Crítica: Karnawal

No hay etapa más documentada que la adolescencia. Son toneladas de series, libros y películas que nos muestran el duro paso de la niñez a la adultez.Si bien muchas son representaciones idílicas, descontextualizadas y pop; hay muchos directores que desafían esta norma y nos muestran relatos más intimistas.


Si he de contar las representaciones realistas (que yo considero) sobre la adolescencia,  lo cierto es que mis recuerdos siempre remiten al cine estadounidense, incluso estando en Buenos Aires solo podría pensar en dramas que ocurren acá. Karnawal nos lleva al norte en Jujuy, donde el Malambo es uno de los protagonistas. Cabra (Martin Lopez Lacci) es un adolescente metido en problemas cuya única convicción es competir y llegar  al festival nacional de Malambo. En un entorno familiar difícil y en un ambiente polvoriento en la puna, este personaje usará el zapateo para escapar de su realidad, no obstante la llegada de su padre biológico (el gran Alfredo Castro) redefinirá las cosas.


Karnawal juega entre el drama familiar, el thriller y el drama de superación, en instantes es tensa y en otros se vuelve encantadora a medias, hay una fuerza increíble que transmite Lopez Nacci en sus escenas en solitario durante el baile, también cierta inocencia  con la relación que establece su personaje con el de Alfredo Castro.


El personaje de Castro en este filme la hace remarcable, la ambivalencia entre la protección y violencia que ejerce, destaca un carácter con un destino ya marcado y que no puede formar parte del presente de Cabra. La relación entre ambos no existe pero se intenta reconstruir, el reflejo padre- hijo se vuelve difuso. Karnawal también es un road movie pues varias  de las aventuras ocurren en las carreteras jujeñas. La representación del carnaval juyeño- boliviano la hace interesante pues le agrega color a una historia que no se define del todo en su estilo.


Juan Pablo Félix es el director y guionista de esta obra, su visión nos hace entrar en una atmósfera donde el polvo, el calor y las noches carnavalescas pero sombrías envuelven a estos personajes. El diálogo es preciso y no da muchas resoluciones a la trama pues el objetivo es llegar hacia el cometido del protagonista, así que los trasfondos quedarán a cargo de nosotros. 


Karnawal estrena este 23 de septiembre en Argentina.

Calificación 6.5/10

Crítica: Cry Macho

Por Agustín Villegas

Clint Eastwood vs. La artritis

La carrera de Clint sigue en auge. A el no lo detiene la pandemia, ni la competencia, ni sus 91 años. El tipo no solo protagoniza éste hermoso viaje de autodescubrimiento, sino que también lo dirige!

La historia sigue a Mike Milo (Eastwood), un duro ranchero y domador de caballos que se encuentra en el ocaso de su vida. Tras ser despedido por su edad y su áspera actitud este macho cabrio accede a ayudar a un amigo de guita a traer de México a su conflictivo hijo Rafa, interpretado brillantemente por Eduardo Minet. En el viaje, nuestro heroe, va descubriendo que nunca es tarde para volver a vivir.

Basada en la novela homónima de N. Richard Nash la película se pensó en un principio para que Arnold Schwarzenegger la protagonice, pero el plan se vino abajo y llamaron a Clint, el macho definitivo, para que se haga con el rol principal de ésta idea que le viene al actor como anillo al dedo teniendo en cuenta los paralelismos entre la vida del protagonista y la carrera del interprete/director.

La película se la roba Eduardo Minet como Rafa, haciendo de contrapeso con Mike Miko. Me parece muy copado ver a Clint actuar y dirigir a tan alta edad, si bien su edad se nota y hasta tuvo que tenerse en cuenta en las escenas agitadas de la película, el tipo se sigue viendo convincente en camara.

CRY MACHO es una película que intenta dar un mensaje optimista, sin pinchar donde duele.

