Crítica: El sabor del cemento

Lo Sublime.

 

Por Rodrigo F. Ruiz.

 

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El Sabor del cemento de Ziad Kalthoum se acerca a lo que Kant denominó como lo sublime. El filósofo utilizaba esta concepción para definir aquella belleza que nos aterra, aquella belleza que nos apabulla, nos produce terror, nos sobrepasa. Y es una cuestión comenzar a hablar de concepciones estéticas para un film que nos narra la experiencia de sobrevivientes a la guerra Siria, pero quizás  son estas formas de ver, las que nos permiten acercarnos al horror y poder vivir la experiencia ( aunque claro mediada por una pantalla y en una confortable sala); porque de nuevo como decía Kant,la estética es la única capaz de unir la ética (el mundo de lo práctico, el mundo de la acción) con el mundo de las ideas (el mundo de la razón).

El documental de Kalthoum fue el film de apertura del festival del cine del trabajo, la película trata sobre un grupo de sobrevivientes sirios trabajando en una obra en construcción en Beirut, el país vecino donde acaba de terminar la guerra, mientras en el país de ellos continua. El film intercala la cotidianeidad de estos trabajadores, con imágenes de la guerra en Siria. La sensación que prima al ver el film es la de vértigo. Se pasa de lo alto de un rascacielos en construcción, en donde la posición de la cámara permanentemente nos lleva a sentir el riesgo, la altura; a las ruinas de los edificios en guerra, en Siria, los llantos, los gritos, los tanques, los cuerpos entre los escombros. En la película se intercalan pequeños relatos/ recuerdos de los sobrevivientes sirios. Relatos que resultan poéticos en su fragmentación, en las imagenes que evocan.  

El filme puede verse en el cine Cosmos, es una experiencia que debe ser vivida. Como espectadores vemos el horror de la guerra, y la película busca que lo sintamos, produce una experiencia física. Este documental demuestra cómo el cine es un arte capaz de dar nuevas experiencias, de reinventarse.

Recordemos una cita en donde se decía que el cine clásico ( o sea el cine de entretenimiento) era como cruzar un río arriba de un puente, el cine moderno era cruzarlo saltando de piedra en piedra, ( comenzaba a existir una inestabilidad, los acontecimientos no se hilaban perfectamente, los sentidos rebalsaban por todos lados), ahora con “El sabor del cemento” estamos frente a un cine, en el  río, con el agua hasta el cuello, el cine de la experiencia, del ahogo, un cine ya físico, un cine que alcanza lo sublime.

 

Calificación: 9 / 10

 

A partir del jueves 30 en el Cine Cosmos UBA

FICHA TÉCNICA

  • País Alemania, Líbano, Síria, Emiratos Árabes Unidos
  • Año 2017
  • Formato digital
  • Duración 85 min
  • Imagen color
  • Idioma árabe
  • Subtítulos catalán, inglés
  • Productora Bidayyat for Audiovisual Art, BASIS BERLIN Filmproduktion
  • Producción Ansgar Frerich, Eva Kemme, Tobias Siebert
  • Guión Ziad Kalthoum
  • Fotografía Talal Khoury
  • Montaje Alex Bakri, Frank Brummundt
  • Contacto aleksandar@syndicado.com
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Reseña: Loop, amor sin Fin

En el teatro Método Kairos Teatro, los días jueves a las 21 hs, una comedia teatral fresca, romántica, titulada Loop, con dramaturgia, dirección y coreografía de Flor Yadid, en su tercer año de presentación, una obra que refleja tal cual es, el logro del esfuerzo, amor, dedicación de mucha gente, que conforma la compañía.

Una pieza teatral, donde el cariño del elenco hacia la obra, el público lo percibe y lo aplauso a más no poder. Este año han ofrecido hacerla la puesta “a la gorra” y les aseguro que promete un argumento de amor sin fin.

Con las actuaciones de Martín Goldber y Marta Avelina Mediavilla, dos ejes vitales, que le dan su impronta a un libro muy asertivo, con una gran cuota de humor, con una calidez interpretativa del elenco, con una fuerte apuesta a las herramientas audiovisuales, a cargo de Javier Giordano. Con cuadros musicales, con coreografía también de Flor Yadid. Un libro donde la narración es dinámica, donde el público tiene asegurado un momento divertido, con un relato que fluye y donde la vida en pareja, termina en eso, en el desafío de superar el Loop.

