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En esta obra vemos la historia a través de los ojos de Christopher, un adolescente con la condición del espectro autista que tiene una sensibilidad y una visión del mundo completamente diferente.
Cuando se entera de la misteriosa muerte de Wellington, el perro de su vecina, inicia una investigación casi detectivesca para encontrar al culpable. Sin embargo, junto a los personajes que se va cruzando en el camino, nos vamos dando cuenta del verdadero misterio de la trama: el caso del can es solo un MacGuffin, una excusa brillante para destapar el pasado, los secretos guardados y la complejidad de los vínculos familiares. De esta forma, la obra se convierte en un espejo de cómo el entorno vive y gestiona la neurodivergencia. Se representa con una crudeza muy honesta no solo lo que implica la condición en sí, sino también el impacto emocional dentro del hogar.
La puesta en escena es un pilar fundamental para lograr este viaje. Los recursos escénicos, en especial el uso del mapping y el diseño sonoro, no son meramente decorativos: nos introducen por completo en el universo mental de Christopher de una manera magistral, permitiéndonos experimentar en carne propia su genialidad y, por momentos, su sobreestimulación sensorial.
El resultado es un relato conmovedor e inquietante que atrapa al espectador desde el primer instante y lo obliga a ver la vida desde otra perspectiva. Una obra que transita con comodidad entre la comedia y el drama, inspirándonos a empatizar, a evolucionar y, sobre todo, a no juzgar a la ligera.
¿Se puede ser el centro de gravedad de una historia sin pisar el escenario ni una sola vez?
Mujer suspendida demuestra que sí. La obra nos sumerge en los días previos a la gran exposición de Catalano, un excéntrico, caprichoso y delirante artista plástico. Aunque jamás lo vemos en escena se habla de él como un ente omnipresente atrapado en la habitación contigua, sus provocaciones y delirios creativos dictan el pulso y el estrés de todos los que lo rodean.
A través de una atmósfera cargada de tensión, asistimos al detrás de escena de este gran evento, donde la exmujer, la hija y los colaboradores del artista intentan sobrevivir a sus demandas. Es en este punto donde la pieza revela su verdadero misterio: la exposición es solo la superficie; el fondo del relato es el costo emocional de convivir con el genio.
La obra brilla al desmenuzar los roles familiares impuestos por el egoísmo. Vemos a una hija profundamente atravesada por el peso de haber sido catalogada siempre como la «musa» inspiradora, un objeto de arte antes que una hija. En sintonía, la exmujer padece la dilución de su propia identidad, encasillada eternamente como «la esposa de» y no como la compañera real que sostuvo su carrera.
Este abrumador clima psicológico se sostiene gracias a un despliegue actoral impecable. El elenco logra transmitir con una verdad incómoda el desgaste, la sumisión y el quiebre de quienes orbitan alrededor del artista ausente, cargando el escenario de una energía magnética.
A este trabajo se le suma una propuesta estética muy cuidada, donde el vestuario, el maquillaje y la caracterización juegan un rol fundamental. Cuando los límites entre el arte y la vida empiezan a romperse, el caos familiar queda completamente al descubierto. Mujer suspendida termina siendo un relato inquietante sobre las decisiones desesperadas, las emociones al límite y el costo invisible que pagan quienes habitan a la sombra de un creador alienado.
FUNCIONES SÁBADOS 18H
JUNIO Y JULIO
Teatro El Grito
Costa Rica 5459 / CABA
Dramaturgia y dirección: Carolina Sturla y Laura Eva Avelluto
Elenco: Lorena Damonte, Sonia Alemán, Verónica Mayorga y Gonzalo Bourren
Diseño de vestuario y arte: María Colloca
Caracterización: MB Salón
Diseño de iluminación: Victor Chacón
Diseño gráfico: Adrián Goldfrid
Fotografía: Cristian Holzmann
Producción: Nacidas en los 80s
Duración: 65 minutos.
Este espectáculo se realiza con el apoyo de Proteatro.
Creo que nunca pensé que estaría haciendo un análisis de un juego como Tour de France 2026. Pero nunca digas “de esta agua no beberé”: se ha dado la oportunidad y he decidido meterme a analizar un poco cómo rueda este nuevo lanzamiento de la franquicia.
