Reseña: Elizabeth I, el musical.

Denise Gonzalez Ferrario

En esta oportunidad te acompaño a conocer un poco del espectáculo Elizabeth I, el musical de Nicolás Pérez Costa. A grandes rasgos se puede ver un equipo de trabajo de excelencia en el resultado general, creo que este es un buen resumen de lo que se ve en el show.

Sobre la obra, podemos decir que tiene una estructura simple, entretenida y directa, con muchos momentos de humor y simpatía. Se basa en la leyenda de la muerte de la princesa Elizabeth I de Inglaterra (reina Isabel en castellano, también llamada por su pueblo “la reina virgen”), y transcurre durante el momento de asumir su rol como reina. Según el rumor, la princesa fallece en sus primeros años de vida y se selecciona a un niño para reemplazarla, quien crecerá con la educación pertinente para cubrir este puesto. Llegado el momento de coronarse, la reina debe encontrar un pretendiente dispuesto a compartir su secreto para desposarla y continuar con su legado real.

La trama trae el debate actual de identidad de género, inserto en un momento de la historia en que no había lugar para tal conversación. Desde mi punto de vista se aborda con la simplicidad adecuada y apoyado en elementos artísticos llevaderos y amigables. En varios momentos surge la protesta del hombre que ocupa el lugar de la reina sobre su necesidad de ser quien quiere ser, mostrarse al mundo y ser libre. También se refleja el cómo la imagen que construyeron sobre él afecta incluso a las personas que conocen su secreto, que a estas alturas ya no pueden verlo como un hombre. Se torna interesante y, lo más importante, siembra en el espectador preguntas y planteos sobre la cuestión.

En cuanto a los intérpretes, el nivel de talento y calidad es alto. Los actores son histriónicos, los papeles están muy bien marcados y vocalmente se destacan sin duda. Utilizan el recurso de desdoblarse -la aparición de un mismo actor en diferentes papeles- obviando el hecho para impactar cómicamente, lo que se logra exitosamente.

La música de Pablo Flores Torres hace a la obra cobrar una marca propia. Se perciben canciones variadas, con influencias de distintos géneros musicales, lo que llama la atención del público y lo transporta a sensaciones y momentos particulares, desde lo profundo y emotivo hasta lo rítmicamente excitante.

La iluminación en el Teatro Regina es, como siempre, fabulosa y acompaña fielmente a la puesta en escena. La escenografía la describo muy sobria y concreta, se ajusta adecuadamente a todas las escenas. Los vestuarios de Fernanda Pérez Delgado envuelven a los personajes con la precisión de la época, especialmente a la Reina. Impactan y demuestran la calidad de su trabajo como diseñadora. Destaco los colores utilizados en cada ocasión, pensados para hacer brillar a los intérpretes.En conclusión, un show entretenido para todo público, tanto para fanáticos del musical como para espectadores que no asisten al teatro con frecuencia. Entretenimiento asegurado, una moraleja emotiva y talento de sobra a cada segundo, montado en un espacio que cuenta con todas las medidas de higiene necesarias para cuidarnos en el contexto actual.


Reseña: Sueño de una noche de verano

Por Sebastián Arismendi

Soliloquios veraniegos

De común conocimiento, esta noche de jueves es la última de teatro al menos por este mes (esperamos que así sea), la manera de cerrar con broche de oro y lleno de optimismo fue haber visto la adaptación de Greta Riso del clásico de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano (1595).


El teatro Espacio Callejón en Almagro, asume la tarea de montar este clásico que ganó 3 estrellas de Mar en el festival de Teatro en Mar de Plata este año. Con un despliegue actoral de 10 actores, cambios de vestuario y de personajes, está comedia Shakespeariana cargada de dobles sentido, orinismo, excentricidad, lujuria y divertidos momentos nos deja un buen sabor de boca y mejillas hinchadas por tanto reír.


