Crítica: La Bestia Invisible

La Bestia Invisible es una obra de estados y de sombras. Las sombras se manifiestan tanto físicamente, con efectos lumínicos mediante celulares, pero también desde el discurso de cada personaje, proyectando la sombra de los recuerdos que aqueja a cada uno y que abraza en oscuridad su presente.  El tono lumínico y la música ambiental proponen un estado de ensoñación, o vulnerabilidad, que discurre a lo largo de la obra, acompañando los relatos que cada uno de los personajes comparte al espectador.

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Acá estamos todxs. Siendo esto que somos. A veces hay certezas que nos llegan en forma de sueño y a ella le pasó muchas veces. A otra le parece horroroso ser quien es… mira como desde el fondo de un pozo y no se le ocurre nada más. También hay un chico que tiene grabada en el hueco de su mano la palma de su abuelo y una chica que tiene al suyo en un cuaderno. ¿Alguien se imaginó a sus abuelas y abuelos siendo niños? Ella sí, los ve andando huérfanos por las calles devastadas por la guerra. Está el que afirma no saber que hace acá, él mismo se recuerda a un cuento que leyó de chico y la que descubre que a veces no somos lo que parecemos y se ve reflejada en una lagartija; otro que era buenísimo haciendo las vueltas de carnero en el colegio y la que piensa que olvidar sin querer es como estar a punto de desaparecer… y el último que sabe, y que se atreve a confesar que no sabemos cómo terminar.

Hay un comienzo sugestivo. Un ventanal está ubicado de cara al público, y a través de este se puede ver a distintos individuos bailando en lo que parece una fiesta rave, todos bailan con las linternas de sus celulares. A medida que la música empieza a decrecer, los personajes se acercan al ventanal, y todos juntos terminan por abrirlo para quedar de cara al público. Ahora que la puerta se abre, la palabra también.

Los personajes no resuenan por sí mismos, por sus características. No hay tantas descripciones de su personalidad, sino un discurso en común en cada uno, y tiene que ver con los miedos que los aquejan en un presente donde impera la incomunicación, las redes sociales y las extravagancias tecnológicas.

Memorias de sus abuelos, o la nostalgia de la niñez son algunas de las añoranzas en común de estos individuos que dejan entrever sus pensamientos más personales. Cada uno pareciera tener la convicción, contraria a Spinetta, de que todo tiempo por pasado fue mejor.

La iluminación es simple pero hermosa. Una lámpara de color azul que predomina en la escena, otras con iluminación más cálida, y celulares que los personajes se llevan a los rostros, para así, bañarlos de luz. El efecto que se produce parece más un artificio cinematográfico que teatral, lo cual en vez de restarle al clima de la obra, termina por hacer todo lo contrario, funciona perfectamente.

El uso de los celulares es un recurso interesante, teniendo en cuenta los temas que se ponen en juego. Los celulares tienen a uso práctico la función de realizar llamadas, pero los otros usos que se le dan terminan por alienarnos. Acá, las linternas de los celulares bañan de luz a seres que se encuentran hablando desde lo profundo de sí mismos. Un objeto que suele ensimismar a las personas, termina reforzando la exposición de estas.

Se escucha música ambiental y melódica tocada por los propios actores y que abre paisajes al escucharla. Junto a la iluminación, conjugan una puesta en escena en pos de la nostalgia y los recuerdos, la memoria en sí.

El protagonista de esta obra, como lo indica el título, no se puede vislumbrar en escena, pero si su sombra, que se hace presente gracias a estos personajes que nos transmiten sus inquietudes, que nos hacen sentir a la bestia invisible.

Las funciones se realizan los días Sábados a las 22hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Alvarez Thomas 1582

El Valor de las entradas es de $150 (entrada general) // $120 (estudiantes y jubilados)

 

 

Dramaturgia: Nayla Pose

Textos: Nayla Pose, Mariano Saba, Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló Muñoz, Pipo Manzioni

Actúan: Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló

Muñoz, Pipo Manzioni

Diseño Grafico: Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

 

 

David Ainstein

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Reseña: La noche a cualquier hora

La noche a cualquier hora nos transporta a un mundo erótico y poético. La escenografía, la iluminación y el saxofón en vivo de María de Vittorio nos introducen en una  esfera fuera de lo cotidiano. Por todos los sentidos nos aborda la sensualidad, sobre todo en la  concatenación de las palabras y en la entonación de los personajes. Todo nos habla del Eros.

