Reseña: Regina in concert: show de Paula Cefali

Por Denise González

Es un domingo por la tarde en Buenos Aires. Las calles desiertas que dejó la pandemia se ven un poco más transitadas en las puertas de algunos espacios culturales. En el Regina me reciben con un protocolo de excelencia, desde el ingreso hasta el momento de acomodar a los espectadores en la sala. La función comienza en el escenario de la medida y el estilo justos para lo que será el show a continuación.

Variando entre canto lírico, clásicas baladas en inglés y hasta mariachis, Paula Cefali brinda una carta extensa de propuestas que define como “un viaje en el cual dejar atrás por un momento nuestras preocupaciones”. Invitados especiales de lujo la acompañan en muchas de las canciones: me quedo con el dúo increíble de Barbra Streisand y Celine Dion acompañada de la extraordinaria Laura Manzini, la visita express a México junto a la voz increíble de Luis Podestá, la suavidad del dueto con Anita Co, y el piano sublime y voz de Federico Salcedo.

El show se desarrolla con una confianza familiar, se refleja bien en las palabras de Paula, quien dice haber pensado en esta ocasión como algo formal, pero que finalmente se transformó en comentarios distendidos y risas, desnudando los detalles del show y haciendo al público partícipe de ellos.

Cabe destacar el impacto de los vestuarios de la protagonista: dos vestidos despampanantes, soñados para el reflector.

En resumidas cuentas, un espectáculo adecuado para público general, especialmente para amantes de los clásicos en inglés, abordado en un contexto de calidez y un espacio seguro en tiempos de pandemia. Si algo me llevo son las palabras de Paula Cefali al final de su performance: en locaciones como el Teatro Regina, vale realmente la pena asomarse a incentivar a la cultura, apostar por una puesta en escena interesante y fluida, confiando en que la organización será la mejor para que el espectador pase un buen momento y a la vez se sienta cuidado por un protocolo digno.

Próximos Shows

REENCUENTRO EL SHOW

Sábado 27 de febrero a las 23 horas

Canta Agus Lima

Invitadas: Caro Monteagudo, Berenice Riveros y Giuli Pierri

Piano: Raúl Monteagudo / Guitarra: Pablo Martínez / Dirección vocal de ensamble: Vicky Loescher

Después de un tiempo, finalmente nos reencontramos!

Se viene una noche diferente, con buena música, buena energía, divirtiéndonos y cuidándonos entre todos!

Será un show donde haremos un recorrido de bellas canciones nacionales e internacionales para emocionarnos y disfrutarlo juntos!!!

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LO QUE SE NOS CANTA Y BAILA

Domingo 28 de febrero a las 18 horas

(Artistas por orden alfabético)

Giselle Cánepa, Camila Cobo, Delfina Ipoutcha, Juan López Boyadjian

Tomás Luna, Martín Mena Mauger, Juanjo Moreno

Juampi Ragonese, Dani Rubiatti, Guga Valdez

Dirección: Juan Pablo Ragonese y Tomás Luna / Asistencia de dirección: Guga Valdéz / Diseño gráfico: Visto Gráfico / Vestuario: Salas Vestuario

Un hermoso show en donde se entremezclan las mejores canciones del cine, del teatro musical y populares de todos los tiempos con un gran trabajo vocal e interpretativo complementado con las coreografías maravillosas de la compañía de danza “ConSentido”.

Un show divertido, emotivo y dinámico para todo el mundo que recargará energías para empezar con todo este nuevo año!

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Producción Ejecutiva y Artística de todos los shows

Emiliano Míguez

“¿Nos preguntaron tantas veces por qué? ¿Para qué? ¿Es ahora? Y todos respondimos casi lo mismo, si es ahora porque el arte es esencial, porque el arte nos ayudó todo este tiempo a estar un poco más acompañados en casa. Por eso ahora que hoy de a poco nos toca volver a los espacios a nuestras “casas teatrales” te pedimos que nos acompañes, el teatro es un lugar seguro y nosotros queremos que vengas a disfrutar con nosotros de estos shows”, reflexiona sobre este ciclo de conciertos Emiliano Míguez.

