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Como su predecesora lo supo hacer allá por el 2018 , revolucionar y sorprender con una dirección de arte y animación nunca antes vista. Across the Spider-Verse no es la excepción, en esta nueva aventura lo vuelve a hacer y con una historia que lejos de ser buena… es excelente.
Esta cinta es un popurrí de muchos hermosos factores que logran una perfecta armonia visual y sonora que no solo nos dejan entrever hasta donde ha llegado la animación sino que tambien el hecho de que si las cosas se las hace con amor, es muy probable que cosas como esta película florezcan. Esos factores son: por un lado, la historia que ádemas de dejarnos la puerta abierta para otra entrega, nos aporta mas desarrollo y un excepcional arco narrativo de personaje no solo para Miles sino para todos aquellos seres queridos que lo rodean, y ádemas profundiza en la hermosa relación que nuestro querido personaje tiene con sus padres y en lo difícil que es ser Spider-man y en la responsabilidad que eso conlleva.
De la animación no hay mucho para decir, es mas de lo que vimos, una explocion visual de colores y texturas que es realmente impresionante. En lo sonoro se puede dividir en dos partes, la primera es el soundtrack que esta acertadisimo, y por el otro la edicion de sonido, que junto con lo visual te meten de lleno en la trama.
Y por último, lo bien utilizado que esta el humor y lo fantástico de los personajes a la hora de ser en medio de esos momentos, sin duda, una maravillosa aventura.
Más grande e increíble que nunca. Así será la primera edición de este año de Comic-Con Argentina que suma más de 20.000 mts2 de superficie y se realizará en el Centro Costa Salguero, los días 2, 3 y 4 de junio.
Celebridades, artistas internacionales y nacionales, experiencias inolvidables, la participación de los principales estudios de cine y tv, cientos de stands, comics, cosplay, gaming, coleccionables y mucho más…
Es un hecho: la convención más importante de cultura pop de nuestro país se viene mejor que nunca. Aquí algunas novedades.
VIERNES 2 DE JUNIO
MAIN STAGE 14:15 Bloque Comic Con News 15:00 Los primos Salamanca 15:15 Concurso de Cosplay 16:30 Panel: Patty Azan 17:45 Show: Hollywood Live 18:15 Warner News 18:30 Panel: Andy y Bárbara Muschietti 19:30 Show: Soundtrack
AUDITORIO 14:40 Los demonios de Lalia 15:20 Alquimia – Avant Premiere 16:00 Novedades Planeta Comic 17:00 Ciruelo 18:00 Guia de supervivencia geek 18:40 El futuro del cómic en la pantalla 19:20 Diseño de personajes 20:00 Artist Alley: Exequiel Roel
SÁBADO 3 DE JUNIO
MAIN STAGE 12:45 Bloque Comic Con News 13:45 Panel: Patty Azan 14:45 Concurso de Cosplay 16:15 Show: Hollywood Live 17:00 Los primos Salamanca 17:15 Show: Merienda Amélie 18:15 Panel: Evanna Lynch 19:15 Panel: Rossy Aguirre
AUDITORIO 13:20 Quiero ser campeón mundial 14:00 Ciruelo 15:20 TrendSetters presenta 16:40 Re:Peat – Creando un isekai 17:20 TikTok presenta 18:00 Hacer humor gráfico 18:40 Artist Alley: German Peralta 19:20 Fichas del horror
DOMINGO 4 DE JUNIO
MAIN STAGE 12:45 Bloque Comic Con News 13:45 Panel: Patty Azan 14:45 Concurso de Cosplay Nacional 16:00 Panel: Rossy Aguirre 16:30 Momento «Correo Compras» 17:00 Los primos Salamanca 17:15 Show: Hollywood Live 18:15 Panel: Evanna Lynch 19:15 Show: NostálgicA
AUDITORIO 13:20 Doblaje en Argentina 14:00 Ovni Press, 15 años 14:40 Como financiar con web3 15:40 GuionTube 16:00 Diseño de juegos de mesa 16:40 La ola coreana en el cine y tv 17:20 iCata 18:00 El cine de John Carpenter
Hace unos años, entré por pura casualidad a la fábula post-apocalíptica de Mutant Year Zero: Road to Eden. La apuesta de The Bearded Ladies Consulting por el rol táctico por turnos tomaba mucha inspiración en el sistema de combate de Xcom, suficiente para llamar mi atención y conseguir que, al menos, le diese una oportunidad. Lo que encontré estuvo, como mínimo, bastante bien. Una interesante adaptación del juego de rol a nuestro medio, que conseguía sostener la típica historia postapocalíptica en un ecosistema habitado por todo tipo de animales humanoides.
