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Seguimos reseñando series, y esta vez vamos con un spin off de una serie muy querida por estos lares; El cuento de la criada. Hoy toca ver el otro lado de la moneda en este mundo distópico, así que acompáñenme a ver Los Testamentos de estas jóvenes mujeres que siguen sumergidas en el totalitarismo de Gilead.
La serie se sitúa unos meses después de la conclusión de El cuento de la criada, con Gilead intentando volver a la “normalidad” tras el incidente con June. En ese contexto vamos a conocer a Agnes, una joven adoptada por una familia poderosa, que está a las puertas de ser elegida como futura esposa de uno de los comandantes. Pero tanto sus sentimientos por su guardaespaldas, como la llegada desde el extranjero de Daisy, van a alterar su mundo.
Antes que sigamos, vale aclarar que sí, Agnes, nuestra protagonista, es la hija de June, algo que la serie intenta mantener como secreto y que sea el gran giro del final, pero que cualquiera con dos neuronas conectadas, deduce al instante. Así que, en ese sentido, no hay que enroscarse, y prestarle atención a todo lo demás. Que es bastante bueno.
Y es que siempre vimos este mundo desde el punto de vista de la secuestrada, que sabe que lo es, y por ende se vuelve una guerrillera desde su lugar y con los pocos medios que tiene. Ahora vemos a una de esas mujeres que ya nacieron bajo el régimen de Gilead, ya adoctrinada, pero que tanto sus impulsos sentimentales, y porque no, algo de genética, la llevan a empezar a rebelarse contra un sistema que solo las ve como úteros andantes.
Esto no solo sirve para traer viejos personajes conocidos como los Mckenzie o la Tía Lidia, sino para que Chase Infiniti de rienda suelta a todo su abanico actoral. Ya la vimos sorprender en la serie de Presunto Inocente, y actuar aún mejor en Una batalla tras otra; pero acá es donde da su mejor actuación, y es que los diez episodios que dura Los Testamentos, ayudan bastante para darle el tiempo necesario a la actriz. Que aparte, está muy bien secundada por Lucy Hailliday.
Quizás la serie a veces se pone un poco teen, en especial, cuando se centra en los problemas amorosos de Agnes. Pero por suerte, son pocos momentos. En general, Los Testamentos es una serie bastante redonde, que amplia el universo de El cuento de la criada, mostrando que se pueden contar varias historias. Con una segunda temporada ya confirmada, solo falta tener paciencia hasta que la suelten en Hulu.
Las producciones de superhéroes son se detienen ni un poco, y hoy nos llega una bastante particular, en especial por quien la protagoniza. Y es que estamos hablando del mismísimo Nicolas Cage interpretando a una variante de Spider-Man, el Spider-Noir, personaje al que le dio vida en las producciones animadas de Sony.
Cage da vida a Ben Railly, un ex soldado devenido en detective privado, que es contratado por una enigmática mujer llamada Cat Hardy. Su misión es encontrar a una persona, pero de golpe se ve involucrado en un complot que incluye científicos, el capomafia local, políticos corruptos y matones con poderes.
La verdad que creo que ninguno de nosotros esperaba la gran cosa sobre esta Spider-Noir. Primero porque no había demasiado presupuesto para una serie que si o si debía ambientarse en la época de La Gran Depresiónnorteamericana. Aparte que el personaje, fuera del nicho del cómic, no es demasiado conocido; y encima con Cage, que es una moneda al aire en el rol principal…
Y así y toda la serie es bastante entretenida. El acierto fue estrenarla toda junta de un tirón, hace que el interés del espectador no se diluya. Eso, sumado a que no son capítulos excesivamente largos; hacen que Spider-Noirsea bastante llevadera. De hecho, si era de episodios semanales, estoy seguro que muchos la hubieran dejado sin terminar.
Con esto no digo que la historia sea mala, pero no dista mucho de los policiales negros genéricos que la mayoría, ya vimos hasta el hartazgo: un detective privado medio borrachín, la mujer sensual y misteriosa que dará vuelta su mundo, el mafioso, los matones casi invencibles y un final que termina siendo irónico con todos. Quizás el mayor disfrute, es ver quien es el equivalente a que personaje conocido del universo Spider-Man.
