Crítica: El origen de la tristeza

Gavilán vive en el barrio Viaducto, en Sarandí. Tiene 12 años. Ese es su lugar en el mundo, donde vive él con su familia y sus amigos. Es el estío, el tiempo de vacaciones y de la calle, el fútbol, andar en bicicleta, el tiempo de los planes posibles y de aquellos que son fantásticos. En fin: eso que llaman amistad.
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Gavilán es el apodo de Gabriel sus amigos son el Chino, Tumbeta, Marisa, Alejandro, el Percha. La impronta del sexo, atractivo siempre pero puro misterio en ese tiempo, que es el del fin de la infancia, el del ingreso a las puertas de la adolescencia, las dudas existenciales, la aventura como bandera, la exploración de los límites, el tiempo donde se cree que los adultos no saben nada, la vida pide cuero y se cree que el mundo se detiene cuando uno cierra sus ojos para dormir.
Hay una aventura, un viaje argonáutico en busca del vellocino dorado: en este caso unas barricas de vino a vaciar, en un lugar escondido en lo profundo de la rivera frondosa. Es la Quinta del Mellizo, personaje ominoso y de avería (buena la elección de no hacerlo presente). Llegar y entrar, birlarle el vino y huír: toda una aventura iniciática para estos pequeños pícaros.
Lo hacen, venden el vino y con ese dinero pretenden “debutar” con alguna prostituta, plan que se trunca cuando ya estaban a punto de concretarlo. La muerte de Tumbeta (el más maduro y a su vez oscuro del grupo), en un enfrentamiento con otra bandita es el contacto que tienen con ciertos códigos que, en su futuro y por su entorno, tendrán que manejar. A su vez, la constante presencia de las explosiones del oleoducto, suerte de entidad volcánica, que brinda identidad y al mismo tiempo reclama pleitesía.

Basada en la novela homónima de Pablo Ramos (autor del guión), la película de Frenkel posee algo de la inocencia de “Pelota de trapo” (de Leopoldo Torres Ríos) y de esa mixtura entre lo inefable y lo violento que nutre a “Rumble Fish” (F. F. Coppola).

Hay un exceso en el recurso de la voz en off, que mejor dosificado brindaría un ritmo más fluido a la narrativa.
Buenas actuaciones y un tratamiento de la imagen con toques manieristas hacen de este film un relato atractivo.

Calificación 7/10

ELENCO: Joaquín Gorbea, Belén Szulz, Santiago Mehri, Luciana Rojo, Germán De Silva, Dolores Carballo, Stephania Stegman, Jorge Diez

GUIÓN: Pablo Ramos

MÚSICA: Ernesto Snajer

FOTOGRAFÍA: Eduardo Pinto

DIRECCIÓN: Oscar Frenkel

ORIGEN: Argentina (2017)
A. R Belano

Crítica: La número uno

LA NÚMERO UNO

                   Crítica: Laura Pacheco Mora

     

Emmanuelle Blachey es una brillante ingeniera, casada y madre que ha conseguido escalar y finalmente entrar en el comité ejecutivo de su empresa. Una red de mujeres le ofrece soporte para adquirir el puesto directivo de mayor jerarquía de una de las empresas más importantes, hoy liderada por un hombre. Ella deberá comenzar una verdadera lucha para ganar lo que parecería una guerra y ocupar por primera vez un lugar jamás alcanzado por una mujer… ¿lo logrará?

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En ese mundo de ejecutivos de altos cargos e imponentes edificios empresariales, aún dominado por hombres, Emanuelle nos demuestra sus destrezas empresariales, domina el idioma chino ya que considera que es el camino correcto y hasta obvio para ser empresario. Da lecciones a los hombres, quienes intentan derrotarla a través de estrategias cretinas y la humillan.

