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Este año, llega a la Argentina un Festival de Música totalmente distinto a todos. LOS40 Argentina trae el Festival LOS40 Primavera Pop por primera vez a Latinoamérica, con un line up de artistas nacionales e internacionales increíbles.
LOS40 Primavera Pop es un festival que se realiza en LOS40 España desde el año 2007, cuando comenzamos a festejar la primavera con un set de artistas en vivo en un formato único, donde cada show tiene una duración corta, lo que genera una propuesta ágil donde el público vive una experiencia diferente a cualquier otro formato.
Este 28 de octubre en el teatro Gran Rex, desde las 18 hs, recibiremos artistas, figuras invitadas, influencers y más personalidades en una Alfombra digital exclusiva.
Nos acompañarán los medios de música más importantes como LUZU TV, Billboard Music, TMH, además de enviados especiales de la Cadena Internacional de LOS40 (España, Colombia, Chile, Paraguay, México, USA y más).
A ellos, se sumarán distintos medios de TV y gráfica, lo que genera un alcance de dimensiones incalculables.
LOS40 Primavera Pop, muchos shows en un solo show.
Con más de 500 mil oyentes diarios y un alcance en redes sociales de hasta 6 millones de views, LOS40 es la Radio que lidera el target joven en la Argentina, y un agente imprescindible en la industria musical a la hora de marcar tendencias y posicionar artistas.
A través del Primavera Pop, LOS40 demuestra una vez más que la Radio musical argentina está más vigente que nunca.
Tras alcanzar un acuerdo inicial por tres años, EB Producciones, de Eduardo Basagaña, llevará adelante la producción de este gran evento de nivel internacional. Desde hace más de dos décadas, LOS40 Primavera Popse ha consolidado como uno de los festivales de música pop más importantes de España, reuniendo cada año a los artistas más destacados del panorama nacional e internacional.
Hoy, ese mismo espíritu cruza el Atlántico para llegar por primera vez a la Argentina.
LOS40 Argentina, junto a EB Producciones y la agencia ROAA, responsable de la estrategia de comunicación y prensa.
Silent Hill: Townfall – La niebla encontró un nuevo hogar
Debo reconocer que cuando anunciaron que SilentHill: Townfall sería completamente en primera persona, la idea no terminaba de convencerme. Silent Hill siempre tuvo una identidad muy particular y cambiar algo tan básico como la perspectiva podía terminar fácilmente en un intento de convertir la saga en otro juego de terror genérico en primera persona.
Por suerte, ocurrió prácticamente lo contrario.
Desarrollado por el estudio escocés Screen Burn Interactive, Townfall abandona Estados Unidos para llevarnos hasta St. Amelia, una pequeña y aislada localidad de Escocia en 1996. Allí controlamos a Simon Ordell, quien regresa al pueblo buscando respuestas sobre su relación con el lugar y con las personas que alguna vez vivieron allí. Exploración, puzles, sigilo y algunos enfrentamientos se mezclan en una historia que, como corresponde tratándose de Silent Hill, juega permanentemente con esa fina línea entre lo que realmente está ocurriendo y lo que probablemente solamente existe dentro de la cabeza de su protagonista.
Y la primera persona, contra todo pronóstico, le queda excelente.
No porque haga que el juego dé más miedo simplemente porque ahora tenemos las cosas más cerca de la cámara, sino porque Screen Burn entendió cómo aprovecharla para generar incomodidad. Los espacios cerrados se sienten realmente opresivos, caminar entre la niebla esperando distinguir algo a pocos metros nunca termina de resultar agradable y explorar determinados lugares produce esa sensación tan característica de Silent Hill de saber perfectamente que no deberías seguir avanzando… pero hacerlo igualmente.
La ambientación es, probablemente, lo mejor de todo el juego.
St. Amelia transmite abandono, humedad, frío y decadencia constantemente. No intenta copiar al Silent Hill estadounidense cambiándole simplemente los edificios, sino que utiliza Escocia para construir una identidad propia. Las calles, las casas, la costa y hasta determinados objetos cotidianos de los años 90 ayudan muchísimo a conseguirlo. La dirección artística hace el resto y convierte algunos escenarios en lugares realmente memorables.