Desde ese 2018, el equipo ha continuado apostando por la misma estrategia y ahora presenta Miasma Chronicles, más de lo mismo, pero marcado por un claro aprendizaje. Una vez más, nos encontramos delante de una tierra desolada, ocupada tanto por humanos como por todo tipo de criaturas desagradables (menos lúcidas, esta vez). Estados Unidos consiguió cumplir sus objetivos de desarrollo y ofrecer un país libre de todo tipo de inconvenientes. Al fin la paz soñada, la estabilidad económica y la prosperidad alcanzaron las vidas de sus ciudadanos. Pero también lo hizo la miasma.
Una suerte de corrupción, incomprendida por todos pero no por ello menos peligrosa, altera y pudre todo lo que toca. Los supervivientes han tenido que adaptarse y aceptar que la vida incluye grandes peligros para todo aquel que decida alejarse de los pocos reductos en los que la humanidad todavía mantiene su presencia. Elvis y su robótico hermano parecen tener una poderosa herramienta para luchar contra la miasma, pero comprenderla y dominarla dependerá de si son o no capaces de encontrar a su madre, perdida en las profundidades de esta.
Para ello, nos embarcamos en un peligroso viaje donde tendremos que enfrentarnos a todo tipo de criaturas con el icónico sistema de combate, casi marca de la casa, altamente inspirado en Xcom. La principal diferencia con el título de Firaxis es que combate y combate, tendremos total libertad para recorrer el escenario, tanto para explorarlo y saquear los pocos recursos que pueda esconder como para preparar el próximo asalto a los enemigos asentados en este.
Esta preparación conforma una base fundamental del éxito de nuestra empresa, puesto que en muchas ocasiones nos encontraremos gran desigualdad en los combates y tendremos que estudiar el entorno para aprovecharlo e intentar que nuestras emboscadas nos otorguen ventaja suficiente para girar las tornas a nuestro favor. Gracias a este planteamiento, se multiplicarán las formas de resolver las peleas, aumentando exponencialmente las opciones de forma que difícilmente habrá dos batallas iguales.
Más allá de las luchas directas, contaremos con un sistema de progresión típico del RPG, de forma que podremos equipar y entrenar a nuestros personajes para mejorar sus estadísticas y desbloquear nuevas habilidades, dentro de un árbol de personalización con cuatro ramas. Es cierto que muchas mejoras responden a aumentos básicos, como la vida, daño o defensa, pero otras de ellas permitirán desbloquear habilidades de todo tipo, que dictarán las estrategias que utilizaremos en los combates. Podemos optar por aptitudes que nos conviertan en una fortaleza móvil, que proteja de la lluvia de balas a nuestros amigos o convertirnos en un ángel de la muerte que desayune plomo.
Pero donde más entran en juego las luces y sombras es en el apartado técnico. Visualmente, es fácilmente apreciable su superioridad frente a anteriores juegos del equipo, ya especializados en recrear parajes desolados. La perspectiva cenital facilita la composición visual, ya que evita que nos centremos en los puntos más flacos como las expresiones faciales o los pequeños detalles. Estamos claramente delante de una de esas situaciones donde la combinación de los elementos supera la suma de su valor de forma individual.