La protagonista de esta historia, Emanuelle, inerpretada por Emanuelle Devos, es una ejecutiva líder por naturaleza. Sin embargo, al contemplar el mar en búsqueda de respuestas o quizás consuelo, conocemos a la mujer detrás de la ejecutiva, lo que es una excelente alegoría de la vida, ya que, para lograr la construcción de un personaje tan fuerte, en el pasado tuvo que suceder algo caótico que la marcó para siempre y convirtió en un ser muy frágil que sólo podemos observar a través de su melancólica mirada y cuando está a solas. Es, en definitiva, una empresaria exitosa que esconde una gran pena en su interior.

La actuación de Emanuelle Devos es brillante, también se destaca la performance de Suzanne Clément, quién nos conmovió interpretando a Kyla, en el film “Mommy” de Xavier Dolan, película canadiense altamente recomendada.

El guion resulta muy inteligente e interesante, a la hora de elegir cómo y cuándo contarnos la historia, marcando el tiempo bastante cercano a la vida real, lo que realmente funciona.

Calificación: 8/10

Concierto ilustrado a cargo del músico español José Luis Pastor

 

El sábado 15 de septiembre, en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, tuve el agrado de asistir al “concierto ilustrado” de cuerda pulsada medieval a cargo del maestro José Luis Pastor.

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Este fue el último de una serie de conciertos y charlas que lo trajo a la Argentina, con el patrocinio de la Embajada Española y el Centro Cultural y de Cooperación en Buenos Aires.    

El músico, considerado uno de los mayores especialistas y pioneros de cuerda pulsada medieval, participó en el Festival de AALGA (Asociación Argentina de Laudes y Guitarras Antiguas), dió dos charlas ilustradas: una en el Conservatorio Alberto Ginastera de Morón y otra en el Conservatorio de Música de Buenos Aires Manuel de Falla; y dos conciertos: el primero en el Conservatorio Julián Aguirre de Banfield y este último que pudimos presenciar.

En este ” viaje al pasado” que tan bien describe Pastor refiriéndose a la experiencia de poder escuchar músicas que van desde el S. XII hasta las del Ars nova (S. XIV- XV), se abordan una variedad de géneros musicales, representativos del amplio espectro cultural de la Europa Medieval.

Nos sumergimos en este mundo lejano y maravilloso que significo para la cultura histórica musical el nacimiento de la polifonía y de un sistema de escritura, de la mano de los teóricos del S. XIV Philippe de Vitry, Jacobo de Lieja y Johannes de Muris, que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relación con las demás, de manera que al superponerse las voces podamos fijar con precisión la duración de cada nota y hacer coincidir las mismas con las demás voces. Esto es lo que se llama notación mensural, o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura. Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasas modificaciones.

En la investigación del maestro, teniendo en cuenta que en la música medieval no se escribía para ningún instrumento en concreto, surge la pregunta de cómo el músico de esta época, afrontaría este repertorio a modo de solista, siendo imposible aseverar que así lo hiciera, (…) “aunque los testimonios iconográficos y el sentido común parecieran evidenciar que tanto la interpretación en conjunto como la solista, eran posibles en este periodo” (J.L. Pastor).

Es así, que realizó un estudio sobre la localización geográfica de cada instrumento, compaginándolo con las fuentes documentales iconográficas y literarias, para poder asociarlo a un determinado repertorio. Ante la “(…)insuficiencia de datos o tratados que aborden directamente la interpretación de los instrumentos medievales de cuerda pulsada, se ha optado por convertir los parámetros de investigación en premisas sobre las que edificar un silogismo cuyo resultado es el trabajo que ustedes tienen ante sí, El Arte Medieval de la Peñola.” (J.L. Pastor)

En el concierto, se pudo apreciar un recorrido cronológico, con una cálida y didáctica explicación al principio y al final de cada interpretación, que incluyen las fuentes iconográficas que ayudaron a la construcción de los instrumentos, características musicales de las obras y referencia a las fuentes literarias que hacen referencia a las mismas.

Nos encontramos con un denominador común: La péñola o plectro, que unifica la técnica para ejecutar los diferentes instrumentos de cuerda que se nos presentan, esto cambiaría en el Renacimiento, para poder encarar las composiciones polifónicas con el uso de los dedos, pulsando varias cuerdas a la vez.