Valor de las entradas para cualquiera de los shows $ 800.-

Consultar promociones

En boletería del teatro y por Plateanet.com

Av. Santa Fe 1235 – C.A.B.A

Reseña: Después de nosotros

Por Daniel Alvarez

Está semana tuvimos el placer de asistir a la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza para disfrutar de la obra “Después de nosotros”, protagonizada por Julio Chávez, Alejandra Flechner y Matías Recalt. Se trata de una conmovedora historia que nos trae el dilema de la responsabilidad cuando los padres deben proteger a su hijo con retraso madurativo, dónde el futuro puede llegar a ser una amenaza debido a que no saben que será del primogénito cuando ellos ya no estén.

Si bien en los inicios la obra se presenta con ciertos toques de humor, dónde el personaje interpretado por María Rosa Fugazot, realiza un pequeño resumen sobre todo lo que ha pasado con la pareja protagonista en los últimos años, y como han hecho para hacer su vida junto a su hijo Federico, quien ha necesitado la protección de sus padres en los últimos 21 años. Ella siendo empleada y cuidadora del joven, habla de más cuando el padre estaba llegando a la casa y logra escuchar las pestes que ella opinaba sobre el. Ante su inminente despido, se abre el drama sobre el padre que se siente desbordado por el cuidado de su hijo, de la madre que ha dejado la pareja y ha encontrado el amor con otra mujer, entre otras cosas. Todo estos sentimientos se han visto difíciles de sobrellevar debido a que siempre ha estado el hijo en el medio, y nos hemos topado en un momento de cambios, dónde los personajes reflexionan sobre el futuro y deben tomar decisiones en favor de la familia y de ellos mismos.

La obra cuenta con buenas actuaciones, sobre todo en el dúo llevado a cabo por Julio Chávez y Alejandra Flechner, que en cierto modo han sido los más afectados debido a la responsabilidad que ellos tienen para su hijo, y que hasta el momento, no han podido expresar todos los sentimientos que tenían debido al rompimiento de su relación. El papel del hijo interpretado por Matías Recalt, nos deja un personaje en el que abunda la inocencia y la bondad, sin hacer demasiado incapié en el tema de su retraso madurativo, la obra nos deja esa sensación de que los malos son los de afuera, ellos son los que tienen problemas y por eso los padres deben estar para protegerlo, pero… ¿Que pasa cuando ya no estén?

En estas últimas palabras me quiero tomar la libertad para pedir amablemente a los posibles espectadores que tengan en cuenta el apagado de los celulares cuando asisten a una obra, ya que lamentable esta se vio interrumpida en varias ocasiones, y resulta un elemento distractor tanto para los espectadores, como para los actores que se encuentran en escena. En cuanto a la obra, ha seguido con tal naturalidad, cosa que se agradece a los actores por el profesionalismo llevado en escena.

Después de nosotros es una obra que nos trae un dilema muy cercano y humano, se trata de una historia que resulta conmovedora, que lejos de resolver un problema de manera drástica, la historia sirve para que los personajes puedan reconocer sus dificultades y encontrar la mejor manera de vivir con ellas.

FICHA TÉCNICA

Autores: Julio Chávez- Camila Mansilla

Música original: Diego Monk

Dirección: Daniel Barone

Elenco: Julio Chávez –  Alejandra Flechner – María Rosa Fugazot – Matías Recalt – Mariano Muso

Asistente de Dirección: Ramón Gaona

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Matías Sendón

Diseño de Vestuario: Mercedes Colombo

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Fotografías: Machado Cicala Morassut

Contenidos Digitales: Alejo Frataslafra

Producción Ejecutiva: Mariana Correa

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

FUNCIONES PRESENCIALES:

 Jueves y viernes a las 20.30 hs.

Sábado a las 20 hs.

Domingo a las 20.30 hs.

FUNCIONES VÍA STREAMING

Todos los jueves 20.30 hs. 

Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza

Valor de localidades presenciales: desde $1500

Valor promocional vía streaming: $900 

Entradas a la venta en boletería o por www.plateanet.com

Análisis: Conarium para Nintendo Switch

Por Castor Troy

Miedo a innovar. Así me siento después de analizar este juego del estudio Zoetrope Interactive (estudio independiente turco creado en el año 2005). Este título fue lanzado en el año 2017 en Pc, Ps4 y Xbox One. Se trata de un juego de ambientación “lovecraftiana” pero pecando de algunos defectos vistos en otros títulos de la misma temática. El protagonista de la historia (Frank Gilman) es uno de los científicos que trata de continuar los pasos de la expedición Upuaut descrita por H.P. Lovecraft en su novela corta “En las montañas de la locura”. Podemos apreciar dos partes claramente diferenciadas. Tenemos una primera parte donde se nos introduce en la historia con un buen nivel de exploración y unos puzzles bien resueltos. Vamos a poder hacer uso de un inventario para almacenar objetos, interactuar en algunas partes del escenario así como realizar anotaciones en un cuaderno sobre diferentes inscripciones que vamos viendo según avanzamos. La segunda parte peca de un tono bastante irregular con altibajos existiendo repetición de escenarios lúgubres, tramos de pasillos insustanciales y enemigos genéricos que hacen que la experiencia de juego vaya perdiendo interés según vayamos avanzando.

El juego destaca por utilizar un motor gráfico bastante habitual (Unreal Engine 4) con unas texturas bastante definidas y escenarios interiores vistosos mientras que en cambio en exteriores se nota que las texturas flojean (el nivel de detalle en los escenarios nevados es flojo). Los controles son sólidos sin abusar de muchas teclas para utilizar y los tiempos de carga entre niveles son razonables. Respecto al sonido es bueno destacando las voces (en inglés) y algún efecto sonoro que nos sumerguen en ese ambiente angustioso.

En resumen nos encontramos con un juego aceptable con unos algunos puntos notables (trama atractiva en la primera mitad del juego y jugabilidad aceptable) pero que no se quedará en la retina de los gamers tradicionales.

Para terminar os recomiendo la lectura del libro “En las montañas de la locura” y os cito una frase del maravilloso escritor en el que se basa este videojuego: “La emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”. Es por ello que mi consejo es que disfrutemos lo máximo posible de esta maravillosa locura que es jugar a videojuegos hasta que este dichoso virus llamado Covid 19 nos permita volver a juntarnos con los nuestros.

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Os quiero 3000:)

Calificación: 6/10

Análisis: Werewolf: The Apocalypse-Earthblood para PS4

Por Jorge Marchisio

Werewolf: The Apocalypse-Earthblood es un juego de rol con tintes de acción, muy al estilo Vampyr, pero centrado en el mundo de los hombres lobos.

La historia es bastante simple, haciendo foco en el personaje de Cahal, un eco terrorista licántropo, que, junto con un grupo de exiliados de su misma especie, emprende una guerra contra una multinacional, que esta afectando a la Madre Tierra.

Como mencionamos en el primer párrafo, el gameplay que se nos presenta en Werewolf: The Apocalypse-Earthblood hace acordar bastante a Vampyr, con secciones bien diferenciadas en las que tendremos que hablar con todos los personajes que nos vamos cruzando, con la finalidad de obtener información de cada uno de ellos, no solo para saber la historia del juego, sino para que nos vayan dando misiones principales o secundarias. En estas conversaciones, tendremos las clásicas opciones de preguntar diferentes cosas, pero que, en sí, es obligación usar todos los interrogatorios que nos dan.

En cuanto a las de acción, podremos ir alternando en nuestro modo humano, y la forma de lobo. En este ultimo estado, podremos infiltrarnos por lugares muy pequeños y seria nuestro modo sigilo, ya que los humanos al vernos así, se nos vendrán encima. Ahí es cuando actuar como una persona común entra en juego, siendo que podremos derribar enemigos desde sus espaldas, o atacarlos de frente con distintas armas. Amén de que podremos usar nuestros instintos animales, al mas puro estilo Wolverine, para detectar cámaras o seguir rastros.

Lo de intercalar ambos modos cuando no estamos en las conversaciones es interesante, pero por desgracia acá entramos en el apartado de las cosas malas. Los movimientos de nuestro personaje a la hora de interactuar con objetos del escenario, deja bastante que desear, tornándose casi robóticos. A eso debemos sumarle una inteligencia artificial bastante penosa, ya que es muy fácil rodear a nuestros enemigos y pasar grandes segmentos sin ser detectado.

