Crítica: El asesinato de la familia Borden

Por Daniel Alvarez

No es la primera adaptación que tenemos sobre los asesinatos de la familia Borden, no hace mucho tuvimos una serie con Cristina Ricci, que nos acercaba una historia de época retratando la vida de la mujer reconocida como “La asesina del hacha”. Este film protagonizado por Kristen Stewart y Chloe Sevigny, no busca aportar nuevos datos sobre este crimen, sino más bien centrarse en el drama familiar y en la relación de sus protagonistas Lizzie y Bridget.

Basada en hechos reales, la historia tiene como objeto los asesinatos de Andrew Borden y Abby Durfe Gray en el año 1982, la única sospechosa del crimen ha sido Lizzie Borden y es en quien se centra este film. La historia comienza con dicho asesinato , una escena breve pero que nos pone en pantalla el final de esta historia. Luego hay un regreso en el tiempo para retratar con mayor profundidad el cómo se han dado las cosas , además de mostrar en escencia la personalidad de Lizzie y la relación que ha tenido con una de las empleadas domésticas.

El film parece como si se olvidara por un momento el hecho del asesinato para intentar meterse en la piel de Lizzie Borden, un personaje que provoca cierta empatía, aunque su desarrollo es bastante lento. Es también este un relato feminista, que busca mostrar con énfasis el carácter de su protagonista, una mujer cuyas ideas van en contra de los pensamientos de la época, es por ello que existe una relación muy conflictiva con su padre, el patriarca de la familia y una figura respetada en su sociedad. Quizá lo mejor que deja este film son los momentos en que la protagonista interactúa con Bridget, la sirvienta con la que tienen muchas cosas en común, los abusos de su entorno y el de la misma sociedad.

Uno de los aspectos que logra sacar adelante la cinta es la actuación de sus protagonistas, donde sobresale una Chloe Sevigny que hace de Lizzie un personaje cautivador y misterioso a pesar de que muchos conozcan su final. Así mismo, logra complementarse con Kristen Stewart, que si bien es un personaje más medido en su carácter, logra complementarse con su compañera con sus diálogos y escenas que denotan erotismo desde un acercamiento simplista.

El director Craig William Macneill falla a la hora de encontrar una estructura narrativa que sea funcional al objetivo de la historia, que es llegar al momento del asesinato , algo que debió mostrarse con mayor dinamismo al haberlo anticipado desde el primer minuto. Si hay un buen trabajo en la fotografía y el diseño de vestuarios que se adecuan perfectamente a la época y a la tonalidad un tanto oscura del relato.

El asesinato de la familia Borden es una película que parte de una premisa interesante aunque no aporte algo novedoso, el problema es que mantiene un desarrollo lento y que se olvida por momentos del conflicto principal de la historia. De todos modos llega a ser un film agradable gracias a las actuaciones de Chloe Sevigny y Kristen Stewart, que mantienen una química particular a través de sus sufridos personajes. Es un film que podría haber dado más de sí misma , pero que de todos modos mantiene el interés.

