Análisis: Meow Motors para Nintendo Switch

Los juegos del género Karts, principalmente impulsado por la franquicia de Mario en Nintendo, ha hecho que muchos desarrolladores quieran experimentar en este género, teniendo la posibilidad de utilizar sus propias temáticas y herramientas de juego, pero que en escencia la jugabilidad es muy similar. En el terreno independiente, la compañía Artvostok ha concebido un título de Karts protagonizado por adorables gato, algo que jamás puede fallar. En términos generales , es un juego entretenido que brilla por su variedad de escenarios y el diseño de sus personajes, aunque le haga falta refinar un poco su apartado jugable. Aun así , el juego entretiene y mucho si te adaptas a sus controles, y sobre todo, a su derrape.

Para el que ya ha experimentado con este tipo de juego de carreras, los controles no serán nada de otro mundo, aún así para los nuevos estos suponen una jugabilidad muy sencilla. Su control es bastante simplificado, manteniendo los botones de acelerar, hacer marca atrás, los derrapes y el uso de objetos. También cuenta con un sistema de daño de vehículo, algo similar a lo que pudimos ver en el juego F1 Race Stars, que con los choques y el uso de objetos contra tí, tu kart se dañaba y se volvía más lento. El auto se puede reparar en medio de la carrera con tan solo pasar por el ícono en forma de herramienta que se encuentra en lugares estratégicos, es algo a tener en cuenta, porque puedes pasarlos por alto y seguir toda una vuelta a baja velocidad por el daño del vehículo. Quizá en lo que falla el juego en su apartado jugable, es su sistema de derrape, que lamentablemente no está muy bien refinado y a veces toca ser mas que preciso para correr una carrera efectivamente, aún así, a veces algunos fallos forman parte del juego y logran funcionar. Si te haces amigo de este sistema y puedes controlarlo bien, las carreras se hacen dinámicas, gracias a la variedad de objetos y modos de competición que van un poco más allá de las carreras tradicionales.

En cuanto al apartado visual, el juego cuenta con un diseño artístico notable, dónde podemos observar una buena variedad de escenarios y diseño de personajes, que son bastante adorables. También contamos con 10 coches diferentes que nos da la posibilidad de personalización, como los cambios de color, siendo el un buen añadido del juego. Su modo historia cuenta con un diseño de viñetas que funcionan para seguir su relato, que es bastante simple y funciona más para ir por los desbloqueables. Los textos llegan en español, algo que también se agradece, ya que es un título para todas las edades. Cabe destacar el apartado sonoro, que con un ritmo festivo se acopla perfectamente a la ambientación del juego.

Meow Motors es un juego entretenido, que si bien su jugabilidad no es tan refinada como los títulos más populares del juego, es una alternativa independiente que funciona bien. Hay que ver en este caso la relación calidad/precio ya que en estos días de lo ha visto en oferta a un precio atractivo. Así que prueba sin miedo este juego de Karts con adorables gatitos.

Calificación 7.5/10

Crítica: Que Sea Ley

Por María Luz Stella
El 14 de junio de 2018 representa una fecha histórica para las mujeres y personas gestantes ya que tras debates previos, el proyecto de ley de Interrupción voluntaria del embarazo obtuvo media sanción en una jornada de 20 horas en la cámara de diputados. Juan Solanas, quien se crió en Francia, quedó asombrado al enterarse que el aborto en su país de origen está penalizado. Movilizado por el gran debate que generó en la sociedad esta problemática, salió a la plaza a tomar registro de la vigilia en la que se concentran manifestantes a favor y en contra del proyecto a la espera del resultado en la cámara de senadores. A causa del rechazo de la misma, fue que el director decidió avanzar en la realización de lo que hoy es el documental Que sea ley.


