resumen a medidas únicamente superficiales que realmente no tienen un impacto más allá que hacer el modo un poquito más completo, y es que ante las exigencias de los fans, no podemos dejar de sentir que las mejoras en este modo son menores a la expectativa general a las que se decía se necesitaba, y realmente no decepcionan…pero tampoco convencen. Eso sí, gracias a la fluidez en el gameplay, el modo franquicia sigue siendo adictivo y entretenido, aunque obviamente hay muchos aspectos que todavía tienen mucho que mejorar, pues se llegan a sentir muy similares a versiones anteriores del juego.
Y la misma situación aparece en Ultimate Team y FOTF, que, aunque siguen siendo muy buenas adiciones al juego, no tienen diferencias sustanciales ante lo que se ha hecho en años pasados desde que se presentaron estos modos, por lo cual realmente no hay algo que no hayas visto previamente.
Existe un aspecto en el que sin dudas MADDEN NFL 22 se lleva el touchdown; el sonido. Sin lugar a dudas, el juego tiene una mezcla de sonido envidiable, que hace que la experiencia en el campo sea extraordinaria, tanto la narración como la parte de ambientación, son un aspecto que no tiene absolutamente ningún detalle en contra, punto contrario para el soundtrack del juego, que carece de variedad y se enfoca únicamente en géneros como el hip hop, trap y derivados, por lo que si no eres fan de ninguno de estos géneros, es muy probable que después de un rato optes por el mute en los menús.
En aspectos generales, la experiencia con el juego puede parecer casi igual a la de años anteriores, sin embargo, hay mejoras en la fluidez del juego, que hace que sin lugar a dudas esta entrada sea muy valiosa en la franquicia y se convierta en una compra obligada para fans del emparrillado. Si eres alguien que busca comenzar en este tipo de juegos, MADDEN NFL 22 es la entrada predilecta para aventurarte a probar un titulo de futbol americano, todo esto gracias a la sencillez que radica en su gameplay, para que puedas aprender cada comando con mayor fluidez.
Con bastantes cosas destacadas y otras que nos dejan bastante que desear también, MADDEN NFL 22 tal vez sufre bastante para llegar al touchdown, pero lo alcanza. Personalmente, gracias a las mecánicas mejoradas y a lo divertido que resulta jugar es un 8/10, lo que no saca la sensación de copy-paste que sin lugar a dudas, baja bastante la expectativa de este juego.
Vivir en Buenos Aires puede volverte loco, si no estás preparado para el ritmo de una ciudad grande, sea esta u otra, te puede consumir. Una vez entramos a la etapa adulta hay cosas que debemos sacrificar, una de ellas son nuestros sueños y metas, todo para poder entrar en el sistema y no quedar excluido, si no eres lo que se te indica que seas, estás expulsado. Solo sobreviven los más aptos.
»Oscuridad total, caos, desesperación voraz por lograr objetivos y alcanzar metas imaginarias. Llegar para pertenecer, mostrar para existir. El tiempo va en cuenta regresiva y Valeria, Manuel, Clara y Leo están muy apuradxs por llegar… ¿A dónde? Ni ellxs lo saben.». Así describe su obra Jowy Sztryk, la cual también actúa. ¿Para cuándo el hijo?, ¿Para cuándo la novia?, ¿Para cuándo te recibes?, ¿Para cuándo el trabajo?. Para cuando eres lo que queremos que sea. Parte de las preguntas que pondrán presión a estos personajes. La presión es el factor será el energizante de La carrera.
La increíble escenografía de Vanesa Abramovich asemeja a una ciudad caótica como la vida de estos personajes, rojo neón el color que forma el cuadrado donde estos estarán encerrados e intentarán escapar, un reloj en cuenta regresiva nos hace pensar que la obra va a explotar. El diseño de luces de Fer Provenzano es el plus necesario para introducirnos en este estrés personal, todas estas emociones y elementos son ejecutados en la magistral dirección de Fernanda Provenzano. Martina Alonso, Alejandro Monetta, Jowy Sztryk, Agustín Vera son los encargados de interpretar a estos neuróticos personajes consumidos por el estrés, las demandas sociales y la presión de alcanzar el éxito. Estarán en constante movimiento, trote y montados en la carrera donde uno de ellos logrará tener lo que desea (o no).