Otro elemento muy interesante es el CRTV, una especie de pequeña televisión portátil que utilizamos para detectar señales, resolver determinados acertijos e incluso ayudarnos a identificar amenazas. Parece una pavada cuando te lo explican, pero integrado dentro del juego funciona sorprendentemente bien y termina siendo uno de esos elementos que le dan personalidad propia a esta entrega sin sentirse completamente ajeno a la saga.
La jugabilidad mezcla exploración, puzles, sigilo y combate, aunque claramente no intenta convertirse en un shooter. Hay armas, sí, pero los recursos son limitados y muchas veces esconderse o evitar directamente un enfrentamiento resulta bastante más inteligente que hacerse el Rambo escocés. Esa vulnerabilidad mantiene la tensión durante gran parte de la aventura y hace que encontrarte con determinadas criaturas siga generando preocupación incluso después de varias horas.
Los puzles también me parecieron muy bien integrados. Algunos son bastante simples, otros requieren prestar atención al escenario y existen un par que probablemente consigan que uno se quede mirando la pantalla pensando “debe ser una boludez y no la estoy viendo”. Básicamente, Silent Hill.
Donde quizás me dejó algo menos convencido es con algunas criaturas. Funcionan perfectamente dentro del contexto del juego, pero no todas tienen diseños particularmente memorables y cuesta encontrar algo que produzca el impacto visual que históricamente tuvieron algunos monstruos de la franquicia. También existen pequeños problemas técnicos y determinadas animaciones faciales resultan bastante rígidas. No arruinan la experiencia ni mucho menos, pero están ahí.
Narrativamente, además, Townfall necesita su tiempo.
No entrega todas las respuestas inmediatamente ni intenta explicarte constantemente qué está pasando. Hay que reconstruir bastante información mientras avanzamos y algunas cosas solamente empiezan a tener verdadero sentido cerca del final. Personalmente creo que eso juega completamente a su favor. Silent Hill siempre funcionó mejor cuando me obliga a pensar en lo que vi después de apagar el juego que cuando alguien aparece cinco minutos antes de los créditos a explicarme absolutamente todo.
Conclusión
Silent Hill: Townfall demuestra algo que me parece muchísimo más importante que cualquier discusión sobre cámaras, ciudades o estudios desarrolladores: Silent Hill puede cambiar sin dejar de ser SilentHill.
Tiene una ambientación espectacular, una historia interesante, buenos puzles y una utilización sorprendentemente acertada de la primera persona. No todo funciona al mismo nivel y personalmente hubiese querido diseños de criaturas algo más memorables, pero son defectos relativamente menores dentro de una experiencia extremadamente sólida.
Después de tantos años viendo una saga prácticamente congelada en el tiempo, resulta bastante curioso encontrarnos ahora con distintos estudios intentando interpretarla desde perspectivas completamente diferentes.
El querido RPG de SQUARE ENIX, OCTOPATH TRAVELER y su secuela,OCTOPATH TRAVELER II están ya disponibles para jugar en Nintendo Switch™ 2. Los jugadores podrán vivir dos aclamados RPG con estilo HD-2D, mejoras en la resolución y tasa de cuadros por segundo optimizada para la más reciente consola de Nintendo.
Ve el trailer de lanzamiento de OCTOPATH TRAVELER & OCTOPATH TRAVELER IINintendo Switch 2 aquí:https://youtu.be/1qX08dpzxfU
La franquicia de OCTOPATH TRAVELER ha cautivado a jugadores alrededor del mundo con su distintivo estilo visual en HD-2D, su combate por turnos estratégico y las historias centradas en un diverso elenco de viajeros, cada uno con sus propias aventuras e historias. Desde que la franquicia debutó en Nintendo Switch en el 2018, OCTOPATH TRAVELER y OCTOPATH TRAVELER II han distribuido y vendido más de 7 millones de copias a nivel mundial, invitando a los jugadores a explorar un un mundo rico en detalles, en donde cada aventura se desarrolla a su propio ritmo.
