La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Tuvimos el gusto de asistir al estreno de La Cita en el teatro El Excéntrico de la 18°, escrita y dirigida por Javier Grinstein. Actúan Alexis Quartino y Matías Russin, y en la música y performance Manuel Fernández Mendolía y Sol Prieto. El texto es una adaptación de un cuento homónimo del autor, que forma parte de su primera antología de cuentos titulada La memoria de los autores.
La obra narra la historia de un joven que tenía una cita y toma un taxi. Cuando el taxista le dice que para ese lado no va, el joven reclama: «¿vos querés que te pague para llevarte a tu casa?». A lo cual el taxista le responde que lo invita a su casa si quiere, y emprenden el viaje desde Capital hacia Avellaneda.
La puesta en escena es minimalista y además del personaje del joven y el taxista, están dos personajes que asisten en la música y la performance pero desde un lugar interesante, metafísico. Eros y Thánatos son Manuel Fernández Mendolía y Sol Prieto, que musicalizan con guitarra y acordeón, y mueven y dan vida a los elementos del escenario. Pudimos escuchar también de ellos una versión muy linda de Nature Boy, de Eden Ahbez. Alexis Quartino y Matías Russin, el joven y el taxista, nos sostuvieron a tierra con actuaciones muy buenas y diferentes momentos de intensidad.
La obra La Cita propone y sorprende con una narrativa de ficción surrealista, con un equilibrio de los personajes, con ambientes y paisajes cotidianos pero con una originalidad y un criterio marcado. También es enriquecedora la experiencia de conocer el teatro El Excéntrico de la 18° en el barrio de Villa Crespo, ya que es un espacio que este año está cumpliendo 40 años y cuenta con una gran trayectoria, reconocimientos y premios. Fue una muy buena velada. ¡Recomiendo!
Tales of Eternia es, para muchos fans veteranos, el mejor Tales de la era clásica. Original de 2000 en PS1 y con un port muy querido en PSP en 2005, nunca tuvo el reconocimiento masivo que sí tuvieron Symphonia o Vesperia. Este Remastered para PS5 no es solo un lavado de cara: es la versión definitiva que el juego merecía desde hace 25 años.
Si esperabas un remake al estilo Final Fantasy VII, aquí no lo hay. Y se agradece. El trabajo es similar a lo visto en Tales of Symphonia Remastered y Tales of Graces f Remastered.
El juego corre a 4K nativo y 60 FPS sólidos en PS5, lo cual es vital para un juego con un sistema de combate tan rápido. Los sprites de los personajes y los retratos de Mutsumi Inomata han sido completamente redibujados en HD, manteniendo el estilo anime de los 2000 pero sin el pixelado borroso del original. Los fondos prerenderizados, que era el punto más débil, han sido pasados por un filtro de IA y repintados a mano. Se notan más nítidos, aunque si te acercas mucho se nota que no son polígonos nuevos.
Donde sí se nota el salto es en las cinemáticas de anime de Production I.G. Por primera vez se han recuperado los masters originales en 35mm y se ven en Full HD sin el recorte horrible de PSP. Es una gozada ver la intro de nuevo.
Se incluye la opción de cambiar entre banda sonora original y arreglada, y por fin tenemos dual audio: japonés e inglés, con el doblaje clásico de PSP incluido.
El corazón de Eternia siempre fue su Linear Motion Battle System. Para su época era revolucionario y, sorprendentemente, en 2026 sigue siendo uno de los sistemas de combate 2D más divertidos de toda la saga.
Controlamos a Reid, Farah, Keele y Meredy en batallas en un plano 2D pero con movimiento libre. Es rápido, técnico y exige aprender a encadenar Hi-Ougi y hacer cancels.
La dificultad ha sido reequilibrada. En PS1 el juego se volvía brutal en el segundo mundo. Aquí el modo Normal es justo y han añadido un modo Difícil y Caos desde el inicio para veteranos. La campaña principal te llevará unas 35 horas, y si quieres completar todas las Craymel Cages y las armas definitivas, unas 60 horas.
El único punto que no han tocado y que se siente anticuado es el diseño de mazmorras. Algunos puzzles de bloques siguen siendo tediosos y el backtracking entre Celestia e Inferia puede hacerse pesado sin viaje rápido ilimitado.