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La puesta en escena de Mariano Dossena está hecha sobre poemas de Patricia Díaz Bialet, los cuales adaptó junto a Gustavo Pardi. Un poema se sucede a otro conformando una obra de ensueño. La versatilidad de Gustavo Pardi es admirable, encarna diferentes personajes muy diferentes el uno del otro. La entonación de Ana María Cores, ese decir poético, es formidable y la sensualidad de Florencia Carreras hacen  que la obra adquiera mucho dinamismo.

Nos perdemos en espacio sin tiempo, en un infierno de la sensualidad.  Los personajes se reúnen en torno a un sillón rojo de terciopelo desde el cual desplegaran sus historias, a veces amados, otras amantes. Pero siempre atrapados en los recuerdos del erotismo.

Las poesía evoca a un cisne blanco y nos induce por momentos al juego de las metáforas que nos recuerda  modernismo. Por otros momentos se torna a lo narrativo y a lo anecdótico.

El vestuario es decoroso, elegante y llamativo. Los tres actores saben llevar muy bien el espectáculo, con una fuerte presencia escénica y un increíble manejo de la sensualidad y el humor.

 

Ficha Técnica 

Autor: Patricia Díaz Bialet

Selección y Adaptación: Mariano Dossena y Gustavo Pardi

Elenco Ana Maria Cores, Florencia Carreras, y Gustavo Pardi

Músico en escena (Saxo): María de Vittorio

Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni

Realización Vestuario: Claudia Olivera

Música Original: Gabriel Senanes

Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo

Tecnico Grabacion More Fernandez Nuñez

Iluminación: Estudio Del Bianco

Iluminador Asoc: Martin Fernandez Paponi

Fotografía Fuentes2Fernandez

Diseño EN Diseño

Asistencia: Gabriela Genni, Emilia Nudelman, Natanael Fernandez

Producción Artística: Pablo Silva

Dirección: Mariano Dossena

DOMINGOS 19 hs TEATRO CC COOPERACION– Av Corrientes 1543 Buenos Aires / Entradas por Alternativa Teatral

 

 

Mhoris Emm

Crítica de teatro : Lobería

Lobería es una ciudad de Buenos Aires, a unos 450 km de la capital. Allí
sucedieron los acontecimientos, los cuales la obra toma como disparador. Pero Lobería puede ser cualquier lugar del suburbano, o de la periferia capitalina, de ciertas zonas del país o … algún lugar en el profundo interior de nosotros.

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Lobería alude a una entidad con connotaciones salvajes, ululante de sentidos, estados de nocturnidad incontrolada, un bañado espectral inmerso en luz lunar y aullidos… Algo de ese bestiario relata la obra de Pablo Cernadas. Soledad y su hija Nancy, esperan a Pastor, marido de una y padre de la otra, a que salga de prisión, lugar que ocupa en lugar de Momo, su socio delincuente. A Pastor le tocó perder y de alguna manera, cierto código delictivo, él lo acepta.
Momo, narco barrial, se encarga de la protección de su familia. Pero Momo
protege y también abusa, es tan generoso como brutal manipulador. Soledad intuye (o sabe) el tipo de relación que el delincuente propone a Nancy, su hija con retraso madurativo. Todos son de avería, Soledad lo es, pero Nancy es un ser inocente en el más amplio sentido de la palabra. Pero Soledad protege la inocencia de su hija o hay algo más ancestral en juego? El caso es que le pide a Pastor que mate a Momo y tome su lugar, como antes. En tanto Rulo, recogida de pequeña en las calles por Momo, e instigada a ser policía para su posterior utilización, es parte del asunto de ese mundillo delincuencial.
La obra tiene hallazgos, como la escena del sueño de Pastor, que alude a
inquietudes y dudas del personaje, que los actores resuelven con creatividad y
desenfado. También la introducción, con Soledad/Lobo en la pantalla, preludia e interroga sobre lo que vendrá.
Con buenas actuaciones, Elvira del Pilar (como Nancy) y Micaela Moyano (como
Rulo), sobresalen por el eficiente dibujo de sus personajes.
La iluminación utilizada con un criterio de puntuación escénica, realza el relato.
Tal vez, algunos ajustes en ciertos monólogos (con menos funcionalidad y un pathos más sutil) y el final (hay un dispositivo que produce una tautología
innecesaria. Y es de reflexionar si suma que canten), servirían a una mejor
narrativa del espectáculo.

