Reseña: Luces en el espejo

 

Tuvimos el gusto de ser invitados y asistir a la obra “Luces en el espejo – Última función”, en Teatro Beckett, ubicado en el circuito teatral del barrio de Almagro. Unipersonal escrito e interpretado por Rodrigo Mauregui y dirigido por Osvaldo Peluffo, que narra los pensamientos, la psicología, las circunstancias de un actor con una vida dedicada al estrellato que aún no llega y el tiempo como condicionante en ese sueño de realización o autorrealización.

Entre sombras psicológicas, el actor dialoga con sus pensamientos, su pasado, su futuro. Su manager dejándole “mensajes de voz” de que no ha sido seleccionado en los castings. Se arrastra cada cierta cantidad de tiempo en busca de sus “pastillas”. Personifica de manera muy valiente la figura de su padre, de su madre, cada uno con sus limitaciones y condicionantes severos para él. La temática parental es algo clásico, puede que no sea lo más original pero sigue siendo un ineludible necesario, y requiere riesgo y transparencia que aquí en “Luces en el espejo” estuvo.

La escenografía, como de un camarín o habitación con rincón para maquillarse y mirarse al espejo. La escena inicia con un humo muy equilibrado con el espacio y el tiempo, y a partir de ahí emerge la figura de Rodrigo Mauregui, quien supo llevar muy bien la obra a nivel expresivo, corporal y de voz en el escenario. Dando lugar también a personajes de películas de culto como Taxi Driver, Chaplin, La naranja mecánica y otras personificaciones como la de un fascista y la de un bailarín clásico que baila Tchaikovsky. Puede que ciertos personajes ya se hayan explotado mucho, pero funcionan bien como arquetipos que todos reconocemos y que surgen probablemente desde la búsqueda y la intimidad con la que se construyó la obra.

“Luces en el espejo” es una obra de teatro que explora lo psicológico y lo social; es crítica, sincera y creo que es reflejo de Rodrigo Mauregui, un artista y emprendedor comprometido con el arte, la vida y la reflexión. Alguien que llevó la idea y el papel a la función y le puso el cuerpo, eso ya es todo un evento, sumado a que es una obra sincera, profesional y sin pretensiones ni aspiraciones de más. ¡Se disfrutó y se recomienda!

 

Matías Vanacor para La Butaca Web

 

Reseña: Lucio y yo

 

 

Tuvimos el gusto de ser invitados y asistir al estreno de Lucio y yo en el Centro Cultural de la Cooperación, la nueva obra escrita y dirigida por José María Muscari, que nos relata la historia real del proceso de adopción de Lucio Muscari, su hijo correntino que buscaba familia desde un hogar en Corrientes capital. Actúan Esteban Pérez y Máximo Meyer, producción general de Paola Luttini.

 

Sobre Av. Corrientes, el Centro Cultural de la Cooperación en su planta baja cuenta con un café y librería, se respira un ambiente inspirador de arte y letras. Al dirigirnos por la escalera, resulta imposible no detener la mirada en El Taller, el imponente acrílico de 2,30m x 3m realizado por Carlos Alonso en 2022. Nuestra cita era en la Sala Solidaridad, ubicada en el segundo piso. En el hall de la sala pudimos vivir una muy buena previa, que contó con diferentes medios de televisión, prensa y personalidades del medio como Fabiana García Lago, Adabel Guerrero, Olivia Viggiano, Patricia Palmer, Rochi Igarzábal, Juan Gil Navarro, entre otros. Un clima de mucha expectativa previa a una función a sala llena.

 

La escenografía de un lujoso living comedor, fue suficiente para relatar toda la emotiva historia, complementada con pantalla de fondo que reproducía videos y palabras que enriquecieron la narración. Pudimos ser partícipes del testimonio interpretado con gran actuación de Esteban Pérez y Máximo Meyer. 

El deseo de ser padre, el deseo de ser hijo, la convivencia y los desafíos de dos caminos que se cruzaron en esta hermosa historia. De puertas abiertas a sus sentimientos, intimidad y alma, junto a su hijo Lucio quién además de transformar la vida de José, colaboró en el guión y  tiene un camino propio acompañado de gran manera por su padre.