Los instrumentos en cuestión que pudimos ver y escuchar en el concierto son: Laud italiano S. XVI-XV, Guitarra medieval S. XV, Cítola S. XIII, Vihuela de péñola S. XIII y el enigmático instrumento de cuerda frotada y antecesor de la zanfoña: la cinfonía S.XII.

Entre las obras son destacables algunas curiosidades que nos muestran en el caso de las pertenecientes al ars nova, elementos que se desarrollarían posteriormente en el período renacentista: En ” Imperayritz de la ciutat ioyosa” (España S. XIV) , ejecutada en guitarra medieval, se aprecia una composición polifónica a dos voces, ” (…) que ha resultado de dificultad alta para colocar las dos voces en el instrumento y ser tañidas con plectro o péñola (…)” (J.L.Pastor) , dado que a partir del S. XIV se daba la práctica de formar parejas de instrumentos para la interpretación del repertorio a dos voces, ” (…) en el que el tañedor principal llevaba su propio tenorista, encargado de tocar las largas notas de la voz del tenor mientras que el primero se lucía interpretando la voz principal.” (J. L. Pastor).

En “De toutes fleurs” (Italia S. XV), original de Guillaume de Machaut ( 1300-77), perteneciente al codex Faenza, del S XV, encontramos el arte de la variación (luego llamadas disminuciones en el período renacentista).

En “Lamento di tristano- La Rotta” (Italia S. XIV), que quizás se refiera al drama entre Tristán e Isolda, una de las principales obras culturales de la edad media, intercala movimientos lentos con otros más rápidos, haciendo reminiscencia de lo que sería posteriormente una suite (cuyo origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del renacimiento).

De más está decir que José Luis Pastor, además de ser un estudioso y un pionero en cuerda pulsada medieval, es un gran intérprete, que consigue, a través de sus muchos años de investigación, representar un período tan difícil y poco documentado (no nos olvidemos que no existía la imprenta); que combina musicalidad, expresividad y virtuosismo con una sensibilidad que conmueve y nos acerca a ese lugar tan lejano pero a la vez tan cercano a nuestro origen.

PROGRAMA:

 

VIHUELA DE PÉÑOLA, s. XIII (Carlos González)

Miniaturas de las Cantigas de Sta. María (España)

– CANTIGAS DE SANTA MARÍA. España, s. XIII. Biblioteca del monasterio de El Escorial. Códice j.b.2

 

CÍTOLA, s. XIII (Carlos González)

Pórtico de la colegiata de Toro (Zamora. España).

– LA VII ESTAMPIE ROYAL. Francia, S. XIII. París, Bibliothèque Nat, fonds français 844C. (Le chansonnier du Roy)

– TROTTO. Italia, S. XIV. Londres, British library, Aditional 29987

 

ÇINFONÍA DE TRASTES, s. XIII (Miguel Ángel Ramírez)

Iglesia S. Esteban, Sos del Rey católico (Aragón. España)

– RECREACIÓN SOBRE MONODÍAS MEDIEVALES, España/Francia, s. XIII XIV. (Varios códices)

 

GUITERNE (guitarra medieval), S. XIV (Carlos González)

Cuadro de Simone Martini (Italia).

–INPERAYRITZ DE LA CIUTAT IOYOSA. España s. XIV. Bibl monasterio Monserrat. Códice Ms1 (Llibre Vermell)

– DE TOUTES FLOURS. Italia s. XV. Faenza, Bibl Comunale 117 (Faenza Códex) Original de G. de Machaut (S. XIV)

 

LAÚD ITALIANO, s. XIV-XV (Joaquín Rodríguez)

Pintura de Francesco dell Cossa (Italia)

– SALTARELLO 4. Italia, S. XIV

– LAMENTO DI TRISTANO-LA ROTTA. Italia, S. XIV.