Calificación 6.5/10

Crítica: Hell Fest: Juegos diabólicos

Critica de Touya Thompson
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Abre un nuevo parque de diversiones itinerante en la ciudad, y un grupo de amigos decide ir a visitarlo. Natalie (Amy Forsyth), quien se encontraba en necesidad de un descanso tras un año de estudiar sin divertirse, accede a la propuesta de su amiga Brooke (Reign Edwards) quien planea presentarle a Gavin (Roby Attal). Lo interesante del parque de diversiones es que está enfocado en el terror, con laberintos con terroríficas figuras y cadáveres, lo cual llevará a que los protagonistas duden a cada momento si los asesinatos y apariciones del “Otro” (Stephen Conroy) serán de verdad o serán parte de las retorcidas presentaciones del lugar. ¿Sobrevivirán los amigos a esta noche? ¿Lograrán distinguir cuando estén en peligro real? ¿Tomarán en serio sus pedidos de ayuda? ¿Quién es este extraño que los acosa?
Un slasher para nada pretencioso, que logra asustar de a momentos, predecible por otros. Mezclando el gore de los 00s con las películas de terror de los 80/90s, la hacen una película que llama la atención. Quedará en el público decidir si El Otro quedará para la historia como Jason, Mike Myers, o Freddy Kruegger como lo hiciera Ghostface en los 90s. Como dato de color, hay un cameo del genial Tony Todd (Candyman, 1992) que es un pequeño guiño a los fanáticos del terror, tal como lo hiciera “Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado” (I Know What You Did Last Summer, 1997). La escena final donde se descubre la identidad del asesino se sale de la norma.
6/10
Abre un nuevo parque de diversiones itinerante en la ciudad, y un grupo de amigos decide ir a visitarlo. Natalie (Amy Forsyth), quien se encontraba en necesidad de un descanso tras un año de estudiar sin divertirse, accede a la propuesta de su amiga Brooke (Reign Edwards) quien planea presentarle a Gavin (Roby Attal). Lo interesante del parque de diversiones es que está enfocado en el terror, con laberintos con terroríficas figuras y cadáveres, lo cual llevará a que los protagonistas duden a cada momento si los asesinatos y apariciones del “Otro” (Stephen Conroy) serán de verdad o serán parte de las retorcidas presentaciones del lugar. ¿Sobrevivirán los amigos a esta noche? ¿Lograrán distinguir cuando estén en peligro real? ¿Tomarán en serio sus pedidos de ayuda? ¿Quién es este extraño que los acosa?
Un slasher para nada pretencioso, que logra asustar de a momentos, predecible por otros. Mezclando el gore de los 00s con las películas de terror de los 80/90s, la hacen una película que llama la atención. Quedará en el público decidir si El Otro quedará para la historia como Jason, Mike Myers, o Freddy Kruegger como lo hiciera Ghostface en los 90s. Como dato de color, hay un cameo del genial Tony Todd (Candyman, 1992) que es un pequeño guiño a los fanáticos del terror, tal como lo hiciera “Sé Lo Que Hicieron El Verano Pasado” (I Know What You Did Last Summer, 1997). La escena final donde se descubre la identidad del asesino se sale de la norma.
Calificación:  6/10

Crítica: Rosita, de Verónica Chen

Crítica de Gonzalo Borzino
Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata

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Dejando atrás las horas laborales de su spa, Lola (Sofía Brito) vuelve a su casa de zona norte solo para descubrir que Omar (Marcos Montes), su padre, dejó a sus dos hijos pre-adolescentes solos, salió con la pequeña Rosita a “comprar zapatillas” y, a pesar de las avanzadas horas de la noche, aún no regresó. En su desesperación, acude a la policía para denunciar la desaparición, descubriendo que su padre esta sospechado por el homicidio de un vagabundo. Pasando las eternas primeras 24 horas, cada segundo le pesa y llega a pensar que pueden estar cruzando la frontera, que su hija está por volverse mercancía… y entonces ambos vuelven, solo pudiendo responder a la afligida madre con excusas vagas sobre lo que paso el día que llevaban fuera de la casa, lo que no hace más que empeorar sus sospechas.

Dirigiendo y escribiendo su sexta película, Verónica Chen (Mujer conejo, Agua) nos propone un vistazo cercano a la privacidad de una familia en guerreada situación: una madre tres veces soltera conviviendo en la casa de un padre colérico y con un pasado delictivo. Acompañando a la trama desde una puesta de planos cerrados, representativos de una secuencia de acontecimientos sofocantes y, a su vez, que denotan el carácter privado y de encierro que los mismos provocan es, en sí misma, una obra circular.

Este thriller social se sustenta del marco de la contemporánea paranoia perpetua provocada por los medios masivos de comunicación, que genera encontrar un enemigo en el más cercano, hasta dentro de nuestra propia familia. Se desdibujan los vínculos, se sabotean los respetos y se termina creando una sociedad de la desconfianza, donde todo acto que no esté alineado se convierte inmediatamente en una dignificación de las sospechas, un germen de antagonismo y conspiración. Historias de abusos que encuentran origen en las personas menos esperadas, naturalizadas por los medios, evidenciado por los niños comiendo frente a la tele mientras esta vomita horrores. Es un daño colateral de la visibilización que se le está dando a estos casos privados, al momento de volverlos públicos en búsqueda de una propagación de herramientas denunciantes.

Omar es un hombre derrotado por su propia orbita de delincuencia, un pasado que no parece querer dejarlo ir, como bien señala su compañero (Luciano Cáceres). La aparición de nuevos datos sobre los antecedentes de un padre que desconoce y rechaza, llevan a Lola a volverse una víctima del miedo, reconociendo en su padre (el cual nunca es llamado padre ni abuelo) a un completo desconocido que podría ser capaz de los peores horrores. En base a esto, llega a tomar medidas tan ridículas basadas en la suposición de que cualquier cosa puede ser. Si los otros, de apariencia más inocente resultan culpables ¿qué esperanza le queda a él?

