Crítica: Todos somos extraños

Por Guillermo Verón

No sé si a ustedes también les pasa que tienen una admiración automática con algún artista. El mínimo desarrollo de su trabajo nos cala ondo en sus personas. A mí me pasa, no siempre pero sucede es muy loco porque deseas ver todo y ya. Lamentablemente no siempre se puede, y eso que el acceso a las redes debería facilitar la visualización.
Con quien me pasó esto fue con Andrew Scott. Allá por el año 2011 cuando me dedicaba a la comercialización de material audiovisual vi la primer temporada de Sherlock y fue inmediato. También es verdad que el personaje de Moriarty siempre fue el que más amé de cada entrega de la obra de Arthur Conan Doyle.
Ahora lo tengo en esta cinta que viene siendo aplaudida y premiada junto a Paul Mescal.
¿Podrá esta dupla generarme interés?

Adam tiene una vida rutinaria y está un poco molesto con ello. Le cuesta continuar con un guión que tiene a medio escribir. Cuando conoce a Harry su vida da un vuelco, sus sentimientos hacia él son fuertes pero tiene unas deudas pendientes que debe solucionar.

Cada tanto se me presenta un dilema cuando veo ciertas producciones, no sé si soy yo. Pero no pude conectar con la historia. Los roles están bien ejecutados y es creíble la relación, existe una química entre todos. Cuando pasa esto me quedo perplejo porque soy consciente que no es una mala película pero no decir que me encantó y que es brillante, como muchos dicen, porque les estaría mintiendo. Me da bronca esta situación porque siento que es mi culpa.


El trabajo técnico es muy bueno; la fotografía, la música y el vestuario ayudan a adentrarnos en la época a la que hace referencia.
La metáfora es clara aunque me hubiera gustado un mayor desarrollo de cada relato ya que tiene mucho para dar. Con una serie hubiese quedado mejor. Estas sensaciones extrañas que me suceden cuando soy «el único y detergente» hace que me repare por demás en porqué me pasa esto. Sobre todo cuando muchos aman estos largometrajes.

Calificación 6/10

FINAL FANTASY VII REBIRTH ESTÁ YA DISPONIBLE PARA PLAYSTATION®5



FINAL FANTASY VII REBIRTH  ha sido aclamado por la crítica como un “juego esencial”, una “obra Maestra” y “uno de los mejores RPGs jamás creados”




– La fantasía que rompió estándares ha renacido. FINAL FANTASY™ VII REBIRTH, el nuevo capítulo del proyecto “remake” de FINAL FANTASY VII remake, está ya disponible a nivel mundial para las consolas PlayStation®5 (PS5®). Obteniendo la medalla “Must-Play” por parte del sitio web Metacritic, FINAL FANTASY VII REBIRTH ha obtenido alrededor de 50 calificaciones perfectas en reseñas por críticos alrededor del mundo, y ha sido considerado como «Una impresionante aventura” por Level Up, “Un juego muy entretenido” por 3DJuegos Latam y “Un juego increíble” por BRCDEvg.

Un trailer de celebración para el juego también se lanzó hoy y se puede ver aquí.

En FINAL FANTASY VII REBIRTH, los jugadores toman el papel del mercenario Cloud Strife y sus amigos, mientras persiguen al legendario espadachín, Sephiroth, una inquietante figura del pasado de Cloud empeñada en gobernar el planeta, a través de un vasto y vibrante mundo plagado de peligros, aventuras, emoción e incertidumbre. Estos héroes, entre los que se incluyen los queridos e icónicos personajes de Tifa, Barret, Aerith y Red XIII, unen sus fuerzas a las de nuevos compañeros como la enérgica ninja Yuffie y el bromista robot con forma de felino Cait Sith. FINAL FANTASY VII REBIRTH ofrece a los jugadores una experiencia inolvidable llena de giros inesperados, personajes memorables y escenarios asombrosos que podrán disfrutar tanto los fans de siempre como los recién llegados.