 

Del gran artista y personalidad José Muscari, Lucio y yo es una obra artística y sincera, con pretensiones únicamente humanas y del alma, con gran producción y que nos invita a la reflexión sobre los vínculos y la adopción. Se felicita mucho, se disfrutó y se recomienda!

 

Las funciones son viernes y sábados 21.30hs, en el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543.

 

 

 

Matías Vanacor para La Butaca Web

Crítica: Tu corazón será destrozado

Por @cronicadeunavidacualquiera

 

Una película que cumple con lo que promete en el título.

 

La historia:

Polina, ni voy a intentar escribir los apellidos en este caso,es una adolescente que viaja a una nueva ciudad con su madre y su padrastro. En la nueva escuela sus compañeras se la hacen más que difícil por lo que termina aceptando el pacto que le propone el chico rudo del curso llamado Bars. 

Ellos aparentarán ser novios para que las compañeras que le hacen bullying la dejen en paz, pero claro que a veces cuando uno aparenta algo empieza a apropiarse del personaje. Pero no todo es color de rosa porque las familias de ambos, especialmente sus figuras paternas no ven con buenos ojos esta relación. ¿Podrán estos enamorados sacar adelante esta relación pese a todos los obstáculos? Habrá que verla para enterarse, lo demás lo analizamos debajo.  

 

¿Qué me gustó?

La química de la pareja protagónica es innegable, jóvenes y hermosos, no se puede pedir más.

La peli logra capturar ese frenetismo de la vida adolescente donde podés estar tocando el cielo con las manos en un momento y caer hasta el fondo del infierno en el momento siguiente. 

 

¿Qué no me gustó?

Todos los personajes son demasiado estereotipados y sin capas, inclusive los protagonistas que, aunque intentan hacerlos ver un poco más profundos contando sus historias de origen, no dejan de ser los clásicos estereotipos de la chica desvalida y el joven rebelde.

Las situaciones que atraviesan los protagonistas no tienen nada de especial ni original, simplemente son llevadas al extremo, casi al borde de lo absurdo. 

 

¿A quién recomiendo esta peli?

A los adolescentes que buscan su representación en la pantalla grande, esta es la opción. Aunque la peli no ofrece mucho más que cualquier telenovela clásica cuya única diferencia es la edad de los protagonistas.

 

 

Calificación: 6/10

Duración: 134 minutos

Estrena el 20 de agosto en cines.

Vuelven los Midachi con funciones especiales en el Gran Rex

Integrado por Miguel del Sel, Dady Brieva y Chino Volpato, el trío se presentará en el Teatro Gran Rex los días 27, 28, 29 y 30 de agosto de 2026, en una serie de funciones que prometen emoción, risas y celebración.

Entradas a la ventadesde lunes 22 de diciembre a las 12h. del mediodia en www.tuentrada.com y en boletería del teatro.

Nacidos en Santa Fe, Midachi trascendió generaciones con un humor popular, cercano y profundamente identificado con la cultura argentina. A lo largo de su trayectoria, conquistaron teatros, estadios y pantallas, batiendo récords de convocatoria y convirtiéndose en un clásico indiscutido del entretenimiento nacional.

Estos shows en el Gran Rex marcarán el reencuentro final con su público, recorriendo los personajes, sketchs y momentos más emblemáticos de una carrera que dejó huella en la historia del humor argentino.

MIDACHI VUELVE.
Porque hay historias que no cierran solas.
Porque hay risas que todavía resuenan en la memoria de la gente y merecen un último abrazo.
Gracias con el cuerpo entero.
Con la risa.
Con la música.
Con el silencio final…
Uuaaaaa, qué formal… jajaja.
MIDACHI VUELVE… ¡PORQUE SÍ!