La trama es simple, Esteban y Lucía, una pareja joven, quienes se aman con pasión y locura, pero también tienen la capacidad para odiarse y mucho. Todo el tiempo, la vida los pone a prueba, en construir ese amor y que perdure. Cuando tienen todo listo pensando en separarse, en el proceso de dividirse las cosas, para cada uno, tomar caminos diferentes, siempre, se presentará un segundo, el cual la chispa de la pasión se encenderá para otra vez, volver a empezar. El amor de esta pareja, no perdura, sino es una historia con un tiempo finito y el amor se desgasta, hay una necesidad de una búsqueda continua, como que el amor necesita crecer con el paso del tiempo. Donde se lo está apuntalando, todo el tiempo, y donde juegan las necesidades propias, la de la pareja como entidad propia o la influencia de los factores externos como la “idishe mame” de Esteban.

La recomendamos, no se la pierdan. Les aseguro, el encuentro con momento teatral, que sugiere la reflexión además de contar con un humor muy espontáneo, con un análisis muy sutil sobre las vías actuales de comunicación. Y por sobre todas las cosas, por ustedes mismos podrán comprobar que esa remanida frase: “fueron felices y comieron perdices”, es fácil de decir pero complicado de construir.


Ficha técnico artística

Ficha Técnico – Artística

Actúan: Marta Mediavilla y Martín Goldber

Diseño de Iluminación: Marcelo Caballero

Escenografía: Vanessa Giraldo

Coreografías: Flor Yadid

Diseño de imagen: Marcelo Caballero

Diseño gráfico y Desarrollo Audiovisual: Javier Giordano

Bailarines en Video: Lisa Simkin y Pedro Vega

Asesoramiento en Contact: Lisa Simkin

Stage Manager: Pablo “Apo” Tratchtenberg

Asistencia de producción: Luciana Lippi

Contenido en redes sociales: BORIA Audiovisual

Prensa: AGENCIA AB – Alejandra Benevento

Producción: Carolina Sanchez

Producción General: Compañia “Los Martos”

Asistencia de Dirección: Javier Giordano

Dramaturgia y Dirección: Flor Yadid

Funciones jueves 21hs

El Método Kairós (El Salvador 4530)

A LA GORRA!

Reseña: Diana Decunto

Análisis: Unruly Héroes para PS4

Unruly Héroes es un juego de plataformas en 2D que tuvo su arribo en PC y Nintendo Switch a principios de año. Ahora, para su llegada en PS4, hemos tenido el placer de probar y analizar un juego que le hace un gran honor al género, brindando un juego estéticamente bello y sumamente entretenido.

Si hay un juego con el que lo puedo llegar a comparar, tanto por su calidad artística como por su ágil y entretenida jugabilidad, es con el último título de Rayman. Que llego como un juego de plataformas que denota un gran trabajo artístico en su haber, y que a su vez, es un juego muy entretenido. Esto también sucede con Unruly Héroes, que saca provecho de un género tan explotado, para darnos una aventura con mucho encanto y unas cuantas sorpresas. Su premisa es bastante simple, tenemos a un enemigo que azota al mundo, y con ello, tenemos al héroe (O los héroes) que están destinados a acabar con el mal en una larga aventura. Hablamos de héroes, porque son cuatro los personajes heroicos con los que podremos jugar, y si bien este título también tiene su modo cooperativo, cada uno de los personajes son útiles, por lo que tendrás que hacer uso de todos aunque juegues en solitario.