Inreresante propuesta teatral

Estreno: viernes 25 de agosto, 23:15 hs.
Funciones: viernes, 23:15 hs.
Lugar: Espacio Del Borde (Chile 630. San Telmo)
Entrada: General $200-. Descuento a estudiantes y jubilados, $150-.
Reservas: 4300 6021

FB: Lobería Obra de teatro
Instagram: @loberiateatro
Twitter: @TeatroLoberia
Web: https://www.hacemosteatro.com/loberiateatro
 
Ficha artística y técnica:
Elenco: (por orden de aparición Grupo Teatral Lado B).
Tamara Mesri, Elvira del Pilar, Pablo Cernadas, Micaela Moyano, Fernando Iglesias.
Puesta en escena y movimiento: Carlota Berzal
Realización gráfica y video: Federico Tarántola
Vestuario: Lara J. Cendoya Yussem
Música: Diego Chicou
Foto: Mariana Bellone
Máscaras y objetos: Valeria Dalmon
Asistencia de dirección: Elvira del Pilar
Prensa: Octavia comunicación 
Libro, dirección y producción general: Pablo Cernadas

 

A. R Belano

 

 

Reseña: Así de simple

“Así de simple” es una obra escrita y dirigida por Sofía González Gil, perteneciente a una familia de artistas que se evidencia en su métier tanto como en la ficha técnica de la obra. Es una obra de una temática cotidiana (esas pequeñas delicias de la vida conyugal) pero realizada con recursos estéticos que la hacen original, como la utilización de 3 actrices y 3 actores para interpretar sólo 1 rol femenino y 1 masculino (la pareja).

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En mi opinión, dos claras influencias pueden leerse en esta obra. La primera es una lucha freudiana entre los aspectos del sí, como si fuera una personificación del súper-yo y el ello en su constante desafío al yo.

Otra posible intertextualidad, ya más generacional, es la influencia de “Intensamente”, el film de Pixar que nos sorprendió a todos cuando salió por su entretenida manera de retratar lo intrincado de la mente humana.

Esto de que las relaciones no son tan simples se explicita en la construcción desordenada del tiempo (flashbacks y flashforwards) y en el recorrido espacial de los personajes que entran, salen, van y vienen. De esta manera, el desdoblamiento de los personajes y el uso del tiempo y del espacio redundan logrando coherencia en el mensaje, antitético con el propio título de la obra, lo cual cierra el círculo de la coherencia perfectamente en un guiño humorístico. El dinamismo de la obra es funcional al humor, ya que está repleto de gags y situaciones cómicas tanto verbales como físicas que la tornan increíblemente entretenida.

Sea como sea, sabemos que las relaciones humanas son complejas y nuestras decisiones son el resultado de una lucha de poderes entre lo racional y lo emocional. Lo difícil es lograr el equilibrio y que éste persista en el tiempo. O mejor dicho imposible, en cuyo caso lo único que resta es vivir. Así de simple.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

 

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

Reservas por Alternativateatral.com

 
Por Sol Grunschlager.

Reseña: Una fuga de agua

Si tienes hermanos sabes lo cercano que pueden ser, pero al final, como son humanos como todos, y como todo humano tiene su vida, con un tiempo de separación, o a veces no tanta, pueden convertirse en completos extraños. Algo parecido pasa en la casa de la mamá de los hermanos Susana, Ana, Claudia y Sergio.

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Luego de muchos años sin saber uno del otro los hermanos se reúnen otra vez en la casa de crianza, donde en una noche todos esos años que fueron huecos se llenaran de secretos y confesiones que se guardaron por tanto tiempo.