En cuanto a la ambientación, que era otro de los medios que se tenían, cumple. A veces el CGI se nota bastante, ya sea en el balanceo del trepamuros, o en los fondos, notándose la pantalla verde casi siempre, y dejando ver que estamos en decorados (no por nada casi todo pasa en habitaciones cerradas). En ese sentido, recomiendo ver la serie en blanco y negro, y desechar la de color.
Eso sí, Nicolas Cage se come la serie. Las dudas que se tenían sobre él son disipadas cuando lo vemos sin la mascara por primera vez, aportándole bastante carisma y cinismo a su personaje. El otro a destacar es Brendan Gleeson (alguien que no tenía ni idea de que iba a aparecer acá). El resto cumple, pero se nota que ellos son actores de cine y el resto no.
En conclusión, Spider-Noir es una serie para ver una vez y ya. No aburre, tampoco revoluciona, pero cumple al menos con la promesa de darnos un Spider-Man de otro universo, con su propia estética y lore. Algo es algo.
Si había una película que por alguna extraña razón, estaba generando un excesivo hype, era la nueva entrega de Scary Movie. Sí, ya se, volvían los Wayans, creadores de la saga; pero tampoco es que estemos hablando de joyas de la comedia. De hecho, a modo personal, la tercera entrega me parece superior a la primera. Pero volviendo a la peli de estaño, veamos con que nos encontramos en el cine.
La trama digamos que se cuelga bastante de lo que fue Scream 5, la primera de la duología protagonizada por Melissa Barrera y Jenna Ortega. Usando eso como base, vamos a ver parodias y referencias no solo a películas de terror, sino a momentos de la cultura popular de los últimos años.
Como dije, creo que el hype por esta película era un poco desmesurado. Porque, al fin y al cabo, tenemos una seguidilla de escenas paródicas, unidas por la trama de una película famosa; que, en este caso, vuelve a ser una Scream, saga que ya de por si parodiaba al género de terror, y que, creo que, por eso, hacía funcionar a la propia Scary Movie, algo que en la segunda de los Wayans no pasaba.
Pero creo que el mayor miedo que teníamos todos, era el del paso del tiempo. Y es que los que vimos la primera película, ya tenemos veinte años más, y nuestro sentido del humor, así como el de la sociedad, fue mutando, y quizás lo que causaba gracia cuando éramos jóvenes, ahora nos da un poco de vergüenza ajena; algo que lamentablemente, si pasa con esta Scary Movie: terroríficamente incorrecta.
Otro problema que creo que tienen entre manos, es que algunos personajes ya no funcionan. En especial, el de Shorty. Y es que ver a Marlon Wayans a sus 53 años, que sigue haciendo chistes sobre ser un fumón y comportándose como un adolescente, da un poco de cringe, hay que ser honestos.
Eso sí, cuando el guion empieza a auto referenciarse, tirándole palos a las otras Scary Movies, e incluso, al elenco que decidió seguir adelante pese a que sus creadores ya no estaban, es cuando más brilla esta película. De hecho, esos fueron los gags que me hicieron reír, junto con una referencia que creo que nadie vio venir.
Y creo que con eso se podría resumir lo que es Scary Movie: terroríficamente incorrecta; porque tampoco queremos sobreanalizar cuando el propio material original no se presta. Eso sí, hay una escena post crédito. No sabemos si es un chiste, o si de verdad tendremos ese proyecto en las salas dentro de poco. Pero ya están avisados.
Adam es el joven príncipe de Eternia que se ve obligado a abandonar su planeta por una invasión de villanos liderada por Skeletor a través de un portal que lo llevara a la tierra, de donde es su madre.
Pasan los años, pero el príncipe no puede olvidar su origen y continua buscando la espada que lo llevará de vuelta a casa, pese a que todos le dicen que abandone estos sueños. Finalmente alguien responde a sus pedidos y encuentra la espada del poder, pero al empuñarla no se activa el portal automáticamente sino que activará una señal que se esuchará en Eternia. ¿Podrá Adam volver a su tierra natal? ¿El fandom clásico de esta franquicia pensará que esta versión está a la altura? Habrá que verla para enterarse, lo demás lo analizamos debajo.