«La ratonera» de Agatha Christhie llega al teatro Liceo con un elencazo

El próximo 3 de septiembre llega al Teatro Liceouna nueva versión de «La Ratonera», el clásico de Agatha Christie que se convirtió en el policial teatral más famoso de todos los tiempos. Con funciones de miércoles a domingo, la obra reúne a un destacado elenco integrado por Carlos Belloso, Ludovico Di Santo, Romina Gaetani, Andrés Gil, Walter Quiroz, Carlos Santamaría y Malena Solda, con la participación especial de Betiana Blum.

Con dirección y versión de Manuel González Gil, música original de Martín Bianchedi y una impactante propuesta escenográfica que recrea con gran detalle la atmósfera opresiva del hostal Monkswell, esta puesta renueva el espíritu de la obra acercándola al espectador de hoy, con personajes más humanos, diálogos de gran fluidez, humor sutil y un ritmo cinematográfico que potencia el suspenso sin revelar jamás el gran secreto que convirtió a La Ratonera en un fenómeno teatral sin precedentes. 

Sinopsis

Una intensa nevada deja aislado al recientemente inaugurado hostal Monkswell, donde un grupo de desconocidos queda atrapado sin posibilidad de abandonar el lugar.

Mientras los huéspedes intentan convivir en medio de las primeras tensiones, la noticia de un crimen ocurrido en Londres altera la tranquilidad del refugio. Poco después llega un joven sargento de policía con una inquietante advertencia: el asesinato podría estar relacionado con uno de los presentes y todo indica que habrá una nueva víctima.

La desconfianza comienza a instalarse entre los ocupantes del hostal. Cada uno parece ocultar algo, todos tienen zonas oscuras en su pasado y nadie resulta exactamente quien dice ser. Cuando el crimen finalmente golpea dentro de la casa, el encierro se convierte en una auténtica trampa donde cualquiera puede ser el asesino… o la próxima víctima.

Con una combinación perfecta de suspenso, humor, falsas pistas y giros inesperados, «La Ratonera» vuelve a demostrar por qué sigue cautivando a millones de espectadores en todo el mundo y continúa siendo una experiencia teatral imperdible.

Una producción de Faroni Producciones, Juan Manuel Caballé y Tomás Rottemberg.

Análisis: The Inquisitor para PS5

Por Jorge Marchisio

Basado en las novelas de Jacek Piekara, llega a nuestras consolas (este juego fue probado en una PS5 estándar) The Inquisitor; que nos relata la historia de Mordimer Madderin, quien es un inquisidor en la Europa del medievo quien investiga no solo la pérdida de fe de la gente, sino que algún que otro evento sobrenatural que está sucediendo en la zona.

Para lograr esto, tendremos elecciones de diálogos e interrogatorios (del estilo medieval) para ir avanzando en la historia. Historia que, según nuestras decisiones, se irá bifurcando en diferentes líneas, dándole a I, The Inquisitor bastante rejugabilidad.

En ese sentido, el juego funciona muy bien, ya que nos da bastante libertad y opciones a la hora de ir avanzando en la historia. Pero en lo que se refiere al apartado técnico, ehhh. Bueno, mejor sigan leyendo.

Somos conscientes de que no estamos ante un AAA, pero la industria se encarga una y otra vez, de mostrarnos que se pueden hacer cosas de extrema calidad con pocos recursos. Pero I, The inquisitor no lo logra. Y con esto no me refiero a un apartado técnico que se siente desde hace dos generaciones, sino en otros puntos.

Me refiero específicamente al sistema de combate que se nos presenta. No solo hablo del motor de colisiones, sino el todo el pack de pelea, se siente bastante arcaico y obsoleto; con movimientos pocos fluidos, y choques que nunca se dan o que traspasan a los personajes. Ojalá se arregle este apartado en futuros parches.

No queda mucho por decir sobre I, The Inquisitor. Lo mejor que ofrece esta experiencia es la historia, que nos va a tener pegados a la pantalla por unas diez. Si no son demasiados exigentes con el gameplay, es una buena recomendación. Ahora si buscan algo que esté a la altura de la generación actual; yo que ustedes esperaría una rebaja.