Si juegas solo, digamos que cuentas con cuatro vidas, porque cuando mueres con un personaje, tienes la posibilidad de continuar con algún otro de los cuatro que quedan vivos. A su vez, cada personaje tienen sus habilidades especiales, por las que te encuentras en la obligación de utilizar a alguno en un momento determinado. Si, la jugabilidad se basa en correr, saltar, golpear y atravesar obstáculos, algo casi típico en los plataformeros 2D, pero aún así cuenta con mucha originalidad en el diseño de niveles y modos de pasar los obstáculos. Uno de los más ocurrentes en en la que debes convertirte en lobo, y que con tu aullido puedas obtener colaboración de otros animales de su especie. De este modo, seguimos un recorrido, del que si bien no cuenta con una dificultad extrema, resulta cada vez más desafiante y entretenido. Si toca aclarar que el juego cuenta con tres niveles de dificultad, siendo el más difícil en los cuales solo se pueden revivir a los personajes en los puntos de control, y que resulta necesario para conseguir todas las medallas. En líneas generales, Unruly Héroes presenta un gameplay muy ágil, con niveles que si bien no soy muy extensos, va progresando en contenido y dificultad.

A nivel visual el juego es realmente una belleza, mantiene una inspiración sobre mitologías del medio oriente. Existe un perfecto equilibrio entre la ambientación y su jugabilidad, acompañado de mecánicas ágiles y fáciles de dominar. El apartado sonoro tambien logra destacarse en armonía al desarrollo del juego. La campaña principal puede llegar a durar alrededor de 7 horas, teniendo la posibilidad de ser rejugable para mejorar el rango de posicionamiento en cada nivel.

Unruly Héroes es un gran juego de plataformas, aquel juego que se encuentra disponible ya en todas las consolas de última generación, siendo una gran sucesora de Rayman Legends en el terreno de los plataformeros en 2D. No sé trata solo de un juego de saltar, correr y atravesar obstáculos, ya que este cuenta con un diseño artístico sobresaliente, y obviamente una jugabilidad que te robará varias horas a puro entretenimiento.

Calificación 8.5/10

Crítica: Rocketman

Por María Luz Stella
Palabras claves para describir este film: biopic, musical e inspiracional.

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Paramount Pictures nos trae Rocketman dirigida por Dexter Fletcher (director que no ha sido reconocido por su labor sobre el final del rodaje de Bohemian Rhapsody) y con Taron Egerton quien pone el cuerpo y la voz para interpretar al protagonista.
Trata sobre la carrera y vida de Reginald Kenneth Dwight mejor conocido como Elton John. Desde sus inicios musicales en su niñez hasta su resurgimiento en la década del ochenta. La película muestra la cruda infancia de un hijo único, no deseado por su padre, ignorado y maltratado. Criado por su madrhh5b HV zgh cv f BH h,e y su abuela. Luego como figura paterna se incorpora la pareja de su madre, que traerá a la vida de Regi un nuevo género musical que marcará su adolescencia: el rock & roll. Momento en el que se dispara su carrera musical hasta llegar al éxito, y más allá. Porque Elton John es un artista que trasciende y ha logrado mantenerse en la industria hasta la actualidad.
El género de la película es drama musical. Extraordinaria decisión que le sienta muy bien al personaje/artista a retratar. Con un gran despliegue de bailarines y actuaciones cantadas por parte del entorno del personaje protagonista. Una puesta en escena que se mueve de manera frenética avanzando temporalmente en la carrera musical del cantante y pianista.
La historia cuenta con dos momentos muy importantes en la vida del artista y que se alinean con los puntos de giro del guión. Éstos dotan de una carga emocional muy fuerte a la trama creando una conexión intensa con el espectador. En ambas secuencias son protagonistas absolutas las canciones Your song, para el primer punto de giro y I’m still standing, en el segundo. Para destacar, el inicio de la película genera un poco de extrañeza en cuanto a lo visual, una puesta intensa y contrastada para remarcar la coexistencia de dos temporalidades que queda resonando hasta la llegada de Your song. Representativa en la carrera y en la relación de Elton y el letrista Bernie Taupin.
A pesar de ser un drama, de poner en pantalla la caída y el peor momento del artista, es un film inspiracional y alentador que trata sobre la recuperación transmitiendo la emergencia del talento por encima de la adicción a las drogas. Nos muestra un talentoso cantante y pianista que ha logrado subsistir al abrumador ambiente de la industria discográfica. Un verdadero sobreviviente.
Calificación 10/10

Crítica: Brightburn: Hijo de la oscuridad

Por Bruno Glas 

Apetito por la destrucción

Atención: se revelan detalles de la resolución de la película

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Se sabe que uno tiende a identificarse con el punto de vista del protagonista de una película. Su enfoque suele ser en la mayoría de los casos (pero, ojo, no siempre) el que nos permite la entrada al universo del filme. La identificación con el protagonista, algo un poco más profundo, se asocia a la empatía. Ésta a su vez viene dada por los rasgos de carácter humanos que hacen que el personaje nos importe, y de allí que habilitan nuestra comprensión.

