REBORN (2018 – Estados Unidos) – 80 min – Director: Julian Richards / Elenco: Bob Bancroft, Chaz Bono, Barbara Crampton // Crítica: CJ COLANTONIO.

Ésta película de terror clase B con diálogos torpes, repetitivos, y con actuaciones para nada plaucibles, no es otra cosa que una idea malograda de Carrie o Llamas de venganza (Firestarter), aquella película con una pequeña Drew Barrymore, y ambas adaptaciones de Stephen King.

Aquí, la historia se centra en una actriz que sueña con ser dirigida por Peter Bogdanovich, pero que arrastra una especie de depresión hace dieciséis (16) años cuando tuvo un parto donde su hija nació muerta y que pareciera que para lograr ése papel, como también encaminar su carrera, tiene que reconciliarse con ése pasado justo ahora.

Excepto por eso, la historia es comparable a Bárbara Crampton, quien dejó de ser llamada luego de protagonizar un extensa lista de películas de terror, principalmente en la década de los años ochenta (80) y noventa (90).  Es más es muy posible que haya querido ser otro tipo de actriz donde su director sea alguien como Bogdanovich. Participó en la película “Doble de cuerpo” de Brian de Palma.

Paralelamente, la supuesta hija muerta aparece a buscarla.  Sí, es algo que sucede al inicio de la película. En la morgue cae un rayo de una tormenta eléctrica, que llega al caño de un mueble metálico y chispea la cuna del bebé muerto que RENACE, de ahí el título.  En fin, en vez de llamar a la madre o avisar a alguien, un enfermero que le gusta sacar fotos a cuerpos cocidos de mujeres, una especie de prestador de cuerpos para necrofilia, se lleva a la niña a su casa para que le haga la comida y termina abusando de ella.

Lo que sigue, es obvio.  Dieciséis años después, escapa, comete crímenes porque tiene poderes telequinésicos, en específico, puede controlar la electricidad con su mente y de ahí entra Michael Paré que es el detective que se ve involucrado.

Éste tipo de películas forman parte de “Buenos Aires Rojo Sangre”, el único festival especializado en cine fantástico y bizarro que se hace en Argentina, que se centra en producciones independientes y de bajo presupuesto, y que se comenzó a desarrollar hace 19 años.  Una oportunidad para salir de lo habitual y que no se verá en otro momento.

Se extiende hasta el nueve (9) de diciembre en los Multiplex Belgrano y Lavalle con entradas.  Mayor información en: http://rojosangre.quintadimension.com

COMO LA VIDA MISMA (Life Itself) escrita y dirigida por Dan Fogelman. Distribuidora “bf-Distribution” // Crítica CJ COLANTONIO.

Dos generaciones de familias unidas por la tragedia, y cómo más allá del entendimiento de ésa fragilidad, la búsqueda del ser humano sigue siendo el amor que puede coincidir en la existencia de nuestros progenitores.  Un relato un tanto antojadizo –a menos que se piense en que la autenticidad del pasado no pueda sino llevarnos de nuevo al germen de ese sentimiento tan puro.

En el comienzo cuenta con actuaciones de medio pelo de Oscar Issac, Olivia Wilde o Annette Bening que desarrollan unos de los cinco capítulos que arman la película, pero que más tiene que ver en una fallida estructura de los primeros diálogos donde se abusa de la información, como también del ritmo o los pulsos dramáticos (beats) que retrasan lo importante.

Sin embargo, a partir de la segunda historia todo mejora considerablemente.  El guión se arma de una manera coherente y juega con diferentes enfoques del relato, como los que alguna vez nos regaló la maravillosa película de Tim Burton “El gran pez”, algo así como que la vida es como la contamos, importa poco cómo sucedió.

Los diálogos parecen escritos por otra persona y aunque algunos pueden parecer un poco golpe bajo, están sustentados por enormes actuaciones, como un desafiante monólogo de Antonio Banderas quien demuestra que los años en esta profesión no son en vano; y que se complementa con la talentosa actriz –también española- Laia Costa, la de la famosa película alemana “Victoria”.  

La película tiene una intervención de Samuel L Jackson.

Si te interesa este tipo de estructura en las películas, te recomiendo CRASH del años 2005 que dirigió Paul Haggis y que fuera ganadora del Óscar a mejor película y que trata de las tensiones raciales que involucran a varios residentes de Los Ángeles.  Otra es Magnolia de Paul Thomas Anderson, quien ganó el Oso de Oro en Berlín en el año 2000. La última y menos conocida es “Short Cuts” de 1993 de Robert Altman.

(Calificación 7/10)

Por Alina Spicoli

En las buenas y en las malas

“Familia Al Instante” (Instant Family, 2018) es una comedia dramática dirigida por Sean Anders (Guerra de Papás 1 y 2), el cual también se encargó del guión junto a John Morris. Protagonizada por Mark Wahlberg y Rose Byrne (Buenos Vecinos, Peter Rabbit), el reparto se completa con Isabela Moner (Transformers: El Último Caballero), Gustavo Quiroz, Julianna Gamiz, Octavia Spencer, Tig Notaro, Margo Martindale (Hannah Montana: La Película), Julie Hagerty, Allyn Rachel y Jody Thompson. La cinta está basada en las propias experiencias del director, que junto a su esposa Beth decidió adoptar a tres niños.