Néstor González, Andrea Riaño, Hilario Quinteros, Sebastián Fraternali, Henry Beliera, Abby Forte, Pedro Ballesteros, Jorge Requesens, Manu Alma Peon, Clarita Campos, Leandro Guerra y Magalí Mendes son los encargados de darle fuerza e intensidad a los soliloquios Shakespearianos así como también dinamismo y sincronía al ser una obra de tantos actores en un espacio reducido, contando su duración (2 horas), que gracias al talento de estos chicos y la ágil dirección se hace un rato ameno.


Para quienes no conozcan la obra, una breve premisa sería: En la ciudad de Atenas dos amantes se desean, ella tiene un pretendiente que quiere casarla a la fuerza, una chica del pueblo envidia a esta por ser deseada y porque su amado se fija en su amiga, sintiéndose menospreciada. No es hasta que unas criaturas mitológicas intervienen y mediante hechizos invierten la situación y se vuelve una locura para todos los personajes ya que los hechizos rebotan entre sí.


Esta obra nos adentra al mundo de Shakespeare sin la necesidad de aburrirnos ya que la comedia es su fuerte, especialmente la de las insinuaciones sexuales y deseos, sin embargo no pierde el espíritu del autor inglés con esos soliloquios tan entregados y personajes excéntricos.
Cuando vuelva el teatro la podrán ver en Espacio Callejón (Humahuaca 3759) los jueves a las 20:30.

Deseo y espero que la situación mejore para seguir teniendo cultura segura y de calidad.

Crítica: Mortal Kombat

Por Daniel Alvarez

Por alguna razón tenía el presentimiento de que Mortal Kombat sería la última película que vería en cines antes que cierren los complejos de cine, ante la suba de casos de Covid 19. Lamentablemente la predicción fue tal cual, aunque el estreno sigue vigente para las provincias de argentina que no incluyen en las restricciones horarias, y para Buenos Aires, durante un dia.

Si estás leyendo esta crítica hoy, y aún estás a tiempo para ver este film basado en un famoso videojuegos de lucha, te recomiendo que vayas, y obviamente cumplas con los protocolos correspondientes. Mortal Kombat sorprendentemente es un buen film, o al menos es lo que buscamos en este tipo de productos. Si bien la historia no está muy inspirada, es más bien una excusa para enfrentar a los reconocidos personajes y mostrar guiños a un videojuego que aún sigue vigente. Si alguno le interesa la premisa, es más o menos así, en el mundo se libra un torneo llamado Mortal Kombat, a los ganadores permitirá tener un dominio de la tierra si resultan triunfadores. Es por eso que el grupo de los malos antes de esperar a ganar, decide ir en la cacería de los posibles campeones para tener una victoria antes del torneo. Obviamente aquí tenemos la lucha entre los reconocidos personajes Scorpion y Sub Zero, y a su vez la aparición de diversos personajes que formarán distintos bandos en la lucha por la tierra. Si, no hay mucha inspiración y profundidad en su narrativa, pero de todos modos la película funciona como un acto de entretenimiento de acción que se disfruta.

Otro de los grandes estrenos del mes pasado fue Godzilla vs Kong, y me gustaría hacer una comparación. La otra película de Warner falló cuando le puso enfasis a tramas secundarias con los personajes humanos, metiendo relleno a los que realmente importaba, la pelea de los Titanes. Aquí afortunadamente pasa lo contrario, si bien tenemos una trama sobre la familia del protagonista, es un añadido del desarrollo del personaje, y el film se centra en todo momento en la lucha de estos campeones, sean humanos o no. Es así como se recrean situaciones de videojuegos, como las fatality, y algo no menos importante, la sangre en pantalla.

Mortal Kombat es una película que da justamente lo que debe, una experiencia que hace homenaje a un famoso videjuego de luchas, centrándose completamente en ello. Le perdonamos lo superficial de su historia, y nos da ganas de ver más, porque lo que nos ofrecieron, sin ser fantástico, es sumamente entretenido.