La historia de Reid Hershel, un cazador de la aldea de Rasheans que se ve envuelto en la colisión entre dos mundos, Inferia y Celestia, no intenta reinventar la rueda. No hay giros políticos complejos como en Berseria. Es una historia clásica de amistad y de «dos mundos que deben entenderse», pero funciona porque sus cuatro protagonistas tienen una química increíble.
Los skits, marca de la casa, por fin están completamente doblados y traducidos al español latino neutro, algo que la versión de PSP nunca tuvo. Ver discutir a Reid y Farah o sufrir los experimentos de Meredy es lo que le da alma al juego. Keele sigue siendo uno de los mejores personajes de toda la saga.
Si vienes de Tales of Arise, lo notarás más simple y lineal, pero con un encanto que los Tales modernos han perdido.
La banda sonora de Motoi Sakuraba es legendaria. Temas como «Celestia Battle» o «Flying» siguen poniendo los pelos de punta. Los arreglos orquestados del Remastered son excelentes, respetan la melodía original pero con instrumentación moderna. Muy superior al trabajo hecho en Symphonia Remastered.
Conclusión
Tales of Eternia Remastered es exactamente lo que debía ser: una carta de amor al fan veterano y la puerta de entrada perfecta para quien nunca jugó la era dorada de Tales.
Si eres fan de Tales, es compra obligada. Si nunca has jugado un Tales clásico, este es, junto a Vesperia, el mejor punto para empezar a entender por qué esta saga lleva 30 años enamorándonos.
Hoy nos ponemos un poco melosos, con la reseña de una película que, sin hacer mucho ruido, se puede terminar colando entre lo mejor de un año un poco flojo en lo referente al cine mainstream. Así que hoy toca hablar de la nueva adaptación de un clásico de Jane Austin, Sensatez y sentimiento.
Para los que no saben de que estamos hablando, vamos a conocer la historia de las hermanas Dashwood, quienes viven junto a su madre y que recientemente perdieron a su padre. Ahora con un futuro incierto, la mayor, Elinor, conoce a Edward; mientras que la del medio, Marianne, a un Coronel y a Willoughby. Ahora ambas deberán lidiar con los azares del destino y el amor.
Alguien mala onda podría decir que la historia es bastante básica o peor aún, vista mil veces; y diría que tiene razón. Pero hay que tener en cuenta que el libro en el que se basan fue escrito en 1811; y posiblemente esta sea la historia original de la que el resto bebió para inspirarse.
Pero hablando de esta adaptación en sí, la verdad es que es buena. Primero porque actualiza algunas situaciones, haciéndolas mucho más cercanas para un público moderno. Pero, sobre todo, por las actuaciones de gran parte del elenco, donde obviamente quien más destaca es su protagonista, Dasey Edgar-Jones.
Todos sabemos el talento de la joven actriz, y acá vuelve a demostrar que es de las mejores de su generación; pero que está muy bien secundada por el resto del elenco. Desde Caitrona Balfe, George MacKay y la joven Esme Creed-Miles, el elenco está muy bien seleccionado y no podríamos decir que nadie lo hace mal. Aunque si hay que destacar a alguien, es a la siempre genial Fiona Shaw.
Eso sí, como dije, Sensatez y sentimiento tiene varias modernizaciones no solo en los diálogos de los personajes, sino en su comportamiento y acciones (esos bailes). Esto es válido aclararlo porque a muchos fans de la novela o la rigurosidad histórica, es algo que podría molestar.
Para aquellos que piensan que se van a encontrar con un plomazo porque hablamos de romance de época, la verdad es que están equivocados. La trama siempre avanza, los personajes hacen cosas y sobre todo, se sienten vivos y humanos. Ningún diálogo se torna pesado o aburrido. O meloso en el caso de los anti amor.
Sensatez y sentimiento es una buena película, tanto para los fans de la adaptación de los 90, de la novela o como en mi caso, si es su primer acercamiento a la obra de Jane Austin. Solo es necesario dejarse llevar por la historia y el carisma de las actrices.
Una de las películas más esperadas de este año por fuera del cine norteamericano, era Godzilla Minus Zero, secuela de Godzilla Minus One y que no solo había sido un éxito de taquilla y crítica; sino que hasta se hizo con la estatuilla de Mejores Efectos Especiales su respectivo año. Con esta vara tan alta nos llega la nueva producción de la Tojo. Veamos si estuvo a la altura.