Por desgracia, jugando este título en una Xbox Series S es notable la falta de optimización de la obra. Lejos de una experiencia a 60 fps, debemos contentarnos con un viaje a 30 cuadros por segundo que en muchas ocasiones los verá reducidos drásticamente y no estará exento de cortes. Además, los tiempos de carga son demasiado largos para una producción de nueva generación, compuesta además por pequeños escenarios individuales. Tampoco quiero sonar demasiado pesimista, ya que esta versión dista de ser injugable, pero la posible mejora es bastante clara.
En resumidas cuentas, Miasma Chronicles es una apuesta interesante dentro del rol táctico. El equipo de The Bearded Ladies Consulting sigue puliendo su fórmula, aunque las distancias con producciones como las de Firaxis siguen siendo notables. Más allá del combate, el factor RPG y el desarrollo narrativo aportan un valor añadido que asegura unas cuantas horas de diversión. De momento, el título sirve como hoja de ruta para los desarrolladores, cada vez más afianzados en su propio estilo.
«Una obra que te hace cuestionarte si existe solamente una versión de todo lo que ha ocurrido en una relación. Si las ideas pertenecen a una única persona o a varias.
Inés Estevez, Malena Solda, Esther Goris, Nicolás Riera, César Bordón, Thelma Fardín, Diego Ramos y Nicolás Pauls estrenaron “PLAGIO, cuatro versiones del mismo amor». La historia es la misma en las cuatro versiones: un candidato a presidente/a (Estévez, Goris, Bordón, Ramos) con familia tradicional, que tiene a su asesor/a (Pauls, Fardín, Riera, Solda) como amante, quienes transitan la obra por diferentes sensaciones, emociones y situaciones. La diferencia se da en que hay amor entre mujeres, amor entre hombres y amor con diferencia de edad según la versión. Hay pasión, sexo, escenas jugadas, romanticismo y también mucho humor.
En esta ocasión, una mujer aspirante a la presidencia de la nación y su escritora de discursos mantienen una relación amorosa en secreto. La futura presidenta tiene miedo de que todo el país descubra que es bisexual, mientras que la escritora ansía revelar la verdad sobre su vínculo y su creación.
Esta obra no escatima en drama, y cuenta con una escenografía y un vestuario que exhiben el estatus social de los personajes. Además, se representa en el Teatro Regina, transportándote a otra época.
Es una historia con ideas innovadoras y actrices talentosas.
La paz se logra con discursos que logran convencer a la población en conflicto; el hallar un punto medio, un acuerdo, un consenso. ¿Es acaso lo que todos queremos? La paz mundial, la paz mundial, y las risas.
El duo de Lucía Schaab y Lourdes Herrera nos presenta: Los estados de Gracia. Unipersonal clown del teatro under porteño. Una actriz, tres personajes, un objetivo: La paz. Es interesante ver el desempeño de Lourdes Herrera desde el minuto uno, ya bien metida en su personaje, rompe la cuarta pared y nos ofrece un festin dadaista y circense del monólogo. Tres personajes o más bien, máscaras que cobran vida y se interponen en su noble discurso.
Herrera es carismática y entregada, su preparación y su perfomance lleva décadas de experiencia, eso se nota pues es un trabajo que va mas allá desde lo corporal, la voz, la energía y la esencia de estos tres personajes se notan y se diferencian. Tanto Herrera como Schaab saben cómo lograr un show de casi una hora diferente y único. No es frecuente ver a una mujer haciendo clown en el ambiente teatral porteño; pero estas dos artistas demuestran que el género clown precisamente no necesita un género.
Estado de Gracia es un show absurdo y divertido. Visiones distintas sobre cómo se llega a la paz, aunque sabemos que no habrá respuestas, lo importante reírse en el camino.
Disponible los viernes de mayo a las 20 horas en el Centro Cultural Archibrazo.Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Beau Tiene Miedo, es una película, extraña, grotesca y arriesgada; pero dentro de todo lo que la engloba y en especial su locura, es una muy linda experiencia, aunque al menos yo, esperaba mas. Ari Aster nos arrastra de nuevo a su mundo, director que anteriormente había estado al mando de Hereditary (2018) y Midsommar (2019).