“Como el Director del FINAL FANTASY VII original, me siento muy orgulloso de que el equipo haya sido capaz de introducir a toda una nueva generación en los juegos de rol y mostrarle a todos los jugadores un mundo más amplio de esta historia. Hoy, siento el mismo orgullo al ver lo que nuestro equipo de desarrollo ha logrado con FINAL FANTASY VII REBIRTH. Esta aventura ofrece ricas recompensas a los fanáticos de toda la vida, a la vez que da la bienvenida a los recién llegados para que comiencen aquí su aventura en la franquicia de FINAL FANTASY y experimenten una sensación de asombro similar a la que habrían sentido en 1997. Espero que tanto los fanáticos, como los que nunca han jugado a FINAL FANTASY disfruten de este juego.” -Yoshinori Kitase, Productor

“FINAL FANTASY VII REBIRTH es un trabajo de amor y nuestro tributo a la aventura – un masivo mundo de historias apasionantes y nuestro juego más ambicioso hasta la fecha. Al igual que aquellos que nos trajeron el FINAL FANTASY VII original, hemos alcanzado algo que nunca fue posible antes de la tecnología actual: un retrato más profundo de nuestro elenco principal de amigos, camaradas y gente del Planeta. Al combinar sus poderes en la batalla y fortalecer sus lazos a través de tus elecciones como jugador, esperamos que sientas una poderosa conexión con estos personajes y el mundo que habitan.” -Naoki Hamaguchi, Director

“Durante muchos años me he preguntado cómo se vería un remake de FINAL FANTASY VII. Sobre todo en como hacerle justicia a los personajes y a la historia que tanto cautivó a los fanáticos de todo el mundo. FINAL FANTASY VII REBIRTH hace realidad esta visión y amplía enormemente el título original, no solo en el tamaño de su mundo, sino también en los momentos que comparten los miembros del grupo, donde se puede encontrar calidez, alegría, tristeza y momentos sensibles. A medida que avanzan y se forjan estos lazos hacia su destino final, esperamos que tengas tu corazón preparado para compartir estos sentimientos junto a los personajes. Como segundo título de una trilogía, hemos disfrutado escuchando los comentarios de nuestros fanáticos sobre el título anterior e incorporando elementos a FINAL FANTASY VII REBIRTH para conseguir una continuación realmente impresionante. Gracias por compartir nuestra visión de un remake, en el que el pasado es honrado por las posibilidades del presente para reimaginar una historia para las generaciones futuras.” -Tetsuya Nomura, Director Creativo

El proyecto de la nueva versión de FINAL FANTASY VII comenzó con el lanzamiento de FINAL FANTASY VII REMAKE en 2020, que fue aclamado por jugadores y críticos de todo el mundo. Tras obtener más de 20 puntuaciones perfectas de los medios y ser seleccionado como «Editor’s Choice» (Selección del Editor) de PlayStation®, FINAL FANTASY VII REMAKE se convirtió en el lanzamiento digital más vendido de la plataforma PlayStation® en la historia de SQUARE ENIX, superando los 7 millones de ventas físicas y ventas digitales en todo el mundo desde su lanzamiento.

Los jugadores que deseen saber más contenido de FINAL FANTASY VII pueden descargar FINAL FANTASY VII EVER CRISIS, el exitoso juego de rol para móviles que se ha descargado más de 7,77 millones de veces, a través de la App Store, Google Play o STEAM de forma gratuita, y participar en un evento en colaboración con FINAL FANTASY VII REBIRTH por tiempo limitado. Como parte de este evento, los jugadores podrán experimentar el terrible incidente del Monte Nibel y recibir varias bonificaciones en el juego. Para más información, visita los canales sociales oficiales de FINAL FANTASY VII EVER CRISIS.

FINAL FANTASY VII REBIRTH ya se encuentra disponible para la consola PS5® y tiene una clasificación sugerida de T (Teen) por la ESRB. Para más información visita https://ffvii.square-enix-games.com/games/rebirth/.

Crítica: Secretos de un escandalo

Por Santiago Merlini

Portman y Moore. Personaje y Persona. Víctima y ¿Victimario? Ficción y Realidad. Los puntos y contrapuntos marcados anteriormente no son arbitrarios. May/December se construye en dualidad, ya su póster nos remarca esta idea. Este póster nos retrotrae a la histórica Persona (1966) de Bergman, película dual por excelencia.



A diferencia de la película del histórico director sueco, la nueva obra de Todd Haynes transcurre en la ciudad, y además incluye un gran tercero, como es el personaje de Charles Melton, quien interpreta al esposo de Moore. Vayamos a la trama para que todo sea más claro.