Siguiendo el ejemplo del documental de Fernando Solanas y Octavio Getino, La hora de los hornos (1968), el director usa sus conocimientos para la realización de una película que es un registro sobre el movimiento feminista y su lucha por el proyecto de ley por el aborto legal, seguro y gratuito. En una clara referencia al film de su padre, utiliza como recurso el sonido de los bombos y el montaje con intertítulos para presentar a la gran marea verde y todas sus voces.
El film, que tuvo su presentación en el Festival de Cannes en mayo de este año y ha sido galardonado con el premio Otras Miradas en el Festival de Cine de San Sebastián, tiene como eje central diferentes testimonios que son registrados en un recorrido de 4000 km dando un panorama amplio de la problemática en distintos lugares del país. Los testimonios centrales son de familiares y víctimas de la clandestinidad. Estos representan un crudo registro del maltrato que se ejerce desde el estado y el sistema de salud en donde se violan derechos y se expone a la mujer a la muerte a modo de castigo por su decisión.
Para que sea vista por todo el público pero por sobre todo a aquellos espectadores que no tienen una opinión formada sobre esta problemática recomiendo fuertemente que la vean. Se estrena en las pantallas argentinas el 3 de octubre.

Calificación 9/10

Para más info:
https://www.facebook.com/Que-sea-Ley-La-Pel%C3%ADcula-por-el-aborto-legal-en-la-Argentina-2013909928735921/

Festival de escuelas de cine con perspectiva de género.

Por Gonzalo Esteban Borzino
El viernes pasado, en Avellaneda, se llevó a cabo el primer festival de escuelas de cine con perspectiva de género (FECPG). Organizado por la municipalidad y la comisión de género de la IDAC, el edificio municipal Leonardo Favio se llenó de estudiantes y activistas que buscaban compartir una jornada con referentes del feminismo audiovisual.

Hubieron cinco bloques de cortometrajes realizados por estudiantes de escuelas de toda la Argentina, con el objetivo de darse a conocer y difundir la diversidad de miradas. Contando con cortos con protagonistas transexuales, animaciones stop motion, documentales de socorristas y hasta fiestas de drag queens tucumanas, las proyecciones rondaron un amplio espectro de temas siempre presentes en las agendas políticas contemporáneas, consiguiendo acercar al público de siempre obras renovadas y modernas. No obstante, si bien gran parte de los trabajos buscaban celebrar la diversidad y el compañerismo, varios tomaron una posición más cruda. Tal es el caso de Pluma fuerte, fragmento de la realidad brasilera que toma imágenes de una manifestación contra los asesinatos brutales de transexuales de ese país. De esta forma, el evento funciona como una ventana de difusión artística, pero también de reflexión critica.

“El arte tiene una función transformadora. Es una piedra que choca contra el espejo” – Mostras, documental de drag queens

Una de las dos presentaciones del evento fue un conversatorio con Lita Stantic, legendaria mujer de la industria local, a quien se le otorgó un reconocimiento por su trayectoria y trabajo en un campo donde la figura femenina era tenida por sobrante. Ella misma relató como uno de sus primeros jefes le dijo que era innecesaria su presencia en un rodaje, debido a que el cine no era para mujeres. A pesar de ello, insistió que los malos compañeros de trabajo no distinguen genero, y que no es cuestión de marcar a un grupo particular como los responsables del malestar laboral. A su vez, admitió que le gustaría ver más cine nacional que reflejase la realidad social, y no tanto de mero entretenimiento. Comentó que, si volviera a dirigir, haría una película de “los casos de gatillo fácil y los pibes chorros”. Sobreviviente de la censura de las dictaduras y formadora de su propia productora, es una poderosa referente para todas las realizadoras que intentan hacerse un lugar en la industria.