El Tour de Francia es una de las carreras más importantes del ciclismo, al menos a nivel europeo, y debido a su cercanía con España también tiene un gran peso en nuestro país. Pese a tratarse de una carrera francesa, su proximidad geográfica y su relación con etapas que han pasado o salido desde territorio español hacen que el interés en ambos países sea especialmente alto.
Teniendo en cuenta el contexto del videojuego, podríamos hablar de tres tipos de personas implicadas o interesadas en el Tour. En primer lugar, los propios ciclistas, tanto quienes participan en él como quienes lo ven como una exhibición del máximo potencial de este deporte. En segundo lugar, el público general, que puede seguir la carrera de forma más o menos habitual, pero que se interesa por ver cómo se desarrolla. Y, por último, un público más entusiasta, que puede mezclarse con los dos grupos anteriores y que busca vivir esa experiencia de una manera virtual.
Así pues, un año más, Cyanide Studio, responsable de desarrollar el juego, vuelve a ponerse al frente de la franquicia, cuya distribución viene de la mano de Nacon. Mucha gente podría pensar que es difícil innovar año tras año en un juego de carreras de bicicletas, pero el propio estudio parece tener otra opinión: Tour de France 2026 se presenta como el juego más ambicioso que han desarrollado hasta la fecha.
Posiblemente, la mayor adición de esta entrega sea la lluvia y la meteorología dinámica. Este año, por fin tenemos lluvia de forma algo aleatoria, dependiendo de la región en la que estemos y de la fecha en la que se esté desarrollando la carrera. Sin embargo, lo importante no es solo que aparezca lluvia como elemento visual, sino que esta influye de forma bastante notoria en cómo se va desarrollando la carrera.
En el momento en el que el suelo se moja, el control de la bicicleta se complica mucho más, especialmente en las zonas de descenso. Es ahí donde la lluvia puede jugarnos una mala pasada al coger una curva, hacer que la bicicleta patine y obligarnos a tener mucho más cuidado con cada movimiento. Con esto, por fin se le da importancia a la agilidad, una característica que en anteriores títulos no resultaba tan determinante. Ahora, cuando llueve, un ciclista más ágil tendrá mucha más facilidad para evitar que su bici se descontrole y para avanzar por delante de los demás.
Con ello, el control de la bicicleta en carretera se convierte en un elemento con todavía más peso que en anteriores títulos. Sin embargo, donde quizá no se nota tanto esta evolución es en la IA del resto de competidores, ya que en ocasiones parece que las reglas funcionan de forma algo irregular. No me refiero tanto al descontrol provocado por la lluvia, porque sí pueden producirse caídas e incluso formarse una caída grupal, sino a la manera en la que el resto de corredores parecen reaccionar ante los adelantamientos o los intentos de separarse del pelotón.
Mientras que otros corredores pueden encontrar huecos con relativa facilidad, el jugador suele tener muchas más complicaciones si quiere abrirse paso y encontrar una vía libre. En algunos momentos, esto hace que la carrera se sienta menos como una competición entre ciclistas y más como una situación en la que eres tú contra todos los demás corredores, que parecen funcionar como un único bloque donde no importa demasiado quién gane o quién pierda.
Cambiando de tema, otro de los puntos fuertes del título es la cantidad de carreras históricas que incluye. El juego cuenta con grandes variantes clásicas de dos campeonatos del mundo, como un mundial totalmente llano en Oriente, un mundial en las colinas de Bolonia o incluso un recorrido de media montaña muy interesante en el País Vasco, por Guernica.
Además de estas adiciones ya presentes en anteriores títulos, aparecen nuevas clásicas como la Paris–Tours. También se añade la Muscat Classic, una carrera de un solo día situada en un paisaje desértico de Oriente Medio, con muchas subidas y desniveles que nos van a complicar bastante la carrera si queremos ascender sin quedarnos a mitad de camino.
A todo esto se suma que, como en anteriores ediciones, el juego ya incluía los cinco monumentos del ciclismo y la Flecha Valona, por lo que esta entrega no parte de cero en cuanto a variedad de pruebas, sino que amplía una base que ya era bastante completa.