Elizabeth (Natalie Portman) es una actriz famosa que acaba de aceptar un rol en una nueva película. Para prepararse para el papel, la actriz irá a visitar y a familiarizarse con la mujer a la que va a interpretar, Gracie Atherton (Julianne Moore). Gracie está casada con Joe Yoo (Charles Melton), un joven americano de familia coreana 23 años menor que ella. Pero ¿por qué su historia es merecedora de una película? Porque la relación que hoy parece perfecta, comenzó cuando Gracie tenía 36 años y Joe era tan solo un preadolescente de 13 años de edad. Gracie y Joe fueron atrapados teniendo relaciones sexuales en el almacén de la tienda de mascotas donde trabajaban. Ella rápidamente fue enviada a la cárcel en donde descubre que está embarazada de Joe. 23 años después la pareja es aparentemente feliz, tienen 3 hijos. La hija mayor va a la universidad y los dos más jóvenes están a punto de graduarse de la escuela secundaria. Es en ese momento cuando llega Elizabeth. Con la intención de investigar y estudiar la historia logrará revolver el pasado de esta pareja y generar que los problemas que yacían escondidos salgan a flote.

Un guión redondo que no deja cosas al azar, pero al mismo tiempo da aire a algunas situaciones que permiten que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones y analizar lo que está viendo. La guionista debutante Samy Burch se encuentra nominada al Oscar a mejor guión original para los premios de la academia de este año.

La dirección de Haynes es otro aspecto importante a destacar. La cámara permanece fija la gran mayoría del tiempo, realizando contados movimientos a lo largo de la película. El director, con esta decisión, nos pone en la situación de espectadores constantes de esta familia, logrando que nos situemos en el lugar de Elizabeth y compartamos con ella la sensación de estar infiltrada observando.

El guión y la dirección sirven de gran manera al tema de la película: los traumas que no son resueltos o tratados vuelven para atormentarnos en el futuro. Otro de los grandes temas que están presentes en el largometraje se relaciona con cómo nos puede afectar la mirada de los otros, prestar atención especialmente al personaje de Gracie. También vale marcar las ideas que arroja la película acerca de las relaciones familiares, ya sean tanto de madres e hijos como de hermanos y hermanas.

May December es una película que le pide al espectador algo de sí mismo, ambigua y con una capacidad innegable de no dejar indiferente a ninguna persona que vaya a verla al cine.

Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.

Estreno en cines: 29 de febrero

Calificación: 8/10

Crítica: Mi amigo robot

Por Guillermo Verón

Por Pablo Berger de 2023.

Los argumentos de las novelas gráficas cuentan con un amplio abanico de posibilidades, cosa que no suele suceder en todas las artes. Y eso hace que, a veces,  sea complejo adaptarlas al cine. Aunque digamos que hoy en día con los avances tecnológicos se puede hacer casi todo. ¿Se imaginan en CGI una amistad entre un robot y un perro? Sin esa técnica algo de eso fue lo que pensó Sara Varon cuando realizó el cómic allá por el año 2007.


Por otra parte, los que me conocen saben que tengo un cariño muy especial por el cine español; conecto con él de una manera que no me pasa con el de otras nacionalidades. Cuando vi «Torremolinos 73» con Javier Cámara me dije: «Tengo que seguir a este realizador». Me deslumbró con «Blancanieves» y me divirtió con «Abracadabra». Ahora, toca explorar la animación que viene recibiendo aplausos por la calidad de los trabajos que han lanzado estos últimos años.
¿Saldrá airoso en esta nueva meta en su vida?

Dog es un perro solitario que necesita amigos. Un día decide construir un robot para que sea su nuevo compañero. Todo parece bello e idílico hasta que un infortunio los separa.

Me encanta que la creadora de estos dos bellos seres haya estado detrás del guión. Le da al espectador una seguridad de que el resultado será similar al de las viñetas.
No hay dudas de que es una belleza. Cada escena, el conflicto y los dilemas personales con lo que estos personajes se encuentran.
No pudieron elegir mejor canción para transmitir el espíritu de esta historia. El clásico de «Earth, wind & fire» llamado «September»;  su letra está muy relacionada con lo que sucede en el film.


La relación entre ellos es dinámica y nos ofrece mucha química en las miradas de uno con el otro. La cinta no tiene diálogos pero nos llega a través de las expresiones y/o onomatopeyas que emiten todos. Porque los secundarios también tienen qué «decir».
La animación en 2-D es muy linda y nos genera nostalgia a los que tenemos cierta edad.


Es una hermosa aventura con su momento de ‘shock’, pero digna de un gran resultado. Si el perro es el mejor amigo del hombre, este largometraje será el mejor amigo para el público.

Calificación 9/10

Análisis: Torn Away para Nintendo Switch

Por Marta RG

Viviendo una guerra


Hoy voy a hablaros de un juego duro, crudo y real. Un juego que toca en lo más hondo y nos rompe en trocitos y todo eso con una sencillez magnífica.