 

(Es Profesor Superior de Guitarra Clásica por el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, de Sevilla. Premio fin de grado en la especialidad de laúd y vihuela. Ha impartido cursos, conferencias, master clases y conciertos en festivales de Música Antigua por toda España: Sevilla, Madrid, Barcelona, Valencia, Gijón, Bilbao, Granada, Toledo, San Sebastián, Córdoba, Gijón (FEMAG y III Encuentro Mundial de Sociedades del Laúd… Reino Unido: Londres. Lute Society. Bosnia-Hertzegovina: Sarajevo. Winter Festival. Francia: París. Festival “Kalenda maia”. Marselle. Jornadas Medievales (Istres). Italia: Lombardía, Cremona, Mántova, Crema – “Il canto delle pietre”. Portugal: Islas Açores, Lisboa, Lagos, Portimao, Faro, Tavira, Albufeira… y Marruecos (Tánger y Casablanca).

Ha realizado programas y grabaciones para RNE y ha escrito artículos para revistas especializadas (Hispánica Lyra, de la Sociedad de la vihuela). Actualmente es Director del Conservatorio “Manuel Rojas”, de Nerva (Huelva- España), en el que ocupa plaza de Profesor Titular de guitarra. Director del conjunto medieval Axabeba, desde 2012 es director Artístico del Festival de Música Antigua “Castillo de Aracena”.)

 

http://www.axabeba.com/web/

https://www.lindoro.es/catalogo/the-evidence/

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    Laura Pacheco Mora

         Reseña realizada gracias a la colaboración del Profesor de música Pablo Pedraza Fariña.

Crítica: Cara de ángel

Marlène (Marion Cotillard), es una mamá muy particular que vive con Elli, su hija de ocho años. Elli, es una niña muy dulce a la que la mamá le dice “cara de ángel”.

Se nos cuenta una historia sobre una familia fragmentada, conformada por una madre abandónica, con problemas de adicción y conflictos personales.

Marlene, arrastra consigo una gran tristeza y serios problemas afectivos que derivan en un comportamiento errático, voluble, incongruente y que busca tapar, de forma infructífera, con una vida alocada y promiscua.

Marlene, abandona de forma repentina a Elli, por un hombre al que conoce durante una noche de excesos. Elli deberá entonces valerse por sí misma para sobrevivir; es allí cuando se conecta con su vecino al que le pide que sea su padre, él no acepta pero la cuida. Despierta la sensibilidad y ternura del espectador, existen ciertos momentos claves que nos muestran que, a pesar de todo, entre ellas existe un fuerte vínculo afectivo que le da un soplo de aire fresco a este drama actual, profundo y conmovedor.

“Cara de ángel” es una de esas historias crueles que nos golpean la cara y elegimos ver de reojo o ignorar, estigmatizamos y prejuzgamos; suceden más a menudo de lo que creemos y considero que debido a eso no tomamos conciencia de estas tristes realidades que nos rodean. Lo interesante es que podemos asistir a un intercambio errático y enfermizo de roles madre-hija, asumiendo la niña, responsabilidades que poco tienen que ver con su edad y madurez.

Una niña sin niñez, con ojeras, resaca y cansancio, que soporta una realidad agobiante y absorbe diariamente los estragos de la relación.

Crítica: Laura Pacheco Mora.

Calificación: 8/10

Crítica: EL REGRESO DEL HÉROE (Le retour du héros, 2018) de Laurent Tirard

(1° edición del Tour de Cine Francés)

Se trata de una adorable comedia romántica que transcurre en Francia, en 1809. El Capitán Nouville es llamado a luchar en el frente, dejando atrás a su prometida con el corazón roto. Elisabeth, su hermana, decide aliviar su pena escribiéndole cartas a nombre del Capitán haciendo de él un personaje de opereta.

En realidad, el film se focaliza en Elisabeth, una mujer de personalidad un tanto rebelde, pícara y diferente, que no soporta ver a su hermana enfermarse de neumonía y es la única que se da cuenta de la falsedad del pretendiente. Además, no tiene interés alguno en casarse, como contraste de todas las demás mujeres que vemos en la película.

Su acto amoroso, revive a su hermana y podríamos afirmar atinadamente, que “el fin justifica los medios”, frase hecha que aplica aquí perfectamente; ella se recupera y logra formar su familia.