Voy a empezar por el porque esperaba mas y con un dato no menor, la película originalmente iba a durar unas tres horas y media, es decir, media hora mas de lo que pudimos ver, (a eso agreguenle que el guion original daba para unas 4 horas) y al menos de primera no se notan los cortes, pero una vez pasadas las escenas, un sentimiento de querer mas me inundaba la mente, no digo que esto sea un punto totalmente negativo, Midsommar tambien tuvo que ser recortada y es una maravilla. Por lo que tendremos que esperar a alguna edición Blu-Ray sin cortes para poder ver el material en todo su esplendor. Eso por una parte, por la otra, debo decir que la película empieza de una manera espectacular, con ese humor tan certero y peculiar que si no te hace largar una carcajada te saca una sonrisa seguro, pero a mitad del film un poco se cae el ímpetu de querer seguirle el hilo a la historia, porque basicamente se empieza a ir todo al extremo, demasiado al extremo diria, y este sentimiento de cara al final se va yendo, y un poco las cosas se ponen de nuevo en su lugar en la última media hora y que de hecho, te deja con ganas de mas.
Pero mas alla de esto, lo demas es todo excelente. Joaquin Phoenix hace un papel brutal. El humor es un punto fuertísimo a lo largo de toda la película y es lo que mantiene viva la esencia de la misma, y además, hay rupturas en el viaje del personaje, como casi todas las escenas del apartamento y los viajes al pasado y futuro, que junto con la puesta en escena hacen especial el extravagante y triste viaje de nuestro querido amigo que solo busca la verdad.
DESCUBRIENDO AL CHE: Hipótesis desordenada sobre quién fue el Che Guevara
Descubriendo al Che, se presenta en El Cultural San Martín, narra la hipótesis de cómo enfrentó Ernesto Guevara los momentos previos a su ejecución en Bolivia. La obra es dirigida por Matías Puricelli con libro de Miguel Lozupone, desarrolla los últimos días del Che y cómo se convierte de persona a mito.
Desde una perspectiva innovadora sobre la vida del revolucionario argentino, se toman los momentos previos a su muerte y el vínculo con sus captores, este es el punto de partida para imaginar quiénes fueron las personas que pasaron por la cabeza del Che antes de morir.
Esta obra nos deja ser testigos de los últimos encuentros que tuvo con las personas más relevantes en la vida de Guevara: Aleida, su esposa y compañera de lucha; Celia De La Serna, su madre; Fidel Castro su gran aliado, y Alberto Granado, su amigo incondicional.
La puesta en escena utiliza imágenes de archivo, filmaciones en vivo, música original, ambiente tenue y doce actores en escena. Sin embargo, la magia de la obra está dada mediante el relato de Matias Puricelli , quien narra, presenta a los distintos personajes y guía a los espectadores con sus palabras, logrando una dinámica con características de bio-pic. El relato es acompañado por dos cámaras en vivo que registran los momentos más íntimos de las escenas, además de proyecciones que brindan información documental para complementar la historia. La obra tiene una continuidad narrativa que se centra en cuando el Che comienza a despedirse de su entorno cercano.
El objetivo de la obra es mostrar a Ernesto Guevara como humano más allá de la revolución o del líder político. Existen momentos en donde el humor se hace presente y hasta suenan cumbias y se arma el baile. La idea es descubrir al hombre detrás del mito en situaciones cotidianas e imaginarlo como un hombre de convicciones fuertes, a nivel político, pero también mostrar lo que no sabemos de él.
Descubriendo al Che, tiene la graduación justa entre teatro formal y teatro independiente, una obra atrapante, dinámica, entretenida y lograda hasta en los más mínimos detalles. Los doce actores en escena realizan un trabajo excepcional entrado, saliendo y participando en diferentes momentos. La obra se puede ver en la Sala B de El Cultural San Martín, las funciones son los sábados, a las 21; y domingos, a las 20.