Torn Away nos sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Y para girar más la tuerca y hacerlo aún más doloroso seremos Asya, una pequeña niña a la que conoceremos con apenas 8 años y de la que viviremos una evolución de lo más dolorosa. Su padre es llamado a filas y ella es enviada junto a su madre a los campos de concentración.
Estando allí reciben noticias de parte de su familia y Asya luchará por intentar volver a casa y vivir en paz al fin.


Clicka aquí y allí
El juego es un point and click. Una jugabilidad sencilla que suele encajar perfectamente en este tipo de historias ya que, al ser tan básico, nuestra atención se enfoca a la narrativa.
Por su parte, el problema que suelen presentar este tipo de jugabilidades es que tiene que estar muy lograda, porque si no al final se convierte en una mera necesidad que no se disfruta, para poder seguir avanzando y conocer la historia.



En esta ocasión, no está demasiado lograda y se nota algo tosca, especialmente cuando accedemos a estancias más o menos amplias donde la niña se mueve como si de un muñeco se tratase y debemos interactuar con distintos objetos y zonas. Poco a poco el jugador va haciéndose a los controles, pero definitivamente no está demasiado conseguido.
Lo bueno es que, con esas fases, se intercalan otras de avance o actividades en primera persona. Si bien es cierto que algunas siguen quedando bastante extrañas, en general las de avance suelen ser muy llamativas y complejas, que le dan un toque muy bueno e interesante al juego.

También contamos con fases de sigilo, pero aportan poco o nada de variedad ya que nos encontramos de nuevo en un avance lateral mientras nos escondemos.


La belleza en ruinas
Sinceramente lo que más me ha gustado del juego es el apartado visual. El estilo de dibujo encaja perfectamente con la historia que nos están contando. Unas líneas sencillas con una paleta de colores que destaca cuando y donde debe y todo rematado con unos escenarios muy logrados para el poco contenido que tienen. Y considero que esa es la maravilla, lograr transmitir tanto con tan poco para dar esa sensación de dolor, de vacío, de pérdida…

Además del grueso del juego consistente en lo que digo, tenemos una serie de animaciones que sí se sienten algo peor ejecutadas y que emborronan el trabajo logrado por lo demás.
La BSO por su parte, pasa bastante desapercibida y se diluye en el entorno de destrucción y tristeza que genera la imagen.


Conclusión
Sin duda alguna lo mejor del juego es la historia que cuenta y cómo consigue hacer que se encoja el corazón. En apenas 4 horas, empatizarás con la niña y su situación y con la de miles de personas que pasaron por ese sufrimiento.


Pero se queda un poco en agua de borrajas por todo lo demás. El juego tiene una historia muy potente, pero más allá de eso, carece de muchas otras cosas que ofrecen otros juegos de similar temática y queda bastante vacío.
Una apuesta arriesgada que necesita pulir el tema del gameplay para futuros juegos y así ofrecer una experiencia redonda que hará totalmente disfrutable el juego.

Reseña: La Fuerza del cariño

Por María Barci

“Aurora y Emma son una madre y una hija muy unidas, pero con puntos de vista muy distintos sobre la vida. Aurora, que está viuda, es una mujer temperamental pero de buen corazón, y Emma es una joven rebelde que está deseando salir de casa e independizarse; lo malo es que para conseguirlo sigue el camino más convencional: casarse. Por su parte, Aurora tendrá un romance otoñal con un ex astronauta. A través de los años, madre e hija intentan buscar la forma de soportarse y encontrar la felicidad”



Esta obra es una delicia de historia (recuerdo claramente la película protagonizada por las geniales Shirley MacLaine y Debra Winger y el maravilloso Jack Nicholson), entonces creo que fui con una gran expectativa y no digo que la obra de teatro no las cumpliera sino que creo que se quedó un poco a mitad de camino.


Rescato los momentos de comedia, muy bien transitados por dos grandes  como Soledad Silveyra y Osvaldo Laport que le sacan jugo al conocimiento que tienen de cada uno por haber trabajado juntos mucho tiempo, es una delicia ver como confían uno en el otro y eso se agradece. Julieta Ortega está correcta , tiene una escena maravillosa para cualquier actriz, en una despedida aunque puede que no termine de conmover su participación.


Párrafo aparte para Damián Iglesias que convence y mucho en el rol del marido “vago” de Emma, se lo nota cómodo en el papel y transita la obra con solvencia.
Dolores Ocampo correcta en los papeles que le tocan jugar (hace unos cuantos), me gustó mucho en la primera escena cuando acompaña al ex astronauta a la casa luego de una noche de copas, muy bueno ese personaje y ella transitándolo.