El cine de terror opera muchas veces como una forma de subversión respecto de los parámetros tradicionales de identificación. ¿A qué apunta esto? A que los personajes icónicos del género no son tanto los protagonistas que se ven amenazados por una figura que encarna el mal, como sí lo son los verdaderos malos de la película. Si los psicópatas reconocidos de este cine ocupan un lugar dentro de la cultura popular, si su éxito ha sido tal que engendraron secuelas, precuelas, remakes y demás, tiene que ser porque el público ha sabido estrechar lazos con ellos. Es evidente, claro está, que nuestra empatía no puede situarse del lado de ellos por su naturaleza asesina. Y sin embargo, la fascinación incómoda que producen se mantiene intacta.

Brightburnes una película que trabaja con enorme inteligencia la cuestión de la identificación y la fascinación con el horror. Una pareja intenta tener hijos, y al no poder hacerlo termina adoptando a un bebé proveniente de un meteorito que cayó del cielo. El niño crece y se da cuenta de que tiene poderes. Hasta acá, la misma premisa de base que la historia de Superman, salvo que el pibe empieza a usarlos para el mal. El sólo trocamiento del devenir del famoso superhéroe constituye de por sí un comentario acerca de la gran cantidad de películas basadas en personajes de cómic, invitando a una relectura mucho más tenebrosa.

La película comienza con los padres intentando concebir y escuchando de pronto la caída del meteorito. De ahí salta inmediatamente a unas imágenes filmadas a modo de videos caseros, mostrando la infancia de Brandon y situándonos dentro del entorno familiar. Lo vemos luego en el presente, a sus doce años. Es interesante cómo el filme nos sitúa primero en el lugar del niño, como un personaje ordinario, y nos vemos fascinados con el progresivo descubrimiento de sus poderes. Durante esta primera parte, Brandon se muestra todavía sorprendido ante sus nuevas capacidades, y el modo en que la cámara lo capta nos pone en su misma situación, logrando que nos identifiquemos con él.

Pero de a poco, el comportamiento de Brandon va tornándose cada vez más extraño, y el uso de sus poderes como fuente del mal de a poco nos aleja de él. En esta distancia que se de un momento a otro se impone sobre el personaje reside otro de los grandes aciertos del director David Yarovesky y del guionista James Gunn, puesto que pasamos de empatizar con él a verlo como la mayor amenaza posible. Y ahí donde un atajo posible era asociar la maldad del personaje a una cuestión psicológica aparte de sus poderes, Brightburn opta por apenas amagar con ello. Por eso, cuando en una escena terrible Brandon destroce la mano de la compañerita de colegio que intentaba simpatizar con él, entendemos que su figura no puede encarnar otra cosa que no sea el mal en estado puro. De allí que los poderes que llaman a Brandon a “tomar el mundo” no sean otra cosa que una fuerza sobrenatural sin explicación racional posible.

Hacia la segunda mitad, nos vemos casi en la piel de los padres, que buscan frenar el caos que está ocurriendo alrededor, pese a que la madre de Brandon se niega a creer lo que nosotros ya sabemos: que Brandon no es sino un asesino que busca destruir todo a su paso.

Hacia el final de la película vemos a Brandon, después haber estrellado un avión en la granja de su pueblo, comiéndose una galletita. Y es ahí donde nos preguntamos, fascinados, cómo ese mocoso nefasto, monstruoso y horrible pudo ser capaz de generarnos, en algún momento, un dejo de cariño.

 

Calificación: 9/10

Inauguración del espacio cultural independiente “Balcarce 666”

En pleno corazón del barrio de San Telmo, a partir del lunes 27 de mayo abrió BALCARCE 666, (entre México y Chile, San Telmo, CABA), un lugar que promete ser un lugar especial, un espacio cultural independiente, que permitirá a la comunidad de artistas gozar de un espacio físico para permitir la libertad intelectual.