Calificación 7.5/10

Análisis: Narita Boy para PS4

Por Luciano Macchioli

El estudio español Studio Koba lleva casi cinco años desarrollando Narita Boy, su hasta ahora único título. De la mano de Team 17, llegó recientemente a PlayStation 4. Xbox One, Nintendo Switch y PC. Veamos de qué trata.

La historia comienza en la habitación de un gamer de los años 80’, quien se encuentra desarrollando la consola Narita One y su primer juego, un cartucho que nos absorbe y nos permite integrar una especie de reino digital. Pero dentro de este reino devastado deberemos derrotar a HIM, el malvado de turno, que se encarga de destruir archivos y corromper el entorno donde nos encontramos. No estamos ante un despliegue de medios narrativos, pero cumple la función de crear un entorno ideal para justificar el enfoque artístico del título. En paralelo, una segunda historia nos acompañará al desbloquear “memorias del creador”, que poco tiene que ver con la temática principal y no encaja muy bien dentro del juego.

La jugabilidad es uno de los puntos altos de Narita Boy. Nuestro héroe, quien portará la Techno-espada, aprenderá a lo largo de la aventura una infinidad de nuevos movimientos, que hará el combate mucho más dinámico y nos permitirá abrirnos paso por zonas que, a priori, se encontrarán bloqueadas. 

Los enemigos, en concordancia con el combate, serán muy variados. Esto hace que la curva de dificultad esté bien lograda, aunque en ningún momento encontraremos un gran desafío.

En cuanto a su apartado artístico, no sólo se trata de otro indie pixelart. Los entornos, enemigos y personajes están cuidados hasta el mínimo detalle. La paleta de colores utilizada logra a la perfección ambientarnos en la época elegida.

Mientras escribo estas líneas me encuentro de pie, para aplaudir la magnífica banda sonora que está presente en el juego. De lo mejor que escuché dentro de la industria independiente en los últimos tiempos.

El inicio Narita Boy es algo aburrido. La primera hora y media de juego vamos a estar descifrando qué estamos haciendo, con cuadros de texto larguísimos y un trasfondo poco claro. Pero una vez superada esa barrera, no podremos parar de jugar hasta ver los créditos. El 100% del título me llevó unas 9 horas, dejándome con ganas de más. Sin entrar en terreno de spoilers, el final nos deja la puerta abierta para una segunda parte que hasta podría cambiar drásticamente de género. Esperemos que no se haga esperar mucho.

Mientras tanto, a los jugadores interesados en el título les pido que tengan paciencia en los inicios de la aventura, porque la recompensa será un juego que trabaja muy bien todos sus apartados y que nos dará un puñado de horas de diversión.

Calificación: 8/10

Reseña: Es lo que es

Por Sebastián Arismendi

Esto es lo que hay

De común conocimiento ya sabemos lo que está pasando en el país y en el mundo con la pandemia, no hay que explicar cuando, cómo y porqué, lo que si da curiosidad son las situaciones que se vivieron en el confinamiento, además de las negativas, seguramente hay muchas divertidas (no todo este mundo es caos y destrucción como los medios hacen ver). Algún antecedente artístico de esto es la película antológica Homemade, serie de cortometrajes de distintos directores sobre cómo se veía el confinamiento y ahora puedo señalar a esta divertida comedia que recién vi en el espacio cultural NoAvestruz en Palermo.


Es lo que es, es una comedia escrita y dirigida por Juan Washington y Felice Astorga, la misma es protagonizada por Marisa Picollo y Mariel Beninca, junto al reparto de Ricardo Schneider. La obra narra las vivencias de una nieta que pasa un estricto aislamiento con su abuela para poder cuidarla, a medida que convivan sucederán situaciones tan cotidianas y tan reales que seguramente a todos nos habrá pasado en este encierro.
La obra tiene una puesta en escena muy peculiar ya que vemos a los personajes separados por formas geométricas colometricas que hacen ilusión a algún cuadro de arte conceptual moderno, además la musicalización evoca a las bandas sonora de los juegos de Atari y los vestuarios hacen contraste con estas formas, las actrices irán contando sus vivencias diarias de una manera muy divertida, utilizando la mímica y la libre interpretación para describir acciones. Hay una carga ligera de nostalgia, especialmente en el personaje de la abuela, que además se vuelve el más entrañable de todos.