Acerca de OCTOPATH TRAVELER En OCTOPATH TRAVELER, los jugadores viajarán en una épica aventura a través del encantador, pero peligroso, continente de Orsterra, recorriendo hermosos paisajes como frondosos bosques, puestos de avanzada en el desierto y catedrales cubiertas de nieve. Con ocho personajes distintos, cada uno con sus propios talentos y su propia historia —desde viajes de autodescubrimiento hasta misiones de venganza—, cada viajero comenzará su aventura en una tierra diferente, permitiendo que los jugadores dirijan su propia experiencia según sus elecciones.
OCTOPATH TRAVELER da vida a los visuales HD-2D, combinando el diseño 2D de los personajes con hermosos elementos 3D del mundo.
Digger es un poderoso petrolero que debe enfrentarse a una catástrofe global que es consecuencia de sus propias acciones. Rápidamente debe dar explicaciones al presidente de los Estados Unidos y su sequito y buscar en conjunto una solución para todo esto, o al menos no quedar pegados a este desastre.
¿Podrá este viejo magnate salvar la situación o al menos salvarse él mismo?, habrá que verla para enterarse. ¿Aprenderemos algo de todo esto? Eso sólo el tiempo lo dirá, lo demás lo analizamos debajo.
¿Qué me gustó?
Tom Cruise brilla en un personaje hecho a su medida.
Es interesante el tema que aborda, de la manera que lo hace y la forma que utiliza que deja lugar para a la discusión.
Visualmente es interesante también, en una película tan hablada eso se agradece.
¿Qué no me gustó?
Cuando Hollywood baja línea sobre la contaminación o la riqueza desmedida siempre me hace algo de ruido porque calculo que las estrellas van a seguir usando sus jets privados igual. De todas maneras la película tambiénaborda eso incorporándolo a la discusión, pero esta ambivalencia de estar un poco de los dos lados del mostrador hace que termine perdiendo algo de fuerza el mensaje.
Hay un giro que resinifica la película que, aunque a mí me pareció acertado, quizás no deje contento a todo el mundo.
¿A quién recomiendo esta peli?
A los que les gusta la parodia política, en este caso muy actual, esta peli es para ustedes. Podemos encontrarelementos que nos hacen acordar desde el Ciudadano Kane (1941) pasando por Birdman (2014), No mires arriba (2021) y hasta a Synecdoque, New York (2008)
Jax está destrozada por la muerte de su hermana Shiloh en un accidente en la altura, por lo que quiere deshacerse de sus cosas. Luce, una ex compañera de la universidad de su hermana, aparece para comprarle el auto que dentro tenía algunas pertenencias como un libro con futuros planes que ella había investigado.
Ambas deciden seguir sus pasos y van a escalar una peligrosa montaña en Tailandia, pero cuando llegan allí descubren que tramo que querían hacer estaba cerrado por ser demasiado peligroso. Pero un guía propone llevarlas por un elevado precio al que ellas acceden en honor a la memoria de Shiloh. ¿Podrán estas jóvenes escaladoras tener un paseo tranquilo? Por el poster sabemos que no, pero si vale la pena el viaje lo vemos debajo.
¿Qué me gustó?
El vértigo se siente, pese a que uno está sentado cómodamente en una sala de cine, está bien filmada y editada por lo que se transmite la tensión y la adrenalina.
La dupla protagónica, de Jax y Luce funciona muy bien y se complementan bien sus papeles a medida que la tensión va en aumento. El crecimiento personal (arco de personaje) de Jax en particular está muy bien construido.
¿Qué no me gustó?
Algunas decisiones de giro hacia el final no son las más creíbles.
Hay algunas cuestiones contradictorias en la trama con respecto al acceso a ese sendero ilegal de la montaña.
¿A quién recomiendo esta peli?
A los que les gusto la primer peli y a los que disfrutan del vértigo o por lo menos se animan a verlo a través de la pantalla de cine. La peli en eso cumple lo que promete.
Dato: Pese a ser una continuación, se puede entender perfectamente la historia sin haber visto la primera parte
– La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.