 

Durante toda la noche no hay ni un momento de descanso, tú como espectador sabes que aun faltan muchas cosas por decir entre ellos, se nota en sus cuerpos, se nota desde las palabras que parecen que tienen puntos suspensivos donde si despejas la mirada y regresas puede que te hayas perdido todo.

 

Debo aplaudir a Gota (Gonzalo de Otaola), director y dramaturgo de la pieza, por su primera obra. Desde las palabras se ve el trabajo de los personajes, cada voz está tan clara que es imposible confundirlos así sea con los ojos cerrados. Y conociendo tanto los personajes desde la dramaturgia no es raro que el escritor haya decidido también dirigir su primera pieza para terminar de moldearla.

 

La dinámica grupal que Gota logró hacer se nota a leguas. Cada uno de los actores mantienen su tensión, su secreto, su confesión, no sólo en su cabeza como texto, pero también en su cuerpo como una verdad que no es necesario que estén parados en el reflector central para ver qué les pasa por todo su ser.

 

Definitivamente todo el elenco de esta obra desde Gota hasta el iluminador tocaron un techo que estoy segura que pueden pasar y estaría agradecida de ver cómo llegan más alto.

 

Bravo.

 

Ficha técnica

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces:Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Espacio Callejón Humahuaca 3759 C.A.B.A.

Funciones: VIERNES 20:00 hs.

Entrada General $200.- / Descuentos  Est. Jub. $160.-

RESERVAS: Alternativa Teatral

Facebook: https://www.facebook.com/fugadeagua/

 

Ariana Marín

Crítica: La pasión según Lorca

Federico García Lorca (1898 – 1936), español, granadino, poeta, dramaturgo. Amigo de Buñuel, de Dalí, de Rafael Alberti, de Manuel de Falla, de Pablo Neruda. Escribió “Romancero Gitano”, “Bodas de Sangre”, “Yerma”, entre otros bellísimos textos. Alguna vez caminó estas calles de Buenos Aires.

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En la escritura de Lorca la sangre bulle, se convierte en denso cuerpo de acción.
El deseo la seduce, la encabrita como un toro brioso. Y es el deseo lo que subyace
en lo profundo, también en la superficie, en la saga de las Alba.
Bernarda Alba se convierte en viuda por segunda vez, se recluye, y con ella a sus cinco hijas, imponiendoles un luto cerril y asfixiante. Está prohibido que salgan de la casa, está prohibido el contacto con hombres, que se vistan sin luto, en suma: está prohibido el deseo. ¿Es posible cortarle las alas al deseo?
La figura de Pepe el Romano, con su sensualidad omnipresente, actúa como
catalizador de los conflictos en juego, un revulsivo, el perfecto enemigo que da la talla, para enfrentar el orden establecido por la rígida Bernarda.
La obra, escrita en 1936, fue estrenada en Buenos Aires en 1945. Establece un
claro paralelo con las ideas políticas en la España de los ´30. Y avizoraba la brutal guerra civil en ciernes y posterior dictadura de casi 40 años.
La puesta en escena está diseñada sobre la estructura narrativa del texto lorquiano, extrapolando escenas y personajes, e intervenida con fragmentos de poemas y prosa del granadino.
Con buenas actuaciones, sobresale Fernando Atias, como el presentador/narrador, ora personajes de la obra, ora tramoyista en escena, o el propio Lorca. Su trabajo se destaca.

La escenografía es despojada y con pocos dispositivos, criteriosamente
utilizados por los actores. La música en vivo permite un mayor lucimiento del elenco e induce al espectador a adentrarse en el espectáculo.
F.G.L. dijo una vez en un reportaje: “El mundo está detenido ante el hambre que asola a los pueblos. Yo lo tengo visto. Van dos hombres por la orilla de un río: uno es rico, el otro pobre. Uno lleva la barriga llena, el otro pone sucio el aire con sus bostezos.