Calificación 8/10

Reseña: Edipo En Ezeiza

Pesadillas familiares

Una de las maravillas del teatro son los recursos con que maneja con el tiempo, no siempre son lineales ni tampoco los argumentos, es interesante cuando se encuentran obras impredecibles e inquietantes.

La tragedia de Sófocles ”Edipo”, ha estado muy presente en el teatro actual, en sus distintas reversiones, los dramas familiares han sucumbido en oscuridad dramatúrgica, esta vez Edipo está en Ezeiza o al menos es lo que creemos.

”En los restos fragmentados de un paisaje nacional que varía a cada momento, la familia se somete a feroces interrogatorios con el fin de descubrir al traidor disfrazado, al enemigo infiltrado. A más de un metro no se ve nada. El padre, la madre y el hijo son versiones incompletas y afásicas de un proyecto colectivo que se ha frustrado. Desde el picnic de Ezeiza las identidades familiares se han trastocado y ya no es posible afirmar una causa común ni una dirección. La lucha continúa por otros medios en un plano de realidad inenarrable. ” Es la sinopsis de la obra escrita y dirigida por Pompeyo Audivert.

Edipo en Ezeiza juega a la confusión, nos adentramos en este laberinto argumental que en instantes se vuelve perturbador y exasperante, siendo las dosis de comedia y los rompimientos de la cuarta pared lo que la hace una buena elección.

La obra de Audivert parece haber sido sacada del sueño de un sueño o más bien una pesadilla, pero el lenguaje no es onírico, a medida que vamos transitando encajaremos las piezas para armar.

Francisco Bertín, Hugo Cardozo y Julieta Carrera son los actores que interpretarán a esta trastornada familia que se encuentra en una realidad distorsionada donde los hechos no son los ciertos sino los que ocurren entremedio. La fuerza del personaje de Carrera durante un monólogo en especial hizo que el público (y yo) aplaudiera cuando este terminó.

Edipo en Ezeiza es una confusión hilarante y ambivalente que hará que riamos pero también indaguemos en lo que sucede. No hay mejor cosa cuando el teatro nos hace juego mentales.

Edipo en Ezeiza está disponible los domingo a las 16 horas en el Teatro Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857) Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Reseña: La fiesta de los chicos

Comentarios filosos

Hace 53 años se estrenó en el circuito Off- Broadway Los chicos de la banda de Mart Crowley, show intimista e innovador para el teatro estadounidense, siendo uno de los mayores éxitos independientes que a su vez tuvo su adaptación en 1970 por William Friedkin, un par de años después de su estreno se realizaron adaptaciones en hispanoamérica, en Argentina en 1972 pero solo duró dos días, luego vendrían las dictaduras en el cono sur y las guerras civiles en centroamérica. Conflictos que harían difícil poner en escena esta obra.

Hoy el panorama es distinto al menos acá. Bajo el nombre ”La fiesta de los chicos” se estrena la adaptación argentina de este clásico, esto es gracias a la leyenda viva de Ricky Pashkus.

”Michael organiza en su departamento la fiesta de cumpleaños de su amigo Harold. Están invitados otros amigos gays del homenajeado, irrumpe un “cowboy” como regalo sorpresa y llega una visita inesperada, un viejo compañero de la universidad que siempre se ha proclamado heterosexual. A medida que avanza la noche y el consumo de alcohol se acelera, van aflorando los resentimientos no resueltos entre los invitados. Los conflictos escalan aún más cuando Michael propone un juego de la “verdad”, que terminará terriblemente mal. ” Es la sinopsis de la obra de Mart Crowley, la cual es adaptada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino.

Fer Dente, Nicolá Di Pace, Tomás Fonzi, Tupac Larriera, Nicolás Riera, Alfredo Staffolani, Agustín Suárez, Sergui Surraco y Manu Victoria forman parte del elenco de esta obra. Este grupo de nueve actores harán parte de los invitados de esta fiesta donde más allá de celebrar, los comentarios filosos y revelaciones provocarán tensiones y distancias.