Pasados tres años, el mujeriego (Capitán Neuville), regresa convertido en un vagabundo y completo farsante; ahora deberá la protagonista lidiar con esta situación inesperada, en donde se produce un intercambio y enredo entre unos y otros, de secretos y de mentiras.

Es una historia divertida, excelentemente ambientada a la época, desde el vestuario, locaciones y costumbres sociales. Cuenta con una producción y fotografía excelentes.

Se destacan las actuaciones de los protagonistas Mélanie Laurent (Elisabeth) y Jean Dujardin (Capitan Neuville), quiénes se complementan de manera armoniosa para llevar adelante un plan muy entretenido, generando empatía en el espectador y convirtiéndolo en partícipe y cómplice de ellos.

Crítica: Laura Pacheco Mora.

Calificación: 7/10

Reseña: Cuando llueve

Martes 21 hs, en el Centro Cultural 25 de Mayo, la obra “Cuando llueve” de Anthony Black, con traducción de Rafael Spregelburd.

Hay lluvias de muchas clases, desde la llovizna hasta el temporal. Así esta obra recorre desde el día de sol a pleno, va pasando por un cielo de diferentes matices, cada vez, se va poniendo más gris, hasta que llega el temporal.

La historia comienza identificando a sus personajes: un matrimonio conformado por Alan e Inés. También Ana, la hermana de Alan y pareja de Louis.

Inés maestra de escuela, Louis profesor de filosofía, Ana la escritora inconclusa y Alan el devoto de las estadísticas. El tiempo va transcurriendo, Louis y Ana, se distancian.

A estas dos parejas les pasarán cosas en la vida muy conmovedoras. La pieza, a partir de los disparadores, en cada espectador, levantará conclusiones muy variadas. En mi caso me hace reflexionar sobre la capacidad de resiliencia o no del ser humano, el inconformismo de los que exigen más a pesar de estar afectivamente abrigados, los extremos de la vida: el blanco y el negro.

Es interesante el estilo en el que está contada la historia. La escenografía utiliza recursos de última tecnología. No estamos acostumbrados en estas latitudes a ver efectos escenográficos mediante la digitalización de imágenes.

Además, de los aspectos técnicos, está contada al estilo de una documental, donde los personajes tienen muy bien marcados los espacios de tiempo y lugar. Donde la imagen es un complemento de un guion que ya de por sí es robusto.

Esta pieza es el éxito internacional de la renombrada compañía teatral canadiense 2b Theatre que presentó esta obra en New York, Edimburgo y Mumbai. Ahora llega a Buenos Aires en colaboración con su autor y director original Anthony Black, traducida y adaptada por Rafael Spregelburd quien también actúa junto a Gloria Carrá, Matthieu Perpoint y Moro Anghileri.

2b Theatre es una compañía canadiense con sede en Halifax. Muy reconocida en su país por haberse presentado en más de 45 ciudades y 10 países de los 5 continentes.

En el dossier de “Cuando llueve” Anthony Black, reconoce la importancia de la traducción del inglés original al español, Black dice “ha iluminado nuevas miradas sobre la obra”. Además plantea la necesidad de llegar hasta la médula, con preguntas, a las cuales, los seres humanos insistimos en querer encontrar una explicación, aunque nunca tendremos a ciencia cierta una respuesta. Una de ellas es ¿Por qué hacemos las cosas que hacemos?

Sugiero que no se pierdan “Cuando llueve”, les aseguro que no se van arrepentir. Es una invitación a una llovizna, en la que no necesita paraguas, no se mojarán, pero sin embargo, acompañarán en ese refrán que dice: Siempre que llovió, paró.