Pete (Mark Wahlberg) y Ellie (Rose Byrne) son una pareja que se dedica a remodelar casas. Al comprar una nueva que luce abandonada por dentro, los dos comienzan a limpiarla y pintarla, pero por más linda que esté quedando ellos no sienten que su matrimonio sea completo. Al visitar una página web sobre chicos en adopción, Ellie le plantea la idea a su marido de dar ese gran paso. Luego de muchas charlas y dudas, Pete y Ellie se acercan al establecimiento donde las trabajadoras sociales Karen (Octavia Spencer) y Sharon (Tig Notaro) les brindan información sobre el proceso de adopción. En una especie de “feria de niños”, la pareja conocerá a Lizzy (Isabela Moner), una adolescente de 15 años que los impresiona con su carácter. La joven no viene sola ya que tiene a dos hermanos pequeños llamados Juan (Gustavo Quiroz) y Lita (Julianna Gamiz) y no es recomendable separarlos. Embarcados en esta nueva aventura, Pete y Ellie intentarán establecer un lazo con los chicos.

Estamos ante una de las gratas sorpresas del año debido a diferentes motivos. Por empezar, el filme de Sean Anders tiene un ritmo que se mantiene durante todo el metraje, logrando que para el espectador sea muy sencillo empatizar con los protagonistas desde el principio, lo que nos lleva a interesarnos por lo que les sucederá. El guión es otro de los puntos fuertes de la película: casi ni hay malos chistes, lo que da como resultado que la cinta sea un festín de situaciones graciosas. En cuanto a las partes dramáticas, éstas están tan bien llevadas que el paso de la risa a la emoción llega a darse de forma totalmente natural, lo cual también tiene que ver con las buenas actuaciones del reparto.

Pero por sobre todo, el mayor logro tiene que ver con la notoriedad de que el filme es el proyecto más personal e importante del director, un hombre que sabe de la temática porque la vivió en carne propia. Así es como Sanders se anima a exponer las falencias que existen en el juzgado, los prejuicios en forma de comentarios hirientes por parte de los familiares de la pareja protagónica, la realidad latente de que a los adolescentes casi nadie los desea acoger por ser “más complicados” y cómo la hermana mayor muchas veces es la que sin tener opción debe tomar el rol de madre sin estar preparada.

La película no tiene miedo a la hora de mostrar lo difícil que es para los padres adoptivos el no saber con certeza si definitivamente se podrán quedar con los niños o la enorme tristeza que se siente al verlos felices con su madre biológica. Por otro lado, el día a día en la casa de Pete y Ellie está súper bien retratado ya que queda claro que las discusiones, gritos y caprichos serán moneda corriente en las primeras semanas.

“Familia Al Instante” se convierte en una de las mejores comedias familiares por su frescura, dulzura y la capacidad de conexión que genera con el espectador. Entretenida y emocional, es imposible que esta historia no te llegue al corazón.

Puntaje: 8,50

EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA (First Man) dirigida por Damien Chazelle con guion de Nicole Perlman y Josh Singer, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong de James R. Hansen. // Crítica de CJ. COLANTONIO.

Desde un primer momento la película nos presenta a un hombre que -en soledad- debe tomar decisiones en las peores circunstancias -en específico- encerrado en una máquina de prueba con grandes probabilidades de perder la vida.

La película en sí habla de todos los riesgos que un ser humano toma para llegar a algo que es superior a uno, desde la cantidad de muertes en pruebas que suceden alrededor de éste sueño, como un discurso de Kennedy del 25 de mayo de 1961 sobre el porqué ir a la luna.  En ése instante, reafirma algo que es muy importante para su sociedad y que -desde mi punto de vista- tiene que ver con pensar en grande, de alguna manera rechaza los pensamientos mediocres, en contracara a un país que elevaba los impuestos.

“Nosotros elegimos ir a la luna, no porque sea fácil, sino porque es difícil, porque ésta meta, servirá para organizar y probar lo mejor de nuestras energías y habilidades (…) lo haremos primero, antes que termine esta década y porque debemos ser audaces.”*

No tiene nada que ver a un país como el nuestro que aunque tuvimos un presidente que nos habló de la estratósfera, lo hizo con menos elegancia y confundiendo los actos heroicos.

Ésta es una película que habla sobre ésos actos heroicos porque el conflicto no es en específico con una persona, es con una sociedad y con nosotros mismos; justamente para que el cambio de paradigma se produzca.  Por eso es tan importante ganar un mundial de fútbol en nuestro país, o tener un Maradona, porque de alguna manera nos hace creer en nosotros, y lo capaces que podemos ser como nación.