En estos momentos tan difíciles, estos eventos de inauguración de lugares donde pueda la cultura tener su lugar, es una muy buena inyección de esperanza, es recibido con sumo agrado por el público y por los artistas.

El lugar, ofrece una oferta cultural de opciones a la carta, como puede ser varieté de obras y música, danza, magia, rock, tango, comedias, shows, performances. La idea es iniciar a las 22hs, hasta entrada la madrugada. Los precios son razonables y se integran a la actual situación.

El lugar es hermoso, tiene una gran pantalla para proyectar, que inclusive fue la que se usó hoy para realizar la inauguración.

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Un amplio y acogedor escenario, el lugar es espacioso, hermosamente decorado con pinturas y fotos.

Este centro cultural cuenta con el apoyo de conocidos artistas como Susana Rinaldi, Porchetto, Eduardo Calvo, Atilio Veronelli, Fito Yanelli y tantos otros artistas y periodistas que se sumaron para darle forma a esta nueva comunidad de arte.

Si quieren consultar por internet, las direcciones son:

www.balcarce666.com.ar

Mail : balca666@gmail.com

Facebook: /Balcarce-666 + Instagram: @balcarce.666


La programación prevista VERONELLI 2×4 desde el viernes 31 de mayo. Todos los Viernes a las 23hs

TRILOGÍA URGENTE desde el sábado 1ro de junio

Sábados 23:30hs

Espectáculo teatral compuesto por tres obras breves.

Ella le gana con dramaturgia, actuación y dirección de Coni Marino.

Músicos en vivo: Pablo Fauaz, Paula Liffschitz. Arreglos musicales: Pablo Fauaz.

Una sociedad más segura con dramaturgia y dirección de Alejandro Stilman.

Actuan Pablo Flores Maini y Bernardo Morico.

Juicio al Vampiro de Daniel Llermanos, con la dirección de Alfredo Allende.

Elenco: Mariela Acosta, Manuel Longueira, Diego Petrone e Iván Stilman.


EDUARDO CALVO VIENE LLEGANDO desde el jueves 20 de junio

Jueves 22hs

Composiciones y personajes de Eduardo Calvo (más allá del Heavy re jodido). Duración: 65’


Henry Ford dijo: “Reunirse es un comienzo, permanecer juntos es el progreso y trabajar juntos es el éxito”. Y bueno ahora como público, nos cabe apoyar, en la medida de las posibilidades, acudiendo a las propuestas, fidelización a la iniciativa y arranquemos, porque no todo está perdido.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Occident Express

“En el marco de Italia In Scena, Occident Express nos muestra una pieza inspirada en la experiencia de Haifa Ghemal, quien escapa de Mosul con su nieta de 4 años hasta Europa.”


La quietud es un privilegio, y Haifa hubiera nacido para quedarse quieta, o al menos para disfrutar de lo apacible (más allá de cualquier elogio al movimiento). Esto es imposible, sin embargo, en un mundo vertedero, de deshacimiento humano, donde la lógica de acumulación impone el no lugar de la exclusión. Haifa, narrando su huida desde una Irak violentada y atravesando las peores “mil y una” en días y noches con su nieta, es vocera de una historia que la excede en número de voces.
Un poderoso texto es acompañado por la sensibilísima actuación de Ottavia Piccolo quien, por medio de una voz implacable, hace carne los pasajes de un cuento inhóspito. La música refuerza el ya impactante clima. Toda dimensión de la obra apunta de manera solidaria y decidida al golpe, pero esta vez al necesario golpe: cuando los objetos nos desgarran a través del grito, eran sujetx, y entonces toda demagogia vale. Ese grito, sin embargo, debiera haber estado en otro idioma.
Occident Express es la insuficiente cachetada que nos devuelve a los sentidos ya no hechos, ni imágenes, ni informes, sino una voz, una existencia en la precarización de la vida que implican las migraciones. La humanidad descartable nos devuelve afectos que oportunamente nos perturban.