Resultando un éxito de convocatoria, el festival ocupó la entrada de la facultad junto a un móvil de radio Avellaneda, dejando abierta la posibilidad de repetición en un futuro cercano. Pronto, más estudiantes nacionales tendrán la chance de mostrar su contenido cinematográfico en las proyecciones y sus trabajos visuales en las muestras de arte. De esta forma, se pluralizaran los discursos y fomentará la diversidad, visibilizando a los autores pertenecientes a disidencias

“Lanzamiento de Sol de Plata #3, unión Sudamericana. El sueño de Simón Bolívar, más próximo que nunca”

Por Gonzalo Esteban Borzino
Oculta en las callejuelas de San Telmo, la comiquería Hocus Pocus abre sus puertas para los amantes del comic y a los apasionados de las firmas nacionales. Su dueño, Leonardo Figueroa, autor de Lobizon y colaborador de UMC ediciones, acerca a nuevos fanáticos a los desconocidos túneles del comic nacional, prestando su espacio para charlas y presentaciones. El pasado viernes 06/09, este local fue sede del lanzamiento de Sol de Plata #3, línea emblema de UMC y excepcional ejemplo de colaboración latinoamericana, resultando en un cálido encuentro entre fanáticos y aspirantes a dibujantes.

Cuando Luis Sanchez (Luigiman) y Jonh Curcio recibieron aquel último “nosotros los llamamos”, se volcaron al truculento camino del independiente sin tener idea de que tan lejos llegarían. Sus historias heroicas, craneadas desde su infancia, llevaban una marcada impronta nacional, buscando generar un producto de alto consumo pero de clara identificación, contrario a las recomendaciones de aquellas editoriales que les rechazaban. Allá por el 2015, se les sugería que no mencionaran aspectos locales, dejándolo todo en una abstracción como las ciudades ficcionales de DC, pero aquello hubiese sido bifurcarse de su macro visión. Sol de Plata fue primeramente pensado en el ’87, existiendo solo en los dibujos de Jonh Curcio, hasta el día en que su colega lo descubrió en un puesto de convención de comics, y juntos construyeron un universo entrecruzando las historias de ambos. Sol es un héroe que representa la esperanza del pueblo argentino en los momentos más difíciles, resultando un emblema durante las guerras. Resultan evidentes sus influencias como el hombre de acero y el capitán América, símbolo de patriotismo y portador de los colores de su bandera ¿Pero no es, acaso, eso común entre los pueblos?


Un comic a la altura de sus héroes
Sin embargo, hay un motivo por el cual me interesé particularmente por este número recién estrenado. En este, se realiza un crossover no solo de héroes de la editorial (Sol de Plata junto a los Bandeirantes), sino que de otros cuatro personajes traídos de diferentes rincones de Latinoamérica. Es así como Fiero (Paraguay), Lagarto Negro (Brasil), Descomunal (Perú) y Espinas (Chile), poseyendo sus aventuras en sus propias líneas de comics publicadas en sus respectivos países, son prestados para participar de este cruce ambientado en, como no, una reunión del Mercosur. Escrito por el mismo Figueroa, los editores aseguran que el guion del evento, que durará los números #3 y #4, fue totalmente consensuado, recibiendo apenas algunas características vedadas de los personajes invitados. Aun así, han confesado que la inclusión de todos no fue parte de su idea original, siendo su posterior introducción un tanto notoria y dejando altas expectativas para la secuela.

“Es hora de marcar otro tipo de opciones” dijo Luigiman a los invitados, buscando encender entre ellos la chispa de la inspiración. Ver a la dupla surgir, y cargar al hombro un genero marcado como inviable hace unos años, es ciertamente gratificante. Es su misión editorial contar las historias locales, argumentando que tenemos la cultura, los monumentos, los iconos suficientes como para desprendernos de nuestro arrastre de buscar ídolos en el lejano país del norte. Marvel y DC están muy bien (y claramente los influencian), pero ahora tenemos la posibilidad de una mayor independencia de consumo cultural.

“El arte es el mecanismo del todo; si no hay arte, todo se para.” – Luigiman

Ya habiendo traído al mundo 12 entregas comiqueras (3 por cada una de sus líneas), UMC se planta firme como una alternativa viable a la hora del consumo de género heroico. Ya sea para lectores o creadores, lo que representa es, ciertamente, muy prometedor. En un mundo donde los héroes cinematográficos comienzan a perder adeptos debido a la irremediable escala de conflicto, puede que resulte una sana alternativa el mirarnos a nosotros y encontrar aquellas historias que nos hablan directamente, en lugar de buscar dioses en la tierra. De todas formas, se ve un prospero amanecer plateado en el horizonte.