Presentada en el marco del 33º Festival de Cine Internacional de Mar Del Plata y comercialmente a ser estrenada en el primer trimestre del 2019, esta obra habla del desvinculo, la paranoia y el prejuicio, con una valorización de la vergüenza y el desgarramiento de la decencia. Sufrió percances económicos por cambios en el INCAA durante el último periodo de rodaje, lo que complicó la financiación del proyecto e hizo peligrar su conclusión. Compitiendo en la categoría de cine latinoamericano, esta propuesta resalta por su cercanía con la vida diaria de muchos argentinos, un reflejo digno de nuestra época, que pica en el nervio central de una familia promedio, en una situación tenebrosamente naturalizada, dejándonos un gusto agrio en la boca y la reflexión que no todo es color de rosa.

 

Puntaje: 7.5

Crítica: Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald

Por Agustín Villegas

Johnny Depp suelto en Paris.

El backstory del universo Harry Potter siempre fue digno de adaptarse de forma audiovisual. El laburo que J.K Rowling hizo en como los personajes mencionaban hechos del pasado en los libros (y películas) hizo que la curiosidad del espectador se vea totalmente estimulada. La primer película de estas cinco precuelas que ya estan en el horno fue un proyecto de gran calidad, con un reparto fuerte y una historia fresca que reutilizaba los mejores elementos de las adaptaciones cinematograficas del mago cuatrochi.

¿La secuela mantuvo la calidad? A grandes rasgos se podría decir que sí. Si bien hay un punto en el que la historia se torna muy enredada y repleta de giros argumentales al cuadrado (y hasta el cubo) los personajes mantienen el relato de forma sólida ya que se nos hace casi imposible no empatizar con alguno de estos. Newt Scamander es un personaje que desborda peculiaridad y misterio, en la primera entrega me gusto pero me costaba imaginarlo en cuatro secuelas mas … en esta continuación cambie de opinión.

Johnny Depp como Grindelwald quedó bien gracias a las lineas que le dieron, se noto mucho como los problemas personales del actor influyeron en su desempeño interpretativo. Por otro lado Jude Law como Albus Dumbledore es un caso similar al de Ewan McGregor como Obi-Wan Kenobi, su interpretación no solo le hace honor a la original sino que hasta le ofrece una vuelta de tuerca propia que nos hace olvidar que ya sabemos como va a terminar la historia del personaje.

El enredo argumental y el intento de ser epicos jugaron en contra haciendo un efecto de grandilocuencia excesiva similar al que afecto a la trilogía de ‘EL HOBBIT’. La trama pudo haberse complicado más llegando al tercer film, dejando ésta segunda parte como una introducción al villano y a lo que se viene. Considerando lo gradual que fué la saga Harry Potter en su caída hacia la oscuridad visual y argumental siento que hubiese quedado mejor y mas fiel a la poética de éste universo haber esperado una película más para que todo se desmadre.

Hay unas subtramas muy interesantes, el hecho de dividir la historia en fuerzas en un BIEN vs MAL genero que ciertos personajes tomen caminos que los hacen mucho mas complejos de lo que pensabamos que podían ser. David Yates ya tiene re calado este mundo y hasta se toma el trabajo de innovar con unos planos muy locos a la hora de hacer diálogos íntimos entre los personajes, planos muy poco convencionales en el cine hollywoodense.

La nueva película de ANIMALES FANTÁSTICOS está más que aprobada. El apresuramiento de los guionistas la tiró un poco abajo, pero lo visual y lo actoral corrige esto y me hace querer ver mas de este universo mágico que sigue conquistando generaciones.

Calificación 8/10

Crítica: Unidad XV

Crítica de Diana Decunto
Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata

En este 33th Festival Internacional de Mar del Plata con orgullo se agregó una nueva sección que se llama Galas  en la que está incluida la película UNIDAD XV.

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La historia basada en hechos reales, cuenta sobre la fuga en 1956, de José Antonio, Patricio Kelly, Héctor J. Campora,  alias el tío, José Antonio y John W. Cook del penal de seguridad media de Río Gallegos. Eran presos políticos producto del golpe de estado del año anterior, todos hombres de confianza del Gral Perón, presidente constitucional, quien había sido derrocado y se encontraba exiliado.