En conclusión, Werewolf: The Apocalypse-Earthblood es un buen juego, que aborda la temática de la licantropía pocas veces explotada en el mundo de las consolas, pero que se queda a medias en muchos sentidos. Las buenas intensiones de mezclar el rpg con la acción, no terminan de tapar unos gráficos que se sienten añejos o una inteligencia artificial bastante defectuosa.

Calificación: 7/10

Lo mejor: el toque rpg, las habilidades del lobo.

Lo peor: los gráficos, la inteligencia artificial

Reseña: Othelo (Termina Mal)

Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la sala Caras y Caretas 2037, que ha abierto las puertas para regresar en esta apertura teatral con protocolos, presentando una atractiva cartelera, en la que se incluye la obra Othelo (Termina Mal) los días viernes a las 20 hs. Este espectáculo es una adaptación de la obra del mismísimo Shakespeare, que nos presenta una versión que resulta fiel al relato de aquel personaje dominado por los cellos y que nos lleva a la tragedia. Está representación dirigida por Gabriel Chamé Buendía, nos muestra la historia a través de un lenguaje actual, que se apoya sobre la performance de los actores, tomándose ciertas libertades a la hora de mostrar el humor y la sátira de los acontecimientos, pero que aún así mantiene en todo momento la escencia del clásico de William Shakespeare.

Es difícil poder relatar mediante las palabras sobre las libertades que la obra puede llegar a tomarse , porque en vez de tratarse de una nueva versión del clásico de Othelo, es más una representación en la que nos muestra una mirada más actual para disfrutar la obra de Shakespeare. Cuando digo sobre la mirada actual, no quiero decir que el escenario y el tiempo donde transcurren los hechos se transforman, sino más bien, que en algún momento el lenguaje nos lo muestran más cercano, en función del humor y el entendimiento de referencias de la época de la historia. Si, en muchos momentos notamos que la obra resulta una sátira de la misma historia de Othelo, pero aún así funciona muy bien en lo escénico y lo narrativo gracias a la performance que llevan a cabo los actores, utilizando elementos escenográficos minimalistas, y el múltiple cambios de personajes que lo realizan tan solo cuatro actores. Othelo (Termina mal) es una experiencia que resulta difícil de imaginar si no lo estás viendo con tus propios ojos, y la realidad es que se trata de una propuesta que no deja indiferente a nadie. Creo que aquellos que no son muy cercanos al dramaturgo inglés, se van a encontrar con algo que si bien mantiene su impronta, resulta atractivo y con un lenguaje cercano para que los que no son muy conocedores de su obra. Y para aquellos que si tienen mayor cercanía , pueden llegar a ver una propuesta fresca y bien estructurada, que tal vez podría llegar a gustar a los más reacios a las versiones libres de un clásico.

La labor de los actores es uno de los pilares fundamentales que permite que está obra, así como está formada, llegue a funcionar bien. Si bien el director ha realizado un excelente trabajo desde lo escenográfico y performático, en este párrafo quiero felicitar a los actores que han dejado todo en el escenario a la hora de representar múltiples personajes ,y ser ellos mismos los que guían la imaginación del espectador al ser ellos los que controlan el espacio y la escenografía en todo momento. Existen pequeños momentos en los que se rompen la cuarta pared, en la que hay incluso chistes sobre los cambios que se hicieron en la puesta a raíz de los protocolos de distanciamiento, como por ejemplo, el hecho de que los personajes estén besándose con una radiografía en el medio para evitar el contacto. No digo que la obra apela a la improvisación, sino al contrario, porque está todo perfectamente medido, pero si hay una labor de los actores a ser reaccionarios en momentos para mantener la dinámica del espectáculo.

Othelo (Termina Mal) es una obra que realmente vale la pena ver, primero porque mantiene la escencia de uno de los grandes clásicos de William Shakespeare, y segundo porque le otorga una mirada moderna tanto en lo escénico como en su lenguaje. Los actores dan todo en el escenario, en la interpretación de múltiples personajes, como en la utilización de numerosos elementos escenográficos y audiovisuales, para que sea una experiencia que abra la imaginación del espectador. Excelente propuesta y grandes actuaciones, así que les recuerdo, viernes 20hs en el Teatro Caras y Caretas 2037.