Luigiman, Marco Baldi, Leo Figueroa y Jonh Curcio

Este número, y muchos otros están disponibles para ser pedidos a través de su instagram: @umc_comics

Reseña: Potestad

En el teatro Caras y Caretas, los viernes a las 22:30, una cita teatral, con el unipersonal de la actriz María Oneto, con dirección de Norman Briski, para ponernos en contacto con la dramaturgia de Tato Pavlovsky, obra escrita en el 1987.

Una María Oneto, en un papel exigido, quien como siempre supera las expectativas, siendo la primera vez que incursiona en el estilo del unipersonal, donde además la vestuarista Renata Schussheim, ha contribuido a que pueda llegar el mensaje.

Una obra, con el estilo y la huella inconfundible de Norman Briski, en la dirección, donde hace que todos los sentidos del espectador participen apenas sube el telón. El sonido es el iniciador de esta historia, donde efectos de retumbe, hacen que la sala tome la resonancia y luego caiga en el silencio para dar entrada a esta mujer, que en movimientos y palabras, será el monólogo de un ex represor, con su mujer y su hija, donde se aborda la desaparición de personas, la tortura. Se alude a uno de los hechos más tremendos que ha ocurrido en el siglo XX, que es el poder que alguien ejerce sobre otro, disponiendo sobre su vida. La peculiaridad de ser un diálogo abordado en voz e imagen por una mujer, usando como técnica teatral, el estilo del teatro noh, hace que la tragedia, se enriquezca al adicionarle esta faceta.

El teatro Noh es originario de Japón, donde prima el uso de máscaras, trajes y es importante el movimiento, y puede haber danza y canto.

Creo que el resumen de la obra está en el dossier, donde Norman Brinsky, nos dice “que la moral no tiene vacuna” y además al finalizar la obra, nos invita a reflexionar sobre esta frase “la potestad nos fusila”.


Ficha técnico artística
Autoría:Eduardo “Tato” Pavlovsky
Actúan:María Onetto
Músicos:Tomás Finkelstein
Vestuario:Renata Schussheim
Escenografía:Leandro Bardach
Diseño De Sonido:Tomás Finkelstein
Fotografía:Catriel Remedi
Entrenamiento:Daniela Rizzo
Asistencia de dirección:David Subi
Prensa:Marcos Mutuverría
Dirección:Norman Briski
Duración: 80 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
CARAS Y CARETAS 2037
Sarmiento 2037
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Viernes – 22:30 hs – Hasta el 25/10/2019


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Análisis: Wreckfest para PS4

En la actualidad existe una gran variedad de videojuegos que pertenecen al género automovilístico de conducción. Por este mismo motivo, ante tanta oferta es necesario buscar alternativas dentro del mismo género para que este resulte atractivo para el público que pone los billetes (O la tarjeta de crédito). La gente de THQ Nordic lleva un tiempo probando con este tipo de juegos, con un nivel de producción que si bien no cuenta con los presupuestos de los AAA, mantiene un nivel de calidad técnica que le ha funcionado bastante bien. La premisa de Wreckfest es jugar y destruir, en una competencia con varios modos de juego y una jugabilidad que se hace muy entretenida.

El punto fuerte del título es la jugabilidad, ya que la misma nos otorga variedad a la hora elegir modos de juego y escenarios. En algunos eventos la destrucción es necesaria y obligatoria para poder ser el ganador, un ejemplo, es el modo de choques de mini tractores dónde el objetivo principal es embestir a los demás competidores en un escenario con 50 participaciones. Otros eventos son algo más tradicionales, como las carreras donde debes ser el primero en llegar , pero que también los choques tienen utilidad para salir victorioso. En términos de conducción, los controles se sienten bastante bien, aunque no existe un trabajo de precisión en cuanto al derrape y algunas maniobras para lo que es el modo carrera, por lo que te obliga al choque para poder vencer al contrincante. El juego cuenta con un sistema de daño, en el que también tu coche sufre al embestir o ser embestido, en la pantalla principal van apareciendo notificaciones que te indican el grado de daño y las partes de móvil que han sido afectadas, a nivel visual también se aprecia el grado de daño que sufre cada coche.