La fiesta de los chicos (Los chicos de la banda) es un clásico que aún sigue vigente, de hecho hace un año se estrenó el remake de la película en Netflix dirigida por Joe Mantello..Los temas que trata dentro de la comunidad homosexual en Estados Unidos durante fines de los sesenta no están desfasados, siguen estando muy presentes y en el mundo occidental.

La escenografía de Mariana Tirantte es meticulosa y atrapante, siendo el color fucsia el que predomina en todo su decorado, lo cual hace del escenario un lugar apacible pero que refleja la artificialidad del protagonista.

Fer Dente es la estrella de la obra, su papel es venenoso y sagaz, pero sin duda Nicolás Di Pace es quien da el humor necesario para romper tensiones en la trama.

La fiesta de los chicos es un relato intimista y reflexivo, el cual nos hace replantear el cómo llevamos nuestras relaciones interpersonales y el alcance de nuestros comentarios sobre los demás. Qué está permitido decir y qué es mejor callarse. Hay que llevar la fiesta en paz y no sonar la cascabel.

La fiesta de los chicos está disponible los viernes (21:30), sábados (22:00) y domingos (20:00) en el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Las Cautivas

Amor elegido

Más allá de la historia oficial que aprendemos en clase, nos perdemos de anécdotas que los historiadores no quisieron documentar, quizá porque no tenían un valor patriota, pero forman parte de la formación de nuestros pueblos. Entre esos hechos puedo señalar las historias de amor.

Por suerte hay dos hechos históricos románticos que están documentados: Camila O’Gorman y el sacerdote Ladislao Gutiérrez durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas en Buenos Aires, en la primera mitad del siglo XIX. La segunda es la del Indio Bamba y Maria Magdalena (hija de un importante hacendado cordobés a mitad del siglo XIX).
Lamentablemente ambas historias tuvieron finales trágicos. Los romances secretos y no aceptados por la sociedad, son condenados.

Las cautivas es la nueva obra de Mariano Tenconi Blanco, la misma es parte de la saga europea: Las cautivas, Las Ciencias Naturales, Las Invasiones Inglesas y Las traducciones, que se estrenarán en las diferentes salas del Complejo Teatral de Buenos Aires.

La compañía Teatro Futuro nos ofrece la historia de un romance prohibido entre una mujer francesa perdida en una misión jesuita, esta es rescatada por una indígena del lugar que se vuelve su protectora y ella su elegida. Ambas mujeres recorrerán el país enfrentando desafíos, descubriendo su sexualidad y forjando un profundo y genuino amor.

Laura Paredes y Lorena Vega son las protagonistas de esta hermosa obra. Una ofrece un relato lírico y jocoso y la otra uno más curioso y directo. Los personajes abstractos, de distintos continentes y culturas se unen por el amor inocente y salvaje.

La escenografía de Rodrigo González Garillo es simple pero encantadora, la cual nos refleja las estepas y todo el paisaje argentino por etapas. Ian Shifres es otro de los protagonistas de esta historia con la música original que compone, logrando tocar en vivo guitarra, piano acústico, flauta, sintetizador, percusión, etc. Shifres nos regala un espléndido perfomance que embellece aún más la presentación.

Las cautivas es una obra inolvidable, divertida, tierna y cargada de una belleza única; donde el romance entre estas mujeres trasciende la colonia y los juicios sociales.

Las cautivas tiene pasión y belleza que todos van a disfrutar en una agradable tarde de sábado el Teatro La Ribera (Pedro de Mendoza 1821), el barrio de La Boca nos abre las puertas a esta obra.

Disponible los Viernes, 19 horas. Sábados y domingos, 17 horas.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Psychonauts 2 para PC

por Angel Sevilla

Ordena tus pensamientos. Bien, eso es. Aclara tu mente, ¡esquematiza tus ideas! Me oyes, ¿no? ¡Soy yo! Soy esa voz en tu cabeza. La  escuchas cuando lees las cosas. ¡Já, hola! ¿Qué tal estás? Reflexiona. ¿Cómo es mi voz? ¿Aguda, suave, áspera, grave? Bien, bien, pues acostúmbrate a ella; la vas a oír durante este análisis. 