El rico dice ¨Qué barca más linda se ve por el agua! Mire ud. El lirio que florece en la orilla!¨ Y el pobre reza ¨Tengo hambre, mucha hambre¨. El día que el hambre desaparezca va a producirse en el mundo la explosión espiritual más
grande que jamás conoció la humanidad…
Ese hombre, Federico García Lorca, fué arrastrado a la vera de un camino, una
madrugada de 1936, y fusilado. Por homosexual, por querer que no haya hambre, por poeta, por su alegría, por su limpia mirada, Federico, fue fusilado.
Junto con un maestro y dos banderilleros. Señoras y señores: es un texto de García Lorca, rindamos los honores a uno de los nuestros.

Ficha técnica:

Dramaturgia: María Inés Azzarri, Mariela Maehokama, Carolina Baigorria

Elenco: Mariela Verde, Eloísa Colussi, Fernando Atias

Música original y en vivo: Alberto Jiménez

Iluminación: Ariel Bottor

Gestión operativa: Cecilia Pérez Declercq

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa y difusión: Kazeta Prensa.

Fotografía: Karina Macchioli.

Realización de vestuario: Allegra Dee

Diseño gráfico: Verónica Martorelli

Dirección, puesta en escena y vestuario: María Inés Azzarri

Funciones: Domingos 21hs . Espacio No Avestruz (Humboldt 1857)
A. R. Belano

Reseña: Mex en “Que mundo idiota”

Hemos tenido el placer de asistir al nuevo espectáculo conducido por Mex Urtizberea, llamado Que mundo idiota. El artista nos ofrece un concierto con todas las canciones de su disco Mua, sumado al humor que le caracteriza al personaje, brindando una relajada y entretenida noche de música,  monólogos y mucho humor.

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La gente no sabe lo difícil que es la vida de los artistas.

Todo el glamour que suponemos hay en la vida de una estrella de la música se viene abajo cuando de su mano recorremos las dificultades que vive un hombre en busca de su sueño.

Por eso, Mex en este espectáculo nos muestra lo dificultoso de llevar a cabo nuestros sueños en este mundo idiota.

5 musicos y un comandante bastan para realizar un show donde el humor es el plato principal de la noche, no nos engañemos, este show es un concierto en el que Mex Urtizberea presenta la música de su disco, pero ofrece mucho más que eso. El artista ha hecho de su vida un personaje , y ese se encuentra en la sala del picadero para deleitar al público con las historias que compuso, acompañadas de delirantes y muy cómicas anécdotas entre tema y tema .

Podemos decir que mex ha hecho de este show algo muy personal, si bien nos encontramos en una amplia y reconocida sala como la de el picadero, esto se puede trasladar a cualquier bar o sitio donde podemos disfrutar de algo íntimo,  musical y bien relajado. El público acompaña con cada risa y aplauso,  se nota que existe cierta complicidad con el humor característico del personaje. Eso hace que se transmita en toda la sala ese ambiente de alegría y disfrute, además de ser parte de cada historia que son parte de las canciones presentadas.

Como algo personal, me toca admitir que conozco poco sobre el trabajo de Mex , lo he visto algunas tiras televisivas (ejemplo Graduados) y como parte del programa Pura Química,  más allá de eso desconocía su carrera musical pero me ha llegado a sorprender como combina su histrionismo y humor a la hora de tocar en un escenario frente al público.

El protagonista de la noche trata de realizar un acting, una parodia sobre el poder de las productoras musicales y demostrar sobre lo bueno que es venderse a estas grandes empresas. Daniel Casablanca es el encargado de la dirección del show, la idea al parecer ha sido darle teatro al espectáculo,  y ha sido un gran acierto, sobre todos para aquellos (como en mi caso) que son ajenos a este tipo de conciertos. Se le da la posibilidad a Mex de que se pueda manejar con total libertad, el público quiere verlo siendo el mismo y es eso todo lo que ofrece.

Que mundo idiota es más que un show musical, es una divertida velada en la que Mex Urtizberea nos regala al público brindando todo su humor y las historias que han sido parte de su vida , contadas a través de la música.  Ánimos para quienes quieran pasar una noche relajada y entretenida en la sala del teatro picadero.

Ficha técnica:

 

Mex Urtizberea.

 

Músicos en escena:

Bajo: Hernán Segret.