Uno de los elementos más atractivos de juego, es su sistema de progresión, dónde debes superar retos, ganar competencia e ir obteniendo piezas y objetos para tu móvil. La realidad es que en momentos la dificultad es grande, ya que requiere práctica y precisión en el manejo, y que las IA tampoco te las deja muy fácil. Así que para ir desbloqueando nuevos retos y campeonatos toca perder, mejorar y luego ganar con paciencia y esmero.

A nivel técnico estamos ante un juego que se ve bastante pulido en cuanto a la visual y al trabajo en los impactos y la perdida de piezas durante las competencias. Si es una realidad que en relación al rendimiento, el juego no es completamente estable, siendo a veces una de las mayores exigencias para un juego de conducción. De todos modos la adrenalina está presente y su gameplay se aprecia como tal. La banda sonora es adecuada a la ambientación festiva que el juego posee, con variedad de melodias y que se meten de lleno en el terreno de la adrenalina.

Wreckfest es un juego de conducción que brilla por su sentido de destrucción y la variedad de modos de competición, que nos regala entretenimiento para rato. A pesar de algunas caídas en el rendimiento, el juego se ve muy cuidado a nivel técnico y visual, sin tenerle mucha envidia a producciones de mayor presupuesto. Si te gustan los autos y quieres algo más que solo conducir, este juego es ideal para vos.

Calificación 7.5/10

Call Of Duty: Modern Warfare presenta nuevo trailer con su modo historia.

Activision ha presentado un nuevo tráiler de ‘Call of Duty: Modern Warfare’, el cual hace énfasis en el modo historia y los personajes que serán clave en la compleja trama, como el Capitán Price.

Uno de los tráilers que nos ha dejado el State of Play de Sony tiene que ver con Call of Duty: Modern Warfare, el reboot que Activision e Infinity Ward preparan para el próximo 25 de octubre. A diferencia de otros avances, el nuevo video se centra en el modo historia, parte central del juego.

Call of Duty: Modern Warfare contará con la presencia del Capitán Price, quien a pesar de lucir igual, ya no cuenta con la misma voz o historia de los tres juegos anteriores. En el tráiler también se muestra Farrah, una nueva protagonista de Medio Oriente, así como algunos de los villanos.

Call of Duty: Modern Warfare estará disponible a partir del 25 de octubre en PC, PlayStation 4 y Xbox One.

Reseña: Agamenon

Con dirección de Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini, este lunes 23 de setiembre fue una noche de lujo en el teatro La comedia, contamos con el estreno de Agamenon, de Esquilo y adaptada por Ingrid Pelicori.

A la función, asistieron muchos famosos y conocidos del medio artístico, que dieron su voto de confianza a esta obra, cuyo elenco está conformado por Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, quienes al bajar el telón final, tuvieron un caluroso aplauso, como merecida respuesta a una puesta audiovisual plus quam perfecta desde todos los puntos de vista en que se la analice.Es encomiable lo que ofrece: desde lo interpretativo pasando por la puesta en escena, las máscaras fortalecen el mensaje, el texto es de una gran profundidad y evoca la codicia, el poder, desde el 458 a. C. en que fue escrita la obra original hasta nuestros tiempos.

Trata sobre el Rey Agamenón quien regresa victorioso de la guerra de Troya, luego de asesinar todo lo que se abriera a su paso. Toma cautiva a Casandra, una profetisa, que le vaticina el peor de los destinos.

Esta tragedia griega, es el resultado de dos años de investigación, donde la puesta ha sido hecha cuidando los detalles, el uso de recursos digitales, hace que una puesta agradablemente estética.