6/10

Lo mejor: la historia y sus giros de guión

Lo peor: las mecánicas de pelea, se siente como mínimo una generación desfasada.

Crítica: La última casa

Por Jorge Marchisio

Volvemos a las reseñas de películas de streaming, esta vez con una producción de Netflix centrada en el terror. Y si, ya se pueden imaginar lo que se nos viene; porque la N roja no tiene demasiada fama en lo que se refiere a dar miedo. Así que veamos de qué trata La última casa.

La historia se centra en una familia convencional norteamericana, compuesta por mamá, papá, hijo mayor e hija menor (y un perro entrado en edad). Lo que parecía un día de lluvia normal, se transforma en una tortura cuando dicho evento climático no para, y encima, nadie puede salir de sus casas por alguna extraña anomalía del agua. Ahora, encerrados y con escasos recursos, esta familia promedio deberá sobrevivir cuánto tiempo puedan.

Si, volvimos al formato de gente encerrada, elenco reducido y amenaza que apenas se ve hasta llegado el final. Y eso no tendría nada de malo, si al menos la historia, las actuaciones y los personajes ayudarán a sostener un guión simple. Pero como van sospechando, no estaría siendo el caso de La última casa.

Lo primero que salta a la vista, son lo mal escritos que están los personajes de los chicos. Ya sabemos que es difícil construir a un infante de forma realista, pero acá es que el más insoportable es el mayor, un huevón que debe rondar la adolescencia y parece que no puede ni desenchufar un modem sin llorarle a su padre. Y para rematarla la tenemos a Greta Lee, actriz que se hizo famosa por Vidas Pasadas y que quizás sea la única buena actuación que le pudimos ver. Lo lamentamos por el gran Wagner Moura, quien tuvo que lidiar con estos esperpentos en pantalla.

Y el guión tampoco es la gran cosa. cuesta bastante mantener la tensión y la atención del espectador cuando se cuenta con pocos personajes que están encerrados. Pero ahí tenemos la joya de Cloverfield 10 Lane, que lo hace muchísimo mejor. Así que no hay excusas; aparte que La última casa se alarga a unas innecesaria hora y cincuenta minutos.

¿Cosas buenas? Pocas, quizás la idea de que gracias a una tormenta la gente no pueda salir es al menos original, aparte que la lluvia torrencial hace que no se pueda ver bien qué sucede en el exterior. Aparte hay que destacar al ya mencionado Wagner Moura, que se carrea toda la película a sus espaldas, quedando solo en ese apartado.

La última casa es una mala película, eso no lo duden. Puede empezar medio entretenida, pero se va cayendo a pedazos a medida que avanza, con un final que parece sacado de otra producción. En fin, otro fiasco de terror en lo que respecta a Netflix, y van…

Calificación 4/10

Crítica: Moria (Serie de Netflix)

Por Jorge Marchisio

Si había una serie nacional que le interesaba a la gran mayoría de los seriefilos argentinos, era Moria. Esta especie de biopic mezclado con realismo mágico de la gran vedette argentina, prometía no dejar a nadie indiferente ¿Cumplió? Sigan leyendo y lo veremos juntos.

La serie nos cuenta los inicios de la diva desde que dejó la carrera de abogacía por la Calle Corriente. Y a través de tres actrices, se nos cuenta las diferentes épocas de Moria Casan, hasta transformarse en la figura popular y emblemática que es a día de hoy.

Como se sabía, a Moria la iban interpretar Sofia Gala CastiglioneGriscelda Siciliani y Cecilia Roth, cada una en un momento en particular, recreando situaciones que a día de hoy ya son parte del imaginario popular argentino. Así que vamos a empezar hablando de ellas, diciendo que es justo en el orden en el que las puse, el orden de mejor a peor caracterización de la mítica diva.