Pero no todo puede ser bueno. El juego tiene una serie de problemas que hacen que la experiencia no sea del todo disfrutable. En primer lugar, el modo carrera está completamente estancado. Aunque hay nuevas carreras introducidas, se trata de un modo muy estático: no hay nuevos fichajes, no hay cambios relevantes y las estadísticas de los corredores no varían entre temporadas. Se siente que empiezas prácticamente igual que terminas, sin una verdadera sensación de progresión ni de cambio global, que quizá es uno de los puntos más interesantes del ciclismo.
Además, cuenta con un modo online que realmente no resulta demasiado interesante. El juego está pensado principalmente para hacer carreras contra la inteligencia artificial, y el sistema de clasificación se siente frustrante, porque los puntos que premia dependen de muchos factores que el jugador no siempre puede controlar, como ciertos objetivos aleatorios o el propio ritmo del pelotón.
Por último, pese a que en PC parece que el rendimiento del juego es bastante bueno, en consola no destaca especialmente por su calidad visual. Hay muchos artefactos en la imagen, un granulado bastante notable y una resolución claramente más baja que en PC, probablemente como forma de intentar mantener los 60 FPS estables.
En conclusión, Tour de France 2026 es una de las entregas más avanzadas de la franquicia y cuenta con novedades interesantes, como la lluvia dinámica y una buena cantidad de carreras nuevas. Sin embargo, todavía necesita mejorar en aspectos importantes, especialmente en un multijugador más disfrutable y en un modo carrera donde se sienta un verdadero progreso. Sobre todo, espero que con una serie de parches consigan que el rendimiento en consolas sea mejor de lo que es ahora mismo.
El nuevo teatro ALMAGNA abre sus puertas con una programación prometedora. Los sábados a las 17:30hs vuelve a escena el unipersonal “UNA”, la multipremiada obra escrita y dirigida por Giampaolo Samá y actuada por Miriam Odorico.
¿Uno es porque existe algo propio o por lo que los demás perciben?¿Qué hay cuando la liberación interior? ¿Qué queda de eso que era, de eso que ahora fui? Buscar el existir más genuino posible, ese es el objetivo de Moscarda. Estar sin máscaras, olvidar el nombre, encontrar la propia verdad, ser UNA.
El personaje original de la obra de Luigi Pirandello es masculino. Giampaolo Samá decidió dar un giro y que la voz sea la de una mujer: Angélica Moscarda. Miriam Odorico encarna a esa que va de la tensión a la blandura, de la fuerza a la debilidad. En ella habitan marido, suegra, cura, y las miles de Moscardas que luchan en el interior de esa única Moscarda. Miriam Odorico, con sólo un vestido que usa y desusa para armar personajes y casi en la totalidad de la obra sentada en una silla, logra construir corporal y vocalmente un abanico de posibilidades de ser que atrae y mantiene al borde de la butaca al público. Encanta.
Esa que está sentada, se revoluciona, ataca a los de afuera y a su propio adentro. Es la “loca”. Busca y sufre… También se divierte (no faltan risas en la tragedia). La soledad es el punto de llegada, las campanas de la Iglesia, ¿a quién le rezará este pueblo perdido? Moscarda ya no tiene a nadie, quizás ni a ella misma y, a la vez, es la forma más auténtica de lo que alguna vez fue.
Algo parecido a la magia se produce en el escenario. El público sale comentando, “¿Cómo lo hizo?”. Las preguntas que Moscarda lanza quedan flotando en la platea. Habrá quienes en el café se pregunten sobre el ser, los otros, el existir. Llega el apagón, el aplauso es de pie. “UNA” y un espejo roto que, de uno u otro modo, nos refleja.
La saga de Evil Dead parecía haber llegado a su fin con la cancelación de la serie de Ash vs Evil Dead; pero con Sam Raimi tomando una original decisión de cederle y producirle su franquicia a jóvenes directores; y tras el éxito de Evil Dead Rises, hoy llega a nuestros cines Evil Dead: En Llamas veamos que tal salió.
De nuevo nos centramos en una familia, que se reúne para enterrar al hijo mayor quien sufrió un mortal accidente automovilístico. Lo que nadie sabía, es que, en dicho choque, estuvo involucrada una mujer poseída por uno de los demonios invocados al leer de forma negligente el Necronomicón.