Esta película será estrenada en Buenos Aires el jueves 22 de noviembre. El director Martín Desalvo, junto al elenco,  estuvo en la primera presentación en Mar del Plata, en el cine Ambassador, el domingo 11 de noviembre y explicaba que es la primera película que hace de este género policial y que muchos le habían dicho que era una historia real  con características fílmicas.

Las actuaciones principales del actor  Lautaro Delgado en el papel de José Antonio, el actor Rafael Spregelburd en el rol de Cook, el actor Diego Gentile interpretando a Patricio Kelly y el actor Carlos Belloso haciendo de Campora, son un excelente elenco actoral como así también las actuaciones de los roles secundarios.

Es una película interesante, muy bien ambientada a la época, mantiene la tensión, y da muestras de una Argentina violenta. Su director tiene el orgullo de decir que la película trato de respetar la realidad, con lo cual se llega a la conclusión fue una fuga a la cual el cine no se podía mantener apartado, por más tiempo. Aplicando el refrán que dice la realidad supera la ficción.

Quienes estén interesarlo en verla, deberán esperar al estreno en Buenos Aires, porque la película se exhibió solo los días 11 y 12 de noviembre en el cine Ambassador de Mar del Plata y no.

Calificación 9/10

Martín Desalvo

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2018 El padre de mis hijos
2014 El día trajo la oscuridad – Darkness by Day

Nació en Buenos Aires en 1973. Dirigió cortos, largos y series te TV. Su primera película Las mantenidas sin sueños(2005) compitió en el Festival de Rotterdam. 

Reseña: Hidalgo, de María Marull

Por Victoria Seri

No conocía El Camarín de las musas y es un lugar muy lindo y ameno. Tiene oferta teatral para elegir y de la buena. También tiene un bar y una cafetería donde se puede cenar rico.

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El viernes a las 20 hs asistí a la función de Hidalgo (quedan pocas funciones), obra escrita y dirigida por María Marull. Actúan Paula Marull y Agustín Daulte.

En esta oportunidad no me quiero detener escribiendo acerca de la escenografía, ni del vestuario, tampoco de las luces, porque la verdad, la historia es tan fuerte y especial, que no hace falta escribir de nada más. Disfruté de cada momento viéndola.

Paula Marull interpreta a la perfección a una señora que trabaja para una inmobiliaria que se dedica a mostrar y vender departamentos. Susana es una mujer muy comprometida con su trabajo, muy humana, pero que también tiene muchas otras aspiraciones en su vida. Un personaje muy gracioso y a la vez melancólico y dramático. Por otro lado, Agustín Daulte interpreta a un adolescente introvertido y con mucho para decir. Sin embargo, Víctor está a punto de repetir el año escolar por segunda vez. Aparentemente no le importa demasiado su futuro. O al menos eso es lo que parece en el comienzo. Para pasar de año, Víctor debe escribir un trabajo libre sobre el escritor Hidalgo. En conjunto, los protagonistas inventarán la historia que más les convenza sobre este personaje y en el mientras se crea el relato, se conocerán y se ayudarán.

La dupla en el escenario tiene mucha armonía y los actores se complementan totalmente.  Los personajes irán reflexionando sobre la vida, los deseos, el porvenir, el paso del tiempo, la esencia. Hidalgo es una historia simple, sensible y bellísima. ¿Quién en algún momento de su vida no sintió que su vida la ha pasado por encima, está disconforme y solo ve un rayo de luz, en el fondo, en el deseo de dejar todo y comenzar de nuevo, haciendo lo que le apasiona y le gusta?

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Actúan: Agustín Daulte y Paula Marull

Dramaturgia y dirección: María Marull

Reestreno 2018: viernes 16 de marzo 2018. Funciones: viernes 20 hs. Duración: 60 minutos

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655

http://www.elcamarindelasmusas.com/

Entradas: $300 y $240 (jubilados)

2×1 para menores de 30 años y Club La Nación

Discovery presenta su nueva serie “Polo: Herencia de gloria”

Gracias a la gente de Discovery pudimos asistir al evento que nos presentó el primer episodio de su nueva serie llamada “Polo: Herencia de gloria” . Se trata de una producción que nos invita a conocer la historia de un deporte de excelencia en nuestro país, donde a través de sus seis capítulos nos adentra en el recorrido y la cultura del polo argentino.