Psychonauts 2 es la secuela del afamado juego de psíquicos mentales de 2005. Su director, Tim Schafer, carga a sus espaldas grandes obras como Monkey Island, El Día del Tentáculo o Grim Fandango, juegos muy centrados en su historia, y sobre todo, en cómo contarla. Y es en eso en lo que brilla Psychonauts, porque no tan sólo con dejarnos la mente abierta con un apartado artístico precioso ni con ser un plataformas altamente cumplidor, es en los pequeños detalles del escenario, las frases sueltas de fondo y las metáforas (las infinitas metáforas de la mente) donde se deja brillar. 

La historia que cuenta se desprende enseguida del primer juego, permitiéndonos adentrarnos en su narrativa sin tener nada detrás; un traidor anda suelto dentro del cuartel de los Psychonautas y tendremos que descubrirlo a medida que indagamos en el pasado y en aquello que conecta a todos los maestros de la agencia; un desdichado suceso con un maligno ser llamado Malígula, que amenaza con regresar. Visitaremos las mentes de todos aquellos maestros, cada uno obcecado con una desdicha personal; ludopatía, morriña, falta de gestión del bagaje personal, soberbia,… Todo plagado de una escenografía que, aunque pareciese infantil a primeros ojos, cuenta muchísimo más de lo que parece.

Como juego de plataformas, es muy cumplidor. Las diferentes habilidades que desbloqueamos nos ayudarán a superar múltiples puzles en un mundo amplio, encarrilado en las diferentes fases “mentales” por las que pasaremos. Sin embargo, es evidente que es un juego algo continuista con el formato del pasado, y cosas como el combate y el plataformeo se siente tosco y desfasado. El juego es fácil, pero en varias ocasiones sentiremos que quizá no es sencillo esquivarlo todo o que la combinación de poderes necesarios para derrotar a los enemigos es poco precisa. Aunque de nuevo, el combate es una parte secundaria, y el plataformeo queda muy bien decorado con el atrezzo de alrededor.

Gráficamente podría recordarnos a un programa infantil de animación o un precioso teatro de marionetas. Su estilo de dibujo desenfadado y el diseño artístico son sobresalientes claros, con diseños rimbombásticos que casan perfectamente en su conjunto; larguiruchos cabezones entre rectas rotas y ángulos por todos lados, nos llevarán en una preciosa película que nada tiene de infantil.

En resumen, el juego Psychonauts 2 nos transporta a una manera de narrar y transmitir de alta calidad; siempre es una metáfora tras de otra, para tratar de que nos sentamos identificados con parte de lo que vemos. Todos merecemos un momento en el que alguien arregle cosas en nuestra cabeza, y Psychonauts 2, pese a no ser en absoluto ese su final, explora este mundo sin miedo y con respeto, como un buen humor que a todos haga gracia. Sin duda, una obra de gran disfrute.

calificación : 8/10

Reseña: Lo Escucho

Transferencias

Para el psicoanálisis, la transferencia es la función psíquica mediante la cual un sujeto transfiere inconscientemente y revive, en sus vínculos nuevos, sus antiguos sentimientos, afectos, expectativas o deseos infantiles reprimidos, hacia otra persona.
Advertencia: Nunca hay que enamorarse ni establecer un vínculo muy cercano con nuestro terapeuta. Pero esto es una comedia, así que nuestra preocupación es reír y procurar que no explote la granada.

”Un hombre, simulando ser un nuevo paciente, se presenta en el consultorio del terapeuta de su esposa, impune responsable de su separación, para desenmascararlo y exponerlo. Pero no va solo, lleva consigo una granada, sólo por si fuera necesario hacer explotar todo.” Es la premisa de la obra de Héctor Cabello Reyes.

