Reseña: Los Soviets de San Antonio

A lo ruso

Todos conocemos la trágica historia de la familia Romanov, asesinados brutalmente por los bolcheviques durante la Revolución Rusa en 1917.

Nicolás II, su esposa la zarina Alejandra, sus hijos Olga, Tatiana, Maria, Anastasia y Alekséi quedaron para los archivos históricos, como los últimos zares del imperio ruso, luego de ellos la instalación de la Unión Soviética.

Pero… ¿Y si nos salimos de Rusia y nos vamos hacia San Antonio (Provincia de Buenos Aires), pero con uno de los personajes más legendarios de la familia Romanov?

”Guillermo escapó de San Antonio dejando atrás un pasado poco claro. Lleva como único equipaje los fascículos de “Todo es historia” que tan cuidadosamente colecciona desde niño. En la pensión donde logra alojarse realidad y fantasía se mezclan en su mente.
Anastasia Romanov, hija prófuga de los zares de Rusia y su prima vienen a visitarlo y a exigirle que regrese a su pueblo. Hasta que la realidad golpea a su puerta”. Son las palabras con la cual Victor Winer define su tragicomedia.

Una pocilga, un hombre atormentado que huye, una prima metiche e hiperactiva, el novio de esta, un general ruso de armas tomar e implacable y la histriónica pero carismática duquesa Anastasia, son los personajes de esta obra interpretados por Ana María Cores; Cristian Thorsen; , Maria Viau; David Midanson y Carolina Ferrer.

Mariano Dossena es el encargado de dirigir esta tragicomedia, donde las risas estarán a la orden de la noche, así como también las sorpresas. Los juegos narrativos de Victor Winer en Los Soviets de San Antonio son sagaces, acompañados de monólogos atinados con referencias históricas y folclore argentino, una comedia negra que se vuelve imprescindible para un sábado a la noche dónde veremos cómo los rusos solucionan sus problemas, muy a lo ruso. El personaje de Anastasia interpretado por Ana María Cores es un deleite que brilla en absoluta presencia en las tablas. La música original de Rony Koselman le da una solemnidad necesariamente rusa.

Los Soviets de San Antonio se encuentra disponible los sábados a las 22 horas en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Un Lugar En Silencio: Parte 2

Es una realidad que la primera entrega de A Quiet Place resultó ser una sorpresa durante su estreno en 2018. Era una película que nos mostraba una interesante trama en el que los personajes no podían hacer ruido ya que podían ser asesinados por unos extraños monstruos con un excelente oído. Esto podía haber resultado algo bizarro y más propio de un film de clase b, pero contó con una excelente dirección de John Krasinski, tanto en lo técnico como en lo actoral. Vamos, tampoco era una maravilla, pero logró introducirnos en su constante suspenso, por lo que ahora tenemos una secuela. Esta secuela es un film que rescata muchas cosas de la primera, que nos sigue manteniendo en vilo, aunque su trama no resulte tan relevante.

Al principio llegamos a ver una escena del día 1 de esta invasión. Volvemos a ver al personaje de Krasinski junto a su familia, que están por disfrutar de un partido de baseball de uno de sus hijos. Dicho partido es interrumpido por un proyectil de fuego que cae por el cielo, y que minutos después, aparecen estos seres que empiezan a asesinar a cualquiera que haga el mínimo ruido. Con aire de precuela vemos esta escena, y aunque comienza con fuerza, es lo único que llegamos a ver sobre el inicio durante todo el film. Luego volvemos a dónde quedó la primera entrega, el personaje de Emily Blunt tiene a su bebé, y junto a sus hijos siguen sobreviviendo, teniendo una herramienta para atacar a estos bichos. El recorrido de la película es ese, la búsqueda de un lugar para sobrevivir junto a la familia, no nos muestra casi nada nuevo, sino más bien, trata de profundizar la historia de los personajes, sobre todo Regan, la niña sordomuda.

En cuanto a lo técnico, el sonido sigue siendo un factor muy importante en el film, no solo por las escenas en la que hay silencio, y que seguramente más de un susto te darán luego, sino también en el uso de la música que acompaña a la trama en su recorrido. La mano de Krasinski se hace ver nuevamente en las escenas de acción, que si bien tampoco este film cuenta con un holgado presupuesto, aprovecha cada momento en el que los enemigos aparecen.