Es lo que es, una propuesta fresca, divertida e ingeniosa del teatro under, que si bien toca un tema que nos agobia a todos, nos hace reír y desconectarnos por un rato.
Disponible en el teatro NoAvestruz en Palermo Hollywood (Humboldt 1857) los domingos a las 19.
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Análisis: It Takes Two

Por Marta Ros

Tras el éxito de A way out, Hazelight Studios nos trae una obra similar con un corte más desenfadado. Es el momento de trabajar en equipo de nuevo y resolver este entuerto.

Un matrimonio roto

La historia nos pone en la piel de un matrimonio deteriorado por el paso del tiempo que ha decidido dar el paso de separarse, al parecer sin vuelta atrás.

En medio de esta vorágine de dolor se encuentra su pequeña hija que lo único que quiere es que sus padres vuelvan a ser felices juntos. Así, compra “El libro del amor” para que sus padres aprendan a resolver sus problemas y no rompan el matrimonio.

Además, la pequeña ha diseñado unos curiosos muñecos tipo marioneta de sus padres con los que idealiza un futuro en común.

Sin saber cómo, acabaremos atrapados en esos muñecos. Para poder volver a la normalidad, el Dr. Hakim, representado por “El libro del amor” nos hará realizar todo tipo de pruebas para reavivar la llama del amor.

Puzles y plataformas

Cuando iniciamos It takes two debemos tener claras varias cosas. En primer lugar, si conocemos un poco el estudio, sabremos que el juego es obligatoriamente cooperativo bien a través de la modalidad online o bien local, pero siempre debemos jugarlo siendo dos. 

Esto hace que el juego resulte realmente divertido y curioso pues si bien iremos la mayor parte del tiempo por nuestro lado, en ocasiones debemos cooperar de manera directa llevando a cabo acciones simultáneamente para seguir avanzando.

En segundo lugar, un juego así puede parecer que no de mucho juego, pero ya hicieron una maravilla con A way out y esta vez no iba a ser diferente. El juego es básicamente un juego de plataformeo y puzles con tintes de aventura gráfica, aunque no en el término estricto del género.

No obstante, le han dado tanta variedad a los niveles que no resulta repetitivo en ningún momento. En cada fase nos ofrecen alguna “habilidad” nueva con la que nos divertiremos a la vez que avanzamos.

Y en tercer lugar, es un juego sencillo, pero que nos hace exprimirnos en ciertas ocasiones el cerebro para seguir avanzando. Y, aunque no tenemos coleccionables, el juego esconde gran cantidad de minijuegos y cosas con las que interactuar que nos entretendrán un buen rato.

Avanzar hacia el amor

Como ya he dicho, la idea principal es conseguir la reconciliación de la pareja y para ello debemos superar de manera conjunta una serie de retos.

Con esto en mente y con el tipo de juego en el que estamos, creo que huelga decir que el juego será lineal y no extremadamente largo, aunque más de lo habitual. La duración ronda las 10-12 horas lo cual es realmente gratificante ya que han conseguido que les cojamos cariño a los personajes dado que van desarrollando su relación según avanzamos y realmente entendemos a la pareja cuando llegamos al final.

A esto le sumamos la variedad de escenarios y dinámicas y lo conseguido que está el manejo de los personajes y tenemos un juego excelente. Algo que siempre delimita el juego en este género es la cámara y su deficiente movilidad, pero en este caso no podemos aplicar eso pues la cámara se adapta perfectamente a nuestra posición y nos permite moverla libremente a nuestro antojo.