¿Qué me gustó?
El diseño de los personajes es genial, tomando los diseños de varios de los juguetes originales y llevándolo a la vida.
El humor sorprende, está bastante bien aplicado y en general es efectivo.
El elenco está muy bien, mención especial para Man-at-arms, interpretado por Idris Elba y Skeletor, en la voz deJared Leto.
La música de Brian May (Queen) es genial y va muy bien con estos diseños y este mundo.
Me Resultó interesante como adaptaron a los tiempos que corren a un héroe fuerte que resuelve los problemas a golpes, haciéndolo más dialoguista y cultor del trabajo en equipo pero a la vez dándole una vuelta de tuerca (en tu cara Superman).
¿Qué no me gustó?
La peli tiene problemas con las urgencias, en situaciones que deben resolverse rápido los personajes se toman demasiado tiempo.
Hay que dejar de robar con el chiste de lo ridículo de los nombres de los personajes de estas franquicias al menos por dos años, esto ya quedó viejo en la primer etapa de las películas de Marvel.
También hay algunas incoherencias con las acciones de los personajes que parecen actuar más en función de la trama que de la lógica.
El soundtrack (las canciones que utilizan) de la primer mitad es excesivo y llega a distraer de lo que está pasando en pantalla.
¿A quién recomiendo esta peli?
Si creciste en los noventas con la caricatura y los muñequitos esta peli es para vos, está llena de guiños a eso y la película con personas del 87. Por supuesto que losmás chicos también se pueden enganchar con este mundocolorido lleno de acción y quizás hasta los fanáticos de Queen podrían encontrarla interesante.
Dato: Hay varias escenas post créditos, una ni bien termina la peli, otra después de los primeros créditos y otra al final del total de los créditos.
Desde el momento en que uno ingresa a la sala del Teatro Azul, Un paso atrás ya comenzó. Los actores ocupan el escenario con máscaras, moviéndose en una especie de danza silenciosa que desconcierta y despierta curiosidad. Es una apertura tan extraña como atractiva, que prepara el terreno para una obra que apuesta constantemente por sorprender.
Escrita y dirigida por Matías Vitali, la pieza cuenta la historia de un maestro de escuela primaria que, tras la filtración de un video íntimo, toma una decisiónque piede cambiar el rumbo de su vida. La acción transcurre durante la noche de su cumpleaños, justo antes de que familiares y seres queridos lleguen para festejarlo por sorpresa. Sin embargo, el gran acierto de la obra no reside solamente en lo que cuenta, sino en cómo lo cuenta.
A través de un recurso narrativo tan arriesgado como efectivo, la historia avanza en dos líneas temporales. Un personaje de tono casi onírico interrumpe la acción para retroceder en el tiempo y revelar fragmentos clave de lo ocurrido horas antes. Estos “pasos atrás” enriquecen el relato, construyen tensión y permiten que el espectador complete el rompecabezas de manera gradual.
Con momentos desopilantes y otros profundamente humanos, la obra logra un equilibrio poco frecuente. El numeroso elenco, por momentos caótico en el mejor sentido, recuerda esa energía coral que hizo inolvidable a Esperando la carroza. El resultado es una propuesta original, emotiva y muy bien interpretada, que invita a reflexionar sin perder nunca el vínculo con el entretenimiento.
Una obra recomendable, de esas que consiguen algo cada vez más valioso: sacarnos de nuestro tiempo por un rato y sumergirnos por completo en el suyo.
Elenco:
Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera,
Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello
Ficha Técnica
Fotografía:
Laura Laiguera y Matías Vitali
Diseño gráfico:
Laura Laiguera
Diseño sonoro: Matías Vitali
Escenografía e iluminación: Lucas Pardeau
Producción ejecutiva: Alejandro Souto y Matías Vitali
Asistente de dirección: Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz
La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA
(FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.
Convocatorias a competencias
La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com. La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar
-Competencia Internacional de Largometrajes.
-Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.
-Competencia de Cortometrajes U.B.A.