Como dije, esta nueva tanda de la saga está dirigida por directores jóvenes, en este caso, por Sébastien Vanicek, quien vuelve a la parte más gore y bestial de la saga. Ya mucho se había dicho que Evil Dead: En Llamas había pasado por un largo proceso de edición para poder ajustar el resultado final a categoría R como mínimo; y eso se nota, porque pedazo de salvajada nos dio el director francés. Si son de estómago sensible, están avisados.
Si, lo que más destaca es la dirección. El guión si bien no es malo, es lo suficientemente funcional como para que la historia aísle a los pocos personajes que tenemos para ser acechados por los demonios del Necronomicón. Con esto no estoy criticando a la película, sino dándoles un ejemplo de los pocos recursos que se tenía y lo bien aprovechados que están.
Donde si flaquea un poco el asunto es en el apartado actoral. Si bien ninguno da vergüenza ajena, tampoco destacan. Quizás podríamos nombrar a Errol Shand, pero es más por la cara de loco que tiene que personaje o actuación. En este sentido, si se nota la ausencia de un Bruce Campbell.
¿Ya seria siendo hora de que dejen descansar a Evil Dead? La verdad es que, si vamos a seguir recibiendo proyectos así, la respuesta es un rotundo NO. Si nos van a seguir dando pelis como esta o Rises, son bienvenidas. Quizás no por su originalidad, sino porque rescatan la esencia de la saga, respetándola, pero sin hacer copy/past. Ah, y tiene escena post crédito; téngalo en cuenta.
Hoy vamos a hablar de una serie que si bien no proviene de una cadena de streaming grande, si generó cierto revuelo en el mundillo de internet. Y es que cuando recibimos algo que mezcla terror con comedia, al menos para mí, ya tienen mi atención. Así que sin más cháchara, vamos a hablar de Widow´s Bay.
Vamos a seguir la historia de, justamente, Widow´s Bay, donde Tom Loftis se vuelve alcalde pese a la resistencia de la gente. De a poco se va empapando del lore del lugar, donde extraños hechos pasan mientras la mayoría parece estar sumidos en un letargo, ignorando dichos hechos, y con algunos habitantes bastante bizarros.
La verdad debo confesarle que había visto esta serie en el catálogo de mi “streaming” privado, pero seguí de largo, ya que la sinopsis no parece enganchar demasiado. No fue hasta la insistencia de un amigo hasta que decidí darle una oportunidad, y que buena sorpresa me llevé con Widow´s Bay.
Cada capítulo enreda más la trama, pero de una forma orgánica, volviéndose más bizarra, pero sabiendo cual va a ser el punto de salida para desactivar (o no), todo lo paranormal que sucede, en ese sentido, son conscientes de que a veces, no hay que pasarse de originales si no se sabe cómo resolver todo.
Eso sí, si esperan ver caras conocidas, les voy diciendo que no las van a encontrar. Y eso no debería importar en lo más mínimo, porque el elenco encabezado por Mathew Rhys lo hace bastante bien; sobretodo porque al ser medios desconocidos, eso mismo los hace cercanos con el espectador, haciéndolos sentir como personas normales y no como personajes.
Otro punto fuerte es el de la ambientación. De verdad parece que estamos en una isla perdida de la humanidad, donde se estancaron hace años tanto a nivel tecnológico, sino también como sociedad y mentalmente. No es una crítica ni una burla, sino una muestra de que estos lugares existen.
Eso sí, a la serie le cuesta encontrar el tono. Al menos a mí, me tardó un par de episodios entender que estábamos ante una comedia, y no frente a una historia de terror mal hecha. De todas formas, cuando se entra en la propuesta, ya no nos sueltan hasta el final.
Widow´s Bay es una serie cumplidora. Dudo que termine en la lista de lo mejor del año para alguna persona, pero en un momento donde el terror apenas tiene un puñado de proyectos decentes; si son fans del género, es una recomendación segura.
Cuando hablamos de musicales argentinos, es imposible no pensar en Drácula. La creación de Cibrián y Mahler fue una apuesta ambiciosa que logró perdurar décadas a través de múltiples reposiciones. Ahora, Pepe Cibrián junto a Pablo Torres Flores se lanzan con esta secuela, Resurrección, que nos trae al famoso conde en una historia nueva, cargada de talento, pero también con varios «peros».