En lo referido a la jugabilidad, por tanto, creo que han conseguido un acabado final perfecto fluido y sencillo. 

Bonito por dentro y por fuera

El juego presenta una estética animada que recuerda a cualquier dibujo animado que conozcamos. El apartado artístico y sonoro también es increíble y está cuidado al detalle. La iluminación, las texturas, las animaciones (hasta las más insignificantes) y cada mínimo detalle del entorno está mimado y consigue generar un halo de cuento muy llamativo.

Si bien este apartado está realmente conseguido al igual que la jugabilidad y la variedad, la historia, aunque pueda parecer mucho más profunda, no consigue calar hondo. Es cierto que es una historia profunda, con un gran desarrollo y que toca temas cotidianos, pero a mi parecer hay poca historia tras cada nivel y toda nuestra atención se desvía a resolver dicho nivel por lo que terminamos perdiendo el hilo de la relación.

Conclusión

It takes two nos ofrece una historia llamativa y diferente de la mano de un modelo de juego al que no estamos acostumbrados, pero que realmente resulta en una experiencia divertidísima pues es una fórmula que desarrollan de manera perfecta y anima no solo a la cooperación sino también a la competición con el otro jugador.

Como punto negativo destaca que, si bien hay mucha variedad en los niveles, no terminan de desarrollarla al límite y que, cuando le hemos cogido el gusto, nos vemos obligados a adoptar una nueva dinámica.

A pesar de eso, It takes two sigue siendo una obra magnífica que solo puedo recomendar al igual que A way out.

Calificación 9/10

Reseña: El reñidero

Por Sebastián Arismendi

Olor a sangre

Hace un siglo atrás la sociedad era más violenta de lo que es hoy, se regia la norma del más fuerte o el más guapo, por lo que la ley y autoridad se ausentaban en los duelos por poder y hombría. No podemos imaginarnos con exactitud cómo debía ser vivir en Buenos Aires de 1905, especialmente en Palermo, que en su momento no era un barrio lleno de pubs y boliches cómo lo es hoy, sino un lugar marginal y peligroso.


Sergio de Cecco en 1962 trajo la aclamada obra El reñidero, esta a su vez es la interpretación criolla porteña y post colonial de la tragedia de Griega de Electra de Sófocles y el clásico de Shakespeare Hamlet. Sus personajes están encerrados en un reñidero, una pelea de gallos sangrienta para ver quién tiene más poder. Sacando sus deseos impuros y vengativos.
El baño de sangre ya estaba desde hace tiempo y no es hasta el asesinato de Pancho Morales, uno de los hombres más respetados de Palermo que comienza. Su hija Helena, siente deseos por su padre y celos de su madre, su hermano Orestes debe vengar la muerte de su padre o dejarse influenciar por su madre.
Antonio Leiva nos trae esta maravillosa adaptación, su magistral dirección en el emblemático teatro Empire, todo esto con un alto elenco comprometido para recrear esta tragedia porteña de inicio de siglo: Yamila Gallion, Javier Salas, Tamara Cynthia Paganini, Omar Ponti, Juan Pablo Rebuffi, Hermes Molaro, Juan Carlos Uccello, Rocio Belén Moragues y un coro interpretado por Rocío Belén Moragues, Érica Ruiz, Enzo Abel Dupre Cristian Emmanuel Frenczel. Además de las potentes actuaciones, otro factor destacado es la impecable escenografía que aboca dos escenarios entre sí: el velorio y el reñidero dónde fungen todas las desgracias.


Hay una enorme carga de lunfardo de inicio de siglo pasado, así como referencias a obras literarias de Marechal, puede que sea una obra compleja y pesada para quien quiera ver una opción divertida de teatro sabatino, pero sin dudas el despliegue actoral y de dirección hace que valga la pena, nos adentra dentro de un clásico argentino y a su vez si nos gusta, podamos indagar más en el teatro griego y otras obras clásicas si no tenemos mucho conocimiento de ellas.