Reseña: Conejo Blanco, Conejo Rojo

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos la oportunidad de disfrutar en el teatro Metropolitan Sura, una propuesta teatral llamada Conejo Blanco, Conejo Rojo. Se trata de una obra teatral en el que cada semana se sube al escenario un actor distinto, y que cuenta con la particularidad de que dicho intérprete no sabe nada del libreto hasta que se encuentra con el público. Este espectáculo ha tenido su exitosa temporada en timbre 4 y ahora pisa la calle corrientes para sumarse a las propuestas teatrales que se exhiben con los protocolos de sanidad establecidos.

Lamentablemente en esta reseña no voy a contar sobre el argumento de la obra, porque así como el actor invitado se encuentra con una sorpresa al subir al escenario, también lo debe hacer el público. Recuerdo que antes de ir a ver la obra, le había comentado a gente cercana más o menos de que se trataba la propuesta, y todos han hecho la misma pregunta. “¿Cómo se hace la obra si el actor no sabe el guión hasta que subió al escenario”? Bueno, eso sí les puedo contar. El actor invitado en esta ocasión fue Agustín Aristaran, más conocido como Radagast. La obra tiene mucho de lectura, de interacción con el público y la representación de ciertas escenas. El libreto también funciona como una guía, siendo consciente de que el actor llega sin saber nada de lo que debe hacer, pero que aún así guarda una historia para interpretar, pensar y reflexionar. Es una realidad que cada invitado va a hacer suya la obra, que le va a dar su estilo y su reacción particular ante lo que sucede. En este caso, el invitado apuntó a la comedia en un inicio, aunque más adelante se ha tomado un tono más serio al darse cuenta de la profundidad que llevaba esta seguida de instrucciones para llegar a un objetivo final.

En cuanto a los protocolos en el teatro, ese día me he encontrado con algo particular y que me parece necesario comentarlo. Justamente había mencionado en anteriores reseñas, que el aforo era del 30 porciento, que se dejaba libre una fila por cada ocupada, y que a su vez dos asientos por cada grupo de asistentes ocupados. Justamente detrás de mi una espectadora hizo un comentario sobre que había gente en la próxima fila, por lo que un empleado del teatro comento que por una nueva disposición del gobierno se aumentó la capacidad, dejando los espacios libres entre espectadores, aunque aumentando la ocupación de filas. La verdad estuvo todo muy bien organizado, a su vez la gente ha respetado el ingreso con distanciamiento, el uso de tapabocas y demás cuidados. Si es una información que es interesante que lo sepan a la hora de querer ir al teatro, y que siempre es necesario mantenerse actualizado.

Conejo Blanco, Conejo Rojo es una obra muy interesante y distinta, que nos presenta una propuesta sólida capaz de brillar por si misma más allá de quien sea el actor que suba al escenario. Igual como recomendación, deberían aprovechar a asistir cuando encuentren un actor que les llamé la atención y que crean que le van a dar una mirada propia a la obra. En esta ocasión Agustín Aristaran le ha dado un toque humorístico, centrado en la participación con el público. En las próximas semanas habrán personalidades como Jorgelina Aruzzi, Mercedes Morán, Peto Menahem. Así que piensen muy bien, que la propuesta les va a resultar muy llamativa.

Las funciones de CONEJO BLANCO CONEJO ROJO se realizarán los viernes a las 20 horas en el Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343.

Los primeros artistas confirmados y sus fechas respectivas son:

·         Viernes 8 de enero: Fede Bal

·         Viernes 15 de enero: Jorge Marrale

·         Viernes 22 de enero: Carola Reyna

·         Viernes 29 de enero: Agustin Aristarain (“Soy Rada”)

·         Viernes 5 de febrero: Jorgelina Aruzzi

·         Viernes 12 de febrero: Mercedes Moran

·         Viernes 19 de febrero: Peto Menahem

·         Viernes 26 de febrero: Louta

Progresivamente se irán informando las siguientes fechas de marzo y en adelante

ENTRADAS EN VENTA EN LA BOLETERIA DEL TEATRO METROPOLITAN SURA Y A TRAVES DE PLATEANET: www.plateanet.com