Guitarra: Paco Leiva.

Batería: Agustín Leiva.

Trompeta: Leonel de Francisco

Trombón: Francisco Salgado.

 

Dramaturgia / textos: Pedro Saborido y Mex Urtizberea.

Dirección Musical: Hernán Segret.

Dirección: Daniel Casablanca.

Asistente de dirección: Guadalupe Bervih.

Iluminación: Matías  Sendon, – Adrián Grimozzi..

Vestuario: Bolivia.

Fotografía: Triana Pena.

Diseño Gráfico: Diego Heras

Prensa: SMW

Comunicación: Gustavo Passerino

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Coordinación técnica: Alberto López

Coordinación de producción: Romina Chepe

Productor General: Sebastián Blutrach

Funciones: Jueves y viernes 22.30 hs

Localidades desde $ 300.-


Morir y vivir en Buenos Aires

«Morir y vivir en Buenos Aires»  es una obra cuya dueña intelectual indiscutida es Ana María  Fontán,  quien estuvo en la dirección general, autoría e interpretación inspirada  por los grandes maestros Piazolla y Ferrer. El dueño de casa ocupado de la dirección musical  es  el maestro Julián Vat encargado de internarnos en una ex-celente selección de temas de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.

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María es una mujer cosmopolita que, luego de vivir muchos años en el exterior, emprende un viaje de búsqueda y vuelve a suBuenos Aires querido tras el llamado de Juan, su primer amor. Intentará reconciliar y sanar las heridas de un pasado despiadado y cruel sin saber que van a hacerse aún más profundas, al punto de plantearse el sentido de su propia existencia. María hará todo lo posible paravivir, o en su defecto existir y en última instancia morir en Buenos Aires. Su destino, y lo que ella hará con el mismo, determinarán su final.

 Dicho por la misma Ana Maria Fontán, al finalizar la obra, lo más importante  de «Morir y vivir en Buenos Aires» es ser uno de los primeros espectáculos de tango que desembarca en las playas del Teatro San Martín. Haciendo salvedad, de la eterna discusión con final abierto, de si  las obras de Piazolla son tango o no.

Todos los méritos de haber llegado al Centro Cultural San Martín en la Sala Enrique Muiño se lo debemos a Ana María Fontán quien le ha puesto toda la garra para lograr una obra de profunda belleza  respetando el ritmo de Piazolla y Ferrer, envuelta en una poesía sutil con voces de Pepe Cibrián Campoy, Horacio Ferrer y  Graciela Borges.

 La historia de María, contada en un estilo cinematográfico, proyectada sobre una pared, con voces en off, relata las vicisitudes de  una muchacha que regresa a Buenos Aires, luego de vivir muchos años en el exterior, encontrando el amor.

Un argumento robusto, con la asistencia de imágenes áreas (drone) de Buenos Aires que nos comprometen en dar  una mirada panorámica y que vamos bajando a partir de la historia proyectada digitalmente gracias al excelente trabajo de diseño de multimedia de Marcos Capello y Ramizo Quartz (Holographix), a partir de la dirección escenotécnica y audiovisual de Laura Vega.

Este toque de contar una historia, en el marco de la música de Piazolla y Ferrer con temas como «Balada para un loco», «Siempre se vuelve a Buenos Aires», resultan una perfecta combinación.

Tampoco  sería justo, si omitiese comentar  el gran despliegue actoral de Ana María Fontán,  con un personaje sufrido, dispuesto a todo: amar, morir  y hasta resucitar por amor, todo eso siempre en  Buenos Aires.

En la función a la que asistí, luego de recibir Ana María Fontán, un hermoso ramo de flores, agradeció por la ayuda prestada a la Fundación Piazolla quien le permitió disfrutar de estar en el Centro Cultural San Martín.  El público con los aplausos agradecimos a Fontán que hizo un merecido homenaje a los maestros Piazzolla y Ferrer.

 La obra participó en el Festival y Mundial de Tango 2017 que se celebró en Buenos Aires, del 10 al 23 de agosto de este año, en el marco de los 25 años de fallecimiento de Astor Piazzolla e inaugurando el Ciclo de Tango del Centro Cultural San Martín.