El reñidero está disponible todos los sábados de abril a las 21 horas en fabuloso teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934) en la zona de congreso.

Reseña: DOS/Un elogio escénico para el amor

Por Sebastián Arismendi

¿Qué es el amor?

La pregunta que todo filósofo, poeta o artista se hace. Responderla sería hacernos más preguntas y creo que la respuesta al sentimiento más profundo que siente el humano ademas del odio, nos llevaría al punto de inicio. Dos “Un elogio escénico para el amor”, es una obra escrita y actuada por Diego Starosta y dirigida por Sebastián Ricci, un monólogo que se presenta en el acogedor teatro Payró en la zona de retiro.


Starosta nos regala una frenética y apasionada interpretación o más bien dos, acá realiza dos personajes, una especie de maestro y su pupilo, el primero quiere desarrollar un proyecto para darnos la respuesta del amor y el segundo lo ayuda pero también pone en duda sus planteamientos. El autor pone el cuerpo y la voz para ambos caracteres, luego vendrá una lluvia de pensamientos filosóficos sostenidos e una sola base: Explicar el concepto del amor, todo según según la visión del filósofo francés Alain Badiou.
Starosta explora el significado del amor según la política, la religión, la ciencia, la poesía y el arte, siendo el último el peso principal, ¿Amor al arte?, ¿El arte es una expresión de amor?


Mediante mimicas, desmontaje del escenario, piruetas y debates se da un monólogo rico en ideas pero que también nos hace replantear nuestra idea del amor y el arte. Es una buena propuesta de teatro under para disfrutar los viernes a las 21 horas en el teatro Payró (San Martin 766)

Análisis: In Rays of the Light para PS4

Por Maximiliano Daniel Perez

Inmersión, exploración, terror y soledad hacen que este corto y sencillo pero atrapante juego sea una aventura más que interesante. Veamos en mayor detalle que nos depara esta aventura creada por Noskov Sergey.

In Rays of the Light puede ser un juego corto y solamente con dos finales alternativos, quitando de la formula cualquier tipo de rejugabilidad, pero aun así logra dejarnos satisfechos con poco, ya que lo poco que tiene, lo entrega de forma inspirada y excelente. La inmersión que logra este juego pocos lo tienen, los sonidos, la ambientación, los efectos, la música, todo esta perfectamente equilibrado para transmitirnos una variedad de sensaciones y sentimientos que en las dos horas de juego que nos ofrece hacen que nuestro ritmo cardiaco suba y baje como una montaña rusa.

El juego es en efecto, extremadamente corto, y vale recalcarlo, así como también el apartado de jugabilidad, movimientos básicos, interacción con objetos limitada a un par de ítems y notas, y poca cosa más. A pesar de esto, desde el momento en que empezamos el juego hasta terminarlo solo nos vamos a topar con incertidumbre y sorpresas, conociendo muy de a poco que fue lo que sucedió en este mundo desolado y en ruinas. La temática es simple, explorar, interactuar con todo lo que este a tu alcance y avanzar, al principio de forma algo desorientada y luego de manera bastante mas lineal. Nos vamos a topar con un par de rompecabezas o puzles que no van a ser difíciles si estamos prestando atención y poca cosa más.

Donde si se lleva todos los aplausos es en la atmosfera que nos otorga este título. Desde el apartado visual como el auditivo (les recomiendo MUCHISIMO que utilicen unos buenos auriculares y traten de jugarlo de noche y con una luz muy tenue) este juego es impresionante. Los detalles gráficos mezclados con los sonidos ambientales y la musicalización del juego hacen que de a momentos se nos ponga la piel de gallina, y les prometo que en una parte van a sentir un terror como pocos juegos pueden lograrlo. A medida que avancemos en nuestra aventura, el juego se torna de a poco en una aventura con un tinte relajado a un juego prácticamente de terror psicológico sin perder esa primera sensación de exploración. Y es que de esto se trata In Rays of the Light, darnos sensaciones mediante una temática simple pero contundente, entregando un mensaje de un autor casi a nivel literario, de una forma muy interesante y memorable. Si bien en la PS4 el juego es disfrutable y gráficamente se lo ve bien, es muy recomendable jugarlo en las nuevas consolas o en una PC, para que la experiencia sea realmente completa. 