Para que sepan con qué se van a encontrar: si no vieron el clásico original, no se preocupen, conocer el mito del conde basta para entender esta trama. Eso sí, se pueden escapar algunos guiños o detalles propios de la obra . La historia nos sitúa 30 años después: por alguna razón, el conde vuelve a la vida, pero esta vez en un cuerpo humano. Por otro lado, tenemos a una Mina viuda y con un hijo, a quien vemos desde el inicio incapaz de olvidar su intenso encuentro con él. La trama se centra en el drama interno de Drácula por su regreso y cómo esto sacude a Mina y a quienes la rodean.
En cuanto a lo artístico, hay que destacar una muy buena puesta en escena: las actuaciones son sólidas, el ensamble derrocha talento y hay números que resultan realmente interesantes.
Ahora, los puntos bajos. No me quejo de que la función sea en la carpa del Circo Rodas; de hecho, le da un ambiente peculiar y está bien planificado. Lo que no perdono es el uso de las visuales, que parecen hechas con una IA de baja calidad o un diseño muy pobre. Hubiera sido preferible ambientar usando más el vestuario y la imaginación si no había presupuesto para algo mejor. Es una lástima, porque cuando la producción quiere, brilla: la escena del baile de máscaras en Venecia es realmente bella.
La música cumple. Las canciones de Pablo Torres Flores dan en el clavo, especialmente en momentos de alivio cómico o en los pasajes más modernos y festivos, como los que interpreta la cubana Heidy Viciedo. Sin embargo, hay ciertos números que se sienten de relleno y no aportan nada, ni a lo musical ni a la narrativa.
Sobre la duración, estamos ante unas dos horas y media con intervalo. Si bien soy defensor de las obras largas cuando la historia lo justifica, acá la trama gira siempre sobre el mismo eje y podría haberse resuelto en menos tiempo, incluso disfrutando de los momentos musicales más entretenidos.
En resumen: Drácula Resurrección es un buen espectáculo, tiene talento y se nota el esfuerzo por ofrecer calidad. Pero hay que verla como lo que es: una versión que toma los personajes y hechos del clásico para hacer algo propio. No reinventa el mito ni alcanza la trascendencia de aquella pieza que le precede ,pero logra entretener.
Y casi de improviso y en pleno Mundial, el viernes pasado tuvimos el arribo de la nueva temporada de The Bear en FX. Y la verdad, es que al menos en mi caso, no tenía mucho hype porque la anterior temporada me había parecido bastante floja, con el único incentivo de ver el cameo que se iba a dar en cada capítulo. Y por suerte, buena cerrada de boca me llevé. Empecemos.
Con la firme decisión de Carmy de dejar The Bear, se preparan para un día de trabajo más, que para variar se complica- una tubería rota, una lluvia incesante, personal que empieza a renunciar y sin la espalda financiera del Tio Jimmy, los osos tendrán que volver a sacar fuerza de donde no la tienen para poder mantener el restaurante a flote.
Hay una frase recurrente en el mundo del entretenimiento, y es que algo “debe volver a las fuentes” cuando ya se comienzan a desdibujar y pierde el enfoque. Bueno, digamos que la quinta temporada de The Bear es ese, un volver a los orígenes, donde todo se centra en los personajes principales, olvidándose de meter gente famosa porque sí en todos los capítulos; y que todo pase dentro del dichoso retornante. Esto hace que ese clima de agobio mientras cocinan, mientras las discusiones están a flor de piel, vuelven a estar presentes; siempre con esa sensación de que algo se va a romper o alguien la va a arruinar y se va a ir todo al tacho. Así que si, The Bear volvió a sus orígenes.
Y esto conlleva a que los actores de nuevo son exigidos y dan buenas interpretaciones. Acá el trio principal (Jeremy Allen White, Ayo Adebiri y Ebon Moss-Bachrach) vuelven a lucirse, así que aparte de destacarlos a ellos, quiero mencionar al infravalorado Oliver Platt, quien muestra una versión del Tio Jimmy bastante diferente, estando desesperado por querer recuperar su hasta ahora, inagotable fortuna.