Nuevamente estamos sin saber mucho sobre estos enemigos, tampoco resolvemos nuevos enigmas sobre cómo sobrevivir a ellos. Es más bien un recorrido de personajes , que agrada, pero que descuida otros aspectos importantes de la trama. Seguramente en algún momento tendremos alguna precuela en la que nos resolverán estos enigmas.

Un lugar en silencio es una buena película, bien actuada y dirigida que nos mantiene en suspenso durante más de su hora y media de duración, pero que al final no damos cuenta que no encontramos nada nuevo en su trama, que sigue su mismo recorrido, pero conociendo un poco más a sus personajes. Seguramente tendremos más de esto en el futuro, así que para el origen podemos esperar.

Calificación 7/10

Reseña: Migrantes

Yo tengo tantos hermanos, que no los puedo contar

”Yo tengo tantos hermanos
Que no los puedo contar
En el valle, la montaña
En la pampa y en el mar”, así dice la primera estrofa de la legendaria canción de Atahualpa Yupanqui, ¿Qué nos hace hermanos más allá del mismo idioma y origen? 

Migrar no es fácil, quien diga lo contrario es porque no la hecho, cada experiencia es distinta y se vive de diferente intensidad, desde la soledad, contención, amor y tragedia. ”Seis actores de nacionalidades diferentes. Una argentina, una boliviana, un ecuatoriano, un mexicano, un colombiano y un chileno. Acompañados por un músico en escena, cada uno cuenta su viaje. ¿Por qué dejaron su país? ¿Qué dejaron? ¿Qué extrañan? ¿Por qué se quedan?Nostalgia, confrontación, descubrimiento.” Es la premisa de la obra creada por Gabriel Fernández. 


Mariana Maciel (Argentina), Olivia Torrez (Bolivia), Heriberto Ruiz Díaz (México), César Riveros (Chile), Paul Criollo (Ecuador) y Juan Prada (Colombia) es el elenco plurinacional que hacen de esta obra una entrañable y conmovedora comedia, la cual se apoya de recursos como el clown, titeretismo, también percusión y flauta andina a mano de Laura Dos Santos.
Frenética, divertida, fluida y empática se vuelve esta obra dirigida por Greta Risa. Siendo inmigrante me siento interpelado por esta producción, más allá de hacerme reir, me recordó lo difícil que fueron mis primeros dos años en este país, los sacrificios que mi familia hizo para que yo estuviera acá y el vacío constante que es el no saber a qué lugar pertenezco.


Migrantes es una obra que nos pone a todos en una misma situación: Fuera de nuestro país por diferentes motivos, intentando  adaptarnos y ser integrados, pero sobretodo con el deseo de volver pues todos los recuerdos quedan en el terruño.
Migrantes está disponible por dos jueves más a las 20:30 en el Espacio Callejón  (Humahuaca 3759)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Space Jam 2 :Una nueva era

Seguramente todos recordando aquella película de los años 90′ (Precisamente 1996) en la que los reconocidos Looney Tunes realiyan un partido junto al basquetbolista Michael Jordan, en un film que mezcla la animación con el live action. Sin ser una maravilla , la película se convirtió en un clásico divertido para ver seguramente los domingos a la tarde en algún canal de TV. Cómo siempre, en algún momento llegaría la secuela, ahora de la mano de Lebron James, con un aire renovado a las tiempos actuales, si bien no llegará a ser tan recordable como la primera entrega, nos ofrece momentos divertidos, por lo que al menos podremos pasar un buen rato con un nuevo partido de basquetbol.

Mientras en la primera entrega los enemigos eran unos alienígenas que querían secuestrar al basquetbolista Michael Jordan y tener de esclavos a los Looney Tunes. En esta entrega es una tecnología la que quiere a un basquetbolista estrella para ejecutar sus planes. Una diferencia que podemos notar en esta entrega es que Warner hace uso de todas sus franquicias en la historia, además de los reconocidos dibujos animados. Es así como los personajes se encuentran dispersos en el mundo de WB y deben ir a buscarlos. Es ahí cuando vemos los mejores momentos de la película dentro de films como Mad Max, Casablanca, Matrix, entre otros. La historia es simple y algo boba, pero aún así logra entretenernos con sus chistes y sin fin de referencias.

Algo más que llamaba la atención en esta entrega es la incorporación de LeBron James en el film. Había que traer una estrella más actual y que tenga el peso suficiente como lo fue Jordan en su momento, y la verdad podemos decir que no ha estado mal. El personaje denota carisma, también cuenta con un momento animado, que para que no se asusten, dura algunos minutos. Es así también como se juega con el diseño de los personajes animados, que se presentan en un principio a través de una animación más clásica, pero que a la hora del partido se busca una excusa para que veamos a los Looney tunes con una característica más realista, aunque manteniendo la escencia de caricatura.