Sin Fernanda Provenzano y su dirección esta obra pudiera haber salido mal debido a su hiperactividad, gracias a ella no fue así. El producto se disfruta pero sobre todo se siente y nos identificamos, porque ¿Cuántas veces nos han exigido que seamos aquello que no queremos ser?
La carrera: No es lo mismo respirar que seguir, está disponible los miércoles a las 21 en el Método Kairós (El Salvador 4530) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Leonardo «Tusam» es hijo único del reconocido mentalista e hipnotizador Juan José Tusam (1932-1999), famoso gracias a sus numerosas apariciones en la televisión argentina desde mediados de los ‘60s, y de quien fuese su mujer y asistente escénica, la «sugestiva Zulma». Siguiendo el legado de su padre desde niño, Tusam (hijo) hoy cuenta entre sus méritos ser el anfitrión del programa «Super humanos» en el canal History Channel además de tener una fuerte presencia en redes sociales: lleva un canal de Youtube, un podcast en Spotify («Tusam medita») y en su cuenta de Instagram, donde se anuncia como hipnotizador y coach, le siguen más 24 mil personas.
En la noche del pasado martes 24 de agosto, presentó su espectáculo unipersonal «Puede fallar» en el Teatro Nacional Seguros de la calle Corrientes con una sala prácticamente llena, salvo por los protocolos covid.
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La velada comienza con Tusam dando unas palabras de bienvenida y luego rememorando sus comienzos ayudándose de un video proyectado en la gran pantalla que hace de fondo de escena. Allí muestra el registro de su primera presentación televisiva en el programa «Finalísima» (año 1990), cuando con apenas 16 años intentó hacer un truco que consistía en encerrarse en un barril lleno de agua, donde debía permanecer la mayor cantidad de tiempo gracias al control mental. Lamentablemente el truco salió y tuvo que ser auxiliado para no ahogarse: ese fue el suceso que da pie al título del espectáculo; «Puede fallar» fue el comentario hecho por su padre en aquel momento.
Acto seguido comenta el origen del sobrenombre «Tusam», explicando que es un acrónimo de las palabras «técnica», «unción», «sabiduría», «amor» y «mística» y que este representa su filosofía de vida, iniciada por su padre. De ritmo ameno, Tusam guía a la audiencia a través de un recorrido anecdótico a partir de sus propias experiencias y aprendizajes. Insististe en que el hacer constante es la clave del éxito y que si bien a veces «puede fallar», el truco consiste en seguir intentando; o en otras palabras, que «querer es poder».
En varias oportunidades el showman pide voluntarios de la platea que lo ayuden a demostrar sus trucos (la cama de clavos, la hipnosis conjunta, el cuerpo «duro», la conductividad lumínica) y también se toma un momento para guiar una meditación conjunta que sirve como «invitación a conectarnos con nosotros mismos y recuperar nuestra respiración como guía para transformarnos y despertar nuestro poder personal», tal como reza el programa.
El público ríe y acompaña el espectáculo, que por momentos adquiere un tono nostálgico, cuando Tusam habla de sus inicios o de su familia. Hábil manejando a la audiencia y con una puesta simple apoyada por la técnica de luces, sonido y filmación en vivo, mantiene la atención de grandes y chicos a lo largo de la hora y media que dura el show. Espectáculo recomendado para toda la familia, especialmente para aquellos que siguieron las hazañas de padre e hijo en televisión y también para aquellos valientes que deseen tomar parte de algún ejercicio de hipnosis.