La película se sitúa unos años después de los eventos de la primera, enfocándose en un grupo de contención contra Godzilla, quien lleva inactivo un buen tiempo. Pero la calma no dura mucho y este grupo paramilitar debe entrar en acción, probando diferentes maneras de aniquilar a la amenaza.
Como dije, las expectativas eran altas con esta película, porque los amigos del país del sol naciente había hecho magia con un presupuesto que en Hollywood parecería ser un vuelto. Y vaya si supieron mantener el estándar de excelencia que habían establecido en el 2023.
Pero volviendo a la película dirigida por Takashi Yamazaki; lo primero que llama la atención es lo bien tratada que está casi toda la parte que involucra a los humanos. Esto es algo que siempre se criticó en las versiones yankis, pero que los japoneses supieron hacer mucho mejor, en especial, a lo referente al equipo de contención de monstruos. Porque ese casi, viene a cuento de que tenemos la subtrama de una familia que, al menos para mí, se hace un poco pesada y come más minutos de los necesarios, siendo que la peli dura casi dos horas y cuarto.
Eso sí, cuando aparecen los monstruos, todo se va al tacho en el buen sentido. Ambos están muy bien diseñados, con el aspecto de titanes pesados que deberían tener. Acá no hay bichos estilizados, no, cada paso suyo es destrucción total. y mejor no hablemos de cuando los bicharracos usan sus poderes.
Para no extendernos de más, ya que Godzilla Minus Zero vale la pena ser vista y sorprenderse en cines, solo queda decir que la vimos en su idioma original, el japonés. No se como estará en castellano, pero bajo ningún punto de vista la vean en inglés con subtítulos. Siendo que la película tiene bastante de la cultura nipona en pantalla, lo correcto sería verla en ese formato.
Boltgun 2 es una secuela directa del primer Boltgun. La historia se centra en el regreso de Vashtorr, el Arkifane, un semidiós demonio que ha puesto en marcha una maquinaria capaz de alimentar la Disformidad con la energía de planetas enteros.
La campaña se estructura en más de 30 niveles distribuidos en varios planetas. Tras completar cada misión, el jugador elige la siguiente ruta, lo que crea un sistema de campaña con ramificaciones y mejora la rejugabilidad.
La narrativa es funcional y sirve como hilo conductor, sin pretender ser el eje central. Es accesible para nuevos jugadores, pero contiene numerosas referencias al universo de Warhammer 40,000.
En cuanto a la jugabilidad, el núcleo es el de un boomer shooter clásico: movimiento constante, gestión de un arsenal amplio, sin sistema de coberturas y sin recarga manual.
La principal novedad respecto al original es la inclusión de un segundo personaje jugarle, con un estilo completamente diferenciado:
Malum Caedo quien es un ultramarine veterano de la guardia y el protagonista del primer juego. Es un personaje pesado y resistente. Su equipamiento se basa en el bólter, la espada sierra, granadas de fragmentación y la habilidad Obliterating Charge. Está diseñado para el combate frontal y directo.
Sororita Nyra Veyrath, Hermana de Batalla es un personaje mucho más ágil.
Combina pistola bólter con espada de energía y utiliza la Melta Bomb como explosivo de alto daño. Su jugabilidad exige un uso constante del sprint, el salto y el desplazamiento lateral.
El diseño de niveles ha mejorado notablemente. Son más cortos, de entre 10 y 20 minutos, más variados y con una mayor verticalidad. Se ha añadido un sistema de navegación asistida que corrige uno de los problemas del primer título.
Además, se ha ampliado el bestiario del Caos, con nuevos tipos de cultistas, demonios menores, unidades suicidas y jefes de gran tamaño.
El juego mantiene deliberadamente una estética retro de sprites pixelados, combinada con iluminación moderna, efectos de partículas y modelados 3D de alta resolución para los escenarios. Los entornos representan catedrales góticas, factorías industriales y estructuras invadidas por biomasa.
En PlayStation 5 funciona a 4K y 60 fotogramas por segundo con gran estabilidad. Los tiempos de carga son prácticamente inexistentes gracias al SSD. El mando DualSense aprovecha los gatillos adaptativos y la vibración háptica para diferenciar cada arma.