Eso sí, la temporada pareciera que fue cortada antes del final, dejando la sensación que al menos con dos episodios más, todo hubiera terminado de forma más redonda. Si no les gustan los finales abiertos, lo de The Bear de este año estoy seguro que va a molestar a más de uno.
La última temporada de The Bear es un subidón bastante grande con respecto a su anterior iteración. Sigo diciendo que es hora de irle dando un cierre; pero mientras, sigamos disfrutando del viaje.
La Temporada 3 de Overwatch, titulada Into the Tiger’s Den, arrancó el 16 de junio de 2026 y es la tercera season desde que Blizzard le quitó el “2” al juego y cambió toda la estructura en febrero. Ahora ya no son temporadas aisladas el juego se maneja por arcos narrativos anuales de 6 temporadas cada uno, y esta es la tercera del arco The Reign of Talon. La historia se enfoca en Japón. Genji está capturado por Talon, llega Shion como elder del clan Hashimoto, y Mizuki junto con Hanzo y Kiriko convocan a Overwatch resolver el problema. El trailer lo deja claro desde el inicio con la frase “the dead are listening” y cierra con Shion diciendo “you die just like the rest”. Es la season más centrada en lore que hemos tenido en 2026.
En contenido jugable, lo más fuerte es Shion. Es la nueva DPS y cambió el meta en una semana. Usa dos pistolas semi-automáticas con daño alto si pegas headshots, y su habilidad icónica es aventar su moto. Literal la lanza, hace daño en área, y luego puede volver a subirse. Tiene muchísima movilidad. El otro agregado grande es Neon Junction, mapa híbrido en Tokio. Es súper vertical, lleno de rutas de flanqueo y callejones con neón. Favorece a héroes como Genji, Shion, Echo y Pharah. Visualmente es el mapa más bonito que ha sacado Blizzard este año. También regresó Summer Games con Lúciobol, que sirve para farmear XP del pase mas rápido, y metieron el evento Anima Strike. Este evento está bueno porque por primera vez te dejan elegir ruta de recompensas, si quieres skins te vas por un lado, si quieres monedas o sprays te vas por otro. Además hay un modo Community Crafted que rota cada semana y reworks importantes en Stadium, que ya se volvió el modo principal para subir el pase porque da 30% más XP que Quick Play.
Hablando del Pase de Batalla, sigue costando 1,000 monedas, unos 10 dólares. El prémium con 20 tiers de salto vale 2,200 monedas y el Ultimate cuesta 39.99 dólares con 2000 monedas extra más dos legendarias exclusivas que no salen en otro lado. El pase tiene 80 niveles y necesitas 800,000 XP para completarlo entero, o sea unas 25 a 30 horas si juegas en Estadio. Si solo juegas QP te va a tomar más. Las recompensas fuertes son la skin mítica de Illari Ascendant Phoenix, que es la primera mítica de soporte en 2026 y trae tres niveles de personalización con efectos de fénix en el pylon y la ulti. También está el arma mítica de Hanzo Tokyo Rebel, con flechas neón y sonido custom al tensar el arco. Esta season metieron una rareza nueva llamada Ultra Skin, que está por encima de la Mítica y cambia VFX de habilidades completas, no solo la apariencia. Es polémica porque se siente como otra capa más parasacarte dinero. Fuera de eso el pase trae skins para Winston, Hazard, Shion, Lucio y Domina. La de Shion te la dan instantánea al comprarlo. También hay collab con YOASOBI que mete skins musicales japonesas. La versión gratis del pase sigue corta: solo 20 tiers útiles con dos épicas, amuletos, recuerdos y una jugada destacada. No dan héroe gratis esta vez porque Shion es exclusiva del prémium. Si completas el gratis alcanzas unas 600 monedas paraguardarte para la siguiente season.