La década de los noventa fue el esplendor de Disney animations, clásicos tan vitales para la historia del cine como Aladdín, Pocahontas, Hércules, La Bella y la Bestia y La Sirenita. Ninguna de estas películas han envejecido y siguen llegando a todas las generaciones, incluso las más recientes, este fue el mayor ejemplo de Disney como la fábrica de sueños de occidente. ¿En dónde quedó eso?
Ya ha salido una veintena de Live actions de los clásicos de Disney, la idea es unir a las viejas generaciones con las nuevas. Los resultados no han sido tan favorecedores para la empresa del ratón, generalmente reciben una crítica mixta y una taquilla modesta. Llega un punto del camino dónde los seguidores piden un ‘no más’, pues el mal desempeño de estas entregas nos deja con ganas de conservar y querer lo que se hizo hace más de treinta años.
Dirigida y producida por Marshall, DeLuca, Marc Platt y Lin-Manuel Miranda, quien coescribió nuevas canciones para el filme. Alan Menken regresará como compositor tanto de la partitura como de las canciones. La película está protagonizada por Halle Bailey como Ariel, junto a Jonah Hauer-King, Javier Bardem y Melissa McCarthy, con Daveed Diggs, Jacob Tremblay y Awkwafina en los roles de voz.
Halle Bailey cómo La Sirenita lo hace muy bien, se aprecia su enorme voz y este factor es lo que caracteriza al personaje, su despliegue en pantalla es único y no queda opacada, al ser tan joven tiene un largo camino por delante, las críticas de internet fueron injustas con ella pero no deberían ser injustas con la película, es donde tendriam que ir los comentarios: al guión, dirección y fotografía.
La historia es convencional y obedece a la fórmula clásica de Disney: y vivieron felices por siempre. Hubo cambios en las canciones y ligeros en la trama pero no remarcan del todo pues la ejecución y deselance es plano y precipitado. Momentos cringe no faltaron con la incorporación de una escena de rap. Al comienzo del filme ya se sabe cómo terminará así que no hay grandes sorpresas. Melissa McCarthy como Úrsula no atemoriza al espectador, de siente como una villana clásica, obviamente ella no puede copiar la esencia de Divene o de Úrsula, queda a medias.
Para ser un mundo encantado bajo del mar, el encanto se pierde en la fotografía, la paleta de colores fue una mala elección, el resultado termina siendo un desánimo visual. Se siente que la mayor referencia fue Piratas del Caribe y más que el cuento de la Sirenita, esto se evidencia en gran parte de las secuencias, remiten a esa saga.El CGI quiso hacer un efecto Rey León live action, es decir, hacer ultrarealista a los animales parlantes, para la mayoría funciona peronpara el personaje de Flounder no, termina luciendo como un pescado listo para freír, quita encanto y atermoriza.
El diseño del mundo marino luce artificial, aunque tampoco es que se quería llegar a la tecnología de Avatar: The way of Water, pero si termina siendo poco convincente y unos efectos de hace 10 años.
La Sirenita no es un desastre del todo, funciona como lo que es: una película para la familia, ideal para verla en Disney +, pero en vista del resultado de todos los live actions de Disney, ya sabemos que producto obtendremos.
Estrenada en 2014, “Los hombres vuelven al monte” tendrá su función despedida este jueves 25 de mayo en el teatro El Grito.
Provincia de Corrientes, los ´80 y los ´90. Dos historias imbricadas: el hijo que se va al monte en busca del padre que al regresar de la Guerra de Malvinas escapó al monte convirtiéndose en bandido rural. El hijo espera, recuerda, reconstruye la vida de ese otro al que casi no conoce. El calor, lo animal, la memoria, el monte y su infinito, el deseo por ese que tarda en llegar, como la llama que tarda en prender y, finalmente, hace que todo arda.
Todo responde al fluir de los recuerdos. Tiempo y espacio partidos: del sur al monte, de Corrientes a la guerra. Relato plural lleno de voces y cuerpos que intervienen en esos recuerdos de quien busca reconstruir su presente invocando los fantasmas del pasado. El texto de Fabian Díaz (además director) es una articulación inteligentísima de identidades que trascienden lo cronológico, que rompen con lo esperado y sorprenden.