El pasado 13 de noviembre estuvimos en Village Recoleta en la Avant premiere de esta serie llamada Polo: Herencia de gloria. Allí asistieron, además de la prensa , grandes personalidades que han hecho del polo, un deporte de gran excelencia en nuestro país, y es por ello que son los protagonistas de esta nueva serie de Discovery. Ellos nos cuentan desde su experiencia lo que significa este deporte y porqué es tan especial en nuestro país , ya que aquí nacen los mejores jugadores del mundo y una de las competencias internacionales más importantes: El abierto de Palermo.

Entre los protagonistas de la serie , están la familia Heguy y la familia Araya , que han sido los mayores exponentes del deporte. Así también tenemos a polistas como Javier Tanoira, Gonzalo Pieres y Eduardo Novillo , que nos cuentan su experiencia dentro y fuera del campo de juego.

Este programa se estrenará el próximo 17 de noviembre en la pantalla de Discovery a las 23hs del sábado, que también tendrá su emisión por la pantalla de Telefé.

Con esta producción original de 6 episodios, Discovery se propone arrojar luz sobre la cultura del polo en la Argentina, los clubes que la sostienen, las estrellas que brillan local e internacionalmente, los equipos que conforman las mejores organizaciones del mundo, su mística y la íntima relación que existe entre el hombre y el caballo.

Daniel Alvarez

Crítica: Hellfest: Juegos diabólicos

“Hell Fest: juegos diabólicos” (EE.UU.) dirigida por Gregory Plotkin – Crítica de CJ Colantonio.

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Para quien sea amante de las películas de género slasher, ésta es una cita obligada porque queda claro que este es el comienzo de una nueva zaga -a mi modo de ver- ó eso es lo que intentan.  Es muy posible que pueda tener cierto éxito en un momento donde desde Scream de Wes Craven no pasa nada y donde la heroína es una mujer astuta.  Es más, este arquetipo es el que ayudó a redefinir a los héroes y heroínas clásicos estadounidenses.

Para quien no conozca el término, se trata de películas que tuvieron su auge con “Halloween” de John Carpenter y “Viernes 13”, y donde un enmascarado guiado por el deseo de venganza (alguien lo humilló) asesina brutalmente a cuchilladas -de ahí el término- o hachas, sierras eléctricas y machetes- pero a jóvenes de padres ausentes y que están en el momento donde sus hormonas se encuentran descontroladas.

En tal caso, es decepcionante, encontrarse cómo se desaprovecha un género que despertó en el público tanta curiosidad y fanatismo.  Acá sólo habrá un que otro beso y una sola situación para taparse la cara. El público joven que podría comenzar a interesarse no estará invitado y el que como yo espera algo más, volverá a los clásicos.

EXTRAS: El Director ha sido editor de GET OUT (película de terror psicológico, ganadora del Oscar al mejor guión) y cuatro películas de Actividad Paranormal, además director de la sexta entrega de ésa saga.

Escrita por Seth M. Sherwood, Blair Butler y Akela Cooper, desde una historia de William Penick, Christopher Sey y Stephen Susco).

(Calificación: 6/10).

Reseña: Los nadadores, de Laura Santos

Por Victoria Seri

Los Nadadores es una obra escrita y dirigida por Laura Santos. Se reestrena en Zelaya, espacio situado en Zelaya 3134, Abasto, Capital Federal y las funciones serán en noviembre y diciembre a las 21 hs.

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Zelaya es un lugar muy interesante, se encuentra bien localizado, en una casa en los alrededores del Shopping Abasto. El espacio teatral es muy particular ya que la sala está en el fondo del jardín de una casa, al lado de la pileta, en lo que sería el quincho.

Es la primera vez que asisto a un lugar con estas características y me ha sorprendido gratamente la dinámica, y como es aprovechado el lugar. Hasta el jardín se convierte en bambalinas. Esta particularidad transforma en momentos sumamente reales tanto las salidas del escenario como las entradas hacia él.

La obra trata sobre un grupo de personas que han decidido alejarse de la gran ciudad, eligiendo experimentar la tranquilidad de vivir en un pueblo, como así también el enigma de transitar por un lugar donde está todo por pasar y también por resignificarse. El pueblo está abandonado y ellos quieren repoblarlo, pero ese sueño de repente se trunca cuando en el lago se ahogan tres nadadores. Ese deseo, esa utopía rápidamente se desmorona. Sin embargo, este grupo heterogéneo mantendrá sus personalidades y esencialmente sus formas de ser, llevándonos por un viaje interesante de posibilidades y relaciones que nos hará pensar que lograrán alcanzar su cometido. Yo creo que mientras estén juntos podrán hacerlo.