La escenografía es hermosa, igual que las luces que acompañan muy bien a la obra.
Me gustaron mucho las escenas filmadas y pasadas como en cine porque completaban momentos muy importantes de la historia
La ropa de Aurora-Soledad Silveyra es hermosísima y termina de armar el look perfecto para su personaje.


Hace mucho que no veía a Soledad Silveyra en teatro y es bueno volver a hacerlo. Es la primera vez que veo a Osvaldo Laport en teatro y está muy convincente en su papel de ex astronauta seductor. Les diría que es una obra para ver, porque la historia es maravillosa y siempre es bueno ver teatro y apoyar a nuestros artistas


Teatro Multiteatro COMAFI
Versión: Federico Gonzáles del Pino y Fernando Masllorens
Elenco:L Soledad Silveyra, Osvaldo Laport, Julieta Ortega, Dolores Ocampo, Damián Iglesias
Dirección: Corina Fiorillo
Música Original: Ángel Mahler
Producción ejecutiva, Marcelo Iambrich, Ángel Mahler, Liliana Mahler
Asistente de Producción: Flor Ungar
Asistente de Dirección y Stage Manager: Virginia Magnago
Diseño de Escenografía: René Diviú
Escenógrafa residente: Vanesa Abramovich
Asistente de Escenografía: Sabrina López Hovhannessian
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Asistente de iluminación: Diego Becker
Diseño de vestuario: Mercedes Colombo
Operación técnica en cabina: Yan Eiras
Vestuaristas: Celeste Buffoni y Patricia Berterreche
Asesoramiento coreográfico: Diego Bros
Maquinistas de compañía: Martina Araujo
Diseño de sonido: Hernán Altamirano y Jonatan Macon
Técnica sonido: Soundac tour rental
Prensa: SMW Silvia Santos & Raúl Casalotti
Diseño gráfico/programa: Martincostas.ar
Fotografía: Alejandra López
Comunicación digital: Rocio Abrodos y Nicolás Mansilla
Progr. Audiovisual en sala: Moreno Pereira
Audiovisual: Matías Sánchez de Bustamante
Aisitente de Dirección/cámara: Sebastián Pessacq
Producción de video: Foli Romero
DF: Gonzalo Ansaldo
Gaffer: Rodrigo Carini
Reflectoristas/eléctricos: Alvaro Carini, Lautaro dell ‘olio y Gustavo Carnero
Producción: Angel Mahler y Marcelo Iambrich
Producción general: Angel Mahler

Reseña: Velorio a la carta

Por Florencia Gorini

Una comedia super divertida! Desde el minuto uno el público no para de reírse!

Cada personaje tiene una caracteristica única y destacada que deslumbra:
El abogado (Fabián Arenillas), la empleada(Celeste Campos) , su dueña( Alejandra Majluf) , el hijo ( Nicolás Maiques) y el difunto (Julián Weich) no hay uno que no se coma la escena.



La historia se centra en una muerte traumática  a partir de la cual se disparan sucesos e imprevistos desequilibrados que llevan tanto a la reflexión como a la risa. Es humor negro.

La coreografía  implementada en escena nos permite transportarnos a los dibujos animados de nuestra infancia,  sumando así  un «plus» en ciertas ocasiones. Corridas rápidas, caidas, peleas simuladas..

La ambientación y decorado presentan lo justo y necesario,no requiere de más ni de menos. Gran idea de mostrar cambio de cuartos de la casa solo con un objeto escenografico, el escenario no tiene mucho espacio para solicitar  demás.


La super recomiendo, es para reir y disfrutar un rato, es sano y agradable. No es apta para todo público. Agradezco haber presenciado el inicio de una gran obra, felicidades a todo el equipo de trabajo ❤

Funciones: Viernes y sábados 22:30 Teatro Regina

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia:
Andrea Szyferman
Actúan:
Fabián Arenillas, Celeste Campos, Nicolás Maiques, Alejandra Majluf, Julián Weich
Vestuario:
Kris Martínez
Iluminación:
Leonardo Muñoz
Pelucas:
Fabián Sigona
Maquillaje:
Alejandra Kaluza
Diseño de escenografía:
Alejandro Goldstein
Realización de escenografia:
Jerónimo Tedeschi
Redes Sociales:
Carolina Guzmán
Música original:
Mariano Gianni
Fotografía:
Nacho Lunadei
Diseño gráfico:
Camila Prunesti
Asistencia de vestuario:
Maria Candelaria Atencio, Iara Bennett
Prensa:
AGENCIA AB – Alejandra Benevento
Producción ejecutiva:
Candela Bravo, Roberto Salomone
Producción general:
Feldman – Santacruz Producciones
Dirección general:
Diego Reinhold

Reseña: Abasto: De amores y encantos

Tuvimos el gusto de asistir al estreno, en el Teatro Bar “Asterión”, del Music Hall “Abasto de amores y encantos” escrito y dirigido por Jorge Camisay. Una historia de amor, desamor y frenesí con 15 artistas en escena y una infinidad de momentos tanto grupales como individuales. 