Space Jam 2 no es una película memorable que quizá veamos en unos años con cariño, pero si es un entretenimiento que cumple. Volvemos a ver a los personajes animados de forma entrañable, y a sus vez nos entretienen con su sin fin de referencias, con DC cómics incluído. Una buena opción familiar para ver en cines.

Calificación 7/10

Reseña: Teresita, una vida de mierda.

Todo es una mierd#


¿Cuántas veces hemos dicho ”La vida es una mierd#, trabajo de mierd#, amor de mierd#, gente de mierd#, papis de mierd#? Hoy lo dije unas cinco veces, y es que no todo nos sale bien, más aún cuando nuestras expectativas son cada vez más altas.


”Teresita se encierra en su baño decidida a terminar con su vida. Con un fondo blanco de Procenex se lanza a un viaje místico-gástrico para enfrentar su propia mierda. De la mano de un dúo de soretes cantores transita catárticos números musicales que juegan con lo bizarro y con los clichés más hermosos del teatro musical. Juntos van a tirarle la cadena a esa vida de mierda que Teresita ya no se banca más” Es la sinopsis de esta obra  musical creada por Alejandro Ibarra y Chechu Vargas y musicalizada por Matías Ibarra.Un baño con un inodoro gigante, un altar a la virgen de Caacupé, una mujer en crisis y dos ”soretes” que se vuelven coach ontológicos de ella.Números musicales de piano de Agustín Konsol que hacen recordar a los cabarets newyorkinos, bailes de tap fusionados con tango y folclore, todo esto con un carismático e incómodo musical sobre la mierd#.

Ya con el nombre de la obra podemos deducir que será sobre la mierd# pero la trama no es una mierd# ni el musical tampoco, el humor escatológico son las bases de este hilarante y simpático musical, que se vuelve imprescindible para desconectar de tanto caos nacional y mundial y poder reir hasta que las mejillas se hinchen. Nahuel Adhami, Mariano Magnífico son los agentes de la digestión que ayudarán a Teresita (Chechu Vargas) a encontrarse consigo misma.Una obra musical rara pero de trama original que agradará a todo aquel que esté dispuesto a divertirse y a olvidar la vida de mierd# que tenemos.

Teresita una vida de mierda está disponible los Domingos a las 18:30 en el Teatro Picadilly (Corrientes 1524). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: El Ballet Contemporáneo del teatro San Martin presenta “Piazzolla”

Piazzolla, siempre Piazzolla

En Mar del Plata, hace 100 años nació el músico que vino a revolucionarlo todo, ”El asesino del Tango” le llamaron los remiseros pues rompió con todas las bases del tango estándar, llevando su bandoneón a distintas latitudes, sobre todo Europa y Estados Unidos, donde su ”nuevo tango” y su vanguardia marcaron un antes y después, el comienzo de la internacionalización del género porteño.
¿Quién no ha escuchado Libertango?, es capaz la composición más conocida de Astor Piazzolla, en mi país el repertorio de Piazzolla era vital en los cursos de Tango, al ver bailar esta pieza quedamos perplejos, pero El Teatro San Martín lo lleva a otro nivel, involucrando a su Ballet Contemporáneo para interpretar las melodías de Piazzolla.


Un programa integrado por tres obras de Mauricio Wainrot y una coreografía de Ana Itelman. Los integrantes del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín –dirigido por Andrea Chinetti son Constanza Agüero, Brenda Arana, Lucía Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella Federico, Paula Ferraris, Daniela López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Manuela Suárez Poch, Adriel Ballatore, Darío Calabi, Matías Coria, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio Gonçales, Jonas Grassi, Alejo Herrera, David Millán, Andrés Ortiz, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Emiliano Pi Álvarez, Rubén Rodríguez y Damián Saban. Los asistentes coreográficos son Diego


Los tres actos de esta entrega van desde Escualo (dúo de estaciones porteñas), Libertango y Las cuatro Estaciones de Buenos Aires, siendo esta última la más intensa de todas y mi favorita.
El Ballet dirigido por Andrea Chinetti nos muestra su fuerza e intensidad durante 60 minutos de sumo deleite, donde la música de Piazzolla esculpe los cuerpos de los bailarines, siendo una experiencia que deja las pupilas dilatadas incluso luego de salir y el tango grabado en tu cabeza por horas.
Como dato anecdótico frente de mí estaba una familia conformada por los padres e hijos pequeños, al terminar la función los chicos comentaron sobre el espectáculo ”Papá me encantó”, es que este homenaje puede agradar incluso a los que poco conocen del género porteño como a quienes lo amen.