Si, muchos me van a decir que era obvio que Sofia Gala Castiglione la imite bien a la madre, porque es la hija, y yo les digo que vaya estupidez acaban de decir. Hay que tener bastante talento para imitar los gestos y el timbre de voz de una persona que fue mutando a lo largo de los años, siendo su versión, la mejor de las tres presentadas. Con respecto a la de Siciliani, por momentos se parece en su postura y movimientos, y obvio, la forma de hablar, pero físicamente no. Y por último tenemos la de Cecilia Roth, que la verdad me dejó bastante decepcionado, sintiendo que siempre estaba viendo a la actriz disfrazada de Moria, y no a Moria en el cuerpo de otra persona.

También vale aclarar que la serie dista bastante de ser realista. Diría que la podríamos tomar como realismo mágico, si es que le quieren poner algún catálogo. Y no solo lo digo por cierta parte donde algo cae en el patio de la casa de Moria Casan, sino porque hay mucho rompimiento de la cuarta pared, y varios planos donde el jugador juega con esto que se nos plantea desde un inicio: Moria es el Obelisco con tetas.

La serie de Moria Casan es muy recomendable, de eso no hay dudas. Depende del espectador si entra en el chiste que se propone, fingiendo que todo pasó literalmente como dicen acá, o si por el contrario hubiera preferido ver un biopic hecho y derecho. Desde mi lugar, la recomiendo.

 

 

Calificación 8/10

Reseña: Sweeney Todd: El cruel barbero de Fleet Street

Por Felipe Ginevra


Londres, Fleet Street, lugar lúgubre y pestilente, nos presenta la historia de Sweeney Todd (identidad asumida por Benjamin Barker al regresar de su exilio). Un barbero —no cualquier barbero, el barbero más cruel que alguna vez pisó el teatro— que, luego de fugarse de prisión y con el objetivo de rescatar a su hija del demonio del Juez Turpin que la había secuestrado, emprende junto a la dueña de un comercio de “pasteles de carne”, la ingeniosa Mrs. Lovett, un plan para vivir hasta lograr esta hazaña. Este plan se ve varias veces puesto en jaque por el terrible accionar de los protagonistas en una trama donde el horror convive con la ironía.


La puesta en escena de este musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler es solo comparable con el desbordante talento que el elenco entero mantuvo a lo largo de dos horas y media. Es una obra icónica llena de humor negro, venganza y pasión. Destaco enormemente el diseño de iluminación, que logra generar un ambiente atrapante donde te sentís dentro de la historia, acompañando de gran manera a la coreografía de Pamela Peker, que es sin lugar a dudas la estrella de esta puesta dirigida por Marcelo Rosa. Es una propuesta muy recomendable para apasionados del teatro musical.


Distingo fuertemente la calidad vocal que mantiene el elenco bajo la dirección de César Tello, una maravilla técnica llevada a una interpretación excelentemente lograda. Emmanuel Degracia, en su rol protagónico, logró una fuerte apropiación del personaje, llevándolo con gracia durante toda la puesta. Pero, sin lugar a dudas, tengo que hacer mención de Anabella Boron, quien hace el papel de Mrs. Lovett; es un deleite ver su talento al servicio de la pasión. Con una interpretación que se llevó todas las palmas del teatro en cada oportunidad, un registro vocal admirable y una actuación tan desarrollada, esta actriz logra estar a la altura, y más, de semejante personaje.


Obra muy recomendable, una icónica adaptación en el Teatro Santa María.

FICHA TÉCNICA

ELENCO:
Sweeney Todd: Emmanuel Degracia
Mrs. Lovett: Anabella Boron
Anthony Hope: Tomás Vila
Johanna Barker: Lucia Louzan
Juez Turpin: Alfredo Alesandro
Beadle Bamford: Mario Angelome
Adolfo Pirelli: Agustín Iannone
Tobias Ragg: Nacho Batti
Lucy Barker / Mendiga: Aimara Vázquez

ENSAMBLE:
Marian Lorena Vázquez
José Fiz
Lucia Ingol
Chiara Rodó
Hernán Cáceres
Camila Schuale
Santiago Sastre