Algunos de los tracks que acompañaron y marcan la impronta de la propuesta fueron: Give me love- Ed Sheeran; Sweet dreams(are made of this)- versión de Marilyn Manson; Crazy in love- Beyoncé y Rolling in the deep- Adele. Todos “hits” que disfrutamos escuchar. Las partes vocales estuvieron bien, falta trabajo en cuanto a afinación y pronunciación. El sistema de sonido fué adecuado, dos micrófonos condensers de aire para las partes grupales y micrófonos dinámicos para las partes solistas y de duetos. Las luces estuvieron muy bien, buena cantidad de recursos lumínicos y efectos de humo.

Lo coreográfico y el vestuario se destaca por el trabajo en equipo que demanda esta obra y destaca también por su versatilidad, haciendo buen uso del espacio y de recursos para lograr diferentes momentos y climas. Buen ritmo, buena energía y una intención y un manifiesto de y hacia la cultura alternativa y del arte urbano.

Una propuesta no profesional pero con mucha puesta y compromiso en un género nada fácil como el Music Hall, que involucra y exige varias disciplinas en cada uno de los integrantes de este gran elenco. Un elenco con futuro y ganas.

Se pasó bien y se recomienda. Las funciones son los miércoles 21hs en Asterión Teatro, dirección Zelaya 3122.

Matías Vanacor para La Butaca Web

Reseña: Oh, Dios Mio


Con texto de la israelí Anat Gov y traducción del entrañable Juan Freund; nos llega esta puesta que plantea una situación impensable pero muy interesante: una sesión de terapia de un compungido Dios con una terapeuta agnóstica.


Al comienzo coquetea con pasos de comedia desopilantes que juegan con la confusión que provoca la situación en la psicóloga, pero de a poco y casi sin darnos cuenta, la obra va ganando en profundidad y nos lleva por un camino cargado de cuestionamientos y reflexiones sobre el sentido de la vida, la fe y sus limites y la condición humana.
También la prolija puesta de Carlos Kaspar va creciendo en emoción y termina haciendo lagrimear a mas de un espectador, consecuencia acentuada por una musicalizacion acertada.


Un elenco ( Lili Popovich y Juan Ignacio Pagliere) que se destaca en sus interpretaciones, que funcionan entre si con características diferentes, pero que se complementan a la perfección; componiendo personajes creíbles y queribles, con los que el espectador logra identificarse y emocionarse.
En fin, un espectáculo mas que agradable y emocionante, que vale la pena ir a ver y dejarse llevar por esos caminos de risas y reflexiones. Muy recomendable.


Domingos 20:30 hs. Nun teatro bar, Juan Ramirez de Velasco 419


A.R.

Crítica: Duna: Parte Dos

¿Somos el mesías de nuestras mejores visiones o sólo unos falsos profetas de cuentos imaginarios?

¿Las creencias y religiones sirven para darnos esperanza o sólo existen para esclavizarnos y cegarnos en pos de los intereses de terceros lejanos a nosotros?

Dune parte dos es una película épica, colosal, inmensa y contundente. 
Muchísimo mejor que la primera parte.

Repito porque esto es algo muy destacable: Dune parte dos tiene todo lo bueno que se le puede pedir a una película épica de ciencia ficción y por suerte deja atrás todo lo mala que fue la primera parte. 

Dirigida por Denis Villeneuve, que aunque no sea de mis directores predilectos nadie puede negar que hace un grandísimo trabajo en la adaptación de esta semejante obra, crea un blockbuster de ciencia ficción descomunal y aunque este no sea un género que me agrade demasiado y hayan pasado unos pocos días desde que la vi ya tengo ganas de volver a verla. Que no se confunda mi crítica o poco agrado hacia el director con no saber reconocer que hizo un excelente trabajo que muy pocos podrían realizar. Ahora sí luego de reconocer debidamente al director podemos afirmar que no sólo dirige sino que también la escribe junto a Jon Spaihts basados en la grandísima obra literaria de Frank Herbert. La dirección de fotografía está a cargo de Greig Fraser y Hans Zimmer vuelve a componer las partituras musicales que acompañan excelentemente la película. Entre tantos otros realizadores del film.