Ficha técnico artística

Autoría:Anthony Black

Traducción:Rafael Spregelburd

Actúan:Moro Anghileri, Gloria Carrá, Matthieu Perpoint, Rafael Spregelburd

Vestuario:Macarena Garcia, Leesa Hamilton

Diseño De Proyección:Nick Bottomley

Redes Sociales:Jésica Converti, Yamila Melgarejo Veliz

Sonido:Christian Barry

Fotografía:Juan Pardo Goicochea

Asistencia De Producción:Florencia Bracco, Fernando Vallejos

Asistencia de dirección:Javier Kussrow

Prensa: Duche&Zarate

Producción ejecutiva: Sebastián Romero

Producción: Aldana Illán, Máximo Maciel Bo, Analía Thiele

Producción general: 2b Theatre

Coordinación técnica: Maria Jimena Vidal Alvarez

Dirección: Anthony Black

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
Av Triunvirato 4444 – Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4524-7997 internos 212
Web: http://www.cc25.org/
Martes – 21:00 hs – Del 18/09/2018 al 02/10/2018, Del 16/10/2018 al 23/10/2018 y Del 13/11/2018 al 27/11/2018


Reseña Diana Decunto

Estreno: “Killjoys” por la pantalla de Syfy a partir del 28 de septiembre.

El próximo viernes 28 de septiembre a las 23hs ARG., llega a Latinoamérica la cuarta temporada de “Killjoys”, una serie de televisión creada por Michelle Lovretta (“Lost Girl”), cuyo género combina drama, aventura y ciencia ficción. La historia relata las aventuras de un trío de cazadores de recompensas en un sistema planetario distante y políticamente inestable llamado Quad, el cual intenta permanecer imparcial mientras se está por desatar una sangrienta guerra interplanetaria de clases.

El final de la tercera temporada dejó a los protagonistas esparcidos en los rincones más alejados de la galaxia J, y más allá. Dutch (Hannah John-Kamen) se encuentra en un viaje para enfrentar a su mayor enemigo hasta el momento, mientras que D’av (Luke Macfarlane) y John (Aaron Ashmore) están atrapados en un ascensor en el espacio profundo con Delle Seyah (Mayko Nguyen), quien está embarazada. Están unidos por el conocimiento del nombre de su verdadero enemigo: “La Dama”, una manifestación inconmensurable del mal sin principio ni fin. La Dama está haciendo su jugada y dicho trío tiene algo que ella quiere.

Dutch se ha unido, temporalmente, con su enemigo para luchar contra un mal absoluto, mientras que los hermanos Johnny y D’avin luchan para encontrarla. El comienzo de esta nueva temporada ofrece una mirada retrospectiva a los primeros días de la creación de Killjoys, cuando Dutch y John acababan de conocerse y se dirigieron al sistema de cuatro mundos llamado Quad. Sin duda lo que está en juego ahora es de mayor dimensión y el mundo está aún más extraño, razón por la cual la amistad verdadera del dúo será la que podrá salvar a la galaxia.

El reparto principal de “Killjoys” está integrado por:

Dutch

Hannah John-Kamen

Aún cuando en la superficie luce como alguien simplemente audaz y amante de la diversión, Dutch es una complicada y mortal seductora. Ella tiene un don único para ganarse el respeto y la confianza de la gente, independientemente de su clase. Pero tras sus bromas y los coqueteos que usa para protegerse, en su interior guarda dolor, madurez y una profunda solemnidad. A pesar de permanecer muy cercana a sus compañeros de equipo, siempre ha guardado una parte de su vida para sí misma. Todo gracias a Khylen, el hombre que la crió para ser una perfecta máquina de matar.

D’avin

Luke Macfarlane

D’Avin es muchas cosas: guapo, súper masculino, sarcástico e increíblemente leal, pero es sobre todo, un soldado nato. Desde la infancia soñaba con alistarse en el ejército y su gran experiencia en las tácticas, maniobras y combates cuerpo a cuerpo, lo convirtieron instantáneamente en un miembro del equipo “Killjoys”.

John Jaqobis

Aaron Ashmore

John es disléxico, con problemas de aprendizaje y de lectura, por lo cual siempre fue subestimado, pero definitivamente no debería serlo. Si a John se le dan las herramientas y la tecnología necesaria, él se encargará de arreglar, construir o incluso hacer volar cualquier cosa. Pero no le pidan leer las instrucciones o que crea que es realmente inteligente. Sí, John tiene algunos problemas de autoestima, pero si de algo él está completamente seguro es de su devoción a sus compañeros de equipo.