Durante ocho días, el FIC.UBA reunirá cine argentino e internacional, competencias, estrenos, retrospectivas, homenajes, focos, encuentros y actividades de formación, con una programación que busca fortalecer el vínculo entre la Universidad, la comunidad audiovisual y el público. Todas las actividades serán con entrada libre y gratuita.
Grandes figuras del cine argentino e internacional
La película de apertura de esta nueva edición del FIC.UBA será La libertad doble, de Lisandro Alonso. La secuela de La libertad -una de las películas claves del Nuevo Cine Argentino y ópera prima del director- también está protagonizada por el hachero Misael Saavedra y filmada en el ámbito rural. La misma se proyectará el miércoles 30 de septiembre en el Cine Cosmos, mientras que su director ofrecerá un seminario el jueves 1 de octubre a las 15:30 h en el Aula Magna de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA).
Además, Lita Stantic (directora y productora de títulos fundamentales de nuestro cine como Camila, de María Luisa Bemberg; La ciénaga, de Lucrecia Martel; Mundo Grúa, de Pablo Trapero y Un oso rojo, de Adrián Caetano, entre otros);y el multipremiado director de fotografía Félix “Chango” Monti(reconocido por sus trabajos en La historia oficial, de Luis Puenzo; El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella; y El exilio de Gardel, de Pino Solanas, entre otros títulos) recibirán el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires. La ceremonia tendrá lugar el jueves 1 de octubre.
Dentro del ámbito internacional, será homenajeado el cineasta francés Léos Carax, creador de títulos como Los amantes del Pont Neuf; Pola X; Holy Motors, y ganador del premio al mejor director en el Festival de Cannes por su trabajo en Annette. Invitado a Buenos Aires durante esta edición, participará de un encuentro con el público el lunes 5 de octubre a las 19:30 h.
Entre sus destacados de programación, el Festival ofrecerá un foco dedicado al célebre maestro japonés Yasujirō Ozu que incluirá la proyección de títulos como Buenos días; El sabor del sake; El sabor del té verde con arroz; Hierbas flotantes; y Primavera temprana.
FIC.UBA hará un homenaje especial a Lucas Vignale, el director argentino de 28 años fallecido de manera inesperada en junio pasado que realizó proyectos para artistas como Bizarrap, Duki, Nicki Nicole, Milo J, J Balvin, Trueno, Nathy Peluso y Wos, y cuya película póstuma El tren fluvial -codirigida con Lorenzo Ferro- tuvo su premiere mundial durante la última edición de La Berlinale.
Por su parte, la sección Panorama Internacional del FIC.UBA reunirá las producciones más recientes de directores consagrados y figuras fundamentales de la cinematografía mundial. Este año se destacan: Imperium, el nuevo trabajo de Sergei Loznitsa —figura central del cine contemporáneo distinguido con el Doctorado Honoris Causa por la UBA-; Tierra de mi padre, del cineasta polaco ganador de un Oscar Paweł Pawlikowski; Le Journal d’une femme de chambre, una producción franco-rumana del prestigioso realizador Radu Jude; Red Rocks, del francés Bruno Dumont; y Testa o croce?, la nueva película de Matteo Zoppis y Alessio Rigo de Righi que incluye en su elenco al argentino Peter Lanzani.
FIC.UBA y Disney: dos becas para impulsar nuevos talentos audiovisuales
Como parte de su apuesta por la formación y el desarrollo profesional de las nuevas generaciones de realizadores, el FIC.UBA presenta, a partir de su acuerdo con Disney, dos becas destinadas a estudiantes de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la FADU-UBA. Se trata de un aporte económico destinado a acompañar el desarrollo profesional y la producción de nuevos proyectos audiovisuales.
El pasado lunes 21 de septiembre asistimos al Paseo La Plaza a la función de prensa e invitados de Por el placer de volver a verla, obra protagonizada por Miguel Ángel Solá y Mercedes Funes que despliega una historia conmovedora, entretenida y con un bello mensaje.