Cuenta con un extenso elenco de estrellas clase A, donde alguno que otro destaca pese a tener pocos minutos en pantalla y ninguno desentona. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Zendaya (Chani), Rebecca Ferguson (Lady Jessica), Austin Butler (Feyd-Rautha), Christopher Walken (El emperador), Florence Pugh (Princesa Irulan), Stellan Skarsgård (el barón Harkonnen), Javier Bardem (Stilgar), entre otros.

La historia nos sitúa con Paul Atreides, el hijo del rey de una de las grandes casas nobles que reinan en la galaxia y aunque siendo nativos de otro planeta, el emperador de la galaxia les encomienda administrar el planeta Arrakis, anteriormente administrado por la dinastía Harkonnen. Arrakis es uno de los planetas más importantes de la galaxia por su riqueza en especias, que se recolectan para bienes de desarrollo tecnológico y económico. 

Paul se encuentra en la búsqueda de su propio camino, es heredero al trono de su difunto padre y también hijo de Lady Jessica, quien lo acompaña en su epopeya estando embarazada de su hija con la cual se puede comunicar aunque aún no haya nacido, su madre es una Bene Gesserit, una integrante de un misterioso grupo secreto de brujas que entretejen el destino de su realidad y creen que Paul Atreides podría ser ‘Kwisatz Haderach’, algo así como un superhumano y primer hombre capaz de tener los poderes que las brujas Bene Gesserit tienen e incluso una habilidad que ellas no poseen. 

Paul lucha contra sus propias visiones y presunto destino el cual lo convierte en un mesías salvador no sólo en una profecía sino en dos. Tanto las Besse Gesserit creen que es el elegido, al cual el emperador de la galaxia quiere detener para que la profecía no se cumpla y le termine arrebatando su preciado trono. Y a su vez Paul, en su propio viaje más personal por palabras de su madre hacia él, los rumores que va haciendo crecer en los Fremen más vulnerables. Y también empujado por la fuerte creencia de Stilgar, líder Fremen, que dice que Paul es el ‘Lisan Al-Gaib’, como los Fremen llaman al elegido, y al protagonista negarlo, Bardem afirma que es tan humilde como líder mesiánico que no admitirá serlo. Excelente chiste y excelente interpretación.

Simplificando, es el típico monomito, el periplo del héroe. La historia contada mil veces pero que siempre cautiva. ¿Es realmente un héroe? ¿Es el elegido o es un falso profeta?

Pero ahora sí adentrándonos en la crítica de la película. Por lo menos esta sí tiene su propio arco narrativo, y aunque sea la continuación de una primera parte y la preparación para una tercera, es una película que se sustenta por sí sola, y no es el lento bodrio explicativo que fue la primera parte, que claramente no me gustó para nada por varias razones, entre las que están su nula emoción en cuanto a la dirección carente totalmente de lenguaje cinematográfico, las secas y pobres interpretaciones actorales pero en especial el pésimo montaje que parecía ser la edición de un tiktok sobre un videoclip barato en vez del de una obra de este calibre. 

Algo a destacar y una gran mejora con su primera parte es que en esta entrega los personajes importan, y no como en su predecesora que te daba exactamente igual si un personaje vivía o moría, si quería estar de un bando o del otro, en la primera parte no había empatía alguna con prácticamente ninguno de los personajes y en este caso sí. Los personajes a los que se les da minutos de pantalla sí son relevantes, sus acciones y consecuencias repercuten en la historia, no te da igual si mueren o no, si son leales o traicionan a su gente. Y mientras más avanza la trama más importancia ganan, aunque no está de más decir que al tener unos muy buenos dos actos el tercero parece no impactar con la misma épica que el planteamiento y desarrollo de la película. Aún así yo no le exigí demasiado al tercer acto y me gustó pese a parecer algo apresurado para la importancia que los desenlaces se merecían.

Paul Atreides ve en sus visiones la posibilidad de que se desate una guerra santa por la culpa de creerse el mesías salvador del pueblo Fremen, quienes pagarán las peores consecuencias de la guerra, así que intenta no volverlas realidad. Mientras va aprendiendo las costumbres Fremen y ganándose su confianza, en especial la del líder Stilgar, que es interpretado excelentemente por Javier Bardem, y sobretodo de Chani, interpretada por Zendaya, que aunque intentan cargarla de profundidad queda enmarcada en el interés amoroso del protagonista, ojalá en la tercera parte gane mucho más protagonismo, yo creo que así será. Stilgar y Chani le enseñan cómo sobreviven en el desierto de Arrakis mientras defienden la riqueza de su planeta contra los saqueadores de la casa Harkonnen, que luego de traicionar a los Atreides vuelven a ser quienes administren el planeta. 