Esperamos que el público tenga la oportunidad de formar parte de esta propuesta, donde la huella de la historia, deja marcas.


Ficha técnico artística
Autoría: Esquilo
Idea: Manuel Iedvabni
Concepción:Manuel Iedvabni
Adaptación:Ingrid Pelicori
Vestuario:Paula Molina
Diseño de máscaras:Paula Molina
Diseño de luces:Soledad Ianni
Diseño De Sonido:Sebastian Zavatarelli
Producción musical:Daniel Curto
Realización de máscaras:Marcela Alonso
Audiovisuales:Pauli Coton
Música original:Silvia Jedwabny
Fotografía:Gabriel Reig
Diseño gráfico:Pauli Coton
Asistencia de dirección:Mauro J. Pérez
Prensa:Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva:Ale Garcia
Dirección:Pablo Flores Maini, Manuel Iedvabni

TEATRO LA COMEDIA
Web: http://www.lacomedia.com.ar
Lunes – 20:30 hs – Del 23/09/2019 al 11/11/2019


Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Le Meraviglie de Alice Rohrwacher.

El miércoles 18 de setiembre, dentro del ciclo Ciclo Al Cinema! en el Centro Cultural 25 de Mayo, fue inevitable la emoción por la proyección de la excelente película Le Meraviglie de Alice Rohrwacher.

La película se estrenó en el 2014, narra sobre la vida de una familia, que se dedica a la apicultura. La historia nace a partir de las memorias escritas por Alice Rohrwacher, sobre sus padres que vivían de esta actividad.

Trata sobre dura vida de un apicultor, quien junto a su familia, trabaja de de sol a sol, para obtener la miel. Muy interesante, como introduce la cámara para mostrarnos una granja donde viven la madre y sus cuatros hijas, de las cuales Gelsomina, es la mayor, de edad adolescente. Mientras el padre no es un mal hombre, pero embrutecido por la dureza de la actividad y buscando lo simple de la vida. Narra cómo se ensambla a esta familia, un joven adolescente Martín, con antecedentes policiales, dentro de un programa de reinserción para jóvenes y que el padre no le importa los riesgos, porque necesita un hombre que lo ayude en las tareas de la granja.

Paralelamente, llega a este pueblito, una productora, para promover un concurso entre los granjeros, y la película en imágenes y silencios, hará planteos sobre la dicotomía entre el mundo de la farándula, los shows armados y la realidad de la supervivencia diaria.

La cámara es implacable, muestra una granja, que ha quedado en el tiempo, donde la miel se coloca en tachos, y se la fracciona para vender en las ferias. donde el mundo moderno choca con el primitivo.

La fotografía y todo el elenco, acompañan a un guión, que hace de esta película una pieza única. Es de destacar la actuación de los más jóvenes, como han logrado darle fuerza y belleza al film.

Les recomendamos que recuerden que dentro del programa del Ciclo Al Cinema! está previsto para el miércoles 25/09, a las 21:30: The Place (Paolo Genovese)


Ficha técnica

Guión y dirección Alice Rohrwacher.

Reparto: Maria Alexandra Lungu, Sam Louwyck, Alba Rohrwacher, Sabine Timoteo, Agnese Graziani, Monica Bellucci

Música Piero Crucitti

Fotografía Hélène Louvart

Premios

2014: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2014: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado y Mejor actriz
2014: Festival de Mar del Plata: Mejor guión – Astor de Plata

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: La mujer de al lado

Uno de los primeros films que le han dado reconocimiento a los cineastas Mariano Cohn y Gastón Duprat fue El Hombre de al lado, película protagonizada por Daniel Aráoz y Rafael Spregelburd. Se trataba de una historia que iniciaba con un agujero en la medianera como disparador, ahí mismo se abría una brecha entre la vida y clase social que tenían ambos vecinos, todo ello montado en una efectiva comedia negra. Ahora uno de los papeles ha cambiado para su adaptación teatral, ahora Griselda Siciliani es la vecina un tanto grotesca que inicia un conflicto con su par luego que decide romper la medianera para colocar una ventana.