Música y letras: Stephen Sondheim

Libro: Hugh Wheeler

Basado en la adaptación de: Christopher Bond

Producción original de Broadway:Richard Barr, Charles Woodward, Robert Fryer, Mary Lea Johnson y Martin Richards, en asociación con Dean y Judy Manos

Dirección general: Marcelo Rosa

Dirección musical y vocal: César Tello

Coreografías: Pamela Peker

Producción general: Velka Producciones

Prensa: Kevin Melgar

GRAN ESTRENO
SÁBADO 15 DE AGOSTO – 20:30 HS
TEATRO SANTA MARÍA

Análisis: Marvel Tõkon: Finghting Souls para PS5

El género de lucha es un terreno complejo donde, a menudo, la creación de nuevas franquicias resulta en propuestas irregulares. Sin embargo, la unión entre la maquinaria de Marvel y la vasta experiencia de Arc System Works ha dado lugar a Marvel Tōkon: Fighting Souls, un título que se consolida rápidamente como un exponente sólido y necesario para el género. Lejos de intentar replicar la sombra de Marvel vs. Capcom, este juego se presenta como una evolución reflexiva, basándose en la experiencia previa del estudio con obras como Dragon Ball FighterZ y BlazBlue: Cross Tag Battle para construir una identidad propia, pulida y con un potencial innegable.

La mayor novedad radica en su sistema de combate de cuatro contra cuatro, un formato que, lejos de ser un simple reclamo publicitario, reconfigura el caos inherente a las batallas por equipos. El ajuste más ingenioso es, sin duda, la implementación de una barra de vida compartida para todo el equipo. Esta decisión elimina la necesidad de gestionar múltiples barras de salud y reduce la barrera de entrada que suele imponer el género, permitiendo a los novatos familiarizarse con las mecánicas de relevo sin la presión de aprender a dominar a cuatro personajes simultáneamente. Al mismo tiempo, ofrece a los jugadores expertos una profundidad estratégica fascinante, donde la gestión de apoyos, el uso de las asistencias escalonadas y la versatilidad durante el combate marcan la diferencia entre la victoria y la derrota.

El juego introduce mecánicas equilibradas, como el acceso limitado a los personajes de apoyo al inicio del combate. La necesidad de desbloquear al resto de los integrantes mediante ataques que rompen la pared o al iniciar nuevas rondas tras una derrota, actúa como un sistema de equilibrado orgánico. Esto permite que, incluso frente a un marcador adverso, el jugador tenga la oportunidad de realizar una remontada heroica mediante una estrategia más versátil. Es este equilibrio perfecto entre accesibilidad y profundidad técnica lo que posiciona a Marvel Tōkon como un título diseñado tanto para el aficionado ocasional como para el competitivo, con una mirada clara puesta en el ecosistema de los esports.

En el plano visual, Arc System Works demuestra una vez más su maestría. El estilo gráfico es sobresaliente, fusionando la estética clásica de los cómics con la energía del anime japonés, creando lo que parecen ilustraciones en movimiento. Esta puesta en escena se traslada con éxito al Modo Episodio, que huye de una campaña única para ofrecer historias independientes centradas en equipos predeterminados. Con el respaldo narrativo de Kieron Gillen, este modo se despliega como una serie de cómics animados con actuaciones de voz de gran nivel, donde la premisa clásica del torneo impuesto por el Campeón del Universo justifica de manera fluida y coherente la convivencia de héroes y villanos en un mismo equipo.

En definitiva, Marvel Tōkon: Fighting Souls es, posiblemente, una de las mejores sorpresas que el género de lucha podía recibir en 2026. Es un juego que entiende perfectamente la delgada línea entre la diversión inmediata y la maestría a largo plazo. Con controles simplificados que infunden confianza al principiante y un sistema de combate rico en matices estratégicos para el veterano, Arc System Works ha logrado crear no solo un homenaje repleto de estilo para los entusiastas de los cómics, sino una obra con un ritmo y una personalidad técnica que la hacen brillar con luz propia. Es, en esencia, una invitación a descubrir hasta dónde estamos dispuestos a llegar en el arte de la pelea.

Calificación 8.5/10