Aún así, sigue siendo un misterio si realmente se fue a la luna o Stanley Kubrick nos hizo una extraordinaria pantomima que varios se llevaron a la tumba porque entienden que podrían aniquilar lo más importante en una nación, que sería el pensamiento sobre sí mismos.

Si no, analicen.  Aunque la misión Apolo 11 es la más conocida y recordada, después del 20 de julio de 1969, el hombre ha pisado la luna sólo en cinco ocasiones más; y la última hace 46 años.  Éstas son: Apolo 12 (1969), 14 (1971), 15 (1971), 16 (1972) y 17 (1972). Como dato adicional, han sido 18 los afortunados astronautas que han llegado a la órbita lunar en éstas seis misiones.  Sin embargo, de todos ellos, solo 12 consiguieron pisar la Luna, pues siempre debía haber un astronauta orbitando alrededor de la Luna en la nave de regreso.

El otro conflicto, tiene que ver en cómo recuperarse de la muerte de un ser querido (no contaré más para NO SPOILEAR, aunque sucede en los primeros 10 minutos) y cómo cada uno se transita el duelo.

Otro revés dentro del relato es la incógnita, no sólo de saber si van a poder llegar a la luna, sino si iban a poder regresar; y la manera de resolverlo en familia se produce con una pregunta de uno de sus hijos, algo que me pareció forzado.  Investigando encontré una entrevista de sus hijos –a quienes los consultaron por dos años para la escritura del guión- donde confirman que eso no fue así porque tenían alrededor de 5 y 12 años respectivamente, y lo veían con cierta ingenuidad.

Sin embargo, pese a los tics constantes que le encuentro a Ryan Gosling, sus hijos reconocieron estar satisfechos con la representación de su padre.

Ésta es una adaptación de Nicole Perlman y Josh Singer, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong de James R. Hansen que trata sobre la preparación de la misión espacial a la Luna Apolo 11 que se produjo en el año 1969 y que desde mi punto de vista, es un relato psicológico que logra un eficaz equilibrio entre algo de la vida personal del astronauta que pisó la luna y la difícil misión.

Puedes ver una crítica de video en el canal de YouTube de la Butaca Web o Instagram.

*(Discurso Kennedy 25/05/1961: https://www.youtube.com/watch?v=po7scJhJMfs)

(Calificación: 8/10)

ALGO CELOSA (Jalouse), dirigida por David y Stéphane Foenkinos con Karin Viard (La familia Bélier, Delicatesen) – Crítica por CJ. Colantonio.

Los hermanos Foenkinos se unen en la dirección para adentrarse en el mundo femenino -como uno de ellos ya lo demostró y con creces en “La delicadeza”- del cual tienen un avezado conocimiento.  Su interés radica en las oportunidades que le ofrece una mujer que ronda los cincuenta y que lidia con la inevitable transformación que sucede cuando se adentra en la menopausia.

El título es una ironía, porque para ella éste momento se manifiesta así, pero tiene que ver en cómo una persona se acepta así misma y más en estos tiempos donde hasta las actrices de cincuenta años parecen olvidadas.  Para ello, los guionistas, eligen a una profesora de literatura, para dotarla de un lenguaje inteligente y en primera instancia la enfrentan a su hija de dieciocho años que además es bailarina de ballet.

Con la soberbia interpretación de Karin Viard (La familia Bélier, Delicatesen), el relato se arma con minuciosidad para no caer en el cliché misógino que juzga sin piedad a la mujer como una neurótica y amargada; y convierte las conductas tóxicas en graciosas.  Es una estrategia arriesgada para que el público caiga en la trampa de juzgar al personaje al límite de rechazarlo, pero comprenda en carne propia, la lucha de una mujer en esta situación.

(Calificación: 7.5/10)

NUESTRA HERMANA MENOR (Unimashi Diary) de Kore-Eda Hirokazu (selección oficial de Cannes 2015 y Premio del Público en el Festival de San Sebastián 2015) – Crítica por CJ. Colantonio.

Del mismo director “De tal padre, tal hijo” llega de manera tardía “Nuestra hermana menor”, una película que es su segunda adaptación de un manga japonés galardonado en 2013 (lo había hecho antes con Air Doll) y que en esta ocasión mereció el Premio del Público del Festival de San Sebastián en 2015 y fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes ése mismo año.

La película cuenta la historia de tres hermanas que tras la muerte de su padre, conocen a una media hermana de catorce años, y juntas aprenden el reto que merece vivir en un hogar con padres ausentes, pero no carente de luz y respeto, algo que la cultura japonesa tiene arraigado en su cultura.

Las actuaciones de las cuatro actrices que retrataron a las hermanas asombran por su realismo y la complicidad que logran entre ellas, a tal punto que fueron premiadas o nominadas en los premios de la Academia Japonesa.  Además de las cuidadas composiciones, el color, y los árboles de cerezos, que invitan a una experiencia visual, la película nos habla de la importancia de la aceptación y el perdón, y colocan a este director asiático como imprescindible.

Este año fue el primer director asiático en ganar la Palma de Oro en Cannes con “Un asunto de familia”.

(Calificación: 8.5/10)