-Competencia de Largos Graduados DIS
-Competencia de Cortos Graduados DIS
Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.
En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:
-Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.
-Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.
En el teatro El Extranjero, todos los lunes a las 20:30 sucede “Nido de Lagarto”, de Franco Verdoia.
Esos dos se aman en secreto desde hace cuarenta años. El tiempo pasa, la vida se arma a espaldas del deseo. El cuarto de un hotel de ruta, su nido y refugio; un lagarto escondido, el único testigo de ese amor prohibido. ¿Habremos errado en la vida? La pregunta sin respuesta. Si el final llega, que sea juntos.
La actuación de Silvina Sabater y Horacio Acosta logra encarnar la desesperación por poder ser. La urgencia de verse, pero siempre a escondidas, habita esos cuerpos en los que el tiempo va dejando huella. Hay momentos de gran intensidad emocional. El estar de ambos instala un tiempo en la sala que mantiene la atención de quienes observan.
Mención especial a la escenografía. Los años también pasan a los objetos. El cuarto de hotel va despedazándose. El nido se vacía, sólo quedan ellos dos.
“Nido de lagarto” sobre el amor, el tiempo y la vida. Un tono melancólico atraviesa los momentos de mayor humor y fantasía, ahí está lo que se puede y lo que no. Las reflexiones trascienden la escena y flotan hacia la platea en la que, a su modo, cada quien resuena.
“Nido de Lagarto”- Lunes 20:30hs – Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378).
Los directores de cine son egoístas al escribir, eso es así. Pero piensan cuán generosos pueden ser con sus películas, si es que el privilegio de una vida de cineastas no les nubla la visión y su conexión con el mundo que quieren retratar. Realidad, ficción, metaficción y autoficción dialogan entre sí en la nueva película del gran cineasta español Pedro Almodóvar, quien con este film sigue la temática crepuscular de Dolor y gloria (2019) pero haciendo énfasis en el proceso de la creación y la realización artística personal.
Amarga navidad es un puzzle cinematográfico con la clara firma de su autor que retrata dos historias, o mejor dicho una historia dentro de otra historia (dentro de la propia historia de Almodóvar). La secuencia que abre el film es la de Elsa Rosado (Bárbara Lennie) padeciendo unas terribles migrañas y que debido al insoportable dolor de cabeza decide ir a una guardia médica junto a su pareja Bonifacio (Patrick Criado), bombero y stripper. Luego de una escena de presentación subrayada desde los movimientos de cámara y unos diálogos acartonados, ojo a este detalle, se revela que Elsa es una cineasta ‘de culto’ que lleva tiempo sin rodar una película debido a que, hace años ya, se dedica exclusivamente a la publicidad y curiosamente así fue que conoció a su pareja, contactándolo para un anuncio luego de verlo realizar un espectacular striptease.
La trama nos muestra que la historia de Elsa es parte del guion que está escribiendo Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), un director de cine reconocido que hace años no rueda y cuyas mejores películas ya han pasado, un alter ego del propio Almodóvar. La propia historia de Raúl empieza a tomar peso cuando Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), su asistente personal de toda la vida, le comunica que dejará de trabajar para él porque una amiga muy cercana a ella está pasando un mal momento y quiere dedicarle tiempo para acompañarla. Raúl se lo toma muy bien e incluso humanamente le pide estar al tanto de esa situación para ayudar en lo posible, en su lugar queda su enigmático compañero, Santi (Quim Gutiérrez). Con esto ya planteado inicia el puzzle meta cinematográfico de idas y vueltas entre las historias donde una se alimenta de la otra.