In Rays of the Light es una breve pero necesaria bocanada de frescura en un mercado bastante saturado de videojuegos frenéticos y carentes de sentido o que no transmiten ningún mensaje, este lo hace, de una manera muy interesante, sumergiéndonos en un espectacular ambiente repleto de recursos visuales y auditivos. A pesar de lo impresionante que resulta la experiencia, la falta de contenido hacen que sea un punto a considerar a la hora de recomendarlo. Sin embargo, y a mi criterio, es sumamente recomendable. Una ultima aclaración, In Rays of the Light es un Remake para las nuevas generaciones del juego The Light, el cual tuvo su versión Remake para PC el año pasado y pueden encontrarlo en Steam como The Light Remake a un precio muy accesible.

Calificación 8/10

Análisis: Danger Scavenger para Nintendo Switch

Por Castor Troy

Copiar por copiar. Esas son mis sensaciones después de jugar a este videojuego del estudio Star Drifter (fundado en 2014). Nos encontramos ante un juego que peca de bastantes fallos y tiene algunas virtudes destacables.

La historia nos sitúa en un futuro distópico donde las grandes corporaciones dominan el mundo y una temible IA llamada A.I.O.N.E ha hecho que los robots se rebelen ante la raza humana. Ante esta situación existe un grupo llamado Scavengers que va a plantarles cara. Podremos elegir entre cuatro posibles personajes (Rhino, Captain J., Professor y Hun-73R)  que, a su vez, tendrán un árbol de habilidades e inventario que podremos ir mejorando según vayamos avanzando.

Nos encontramos ante un título del género “roguelike” con una estructura de niveles aleatoria de tal forma que debemos movernos por un complejo de rascacielos dividido en diferentes plantas. Según avancemos podremos elegir entre varias rutas posibles (en base al ascensor que cojamos) donde debemos tener en cuenta que el nivel de dificultad también variará.

Si nos consideramos unos verdaderos expertos en este subgénero os recomiendo ir por la ruta más rápida (aunque más difícil) puesto que las recompensas merecen la pena y podrás avanzar más rápido al personaje que si optamos por elegir la ruta tradicional.

El avance en las diferentes plantas está claramente diferenciado en tres partes. Las primeras plantas son bastantes sencillas con pocos enemigos y algunas cajas de objetos. Los niveles intermedios contienen partes de hackeo donde debes piratear los servidores de la corporación A.I.O.N.E. a la vez que despacháis a un número más elevado de enemigos. Y por último nos encontramos con los niveles élite que cuentan con zonas más amplias con mayor número de enemigos y generalmente incorporan uno o más minibosses.

Respecto a los jefes finales nos encontramos que no son excesivamente difíciles. Cuentan con dos rutinas de ataque y, como bien sabréis en este tipo de juegos, muchas veces conseguiréis vencerles por repetición de muertes.

El apartado gráfico cumple sin más puesto que los diferentes niveles son muy similares y no tienen muchos detalles ni objetos que los hagan visualmente impactantes.

A nivel jugable resulta fácil de jugar con una respuesta correcta de los controles y con ciertas rutinas (rodar, hacerte invisible, añadir unas sierras que te rodean para golpear enemigos, etc) que hacen bastante divertido jugarlo.

El apartado sonoro cumple su función con una música sencilla y bastante efectista sobre todo cuando nos referimos a los enfrentamientos con los jefes finales.

En conclusión, puedo decir que nos encontramos ante un videojuego más que se sube a la moda de los “roguelikes” pero que no perdurará en la retina de los más viejos del lugar.

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Os quiero 3000😊

Calificación: 5/10