Porque con un título así de cool me niego a decirle JUSTICIA IMPLACABLE…
Guy Ritchie es uno de mis directores de cine favoritos. Su cine de crimen europeo tiene una estética que debería ser mas tomada en cuenta a la hora de catalogar clásicos. Entre sus mejores obras se encuentran REVOLVER y SNATCH: CERDOS Y DIAMANTES, ambas protagonizadas por Jason Statham, actor estrella de éste nuevo film. Otros títulos dignos de ser vistos son JUEGOS, TRAMPAS Y DOS ARMAS HUMEANTES con Sting en el reparto, ROCKNROLLA y la reciente LOS CABALLEROS. El cineasta no solo alcanzo su cumbre de popularidad al casarse con Madonna, sino que se codeo entre grosos en Hollywood haciendo las dos películas de SHERLOCK HOLMES protagonizadas por Robert Downey Jr, una versión moderna de EL REY ARTURO (que ni siquiera recuerdo el título, pero actuaba Jude Law como villano) y, la peorcita de su carrera, ALADDIN live action para Disney. Sacando las de Holmes que me gustan bastante su paso por el cine pochoclero fue mas mediocre que otra cosa. Había momentos en donde el director intentaba meter su estilo pero quedaba forzado, el contraste entre las exigencias de un estudio y la visión fuerte del cineasta era notorio e incomodo, como si se pudieran escuchar a los productores dando órdenes detrás de cámara. WRATH OF MAN es una remake de la película francesa de 2004 THE CONVOYEUR, la película se divide en capítulos y cuenta con una narrativa atrapante y cargada de giros que convierte una trama de venganza simple en un viaje violento por el mundo de los camiones blindados.
La trama sigue al misterioso H (Jason Statham), un hombre silencioso que consigue laburo en una empresa de transporte de dinero golpeada por un sangriento asalto que dejo a dos choferes muertos. En su primer día el protagonista se ve envuelto en otro asalto en donde deja a todos anonadados con sus habilidades … Pero con el tiempo nos iremos dando cuenta que no todo es lo que parece. En el reparto encontramos a Scott Eastwood, Josh Harnett, Holt McCanally, Jeffrey Donovan y Niamh Algar.
Se puede percibir que Ritchie decidió enfocarse mas en darle una narrativa interesante a la trama que hacer del film una locura visual como la que nos tiene acostumbrados, y viendo el tipo de historia que la película tiene debo decir que fue mas que acertado. Ritchie como guionista es igual de brillante que como director y la forma en la que WRATH OF MAN delega el protagonismo entre Statham, Eastwood y Donovan mediante capítulos (una onda muy Tarantino o, viniendose mas a la actualidad y salvando las distancias, ZACK SNYDER,S JUSTICE LEAGUE) es mas que acertada. Hace que la película no caiga en los cliches del cine de atracos, brindando giros buenisimos e inesperados. Quizás uno de los defectos es que se torna algo confuso los desordenes cronológicos que hay que en la historia, pero a la larga uno se termina poniendo en tiempo y lugar.
Las actuaciones no brillan en lo mas mínimo, pero funcionan. Todos cumplen bien su rol sin hacer grandes espamentos … Pero convengamos que tampoco es necesario mandarse una actuación Shakespearieana en un proyecto hecho para subirnos la bilirrubina a tiros. El mejor es Donovan como el líder de la banda de atracadores, personaje que cuenta con un trabajo de humanización muy rico dentro de su simpleza.
WRATH OF MAN es cine comercial de buena calidad, digno de ir a verse a una sala de cine.
El océano es un lugar vasto y profundo. En la profundidad de sus aguas, donde la luz no llega, se esconde infinidad de secretos que el ser humano aún no logra conocer. Del mismo modo es el corazón de las personas, que esconde infinidad de secretos en lo más profundo de su ser.
Marina Lamarca nos devela los secretos (pasando de lo oscuro del océano a un color más bien verde agua) que yacen en la vida de las cinco mujeres más importantes de Carlos Almada, candidato a Gobernador en la provincia de Entre Ríos y dueño de un imperio de embutidos.
En esta oportunidad tuvimos el agrador de ver esta tragicomedia interpretada por Sol Agüero (Vero), Anabella Aisenberg (Toni), Agusta Bermudez (Mabel), Ayelen Garaventta (Victoria), Lili Popovich (Alicia). Una obra que nos lleva a conocer secretos nefastos detrás de la vida un hombre a través de la vida de las mujeres cercanas a él. Nos lleva a la reflexión no solo sobre las cosas que puede ocultar una figura pública, como un político, sino también a como las personas de su entorno se ven ligados o arrastrados a cualquier camino que tomen.