¡Qué más les puedo decir! sobre la obra,  que tocó las fibras más intimas, porque entendí ese sentimiento de quienes vuelven a Buenos Aires, en mi caso,  luego de haber vivido unos años en el interior del país, y me he puesto a pensar, si tuviese que elegir donde nacer, si pudiese volver el tiempo atrás, si tuviese que elegir una ciudad en la cual vivir, aunque a veces despotrico, me peleo con sus personajes, ciertas cosas me desconciertan, sin dudarlo, ni por un segundo,  volvería y no podría respirar en otro aire que no sea Buenos Aires. Inclusive lo afirmo a partir de la experiencia de todos los años, al irme de vacaciones, el placer de conocer otros lugares, otras culturas, pero con la seguridad de volver a mi ciudad, esa ciudad a la cual conozco,  reconozco y como todo amor, nunca se puede abandonar y de quien  me enamoro todos los días. Así que les recomendamos ir a ver «Morir y vivir en Buenos Aires» que es como pasar por el Registro Civil para confirmar los votos de amor a esta ciudad.

FICHA TÉCNICA 
 
Idea original, autoría y dirección general: Ana María Fontán
Dirección Musical: Julián Vat
Dirección escenotécnica y audiovisual: Laura Vega
Puesta en escena: Ana Fontan y Laura Vega
Coreografía: Soledad Buss
Compañía: FONTANGO
Protagonizada por: Ana María Fontán
Saxo y Flauta: Julian Vat
Bandoneón: Damian Foretic
Piano: Cesar García
Participaciones estelares: Horacio Ferrer (Voz Original/Disco Pueblo Joven) y Pepe Cibrián Campoy.
Artistas invitados destacados: Esteban Meloni, Soledad Buss, Cesar Peral yJuan Cupini.
Con invitados honoríficos de la cultura y el arte Asistencia de dirección general: Laura Vega
Dirección de arte: Catalina Oliva
mara: Nucleo Audiovisual de Buenos Aires (NABA), Cueva Producciones y Marina La Bataglia
Diseño multimedia: Marcos Capello y Ramiro Quartz (Holographix)
Postproducción: Marina La Bataglia
Diseño de sonido y puesta de video: Patricio Pierantoni
Vestuario: Laura Vega, Catalina Oliva y Pedro Muñoz
Tela seda italiana vestido final: Obsequio Sra. Laura Escalada de Piazzolla
Diseño de luces: Claudio Del Bianco
Asistente de iluminación: Martín Fernández Paponi
Maquillaje: Adrián Llamosas
Maquillaje para gráfica: Mery Pastore Camino
Peinado: Fabian Sigona
Fotografía – imágenes aéreas (Drone): Nestor Barbitta
Diseño gráfico: Martín Costas
Cuadros: Gentileza Sra. Lulú Ferrer, Artista Plástica
Colaboradores: Matías Merlos y Pedro Muñoz
Prensa y comunicación: Tommy Pashkus
Asesor de producción y comunicación: Alejandro Veroutis
Asistente de producción: Tomás Agustín Herrero
Productor ejecutivo: Santiago Pasarin
Gestión cultural: Ana María Fontán.
Apoyos honoríficos: Fundación Piazzolla, Familia Ferrer, Warner Chappell, Pichuco Records, Norma Aleandro, Academia Nacional del Tango, Centro Cultural General San Martín, Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires
Funciones: jueves y viernes a las 20.30 hs.
 
Localidades a la venta en boletería o por Tu entrada
Valor: $200 
Diana Decunto

 

 

 

 

 

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Teatro: Eureka, el grito de un conejo

Es una obra poética, con humor, amor y música, que cuenta la relación de un Conejo con su pareja el Osito. Un proceso de separación, el encuentro con su soledad, sus miedos y pensamientos.

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Un oso de peluche sentado en una silla, escucha los reproches de su pareja, un conejo que ha sido abandonado.  Conejo necesita saber si Osito lo quiere, está devastado y se cuestiona muchas cosas de la relación, necesita una explicación a este abandono y canaliza este proceso de separación como puede, mediante una descarga amorosa, preguntas existenciales, escenas de celos, bronca, angustia y música, aunque por momentos necesita que su cerebro calle.