En tema de valor, si haces cuentas frías el pase sí desquita. Una mítica suelta vale 80 prismas, que son 8,000 monedas u 80 dólares. Un arma mítica cuesta lo mismo. Solo con la mítica de Illari o el arco de Hanzo ya recuperas lo de los 10 dólares, y aparte te llevas cinco legendarias, una Ultra y monedas de regreso. El problema es la fatiga de rarezas. Ya teníamos Común, Rara, Épica, Legendaria, Mítica, y ahora Ultra. Se siente que cada season mueven la vara para que gastes más. También sigue el FOMO duro: si no sacas la skin de Shion del pase, no vuelve a tienda nunca. En grindeo, si juegas una hora diaria en Estadio lo terminas en unas cinco semanas. Si solo entras a QP dos veces por semana, vas a sufrir o vas a terminar comprando tiers.
En PS5 el juego va finísimo. Tienes modo rendimiento a 120fps y modo calidad a 4K 60fps. Shion a 120fps se siente criminal de bien, la moto no tiene input lag y apuntar con las pistolas es mantequilla. El DualSense está muy bien aprovechado: los gatillos adaptativos se ponen duros con cada disparo de Shion y el haptic vibra cuando cae la moto o cuando Illari tira ulti. El audio 3D también destaca. En Neon Junction escuchas la moto de Shion pasar por atrás de ti y la ulti de Illari retumba cabrón si traes audífonos. Los tiempos de carga son de 3 segundos al menú y 5 segundos a partida gracias al SSD. De bugs, ahorita Neon Junction tiene uno donde el payload se atora en la segunda curva una de cada quince partidas, y a veces Shion no recoge la moto si la avienta en rampa. Ya dijeron que viene hotfix.
Sobre el meta, Shion deformó todo. Es ban en ranked el 90% de las veces en semana uno. Los soportes la están sufriendo porque el dive con Shion, Genji y Tracer deja fuera a Zenyatta o Ana si no traen peel. Illari con la mítica está fuerte, pero igual necesita que el tanque la cuide. Stadium es el nuevo Quick Play porque da más XP, y el sistema de bans nuevo ayuda a que no sea siempre Mauga contra Shion.
Conclusión
Juega esta season si eres main DPS o te gusta el estilo hit-scan con movilidad. Shion es el héroe más divertido que han sacado desde Kiriko. También si coleccionas míticas, porque la de Illari y el arma de Hanzo están en el top de diseño del año. Y si tienes PS5 con monitor de 120Hz, la diferencia se nota muchísimo. Pásale de largo si odias el FOMO y las cuatro mil rarezas nuevas, si solo juegas tanque o support y no te llama Shion, o si no tienes tiempo porque el pase sí pide dedicación para completarlo sin meterle dinero.
Niki es el aprendiz de Harry, interpretado por DustinHoffman, que es un afinador que ya está más en plano de retirada y le gusta hablar y teorizar mientras Niki hace todo el trabajo con una particular capacidad, tiene oído absoluto.
Piano a piano van pagando las deudas hasta que Harry tiene un grave problema de salud y ningún seguro médico. Niki busca la manera de conseguir el dinero para pagar la internación de su figura paterna, por lo que contacta a Uri, un empresario con una moral flexible que necesita su habilidad para abrir cajas fuertes de casas de millonarios. Pero lo que parece ser la solución pronto se convertirá en un problema más grave. ¿Podrá Niki salir airoso de todo esto, o terminará afinando pianos en la cárcel? Habrá que verla para enterarse, lo demás lo analizamos debajo.
¿Qué me gustó?
La música de esta peli está a otro nivel, esas melodías queacompañan la trama y la visten de una manera muy particular.
Dustin Hoffman, en un papel super entrañable entre mentor y padre adoptivo del protagonista.
La trama en si es bastante original y se va desarrollando de una manera armoniosa sin forzar demasiado los hechos. Es un buen ejemplo como una buena idea logra convertirse en una buena peli pese a no tener demasiados recursos.
¿Qué no me gustó?
Hilando un poco fino, la pareja protagónica no tiene la suficiente química para que nos importe, es un poco forzado el romance al menos al comienzo, luego poco a poco se va a haciendo más orgánico.
¿A quién recomiendo esta peli?
Para todos los que disfruten de las películas de atraco y los thriller, esta peli no es sólo eso, especialmente en laprimera parte donde funciona más como un coming of age,pero poco a poco se va metiendo en el género. También para los que disfruten de la buena música, lo que hace a esta peli muy disfrutable.
Es un poco de aire fresco entre tanta refrito de franquicias, simplemente cine
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