Raúl quiere escribir un buen guion y no sólo vivir del prestigio ganado antaño. El problema aparece cuando, para escribir ese buen guion, exprime las delicadas historias personales de sus cercanos sin consentimiento alguno. Almodóvar vuelve a la trama que escribe Raúl, mostrando que su película no es demasiado buena, al menos de momento, juega con diálogos acartonados y explicativos a modo de chiste metacinematográfico y avanza cuando Elsa se toma un tiempo de descanso para que la crisis nerviosa que atraviesa no le siga dando migrañas. Para eso viaja a Lanzarote, una particular isla canaria de playas negras, que la rodea de algo más cercano a cenizas que a arena en sí, ejerciendo para la ocasión de antítesis frente a la nieve blanca que hace juego con el título del film. En la isla Elsa se reencuentra con el deseo de filmar una película y se dispone a escribir un guion autobiográfico para exorcizar un duelo que no logró cerrar. A Lanzarote la acompaña su amiga Patricia (Victoria Luengo) en plena crisis matrimonial debido a una sospecha de infidelidad en su relación, pero luego es reemplazada por Natalia (Milena Smit) otra amiga en duelo de Elsa. Los cineastas protagonistas, un poco en el mismo punto, toman las mismas decisiones a la hora de reconectar con la escritura cinematográfica.
“Si va a llegar el día en que me abandones / prefiero, corazón, que sea esta noche. / […] Vas a saber que aquello que dejaste / fue lo que más quisiste, pero ya no hay remedio.”
Canta Chavela Vargas en Amarga navidad, canción compuesta por José Alfredo Jiménez que le da título al film. No es la única obra de Chavela que atraviesa la película ya que el director utiliza espléndidamente su figura. En primer lugar, Amaia Romero le canta a Elsa para calmarla, sosteniendo una escena completa solamente con su dulce voz. Una emoción que sólo se logra alcanzar con ternura y talento. El otro tema es La llorona y en este caso la escena es sostenida por la voz de Chavela y la emoción de dos amigas que necesitaban llorar. Acá es cuando Almodóvar muestra su altura y sensibilidad como artista haciendo un paralelismo consigo mismo.En las últimas presentaciones en vivo de Chavela, ya a sus 93 años y luego de una vida entera de cantar y cantar, lógicamente su voz no es lo que era, incluso la estaba perdiendo. Almodóvar toma esto y filma que una gran verdad puede ser representada en el arte también con susurros, incluso en el ocaso de una carrera. Su puesta en escena es acotada pero pulcra, ya no dirige películas visualmente histriónicas ni rimbombantes como sus films de los ‘80 y ‘90 y es consciente de ello.
Raúl está en medio de una crisis creativa y no sabe qué rumbo darle a los personajes de su guion, acá se cuela su realidad en la película. El director parece no saber relacionarse con sus seres cercanos y llena todo vacío personal filmando; el propio personaje de Sbaraglia lo dice: «Hace 5 años que no filmo; si no ruedo, me voy a morir». Eso es todo lo que un cineasta quiere, filmar. Y hará cualquier cosa para lograrlo, en especial para poder hacerlo bien, con una historia que le reviva el fuego que le celebraban en sus buenas épocas. Así que Almodóvar pone a Raúl en incómodas situaciones donde se le reclama ser demasiado complaciente consigo mismo y vivir de su prestigio de director en vez de su oficio como cineasta.
Amarga navidad es el retrato de una contradicción humana y artística, un artista necesita canalizar su realidad para devolverla transformada en belleza, sin importarle que sea a costa de esa misma belleza que lo rodea. Almodóvar filma su propia madurez desnudando las miserias del oficio en este puzzle de guion y pone en valor personas que aparentemente siempre fueron invisibles pero en realidad nunca lo fueron. ¡Al cine!
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Esta vez vamos a hablar de algo diferente, y es que nos vamos casi a la otra punta del mundo, para hablarles de una película que mezcla drama y terror y que nos llega desde Japón. Veamos por qué vale la pena darle una oportunidad a este proyecto llamado Dollhouse.
La trama se centra en la pareja de Yoshie y Tadashiko, quienes, tras perder a su pequeña hija, buscan un poco de paz con una muñeca de cerámica de tamaño real. Pero pronto la muñeca es dejada de lado cuando Yoshie queda embarazada. Los años pasan, y situaciones extrañas se empiezan a dar en torno a Aya, la despechada muñeca, que oculta varios secretos.
A verdad que no esperaba demasiado de esta película, sobre todo, porque no conocía a nadie de los involucrados; y, por ende, no tenía referencia de si eran buenos artistas o no. Y si, al menos en este caso, se nota talento en varios de los apartados. Empezando y destacando por sobre los demás, el del guión.
