Crítica: Dragon Ball Super: Super Hero

Por Daniel Alvarez

Dragon Ball es una franquicia tan longeva como exitosa, su éxito ha seguido luego de que volviera a la gran pantalla con «La batalla de los dioses» y que derivaría a una serie que continúa las historias de Goku y compañía. También vinieron varias películas, y que por su éxito nos llega este nuevo capítulo que no tardaremos en analizar.

Vamos a decir la verdad, los films para cine de Dragon Ball nunca tuvieron historias con mucha inspiración,  han servido para reunir personajes ya conocidos de la franquicia y mostrar una gran batalla para los fans que apelan a la nostalgia. Si es una realidad que con la aparición de la serie Super, han tratado de introducir cosas nuevas pertenecientes a esta generación,  pero que en fin siempre se ha tratado de revivir cosas ya conocidas para el disfrute y entendimiento de todo su público. Este film vuelve a los sucesos de la patrulla roja, la creación de androides (de donde salieron número 17 y 18, y también el reconocido villano Cell). Afortunadamente al inicio se hace un repaso completo de toda esta historia para llevarnos directamente al presente con casi toda la problemática explicada .

Acá toca aclarar algo, que puede parecer spoiler pero si es algo que se tiene que tener en cuenta para ver el film. La película no está protagonizada ni por Goku ni Vegeta, sino que se le da lugar a otros personajes como Picolo y Gohan, quienes son los encargados en esta ocasión de derrotar a los villanos. Si bien es extraño acercarse a esta historia con la presencia bastante reducida de los personajes favoritos de todos, la realidad es que termina siendo un soplo de aire fresco, ya que permite desarrollar los hechos de otra manera a lo que veníamos acostumbrados, al menos en cine.

En cuanto a la animación, puede que también algunas cosas nos parezcan extrañas ya que muchas de las escenas están desarroladas a través de la animación actual, algunos detalles en 3d y acabados digitales que se hacen notar pero que al final mantiene toda la escencia del Dragon Ball de siempre. Las escenas de acción de disfrutan por todo lo alto, desde la animación de los personajes, colores y efectos que ya nos tienen acostumbrados.

Dragon Ball Super: Super Hero es una película más que entretenida. Que si bien esta hecho para que los vean los fans del anime, es una realidad que nos trae un film fresco y mejor que las últimas experiencias de cine cine hemos visto. Puede que se le extrañe un poco a Goku, pero el resto de los personajes hacen todo para notar que ellos también tienen relevancia y pueden cargar con una película sobre sus hombros.

Calificación 7.5/10

I

Análisis: Xenoblade Chronicles 3 para Nintendo Switch

Desde que Xenoblade Chronicles 3 fue anunciado, se ha mencionado constantemente que es un largo juego, pasando por encima de las 150 horas. Esto, inevitablemente, hizo que surgiera una pregunta clave: ¿Realmente tendrá lo suficiente para mantenernos pegados a la pantalla durante ese tiempo? Con su mundo abierto lleno de maravillas, juego RPG mejorado, una historia que parece sacar lo mejor que amamos del anime y un equipo de personajes inolvidable, sin duda vale la pena pasar cada segundo ahí dentro, incluso a pesar de sus debilidades.



En esta aventura tomaras el rol de Noah, un habitante del planeta Aionios que desde su nacimiento es entrenado para luchar a muerte. Nuestro protagonista forma parte de una de las colonias de Keves, una facción militar que es obligada a luchar contra Agnus, el bando rival al que enfrentan sin descanso. En esta guerra no buscan expandirse como nación o ganar riquezas, sino obtener energía con cada muerte y alimentar el reloj de llamas, un artefacto que mantiene vivos a los habitantes de cada colonia.

Esta naturaleza ha sido aceptada religiosamente y es que la vida de todo ser humano en este mundo tiene un periodo natural de 10 años. Normalmente, los guerreros están destinados a morir en el campo de batalla, pero si llegan al límite de esperanza de vida, son despedidos en un ritual con todos los honores.



El giro de tuerca en esta historia ocurre cuando Noah y sus compañeros Eunie y Lanz se topan con Mio, la otra protagonista, que es acompañada por Sena y Taios, sus compañeros en Agnus. Este encuentro deriva en un enfrentamiento que es interrumpido por un hombre misterioso al activar un artilugio en forma de huevo que les cambia la vida a los 6 guerreros. La energía que emana de este objeto tras ser activado los convierte en unos seres conocidos como Ouroboros, y al mismo tiempo, se han puesto en la mira de las colonias de ambos bandos. Su nueva misión será enfrentar a unos seres conocidos como Moebius, además de encontrar un lugar con una espada gigante donde sus dudas serán despejadas y podrán conocer el trasfondo de su existencia.

La historia se aleja mucho de sus precuelas, pero hay elementos heredados a lo largo de la franquicia, como los titanes. Un punto favorable es que, aunque hay muchos clichés, la historia propone diferentes miradas y en cada capítulo plantea problemas que se resuelven poco a poco. Aquí, la vida es el tema central y a veces su valor trasciende a un punto filosófico o reflexivo.