En este mismo sentido, hay que mencionar el trabajo excepcional de Iván Moschner. Un solo cuerpo donde habitan once. Cada instante respira presente. Dejarse atravesar, eso es lo que hace Iván Moschner, así conmueve y mantiene en vilo al público que se une al hijo en la reconstrucción del padre. La Guerra de Malvinas, quiénes eran y cómo volvieron los soldados, qué fue, qué pasó, la violencia de género, los vínculos familiares. La obra aborda una serie de tópicos que escapan del escenario y de los sesenta minutos de duración. “Los hombres vuelven al monte” queda latiendo en la mente de quienes asisten y se entregan al viaje.
La memoria como acción necesaria en todas las esferas, tanto en la individual, como en la histórica- política- social. La memoria atraviesa y reverbera. La obra recuerda la importancia del ayer en el hoy, del teatro como canal de comunicación y forma de encuentro, como forma de construcción del Nosotros.
“Los hombres vuelven al monte”– Teatro El Grito (Costa Rica 5459)– Jueves – 21:00 hs – Hasta el 25/05/2023
NICKI NICOLE presentará las canciones de su nuevo álbum en un show altamente deseado por su público y soñado por ella desde el momento inicial de crear su nuevo material «Alma». Un encuentro imperdible para disfrutar de una de las artistas más talentosas e influyentes del momento que viene transformando la escena musical y abriendo puertas a una generación a su paso.
El show será el 26 de agosto en el Movistar Arena. Los tickets podrán adquirirse a través de http://www.Movistararena.com.ar En medio de un año cargado de proyectos, colaboraciones, nuevos desafíos y mucha composición NICKI NICOLE no se detiene, y el contacto directo con sus seguidores es sin dudas un espacio infaltable en ese crecimiento constante que la representa. Esta segunda vez en la que pisará el escenario del Movistar Arena llega en un momento muy especial de su vida y seguramente se plasmará en una noche inolvidable.
Reconocida a nivel internacional, respetada y admirada por sus pares, no solo por su increíble voz y talento compositivo sino por su carisma y transparencia, NICKI viene revolucionando la música urbana.
NICKI NICOLE presentó recientemente su tercer álbum ALMA. Con grandes colaboraciones de Milo J, Young Miko, Rels B e YSY A, NICKI mezcla géneros, sonidos y sentimientos en un álbum íntimo y experimental. Este disco representa a las almas que encapsulan los aprendizajes en el camino del amor propio y la dependencia emocional. El Corazón, el Alma y la Razón se ven representados en este disco, creando un aura especial: una triangulación entre los 3 elementos en sintonía.
“Es un álbum súper lindo, siento que a la gente le va a gustar mucho. De él forman parte gente que admiro mucho, tanto productores como gente de la industria. Siento que es un gran álbum, se hizo esperar, pero valió la pena”, cuenta NICKI sobre ALMA. El primer adelanto fue “no voy a llorar”, un tema con el que abrió el nuevo capítulo de su historia. Una versión personal y llena de fortaleza de una NICKI que brilla sobre el mic, con la producción de TATOOL y El Guincho, mientras canta “Hablé con la luna, como yo ninguna”.
Junto a RELS B sorprendieron con un adelanto en redes que dejó a sus seguidores emocionados y cautivados en la previa de la salida del single “qué le pasa conmigo?”, que contó con la producción de Tatool, donde la estrella argentina brilla una vez más sobre un dembow en el que RELS B se destaca con su talento inconfundible en un tema “pa’ pasarla bien rico”. Además la canción fue presentada en vivo en el concierto del artista español en el mítico Foro Sol de México ante más de 65 mil espectadores. En “Dispara”, NICKI y Milo J hip hop fusionado con un beat boom bap donde los artistas muestran sus armas para sobreponerse a las críticas, su determinación para salir adelante y los desafíos que presenta el arte y el mundo de la música.
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