Un absurdo, llevado muy ingeniosamente por este personaje interpretado por Sebastían Poveda quién también es el escritor de este unipersonal, que cuenta  con la participación de un León, Lautaro Mackinze (Director de la obra) quién aporta una cuota extra de humor a una obra que invita al espectador a participar, escuchar y dejarse llevar por las diferentes facetas que nos muestra este Conejo con un humor muy particular y que permite al público reflexionar sobre el amor y el presente.

A lo largo del tiempo el material fue mutando gracias a diferentes colaboraciones y diversas presentaciones en espacios nacionales (CABA, Córdoba, Rosario) e internacionales (México, Uruguay).  Hoy, con todo este recorrido, proponen llevar este material a una obra llamada “Eureka! El grito de un conejo” que se presenta los sábados a las 20:00 en La Lunares.

Ficha Tecnica.

 

Intérprete: Sebastián Poveda. (Conejo)

Dirección y participación actoral: Lautaro Mackinze (León)

Asistente de dirección: Alejandra Amarilla

Producción: Elizabeth Cancino

Idea y texto: Sebastián Poveda

Vestuario: Virginia Vega.

Ilustraciones: Julia Garibaldi Tobias.

Diseño Gráfico: Diego LoRusso (escarabajoambulante.com.ar) y

Federico Mackinze (F/machacko).

Desde el 12 de agosto todos los sabados a las 20 horas, en La Lunares (Humahuaca 4027).

Idea, texto y actuacion de Sebastian Poveda,
direccion y participacion actoral de Lautaro Mackinze.

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Crítica: La Cordillera

Hernán Blanco llegó a la presidencia haciendose pasar por un tipo común y corriente y nadie sabe muy bien que esperar de su gobierno. Cuando se enfrenta a una cumpre presidencial en Los Andes con los presidentes de la región una crisis como ninguna otra se desatará en su vida. Por un lado un familiar amenaza con destapar un escándalo que involucra a su campaña presidencial y por el otro, en la misma cumbre, el enviado de Estados Unidos intentará acabar con la alianza petrolífera en la cual se basa la misma cumbre. 

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Hernan Blanco (Ricardo Darin) el presidente electo recientemente por los argentinos, un hombre común, de la provincia de La Pampa, tranquilo, de bajo perfil, se encuentra con su primer desafío importante como mandatario, participar de una cumbre  de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se discutirá la posibilidad de establecer una alianza petrolera a nivel continental. Entre reuniones estratégicas, y actividades protocolares las cosas no se presentan fáciles, Blanco está padeciendo un drama familiar, el ex marido de su hija Marina (Dolores Fonzi) lo amenaza con denunciar por corrupción a su partido, lo cuál hace que su conflictuada hija quede a su cuidado y tenga que viajar con él. El círculo íntimo de Blanco decide tapar el tema y tratar de centrar la atención de la prensa en el evento chileno. Entre la oscuridad de la política y el costado humano de un presidente que enfrenta una complicada situación personal durante una cumbre internacional.

Un confuso juego de traiciones cruzadas, tanto dentro del equipo de Blanco, como en el de los demás mandatarios internacionales, y por otra parte, los conflictos íntimos y familiares que lo llevan a enfrentarse con sus propios demonios. Habrá quién se interese por el costado político y quiénes querrán saber  más de la relación padre e hija. La corrupción, el interés económico, los egos y las circunstancias personales son parte de esta película.

Mitre conduce por primera vez una superproducción, La Cordillera es una coproducción con Francia y España de casi 6 millones de dólares de costo, con un elenco estelar. Cuenta con una distribución local e internacional (Warner Bros).  Supo llevar a cabo este desafío a la perfección, una película que intriga de principio a fin y que posiblemente abra en el espectador muchas preguntas.

ESTRENO 17 DE AGOSTO

 

Dirigida por Santiago Mitre

Protagonizada por Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco,

con la participación especial de Paulina García y Christian Slater.

 

Trailer en YouTube:

https://youtu.be/1QkBK7017KQ

Julieta Ale