No te pierdas el estreno de la 4° temporada de “Killjoys” el próximo viernes 28 de septiembre a las 23hs ARG., sólo por SYFY

Crítica: La casa con un reloj en sus paredes

La casa con un reloj en sus paredes es una película de corte familiar que está protagonizada por Jack Black y Cate Blanchett y está dirigida por Eli Roth. Cabe destacar que se trata de una película por demás entretenida , pero tiene algo peculiar, resulta en momentos un tanto terrorífica para llevar a los niños a las salas del cine.

Lewis es un niño huérfano que se muda a la casa de su tío. Pese a que todo parece normal, ese hogar, su tío y su vecina esconden muchos secretos. El extraño tic-tac de un reloj resonando por las paredes de la casa inquieta al pequeño, lo que lo lleva a intentar descubrir los misterios ocultos. Sus descubrimientos desembocan en la apertura de un portal a otro mundo plagado de criaturas mágicas que provocará la destrucción del nuestro si no logra detenerlo a tiempo.

La historia es sencilla pero está bien contada, y se apoya sobre todo en el humor en los personajes de Black y Blanchett. La realidad es que se trata de una comedia de ciencia ficción pensada para la familia , aunque por momento existe un manejo de la tensión y el suspenso, que podría causar algunos sustos tanto a los adultos como a los niños. Esto no quiere decir que el film se maneje mediante un lenguaje adulto , ni que tampoco exista algún tipo de violencia explícita para no calificarla como una propuesta familiar. Sino más bien que en algunas escenas, el suspenso denota algunos tintes de terror, sin mencionar a los muñecos que habitan la casa protagonista, que resultan un tanto demoníacos. La cuestión es, si tus niños no son impresionables a estas cosas , la propuesta es entretenida y divertida , sino es así , seguramente salgan llorando en algún momento del film.

Podemos destacar las actuaciones de Jack Black y Cate Blanchett, aunque es obvio que no están en sus mejores papeles , existe química entre los personajes que hacen bastante llevadero al metraje. El niño protagonista por momentos resulta un tanto insoportable, pero igual, en su conjunto se ha realizado un buen trabajo.

La dirección está a cargo de Eli Roth (Hostel, Death Wish) , cuya incursión en el cine familiar es bastante peculiar. Cómo había mencionado antes , la cinta denota ciertos tintes de terror, que sin llegar a ser un fallo , toca aclararlo antes de recomendarla para llevar a los niños al cine. En cuanto a la fotografía y los efectos especiales , si bien no son muy destacables , se ha realizado un trabajo correcto en la ambientación de los hechos. Su fuerte es el humor y el suspenso que se encuentran perfectamente combinado , cumpliendo su función de entretener. Quizá la cinta decae un poco hacia su final , pero no quita que en general se trate de una propuesta divertida y sin tantas pretensiones.

La casa con un reloj en sus paredes es una película familiar entretenida y con un buen manejo del humor , pero que puede resultar un tanto terrorífica para el público infantil. Con las actuaciones de Jack Black y Cate Blanchett, el film cumple con su cometido de entretener, y a la vez , regalar algunos sustos.

Calificación 7/10

Crítica: Depredador

Depredador marca el regreso de nuestro alienígena cazador favorito , esta vez dirigido por Shane Black. Es una película que se destaca por su humor incorrecto y violencia explícita, fórmula que a Fox le está funcionando bastante bien luego de Deadpool. Se trata de un nuevo capítulo de la saga , que si no te tomas en serio su trama , puede resultar entretenida y que al final te den ganas de ver más.

Con Boyd Holbrook como protagonista, la historia comienza con un agente militar que se encuentra en plena misión y es interceptado por una nave espacial que aterriza abruptamente. Dentro de esa nave hay una especie que termina aniquilando a toda persona presente , excepto a nuestro protagonista. Luego de ello se arma una guerra contra el alienígena llamado “Depredador”, donde siempre hay segundas intenciones de los seres humanos que intentan cazarlo. Así mismo existe una guerra interna entre los depredadores , que puede ser crucial para el rumbo de la humanidad.