Tiene grandes secuencia de acción, los protagonistas destruyendo una de las cosechadoras, realmente te pone tenso por la forma en la cual está dirigida, o también la grandísima escena donde Paul Atreides tiene que aprender a montar los gusanos de arena para ser por fin aceptado como un Fremen natural, una secuencia espectacular y un show cinematográfico. Excelente momento de prueba para el héroe.

Y hablando de los Harkonnen, tenemos en el final del segundo acto la secuencia en blanco y negro donde vemos el ascenso del principe Feyd-Rautha mientras a su vez intentan recuperar el control total del planeta Arrakis frente a la resistencia Fremen. Feyd-Rautha, interpretado diabólicamente por Austin Butler, heredero al trono de su tío el barón Harkonnen y aunque sin saberlo también podría ser el elegido por las Bene Gesserit. Tiene una excelente secuencia donde nos revelan algo más del entramado y tenemos una fuerte acción acompañada de una impactante fotografía. Y aunque esta parte es buena y muy aclamada por la crítica, tampoco es que me haya vuelto particularmente loco pero entiendo que sea para muchos de su agrado. Me gustó.

Me destruye que Denis Villeneuve le de gran importancia a las visiones que tiene Paul, eso es un acierto, pero la visión más importante de todas, la que más va a cambiar el transcurso de la historia, la que va a definir la identidad de Paul y la imagen que empezará a reflejar hacia el exterior no sea una visión en sí, sino que se revele mediante el diálogo, aunque apoyada con uno o dos planos es revelada por el diálogo. Lo más importante de todas las visiones que Paul tiene es simplemente un comentario que le hace a su madre, cuando en realidad es algo importantísimo no sólo para él sino también para su familia y aunque al final quiere cargar de épica la revelación de esa visión no logra impactar por el modo en el cual esa información es dada al espectador, podría haber resultado en una de las grandes escenas del film y pasa a ser un torpe diálogo sin más, una pena.

Lo que me pareció un gran acierto es que la película intenta retratar todas las perspectivas de lo que es una religión. Tenemos al mesías, el elegido, quien vuelve realidad la profecía, este mesías, como casi todos los elegidos, no está seguro de serlo y en tal momento tiene que aprovechar a que confían en él para imponerse. Por otra parte tenemos a quienes tejen y crean las religiones, quienes van haciendo correr rumores para manipular la fé de los más necesitados y así utilizar la religión para sus propios intereses. Obviamente tenemos a quienes creen, quienes necesitan que Paul sea el elegido para aún tener la esperanza de ese paraíso verde prometido. Y también la contracara, quienes no creen para nada en Paul ni en ningún falso profeta. Quienes creen en los hombres y mujeres que los rodean, y ponen su cuerpo en la lucha por su pueblo. 

Muy interesante tener todas esas perspectivas y que no parezca algo super forzado al hacer la crítica, ahí sí Denis, mis aplausos. Por último quiero dejar algunos comentarios algo aislados pero que no puedo dejar sin mencionar para cuando también la vean:

Para lo laaaaargo que fue el planteo de la historia en la primera película me pareció muy abrupto el arco de Lady Jessica transformándose en la Santa Madre de los Fremen. Pero es muy interesante verla ya transformada y no entender del todo cuales son sus verdaderas intenciones.

Javier Bardem se come la pantalla cada vez que aparece, me encantó su personaje, me fue un gran alivio que en este solemne film me sacó 2 o 3 sonrisas con sus buenas intervenciones pero también le agregó el drama necesario para su personaje.

¿Es acaso el beso más forzado a pasar y peor grabado de la década? y como si fuera poco, ¿Cómo vas a hacer que Zendaya se ponga celosa? No vale la pena ni aunque te prometan ser el emperador de todo el universo conocido hacerla poner así (aunque en ese plano su interpretación sea brillante).

En resumen es un gran y excelente blockbuster, muy recomendable para quienes le gusten este tipo de películas o quienes quieran pasar un buen rato de entretenimiento, si te gustó la primera parte la segunda te va a encantar pero si no te gustó la primera parte tranquilamente esta sí puede gustarte mucho. Lo que sí: Es una película para ver en una pantalla gigante, con el mejor sistema de sonido posible y lo más cerca de la pantalla que se pueda. Si pueden véanla en IMAX, sé que es mucho más lejos y más caro pero creo que realmente vale la pena verla así, no se van a arrepentir.

Calificación 8.5/10

Por Julián Lloves para La Butaca Web.