Como puntos a mejorar, algunas interacciones con objetos destructibles resultan poco precisas y ciertos segmentos de plataformas requieren una precisión que no siempre acompaña al control, especialmente con Malum Caedo.
La banda sonora es uno de los puntos fuertes. Mantiene el estilo de metal industrial del primero y suma una colaboración especial de Mick Gordon, compositor de DOOM 2016 y DOOM Eternal, para el enfrentamiento final.
Conclusión
Warhammer 40,000: Boltgun 2 no intenta reinventar el género. Toma lo que funcionaba en el original, corrige sus defectos, añade una segunda protagonista que aporta variedad real y ofrece más contenido y mejor ritmo. Es un boomer shooter sólido, muy recomendable para seguidores de los FPS retro y para aficionados al universo de Warhammer 40,000.
La CIA. Amor Eterno, dirigida por Cecilia Gómez, cumplió 15 años y celebró a lo grande en el Teatro Coliseo el pasado martes 13 de octubre.
Danza contemporánea, aérea, acrobacia y circo puestos en diálogo al servicio de crear un lenguaje propio. Un show que incluye el pasado y el futuro. El festejo reúne fragmentos de espectáculos pasados, a la vez que nuevas propuestas. El tango, la electrónica, el despliegue de luces, la escenografía, las proyecciones, momentos corales e individuales de gran precisión: lo que se vivió el martes 13 de octubre fue un verdadero homenaje.
“Amores reunidos”, un espectáculo único que promete la vuelta y el reencuentro. Vendrán muchos festejos para una Compañía que pisa fuerte y plantea un lenguaje en donde los cuerpos van, vienen, caen, vuelan, crean y se sostienen.
Ficha técnico-artística
Elenco: Alejandra Sanmartin, Andres Varani, Chiara Zarfati, Eva Di Leo, Patricia Rumassa,
Lucas Coria, Fernando Rosales, Facundo Varela y Maximiliano J. Nastar y artistas invitados./
Música: Rodrigo Guerra y Luciano Campodónico/ Vestuario: Jonatan Maximiliano Nastar/
Escenografía: Facundo Varela/ Rigging: Rodolfo Aguirre/ Música: Rodrigo Guerra y Luciano
Campodónico/ Luces: Lucas Balestrino/ Video: Camilo Ortiz/ Video de trailer y material depromoción: Pablo Goldberg/ Diseño de la gráfica: Belén Macedo/ Prensa: OCTAVIA
Comunicación/ Producción: Amor Eterno/ Asistente de dirección: Julieta Esquenazi
El público de calle Corrientes también tendrá ganas de esperar a Godot
El gran clásico del teatro del absurdo, Esperando a Godot, llega a la avenida Corrientes con una producción y actuaciones de primer nivel. Una obra que nos atrapará desde el principio, introduciéndonos en un bucle, al igual que sus personajes, hasta el punto de repetirnos: no podemos irnos, hay que esperar a Godot.
Original del dramaturgo irlandés Samuel Beckett, esta obra fue presentada por primera vez hace más de setenta años en París. Sus adaptaciones han ido variando, algunas más libres que otras, pero la directora Pimenta elige una puesta clásica, sin incorporar argentinismos ni referencias culturales locales, y nos ofrece la esencia pura de una comedia que termina convirtiéndose en tragedia.
Protagonizada por un elenco masculino conformado por Daniel Aráoz, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro, Pablo Seijo, Oliverio Beccaria Hermida y Gonzalo Nahuel Aguirre, la obra nos cuenta la historia de dos vagabundos, Vladimir y Estragón, que acuden al atardecer a un lugar donde han quedado en encontrarse con un tal Godot, de quien depende su futuro inmediato. Mientras esperan con impaciencia al misterioso personaje, rellenan los silencios con palabras, juegan y reciben a otros caminantes que los sorprenden, y también a nosotros.
Esperando a Godot puede interpretarse como una espera de la muerte o incluso de Dios. El nivel de existencialismo que atraviesa a sus personajes nos hace pensar que ambos se encuentran en una especie de limbo, uno marcado por la desesperanza, pero también por la dependencia. Vladimir y Estragón no se soportan, pero tampoco pueden vivir separados. Quizá lo único que los mantiene unidos sea el temor a estar solos y la necesidad de seguir esperando a Godot.