Gabriel Goity y Jorge Suárez vuelven a sus papeles habituales en esta comedia explosiva en el Metropolitan Sura. Julieta Vallina, Daniela Pal, Ricardo Cerone forman parte del elenco o mas bien desafortunados pacientes.

Julieta Kompel es la encargada de esta meticulosa y bien lograda escenografía, misma que hace símil a un opulento consultorio psiquiátrico. Carlos Olivieri es quien dirige esta frenética obra y coordina todas las situaciones alocadas que acá ocurren para que no se salgan de control y mantengan el equilibrio.

Las claras estrellas son sin duda Gabriel ”El Puma” Goity y Jorge Suárez quienes vuelven con el carisma que los caracteriza desde hace décadas a calle Corrientes con su fiel y asegurado publico.

Lo escucho está disponible los viernes, sábados 21 horas y domingos a las 20:30 en el Teatro Metropolitan Sura (Avenida Corrientes 1343). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Carne de consumo personal

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir al teatro NUN para presenciar una obra llamada “Carne de consumo personal”. Se trata de un monólogo creado e interpretado por Jorge Thefs , dónde nos cuenta en primera persona un relato que trata temas como la gordofobia y la aceptación personal.

Carne de consumo personal sirve como una catarsis hecha monólogo, dónde el intérprete se presenta de una forma distendida hacía el público, pero en dónde luego inicia un intenso texto con un carácter personal. Sus primeras palabras hacen alusión a su peso, que con sus más de 100 kilos actuales, no sabe si vale más vivo o vebdiendose como una pieza de carne. De esta manera presenciamos un relato sobre los prejuicios, no tanto sobre lo exterior que ya conocemos, sino aquellos prejuicios internos, de los que quizá no todos vivimos en carne propia. La obra nos da espacio también para hablar de los amores, los sueños y la superación , la comida puede ser parte de nosotros, pero no es todo lo que nos define.

La obra se lleva a cabo a través de una puesta perfomática, dónde también se realiza un excelente uso de recursos audiovisuales que acompañan de manera inteligente al texto, que si bien es breve, es conciso. Jorge nos deja un excelente trabajo en lo actoral, ya que deja todo en el escenario en sus cuarenta minutos de obra, dónde literalmente expone el alma y su cuerpo para transmitir lo que quiere contar. Justamente hablando del cuerpo, la obra cuenta con un desnudo que ataca cualquier prejuicio, que aunque no sea algo muy usual de ver en teatro, es efectivo a la hora de materializar el mensaje de la obra.

Carne de consumo personal puede parecer una obra desafiante y provocadora, pero en realidad resulta ser la demostración más sensible que un autor puede mostrar en un escenario, su historia en carne propia.

Carne de consumo personal puede verse los viernes a las 23 horas en Nün teatro bar (Juan Ramírez de Velazco 419). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.

Reseña: Taco Gastado

Frutilla, Vainilla y Chocolate de vuelta

Noche porteña, pizza y cerveza y un galpón, cabaret, stand up comedy, drag show y conventillos, ¿Qué puede salir mal?

Chacarita se llenó de risas con el show ofrecido por el trío Cassata el sábado a la noche. ¿El resultado?, pues nada más que mejillas hinchadas.

” Juntas conquistaron a la audiencia desde su debut. Erotizaron a generaciones enteras. Disfrutaron y celebraron las mieles del éxito.
Hoy, con mucho taco gastado, vuelven a reunirse para nuestro deleite.” Es la sinopsis del show que Silvina Chivi Garcia, Mariano Mandetta, Javier Marra, Leticia Vetrano ofrecen en el Galpón Guevara.

Frutilla, Vainilla y Chocolate (Irma, Berta y Pepa). Un trío que triunfó en los 70-80’s y vuelven para celebrar el aniversario de su debut, ya casi que a la edad de su jubilación y con lumbares, con muchos chismes y resentimientos, pero sobre todo mucha tela que cortar y tacos gastados.