Cabe destacar que la película si bien es un sinsentido argumental , resulta muy entretenida si el espectador logra no tomársela muy en serio. El film se destaca por su humor paródico , negro y a veces racista, por una violencia explícita con tintes de terror , dejando una cinta bizarra pero con presupuesto. Shane Black logra marcar su estilo en un reboot , que si bien supone un reinicio de la saga , tiene varios giños que reconoce los hechos de las anteriores películas.

Existe un excelente manejo de la acción , con mucho gore en su haber. Los efectos especiales en algunos momentos resultan un tanto mediocres, pero la realidad es que no busca destacarse en ese aspecto. El diseño de los depredadores están bastante bien , asemejándose lo más posible a los de la saga original.

Se trata de un film pochoclero, que resulta muy entretenido como cine de acción puro. Si vamos a encontrarle verosimilitud a su guión, vamos por mal camino. Su función es entretener , sobre todo con su irreverente humor y la violencia, todo pasa por la violencia…

En cuanto a las actuaciones, tenemos como protagonistas a Boy Holbrook (Narcos, Logan) y a Olivia Munn (The Newsroom, X men apocalipsis), cuyos personajes están bien desarrollados en función a la acción que se quiere llevar a cabo. No es un film que se caracteriza por sus buenas actuaciones , pero todo el elenco está bien dirigido , sobre todo en el equipo que se arma junto al protagonista para combatir a los depredadores, cargado de chistes y sincronía entre los personajes.

Depredador es un reinicio de la saga que no decepciona, que logra destacarse por el sello de su director , acentuando el humor y la violencia explícita en su haber. Para los que no están amigados con la saga , es un buen momento para acercarse al universo depredador.

Calificación 7.5/10

Reseña: Voley: La final

Voley: La final es una obra que combina el teatro físico con el musical, se arma una cancha de voley en medio del escenario, el público puede ser espectador dentro de todos los ángulos que el espacio ocupa. La obra no es sólo un partido de voley , sino un conjunto de historias de personajes sumidos en la tensión que un partido nos trae. Se trata de una propuesta de Nicolás Manasseri , que logra sorprender con su original propuesta y la excelente sincronía de los actores, en una puesta coreográfica y musical.

La obra nos traslada a un escenario donde se va a dar un partido de voley , existen dos equipos dentro de esta historia, el femenino y el masculino. Ambos equipos colaboran entre sí para desarrollar todas las historias, siendo un gran trabajo actoral cuidado hasta en cada detalle.

Cabe destacar el trabajo de todos los actores , que prácticamente dejan todo en el escenario. En sus 60 minutos de duración, los artistas en el escenario cantan , corren , saltan; lo que supone un cansancio físico, pero la obra en ningún momento decae. El trabajo actoral también se destaca en lo musical, el rock se hace presenta en esta puesta , y cada uno de los intérpretes hacen lo suyo con la misma intensidad en que la obra se lleva a cabo.
El ensamble y la puesta, realizados por Nicolás Mansseri y María Fernanda Provenzano, se destacan por su prolijidad, su sincronicidad y su cuidada distribución espacial. Resulta muy efectiva siendo una propuesta en 360 grados , donde el espectador puede disfrutar de la propuesta en cualquiera de los ángulos donde se encuentra , algo que se debe mucho al cuidado trabajo de dirección.

Voley: La final es una original propuesta que nos trae la intensidad de un partido de voley al escenario. Una propuesta perfectamente coreografiada , gracias al trabajo de dirección y al talento de los actores. Es una obra para no perderse, destacándose también la música de Alejandro Roig, y que en su conjunto nos brindan una más interesante puesta en escena.

Funciones :

Viernes – 21.30hs

Espacio Cultural Freire

Capitán Ramón Freire 1090 esquina Zabala – Colegiales