La trama se centra en un reconocido autor y director teatral que decide explorar su pasado frente al público. Para lograrlo, convoca en el escenario a una mujer única e irrepetible: su madre. A través de anécdotas y recuerdos de la infancia, la obra aborda con sensibilidad el amor familiar, el paso del tiempo y la importancia de agradecer a quienes nos formaron.
En el inicio, el personaje de Solá se dirige directamente a la platea para reflexionar sobre su experiencia en el teatro y anticipar su próximo proyecto, inspirado en esa mujer tan especial que ya no está. A partir de allí, la puesta nos sumerge en distintas etapas de la relación entre ambos, revelando a una madre dramática y de personalidad muy particular que resulta entrañable tanto para el protagonista como para el espectador.
Si bien la química de la dupla funciona a la perfección, merece una mención especial la actuación de Mercedes Funes. Con una interpretación repleta de matices, la actriz compone a esta madre de forma deslumbrante y regala momentos de enorme emotividad. No se trata de desmerecer el impecable trabajo de Solá, sino de reconocer que la propia dramaturgia coloca el eje en ella: en cómo sus acciones impactaron en la vida del protagonista a medida que este evoca su infancia y los recuerdos más memorables a su lado.
Por el placer de volver a verla es una propuesta sumamente bella que utiliza el recurso del «teatro dentro del teatro» de manera ingeniosa. Por sobre todo, funciona como un emotivo homenaje al amor de madre. Una obra totalmente recomendada.
FUNCIONES VIERNES, SÁBADOS Y DOMINGOS EN PASEO LA PLAZA
Entradas por plateanet
MÚSICA ORIGINAL: MARTÍN BIANCHEDI DISEÑO ESCENOGRAFÍA: LULA ROJO DISEÑO DE LUCAS: MATÍAS SENDON DISEÑO DE VESTUARIO: LARA SOL GAUDINI DISEÑO DE ARTE: NICO REJLIS FOTOGRAFÍA: ALEJANDRA LÓPEZ REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: LITO BARA – GUILLERMO ALFANO DISEÑO GRÁFICO: JARDINBA.COM STAGE MANAGER: FÁTIMA PRA ASISTENTE DE DIRECCIÓN: GEREMÍAS BORRAS COMUNICACIÓN DIGITAL: JOAQUÍN BINCI – MATÍAS LEBRERO PRENSA Y COMUNICACIÓN: MARTINA VALIA PRODUCTOR EJECUTIVO: TOMÁS BONA PRODUCCIÓN GENERAL: FARONI PRODUCCIONES
¿Si pudieras hacer lo que quisieras con todo el tiempo que tenés, qué harías? ¿Y qué valor tiene tu tiempo?
Bajo estas preguntas, la puesta en escena de «El tiempo todo entero» nos acerca a la intimidad de una familia algo particular. En ella se nos presenta a una madre con dos hijos inusuales, destacándose la hija, quien por decisión propia elige no salir de su casa. Esta elección se ve cuestionada por la llegada de un amigo del hermano, que en un intento por coquetear con ella saca el tema a debate, poniéndolos a discutir sobre la importancia y el valor del tiempo, el eje principal que atraviesa la obra. El espacio escénico está sumamente bien aprovechado.
Si bien a primera vista parece sencillo, se utiliza de una manera muy enriquecedora para el espectador, al igual que las decisiones del diseño de iluminación. La puesta sabe generar climas muy precisos y logra consolidar una atmósfera sumamente atractiva y envolvente.
Empezaré por la campaña, y después de una sola misión, es difícil decir algo serio. Pero por lo que he visto, tiene buena pinta; me gusta el estilo, la atmósfera y las voces; realmente ha quedado bien. También se pueden ver armas que aún no han aparecido en el multijugador, como la Kastov 545. También me gusta el uso de nuevas mecánicas, como trepar por tuberías. Pero como he dicho, una misión no es suficiente para decir mucho.
Multijugador:
Movimiento: es realmente disfrutable; el cancel slide no parece dominar el juego; la experiencia general es muy fluida y se ve satisfactoria.