Una obra bien desarrollada, desde el punto de la actuación como también en la parte de la iluminación que acompañaba cada parte de la trama, sumando así momentos divertidos y cómicos para el espectador en gran parte de la obra, así como también otros no muy divertidos.
Esta pequeña reseña no busca otra cosa que expresar el agrado que generó verla e invitar a otros a que la vean, sin ánimo de hablar mucho sobre lo que pasa en la historia, pero sí debo decir que la obra te deja una buena experiencia teatral.
Verde agua se presenta los sábados a las 20 horas en Teatro Border (GodoyCruz 1838). Les escribió Guillermo Benites para La Butaca Web.
La evolución y cambio del formato físico de los videojuegos a un mercado digital, ha marcado en la última década a la industria de desarrollo independiente. De forma continua aparecen en el mercado nuevos títulos con presupuesto reducido, que cuentan con la ventaja de no tener que rendir cuentas a fondos inversores todopoderosos.
Gracias a esta libertad, pueden aparecer títulos con mecánicas originales y novedosas, que a veces pueden resultar en un videojuego divertido, o en cambio puede ser tedioso o aburrido.
Jupiter Hell es, desde luego, algo fresco hoy en día. Volviendo a las mecánicas de los roguelike más clásicos, el título de ChaosForge te pone en la piel de un trabajador de Jupiter, en un mal momento para ser un trabajador en Jupiter. La estación ha perdido el control frente a hordas enemigas que se abren paso por todos los niveles de la base, sin dudar en aniquilar a cualquier desgraciado que se cruce en su camino. Claramente inspirado en títulos como Doom, Jupiter Hell te hace recorrer distintas zonas terraformadas de este gigante gaseoso, desde una vista isométrica que recuerda a títulos de finales del siglo pasado.
Jupiter Hell intenta traer lo mejor de ambos mundos: coger las mecánicas de los roguelite actuales, mezclarlas con un sistema de combate tipo RPG clásico y obtener de la fusión un roguelike muy característico. Y lo consigue, pero el precio a pagar es no terminar de abrazar ninguno de los dos géneros de forma muy entusiasta. El título se define como un roguelike con un sistema de turnos. Al igual que en un combate clásico, cada personaje y enemigo tiene su momento de realizar una acción, salvo que en este caso, el reloj sólo avanza cuando actuamos nosotros: moverse, atacar, usar algún objeto o realizar cualquier otra acción provocará que el resto de enemigos del mapa también se muevan, algo que recuerda a títulos como SuperHot. Una vez que te acostumbras a este sistema de combate, encuentras peleas fluidas que puedes librar de la forma que tú quieras, gracias a la variedad de armas, granadas y habilidades.
Pero hasta el momento en el que te conviertes en uno con este sistema, esa fluidez queda lejos de tu alcance y te encontrarás con combates toscos, los cuales pueden acabar contigo en cuestión de segundos, resultando en una entrada muy dura para nuevos jugadores.
Respecto a la integración del RPG en el título, los distintos personajes suben de nivel conforme sobrevives a enfrentamientos y descubres secretos. Con cada subida de nivel, aumentarán tus estadísticas básicas, y podrás distribuir un punto en las distintas habilidades, que dirigirán el como quieres resolver los combates. Desde mejorar la probabilidad de impacto crítico con un fusil a transformarte en un berseker con un bate de beisbol, Jupiter Hell permite convertir tu personaje en lo que tu quieras.
Cabe recordar que el título es un roguelike, esto significa que cada vez que presionemos el botón de jugar, empezaremos una nueva partida, desde 0, y el único progreso que nos llevaremos de una partida a otra será el mejorar nuestros conocimientos sobre el sistema de juego, la zona y los enemigos.
En conclusión, Jupiter Hell es una apuesta muy original y algo arriesgada, que gustará a todo aquel que disfrutó destrozando demonios en marte y jugando con Cloud en los 90. Si no tienes muy claro si el título va a gustarte, es posible que no sea para ti. En caso de encontrarlo en una oferta por menos de 5€, es una compra recomendada.
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