El tedio y las repeticiones comienzan a alterar la psiquis de los personajes, pero las situaciones absurdas y cómicas hacen que la obra resulte amena. Logramos simpatizar con ellos gracias a las interpretaciones magistrales de Luis Ziembrowski y Daniel Aráoz. Ambos actores poseen una química única y una fuerte presencia escénica: son el alma y el carisma de esta puesta. Por otro lado, Osvaldo Santoro, como Pozzo, acierta con su interpretación de un hombre rico, repugnante y sin escrúpulos. Pablo Seijo, en el papel del misterioso y esclavizado Lucky, ofrece un monólogo que seguramente hará aplaudir a la audiencia en cada función.
La escenografía es impecable. Vanesa Abramovich se encarga de construir un piso de tablones que lucen frágiles a la vista, colocados como si se tratara de un muelle o un establo. Un árbol escueto cobra protagonismo, mientras que un fondo de bloques proyecta las sombras diseñadas por David Seldes gracias a su iluminación. La escenógrafa también se ocupa del vestuario de los personajes, aportando harapos y trajes refinados que refuerzan sus contrastes.
A pesar de su larga duración (120 minutos), Esperando a Godot atrapa al espectador. El tedio que sufren sus personajes no se transmite al público; por el contrario, la obra consigue entretener y mantener nuestro interés. Un clásico que no muere y una versión fiel a su esencia, con todo el presupuesto y el talento que merece.
Esperando a Godot se encuentra disponible de miércoles a sábado en el Teatro Alvear.
Que el mundo de las series da para todo, ya lo sabemos. Que se mezclan géneros, tampoco es nada nuevo. Pero que eso se haga en argentina, si da gusto porque se sale de la normalidad. Es por eso y por algunos motivos más, que le di una oportunidad a Los Mufas, emitida originalmente por Disney+. Veamos que salió.
La trama se centra en Vicente y Roque. El primero con una condición de mufa que crea desastres allá donde vaya. Mientras que Roque, si bien no es la persona más afortunada del mundo, si está pasando un mal momento. El destino los une cuando Vicente recuerda que el padre de Roque estaba experimentando con él para anular su condición; todo mientras se ven involucradas con el secuestro de la hija de un magnate de los medios.
Si, seguro que cuando hable de que la trama se centraba en un par de mufas, varios pensaron en la película nacional La suerte está echada. Y si bien, aquel proyecto mezclaba el drama y la comedia, esta vez se le suma el policial; por más raro que suene. Y eso se nota cuando se introduce la trama del secuestro; mostrando que Los Mufas no es una serie convencional.
Y es que acá esa atracción a la mala suerte sutileza casi como si fuera un poder. Solo basta ver a alguno de los mufas que salen en pantalla acercarse a alguien, y se activa una especie de onda maligna que le provoca una desgracia. Si bien la serie juega con el absurdo, en ese sentido hay que darle muchas licencias.
Eso sí, los tres géneros se mezclan de forma orgánica, siendo el humor el que va siendo desplazado de a poco hasta casi ser dejado de lado de forma casi total. Y creo que esta decisión se da, justamente, para que la historia no se parezca tanto a la ya citada La suerte está echada.
De todas formas, no esperen una genialidad. Los Mufas entretiene, pero se apoya demasiado en Diego Cremonesi y Daniel Hendler (sus dos protagonistas), porque el resto pareciera tener una sola cara, aparte que, como personajes, todos son o buenos o malos, no hay grises.
Como dije, la serie cumple su función, si no se le pide demasiado. Por como termina, asumimos que no tendremos segunda temporada, lo cual está bien porque la historia es bastante autoconclusiva. Recomendable, pero no para todo el mundo.
Hoy le vamos a comentar una película que por desgracia no tuvo estreno comercial en nuestro país, vaya uno a saber por qué. Pero que, tras verla, y sin encontrarme con una joya, me dieron ganas de recomendarla. Así que sigan leyendo si quieren saber de qué trata The uprising, de Paul Greengrass.