TTK: actualmente se siente un poco irregular, aunque no sé por qué. Es bastante rápido, pero al mismo tiempo, con el movimiento rápido, creo que es un punto a favor.
Gameplay y la sensación de las armas: la mayoría de las armas funcionan muy bien, especialmente las SMG, y todas tienen sonidos y animaciones muy buenos, como era de esperar de CoD.
Pero hay un problema importante con los fusiles de asalto. Prácticamente todos los AR totalmente automáticos funcionan de la misma manera. Su sensación es muy plana y genérica. Al disparar con la M4 y luego cambiar a la Han 86, no siento ninguna diferencia entre ellas. Carecen de personalidad propia. Además, en la práctica, disparan como un láser sin retroceso, ni normal ni visual. El hecho de que con una configuración sin culata y una mira X4 pueda acertar y matar fácilmente a otros jugadores al otro lado de la calle en Silkworm es ridículo. En juegos anteriores de CoD, como MW1 o incluso MW2 2022, un rifle construido de esta manera habría tenido un retroceso tan alto que dominarlo habría sido muy difícil, si no imposible. Esto también hace que las clases de francotirador y fusil de combate como la Cronen Squall (que se mostró en los tráilers de MW4) sean inútiles en la práctica.
Mapas: sinceramente, son mediocres en el mejor de los casos. Killblock es probablemente el mejor mapa nuevo, debido a sus mecánicas. Sin embargo, otros como Silkworm, Transit y Rooftops son simplemente decentes.
Conclusión
En general, me gusta el juego, pero no es lo que esperaba basándome en los tráilers y en los anteriores Modern Warfare.
Si hubo un videojuego que marcó una época en las consolas en la última década, fue The Whitcher 3. No solo por el mundo enorme que nos planteaba, sino por la combinación folclórica de ciertas regiones de Europa, una banda sonora bastante pegadiza y un gameplay simple pero funcional. Es por eso que, con el paso de los años, costaba encontrar un juego similar al mismo; hasta que los amigos de Rebel Wolves nos trajeron The Blood of Dawnwalker.
Esta vez nos vamos a una zona montañosa de Europa Oriental, en un pueblo perdido en medio de la nada; que es acechado por una peste. Es por eso que los lugareños deben hacer una dádiva de sangre a unos seres vampíricos, para que estos le hagan un bautismo con su propio líquido vital, para contrarrestar la plaga. Coen, nuestro protagonista, de la nada, va a presentar extraños síntomas que lo diferencian de los humanos y de los vampiros.
Como pueden ver, la narrativa de The Blood of Dawnwalker es por demás interesante. Primero porque nos pone en una posición donde no somos un héroe totalmente bueno e impoluto que va a salvar a todos. De hecho, al tener genes vampíricos, somos una bomba de tiempo andante por la noche; ya que, si nuestro medidor de vida está bajo, cualquier conversación que tengamos va a terminar con nosotros mordiendo al otro personaje; por más que sea importante para la trama.
Y adentrándonos en el gameplay, creo que el sistema de combates que plantea The Blood of Dawnwalker es bastante tosco. Pierde profundidad en comparación al citado The Witcher 3, ya que ahora solo tenemos una espada a la que no es necesario untarla con líquidos para mejorar su rendimiento, y con un árbol de magias bastante inútil que no aporta nada. Solo basta tener reflejos para hacer parris y ya.
Continuando con el gameplay, hay un factor interesante. Y es que solo tenemos 30 días para terminar el juego; dándonos otro medidor, que segmenta el día en varias partes, haciendo que las horas pasen debido a nuestras decisiones o que misiones queremos hacer, no al que estemos jugando en general. Todo esto aporta una rejugabilidad bastante bien planteada y cero forzada.
The Blood of Dawnwalker es un muy buen juego, que debería entrar en la discusión de los goty a fin de año. No hace falta recordarles a qué otra joya se parece. Solo con que sepan eso, van a poder decidir si darle una oportunidad o no.
Lo mejor: el paso del tiempo, nuestro protagonista, el mundo que crea y su historia.
Lo peor: el sistema de combate se siente obsoleto.