Lo interesante de la propuesta es que en la obra se mezclan distintos lenguajes que mantienen condimentada a la historia. Los recursos audiovisuales que se muestran fueron bellísimamente filmados, en locaciones maravillosas, que transmiten mucha paz. La obra logra tener un equilibrio entre la música, lo visual y la actuación.

Todos los actores hacen un muy lindo trabajo. Cada uno de ellos tiene momentos individuales que permiten conocer un poco más sobre las características de cada personaje. La unidad del equipo se refleja en la última escena donde hay música en vivo, todos terminan cantando y es un momento especial que se transmite al público. Muy entretenida.

Ficha Técnica

 

Elenco: Julieta Caputo, Juan Castiglione, Eduardo Ferrer, Antonella Saldicco, Paula Staffolani, Gianluca Zonzini y María Villar

Locutor Español: Jesús Villegas

Voz en off de Nadadores: Mariano Sayavedra, Marcelo Mininno, Juan Bianco

Visuales, Diseño y Fotografías: Ian Kornfeld

Cámara: Ian Kornfeld & Laura Santos

Música original: Eduardo Ferrer

Luces y Espacio: Agnese Lozupone

Vestuario: Lara Gaudini

Realización de escenografía: Santiago Rey

Realizadora de vestuario: Belén Rubio

Técnico de sonido: Facundo Goméz

Grabación en estudio: Franco Antonelli

Mezcla de canciones: Eduardo Ferrer & Ian Kornfeld

Asistencia de dirección: Julia Perette

PR+Media+CM: Mutuverría PR

Producción en Bolívar: Laura López

Producción: Rodrigo Pérez

Texto y dirección: Laura Santos

 

Duración: 70 minutos

Crítica: Two Basilicas

Critica de Diana Decunto
Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata

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Documental del director Heinz Emigholz, en el marco del 33th Festival de Cine de Mar del Plata.  Muestra dos iglesias,  una catedral gótica italiana y una iglesia neogótica danesa,   con estilos diferentes de alrededor del siglo XVI. La filmación es excelente, estimo ha sido realizada con ayuda de drones, es un paneo de interiores y exteriores, con diferentes luces, con sol y nublado. La única crítica que le haría es la falta de un subtitulado o voz en off que describa más detalladamente que se está viendo. Tiene un cartel al comienzo y luego es un despliegue de imágenes que se van mostrando como quien desenrolla una alfombra.

La cámara y edición son excelentes, en el lugar y momento adecuado. La fotografía es destacable como logra rescatar la solidez de las obras arquitectónicas que tienen cinco siglos o más y se las ve, hoy,  fuertes y robustas.

Viendo este film no puedo evitar  preguntar ¿Cuántos siglos más durarán? ¿Qué evidencias  históricas guardaremos de lo que alguna vez fue? ¿Tal vez en algún momento se presente la necesidad de implotarlas,  porque todo tiene una vida útil? Por eso me parece que esta documental formara parte de la historia y el otro interrogante es ¿cómo se hicieron estas construcciones? Hay fuerza, importancia en la estética, prolijidad, detalle, calidad en el material, precisión cuando no existían excavadoras, ni grúas, ni palas mecánicas, ni diversidad de materiales como hoy. El material se reducía a madera, piedra y ladrillo al horno. Y me surgen más dudas. ¿Por qué la construcción de hoy  no intenta cuidar la estética con tantas herramientas que si lo permitirían? Muchos a los cuales lean mi reseña y que no es difícil encontrar que sepan más que yo sobre construcción y arquitectura, me repliquen que los edificios modernos siguen otro estilo de estética a la cual contestaré que si pero actualmente la estética está subordinada a la funcionalidad y no es un fin en sí mismo, como evidentemente lo fue en épocas pasadas.

Ya está fuera de cartel, porque estuvo el 11 y 12 de noviembre en el cine Ambassador.

 

Calificación 9/10

Duración 36 minutos

Director Heinz Emigholz

 

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2017 Bickels: Socialism
2007 Streetscapes [Dialogue]
1984 Die Basis des Make-Up


Nació en Alemania en 1948. Es director, escritor, dibujante, productor y profesor de cine en European Graduate School en Saas-Fee, Suiza. Dirigió más de 15 largometrajes; entre ellos, Schindler’s Houses (2007, 22º Festival).

 

Reseña Diana Decunto

Consignas.de.radio@gmail.com