Piazolla está disponible los sábados y domingos a las 20 horas hasta el 11 de septiembre en el Teatro San Martín en calle Corrientes.
Les escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Reseña: Redención (La religión en el cuerpo)

Cristo en nosotros

Cada uno lleva la Fe de maneras distintas; si está en un templo, un libro sagrado o en nosotros mismos es un tema personal, que una religión te encierre solo por la convicción de que te puede salvar del pecado y el infierno, es harina de otro costal. ¿Cuántos hemos perdido la Fe en estos últimos tiempos?,¿Cuántos la hemos recuperado?, más en contexto pandemia dónde parece oscuro y predecible, en algo debemos conectar pues la creencia es la base de la humanidad. Hoy pude ver la obra de Redención, original de Máximo Duem y dirigida por Leonardo Gavriloff, ”Una historia de culpa y fe. ¿Hasta dónde serán capaces de reprimir sus deseos para seguir el camino que marca su Señor y encontrar por fin Redención?”


Un grupo de jóvenes envueltos en drogas, sexo y mentiras se ven abrazados por el cristianismo que los ”salva” del pecado, en su afán por redimirse y cumplir con la vida que manda el Señor, unos no podrán reprimir lo que realmente son, otros intentarán llevar una máscara y conservar las apariencias aunque en el fondo la hipocresia es el pecado más grande que el querer ser como es sin caretas.
Diego Armel, Carla Di Amore, Emmanuel Maximiliano, Agustina Rivarola, Nicole Trasandes, Pablo Ventre y Kevin Vainer; forman parte del elenco de esta obra, talento joven cuyas interpretaciones destacan, hay debutantes dentro del reparto que lo hacen muy bien pero si pudiera destacar dos actuaciones sería la de Diego Armel como el pastor y Carla Di Amore como la esposa engañada.


En Redención se las ingenian en su puesta en escena, mediante palets de madera que van cambiando para asimilar distintas locaciones, esta sencillez creada por el mismo director de la obra la hace única. La trama es algo que ya conocemos: Las religiones no cambian a las personas, crean caretas que a veces son destructivas, hay otros elementos que verán durante la obra que también son lugares comunes, sin embargo la manera de desarrollarlo se hace intensa y bien planteada más allá de lo obvio, siendo una obra que puede incomodar al público conservador y agotar al más progresista, por la que hay verla desde un punto intermedio.


Redención está disponible los viernes a las 20 horas en el Bar de fondo (Julián Álvarez, 1200)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: El amor es una mierda

Historia de un divorcio

Hace un par de años pudimos ver la genial película de Noah Bambauch ”Historia de un matrimonio” protagonizada por Scarlet Johansson Adam Driver, como antecedente tenemos a Kramer vs Kramer de Robert Breton (1980) y en otra muestra pero de otra cultura está A separation de Asghar Farhadi (Irán). Todas hablan de lo mismo: El divorcio, cada uno desde un enfoque distinto, pero en El amor es una mierda vemos una mirada muy porteña y realista,
El amor es una mierda es un monólogo escrito y dirigido por Cecilia Mejilde y protagonizado por Vanesa Maja, cuya sinopsis nos dice: ”Una mujer se prepara para encontrarse con su reciente ex pareja. Ensaya una y mil veces formas para aparentar estar bien y práctica modos para que nada de su dolor salga a la superficie”.


Un escenario que se asimila a un estudio jurídico o sala de espera del mismo, una mujer y muchos sentimientos. Vanesa Maja nos da una interpretación plausible dentro del carisma, lo sincero, lo excéntrico y el desamor.


”Pensé que al casarnos sería una forma de estar juntos para siempre”, señala una de líneas de Cecilia Mejilde, y es que se tiene un concepto del amor legalizado muy definido, dónde no se piensa en el divorcio ya que este se asocia con el fracaso de la unión conyugal, sin embargo son situaciones que no son imposibles y en algún momento hay que aceptarlas.


El amor es una mierda es un deleite cargado de humor, neurosis y sentimientos dentro de lo que se planea decir durante un momento tan difícil, pues ¿Quien no tiene líneas y escenarios predeterminados ante trámites tan determinantes para la vida?