Le Corbusier ha sido un reconocido arquitecto Suizo- Francés, que tambien fue considerado como uno de los mayores exponentes de la arquitectura moderna. Hago este párrafo informativo, ya que el mencionado arquitecto ha construido solo una vivienda en nuestro país, que se lo realizó a un doctor llamado Pedro Curuchet, y de ahí salió el apodo La casa Curuchet. Justamente el protagonista de la obra reside en la aclamada vivienda, denotando la clase social al que el personaje pertenece. Leonardo es un refinado y prestigioso diseñador, que un día se ve interrumpido en su trabajo porque en la medianera de su casa una vecina decidió romper la pared para colocar una ventana. Luego de ese percance empiezan a haber situaciones hilarantes que reflejan las contrarias personalidades de los dueños de casa y a la clase social con la que se identifican.

Griselda Siciliani toma el papel que en un momento lo tuvo Daniel Aráoz, manteniendo casi el mismo sentido del humor grotesco pero añadiendo un toque de sensualidad y tensión con su vecino. La actriz logra dar los mejores momentos de la obra, manteniendo buena química con su contraparte, el Leonardo de Germán Palacios. Quizá lo que queda un poco descolocado dentro de la puesta teatral, es que le cuesta resolver el desarrollo de los demás personajes que entran en escena, que si bien existe un buen despliegue actoral, las participaciones secundaria quedan como un relleno que no aporta mucho al contenido de la obra, salvo en momentos puntuales.

La escenografía es sencilla pero logra representar bien los espacios que existen entre medianeras, manteniendo casi todo el desarrollo dentro del hogar de Leonardo. Hay una correcta dirección en el uso de espacios y en la transición del texto del film a la obra.

La mujer de al lado es una interesante propuesta que viene de la mano de Gastón Duprat y Mariano Cohn, los creadores del film El hombre de al lado. Con un pequeño giro en cuanto al personaje principal, Griselda Siciliani es ahora la grotesca vecina que viene a poner el conflicto sobre la mesa solo por querer una ventana para que entre luz. Existen algunos fallos en cuanto al desarrollo de personajes que no logran sostenerse en la puesta teatral, aún así salen airoso gracias a la química entre ambos protagonistas y su característico sentido del humor.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Mariano Cohn y Gastón Duprat
Autores: Gastón Duprat, Mariano Cohn y Andrés Duprat
Música original: Alejandro Kauderer
Diseño de escenografía: Marcelo Pont, Gastón Duprat, Mariano Cohn
Iluminación: Marcelo Pont
Diseño de vestuario: Laura Singh
Producción ejecutiva: Mariela Finkelstein
Asistencia de producción: Adrián Baz
Dirección de casting y asistente de dirección: Tati Rojas
Producción asociada: Mariano Cohn y Gastón Duprat
Producción general: Tomás Rottemberg
Vestidora: Jorgelina Fontanet
Realización de escenografía: Lito Bara
Utilería y Asistente en escenario: Lautaro Ostrovsky
Realización laptops y esculturas: Lito Bara
Pelucas y maquillajes: Oscar Rodríguez
Asistencia de escenografía y utilería: Lucia Evangelista
Maquinistas: Carlos Dalmolin y Nicolás Argarañaz
Asistente de vestuario: Jorgelina Fontanet y Héctor Ferreira
Diseño gráfico: Diego Berakha
Diseño piezas gráficas: Gerardo Bernasconi
Diseño programas de mano: Brava Estudio
Fotografía: Gabriel Machado
Marquesina y puertas: Top class
Impresión programas de mano: Imprenta Suárez
Programación y operación de luces: Marcelo Seghi
Rental sonido: Mariano Franco
Diseño de sonido: Nicolas Volonte (ASA)
Operación de sonido: Francisco Bilovus
Comunicación digital: @bushicontenidos
Prensa: Tommy Pashkus Agencia
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