Silvina Chivi Garcia, Mariano Mandetta, Javier Marra, Leticia Vetrano tienen una energía increíble y momentos en solitario para poder brillar. Mediante sus puestas en stand up comedy, acrobacias, bailes grupales y humor improvisado, este cuarteto destila veneno, escarcha y un show inigualable para desconectar un sábado a la noche.

El Trio Cassata llega con fuerza al Galpón Guevara con un humor muy drag, mucho lipsync y un espectáculo que hará reír al público adulto y a toda Chacarita.
PD: Estén preparados para un humor picante y +18.

Taco gastado está disponible los sábados a las 22 horas en El Galpón Guevara (Guevara 326 ) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Ghost of tsushima director’s cut para PS5

Ha llegado el momento de retomar la historia de nuestro samurái. 

Desde Sucker Punch nos llegaba en 2020 la interesantísima y curiosísima historia de Jin Sakai, un samurái al que le han arrebatado todo y que luchará por recuperarlo.

Ahora en 2021 vuelven a sorprendernos con la Director’s Cut que incluye varios detalles bastante llamativos en los que nos centraremos. Si tenéis curiosidad por saber qué nos pareció la versión original, podéis verla en la web.

Nuevas misiones en un nuevo mapa

La nueva edición de Ghost of Tsushima nos ofrece una nueva localización, la Isla de Iki donde descubriremos más sobre el pasado de Jin.

Esta isla es más pequeña que las principales y por tanto nos ofrece menos opciones de interacción, no obstante, resulta muy interesante completarla. A pesar de que podemos acceder a ella en cuanto iniciamos el acto segundo del juego, recomiendo hacerlo al finalizar el mismo ya que el nivel de esta nueva zona es bastante elevado y los enemigos suponen un verdadero desafío.

Además de añadir historia y algún que otro enemigo curioso, la nueva zona nos deleita con dos nuevas interacciones y es que, para los más detallistas, ahora podremos acariciar a los monos y gatos de esta zona tras tocar una melodía con la flauta.

Nuevas funciones para la nueva generación

Como era de esperar esta nueva edición del juego trae algunas modificaciones interesantes en cuanto al juego en su versión para PS5.

En primer lugar, destaca la nueva opción de jugado en la que podemos ponerlo en blanco y negro y a 3:4 de pantalla homenajeando el cine de samuráis dando como resultado una experiencia realmente gratificante.

En segundo lugar, han modificado el combate ligeramente en cuanto a que ahora podemos fijar enemigos, aunque personalmente no termino de hacerme a este sistema que me resulta cuanto menos complicado de fijar realmente al enemigo.

En tercer lugar, la guía que ofrece el viento ha variado ligeramente y de manera casi constante y sin apenas notarlo nos irá guiando durante toda nuestra aventura sin necesidad de tener que recurrir a él obligatoriamente.

En cuarto y último lugar (al menos que yo haya notado), contamos un plus consistente en sacarle algo de potencial al mando. Debemos tener en cuenta que este juego ha salido también en PS4 por lo que las actualizaciones no llegan a ser del todo punteras. En este punto encontramos que sí tenemos sonido a través del mando cuando vamos a caballo y que este variará según si vamos por agua, hierba o tierra, pero no tenemos apenas nada más.

En este aspecto, aunque sí ofrece algunas mejoras en cuanto a jugabilidad, no añade apenas contenido exclusivo para la nueva generación por lo que personalmente se me queda algo escaso.

Conclusiones

Si no jugaste Ghost of Tsushima en su momento, ahora ya no hay excusa. La nueva actualización mejora la base (que ya era buena) y añade nuevo e interesantísimo contenido que despejará las dudas que quedaron de la historia principal. Nuevas localizaciones y nuevos enemigos terminan de coronar un excelente juego. Aunque se queda a medias en la nueva generación, completa de manera magistral la anterior.

Calificación 8/10