Nos vamos hasta Inglaterra, en el 1381. Un campesino, Ploughman, debe pagar unos nuevos impuestos bastante injustos para con el pueblo, mientras las esferas más ricas a la corona no ceden ni un céntimo. La situación lleva a una revuelta social donde la plebe se alzará en armas contra la monarquía y la iglesia.
Si, la historia (que recuerda demasiado a Robin Hood) ya la vimos mil veces, con el pueblo tomando las armas y alzándose contra un rey o sistema tiránico que los oprime ¿Entonces por qué la vi, y aparte, la recomiendo? Simple, porque la protagoniza el papu Andrew Garfield, quien hace años viene demostrando que es de los mejores actores de su generación, y acá lo vuelve a reafirmar.
Obviamente él es el protagonista; y debido a su aspecto frágil y su gran rango actoral, se nos hace creíble desde el minuto cero que este campesino tranquilamente puede tomar las armas y bajarse a un par de soldados él solito. Es una pena que el resto del elenco (compuesto por Jamie Bell y Mackenze Davis) no estén a la altura.
Y como dije del resto del elenco, esta película es de esas que se sostienen por un solo actor. Toda la trama y escenas giran en torno a la presencia de Andrew Garfield en pantalla; al grado que lo veremos en escena el 99% de los ciento veintiocho minutos que dura The uprising. Es una pena que en el resto de los apartados, la película no lo acompañe.
Porque a lo largo de la trama, veremos varios enfrentamientos entre el pueblo y el ejército del rey; pero todos filmados de forma muy genérica; con planos abiertos para que veamos cuantos combates, pero luego con varios movimientos de cámara y planos cerrados para que no entendamos quien le pega a quien. En ese sentido, esperaba bastante más de Greengrass.
Para ir cerrando, sostengo que The uprising es buena y la recomiendo. Pero tenía un enorme potencial como para posicionarse como de los mejores proyectos del año. Una lástima, sobre todo por el ya nombrado Andrew Garfield.
Hoy volvemos a las reseñas de series, con una que al menos yo; creí que iba a ser más esperada, y sobre todo, más comentada después de su estreno. Y es que la historia de Carrie es de las más conocidas de Stephen King, y si encima la adapta la serie Mike Flannagan, quizás su mejor adaptador. Así que veamos que salió.
Para los que no saben, Carrie trata sobre una niña proveniente de una familia extremadamente religiosa, que, debido a sus creencias, criaron a la niña aislada del mundo. luego de un accidente, Carrie debe empezar a asistir al instituto local, donde las bullies del lugar se la tomaran contra Carrie; quien, a propósito, desarrolla poderes telequinéticos.
Como dije, la mezcla de material con responsable de adaptarlo era ganadora; y ojalá la serie me hubiera gustado lo que pensé que lo iba a hacer. Aunque si siguen leyendo, verán que es más lo positivo que lo negativo. Y, para empezar, hay que nombrar a Summer H. Howell, nuestra protagonista que a más de uno hizo dudar sobre su casting (yo incluido).
Y es que la joven Howell parecía volver a ser otro error al elegir a una chica mega hegemónica que dista bastante de su contrapunto literario. Y l a verdad, que buena cerrada de boca nos metió Howell; ya que su Carrie transmite una fragilidad y bondad que nos recuerda bastante a la interpretada por Sissy Spacek.
Como cabría de esperar, y al estar en una serie, nos vamos a encontrar con algo de relleno; aunque está bien justificado. Y es que el incidente en la ducha desemboca en una cuenta falsa de Instagram, en la que también son humillados los profesores; adentrándonos en la vida personal de ellos en algunas subtramas que, en lo personal, no me interesaron demasiado.
A esto también hay que sumarle que se intentó indagar en la vida de todos los personajes, incluidas las bullys; logrando que intentemos entender porque hicieron lo que hicieron, cuando cualquiera con dos neuronas sabe que el bullying está mal y no hay otra opinión.
Eso sí, el ritmo de la serie nunca se vuelve aburrido, y en todos los capítulos pasa algo importante. De hecho, en cada episodio veremos alguna de las situaciones emblemáticas del libro son fácilmente identificables.
La serie de Carrie es buena, eso no se duda. No es lo enormemente buena que creíamos que iba a ser; pero eso no le quita méritos al resultado final. Eso sí, no hagan una segunda temporada.