Si, la historia a priori parece media cliché, con una familia perdiendo a un ser querido, y en su desesperación por llenar ese vacío, termina atrayendo a un ente maligno. El tema es que la parte dramática está tan bien mezclada con la terrorífica, que ni nos damos cuenta cuando pasamos del miedo al nudo en la garganta, y viceversa.
En esto ayuda bastante las actuaciones de la pareja principal, Masami Nagasawa y Koji Seto, pero solo de ellos, porque si bien el estilo de actuación oriental dista bastante del nuestro, el resto de los personajes se sienten muy sobreactuados. En especial, el de la abuela, algo irónico, porque se supone que la actriz es la que más experiencia tiene.
Otro problema que le veo a Dollhouse, es que se alarga demasiado. Creo que la parte dramática del inicio, se extiende sin necesidad, siendo bastante redundante en lo respectivo a la pérdida de la hija. Si, sabemos que es un evento muy dramático, pero como espectadores esta historia la vimos cientos de veces, no hacía falta que nos cuenten lo mismo de siempre, con tanto detalle.
Quitando eso, Dollhouse es una película se sostiene bastante bien. Aunque se estira en su presentación, y algunas actuaciones sacan de clima, en general si es un proyecto que merece no solo ser aprobado, sino también recomendado. Para ver, pasarla bien y no mucho más.
Una serie que llamó la atención por razones equivocadas en el momento de su anuncio, fue Margo´s Got Money Problems. Y es que la protagonizaba la siempre angelical Elle Fanning, pero en un rol que hasta ahora nunca la vimos, mostrando bastante piel y con una temática centrada en onlyfans. Pero ¿De qué habla en realidad esta producción de Apple TV? Sigan leyendo y veamos que hay mucho más.
La menor de las Fanning interpreta a Margo, una estudiante universitaria de literatura, que tras pedir unas asesorías, termina acostándose con su profesor (que tiene familia), quedando embarazada en el proceso. Ahora siendo madre soltera, y con unos padres separados bastante particulares y sin conseguir un trabajo estable, la única solución que encuentra para mantener a su bebe es una: abrirse un onlyfans.
Como dije, esta serie habla de bastante más que el concepto de onlyfans, y es sobre las pocas posibilidades que tienen algunas madres solteras, de conseguir trabajo y rehacer su vida, cuando el padre más que un apoyo, parece un enemigo. Y no, no es que se tome partidismo, por un lado, es una situación que si pasa.
Lo interesante acá es lo pintoresca de la situación, porque no solo tenemos a Margo lidiando con sus problemas económicos, sus padres, son una bizarreada completa. Por un lado, tenemos a Trish, interpretada por Michelle Pfeifer, una ex trabajadora de Hooties que toda su vida fue una mujer liberal y despampanante, que está próxima a casarse con un sacerdote. Mientras que Jynx (Nick Offerman) es un ex wrestler con adicción a las drogas duras, en proceso de sanación y que aparece después de varios años a la puerta de Margo.
En cuanto a la dichosa aplicación mal asociada al nopor, se usa como lo que es, otro medio de trabajo. Margo´s Got Money Problems no sataniza ni endiosa a las mujeres que recurren a dicha plataforma como medio de trabajo. De hecho, la página no aparece hasta bien entrada la serie, mostrando que fue algo usado como último recurso.
Eso sí, no esperen un completo dramón; porque no estamos frente a uno. La serie está escrita en tono de comedia, algo que se, podría molestarles a muchos, pero que creo fue la decisión correcta. Sobre todo, para sacarle un poco de tensión a momentos de verdad dramáticos, y a la vez, tomarse las cosas con un poco más de relax. Aunque cuando se pone seria, sobre todo en el final, lo hace y puede llegar a conmover bastante.
Margo´s Got Money Problems es una serie bastante buena, que, al parecer, ya tiene su segunda temporada confirmada. En lo personal creo que esto último no es necesario, porque ya todo cierra bien; pero si van a estirar la historia, ojalá sea con este mismo nivel. Recomendable para todo el público.
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