El amor es una mierda está disponible los viernes a las 20 horas en el teatro El extranjero (Valentín Gómez 3378). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: La Purga Por Siempre

La primera vez que salió una película llamada The Purge, nunca habíamos pensado que se convertiría en una saga que lleva cuatro películas y una serie de televisión. Este primer film, sin ser algo espectacular, nos traía una premisa novedosa y bien interesante, que fue la idea de que por un día (o unas horas) el crimen sea totalmente legal. Todo empezó con actores de la talla de Ethan Hawke y Lena Headey, en una película de bajo presupuesto que funcionó tan bien que llegó a tener secuelas que jugaron con la cultura popular, mediante el uso de máscaras y vestuarios propio de halloween. En esta cuarta película se nota que las ideas se agotaron, y quisieron ir más allá de la noche de la purga, el film es correcto, pero se nota que pierde la escencia de lo que este producto era.

En el film vemos que se viene un nuevo día de purga, todo normal, pero resulta que un grupo de personas decidió que esto debe durar más allá de ese día, dejando una purga eterna. Nos da un poco de trama sobre el anarquismo, sobre el racismo, pero todo tratado de una forma superficial un poco estereotipada. Si, hay mucho estereotipo en el tema del racismo entre gringos y mexicanos, llevado a un ambiente dónde existe el asesinato legal. El film lleva un ritmo correcto, con escenas que entretiene, pero con personajes que son poco entrañables. Por un lado tenemos a los extranjeros latinos , que trabajan para sobrevivir con los americanos ricos, que en un principio no hay mucha empatía, pero hacen amistad cuando viene el peligro. Extrañamente parece que da el mensaje de que “Hazte amigo de un mexicano porque quizá algún día te salve la vida”. Bueno, quitando eso, hay buenas escenas de acción que arrastra esta nueva anarquía , aunque juega desde lo predecible.

Si hay algo que se extraña es aquello que hacía especial a The Purge, que eran sus vestuarios. Si bien nunca fue galardón de una gran trama, al menos nos traía una forma interesante de ver los asesinatos desde lo visual, cómo el uso de máscaras , vestuarios y formas en las que se llevaba a cabo las muertes. Aquí hay poco de eso, predominan el uso de armas tradicionales, por lo que se vuelve más en un film de acción.

La purga por siempre es una película que trató de ir más allá mostrando el descontrol que un día podía llegar a aparecer con esta premisa, pero la realidad es que pierde su escencia de lo que alguna vez fue. El film es entretenido, aunque resulte bastante olvidable, tanto por sus personajes como por lo predecible de la trama.

Calificación 5.5/10

Reseña: A Chorus Line

Salir feliz luego de un musical

Si hay algo que caracteriza a los musicales son las canciones entrañables y sus historias, si bien hablamos de producciones de Hollywood que adaptaron grandes obras de Broadway o viceversa (sin contar las producciones fuera de Estados Unidos), hemos visto al menos cinco documentales en nuestra vida, también hemos soltado lágrimas o risas en alguno de ellos.

A Chorus in Line es un musical de Broadway estrenado en 1975 por James Kirkwood, Jr. y Nicholas Dante, con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, recibió múltiples galardones en los premios Tony y adaptaciones en otros teatros a nivel mundial, también una película en 1985 dirigida por Richard Attenborough.

En 2019 se estrena la adaptación argentina en el Teatro Astral, dirigida por el gran Ricky Pashkus y adaptada por Fernando Masllorens y Federico Gonzalez Del Pino. Por razones de común conocimiento la obra estuvo suspendida casi todo el 2020 hasta que este año volvió siendo el jueves antepasado su reestreno.

La historia de A chorus in line es la misma a la del musical de Broadway: Un grupo de 12 bailarines audiciona para entrar a un prestigioso musical, pero solo se podrá elegir a la mitad, por lo que cada uno compite, cuenta su historia y da las razones de por la cual bailan.

Jessica Abouchain, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Alejandro Ibarra, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta y Sofía Val, son las jóvenes promesas que demuestran su grandiosa habilidad actoral, potentes voces y gran coreografía hecha por Gustavo Wons.

Durante la proyección de A Chorus in Line el público no dejaba de aplaudir durante los números musicales, escuché risas, llanto y sobre todo mucha alegría transmitida por este elenco coral y su desenvolvimiento en escena.
A chorus in Line es una excelente decisión para un jueves a la noche.
Disponible los Jueves 20 horas en el Teatro Astral (Corrientes 1639)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.