La niñez, el futuro, el existencialismo, lo que hay después de la muerte y la esperanza de vida son temas recurrentes que se mezclan bien con el argumento de este mundo fantástico. Una historia que te engancha y te hace sentir empatía por los protagonistas ante su esperanza de vida tan efímera. Es bueno que en cada capítulo se creen lazos entre los personajes y se plantean nuevas problemáticas que se resuelven más adelante.

También debemos tener presente que están los personajes clásicos como el genocida que busca cumplir sus sueños a costa de los demás, los villanos que pisotean a los más débiles o el amigo de la infancia que tiene un peso recurrente en la trama. Clichés que hacen predecible la historia en algunas ocasiones, por fortuna, hay algunos eventos inesperados que nos mantienen interesados.

Es importante mencionar que, si nunca has jugado un título de este tipo, quizá te pueda parecer un poco raro el estilo de juego debido a su naturaleza semiautomática, pero esto es lo que lo convierte en un juego de estrategia, en donde tienes que golpear en el momento apropiado, pensar en combos y vencer a tu contrincante con los personajes apropiados. Esto es lo que lo hace tan entretenido y aunque no entiendas al inicio, el aprendizaje es rápido y se vuelve ligeramente adictivo al poco tiempo, impulsándote a buscar al siguiente enemigo.

Una vez que tienes más herramientas vale la pena tomarse un tiempo para dominar los combos. Esto dará mucha ventaja, pero también está la opción de omitir este paso y jugar sin tener esto presente. No es necesario que domines todo a la perfección, esto es un punto a favor porque demuestra que el sistema de batalla puede ser muy profundo, pero también se adapta a cada jugador.



De entre las opciones disponibles podremos cambiar libremente entre los integrantes de tu equipo, usar ataques fusionados para ir sumando niveles de vínculo y un modo especial donde se pueden ligar ataques con cadenas y sumar puntos que terminarán en una cinemática especial.

De todo esto lo más interesantes es la opción de vínculo que unen a dos personajes designados en un ser poderoso conocido como Ouroboros. Cada pareja tendrás dos formas de esta transformación y cada criatura contará con nuevos ataques y habilidades. Este un buen recurso para salir de apuros cuando el enemigo sea muy poderoso y algún personaje está en riesgo de morir. Una herramienta muy útil e indispensable que usaremos sobre la marcha.

Como buen RPG, podrás desarrollar a tus personajes equipando accesorios y gemas, que agregan mejoras a tus estadísticas, pero lo más importante es la asignación de clases. Esta opción es nueva y hace muy versátil la integración de tu equipo, ya que podemos elegirlas libremente. Al principio solo habrá 6 clases, una por cada personaje, pero más adelante se abrirán más con la ayuda de los héroes. Los héroes son personajes que se asignan como el séptimo integrante de tu equipo y heredan su clase a algún personaje.

Hay dos aspectos vale la pena destacar, la exploración y su calidad técnica. Recorrer Aonios con libertad es muy importante, ya que Xenoblade Chronicles 3 es un juego enorme. Y se nota al recorrer sus bellos mundos donde encontraremos todo tipo de ecosistemas con cambios de clima y horario. Los mundos tienen cierto grado de verticalidad que nos mantendrán explorando todos los rincones, pero hay ciertos detalles que pueden mejorar, sobre todo en la búsqueda de objetos y coleccionables.



En cuanto al apartado sonoro, que como es costumbre nos sorprende con temazos que se adaptan a los momentos de acción y cambian según la situación o sirven de acompañamiento mientras caminos por los hermosos parajes de Aionios. El trabajo de Yasunori Mitsuda se reconoce al instante y demuestra su experiencia en poderosos acordes de guitarras eléctricas que se combinan con el talento de otros artistas. Un deleite auditivo que forma parte de la identidad de Xenoblade Chronicles.


Conclusión

Si te gustan los RPG de estrategia, este título es un must. Si eres nuevo en este tipo de juegos quizá te confunda un poco al inicio, pero es fácil de manejar después de un tiempo y cuando menos lo veas estarás pegado a la pantalla tratando de llegar al siguiente capítulo de la historia. 


Calificación 9/10

Reseña: No te vayas con amor o sin el

Roles invertidos

Las relaciones de poder están claras y definidas al inicio de un contrato laboral. La frontera social entre dos personas es tan evidente y el rol de patrón – sirviente hoy en día está defasado, pero las posiciones siempre están claras. La empatía puede unir pero también puede ocurrir una simbiosis entre ambas partes, acá se vuelve un enfoque más interesante.

«Es el ejercicio de amo y esclavo donde se entiende que la emancipación sería la derrota de uno por sobre el otro. Esta obra tiene como novedad que cuando el esclavo toma el poder, es decir, se emancipa, quiere ser amo. Entonces se desarrolla la singularidad que da a entender que, aparentemente, la lucha de clases no tendría solución”. Es la sinopsis de la obra original de Norman Briski. Romina Richi lleva el texto de Briski a las tablas en No te vayas con amor o sin él, una obra dónde nada es lo que aparenta.

Lucila Mangone y Leonora Balcarce son las elegidas para encarnar a los personajes de esta tragicomedia. Una casa con decoración de antaño, un plumero, una silla de ruedas y dos mujeres en roles sociales distintos pero confundidos serán parte de los elementos que conforman esta obra.

Balcarce y Mangone vienen con fuerza, carisma y soltura, gran parte del segundo aspecto es la química actoral que hay entre ellas, también la dirección de Richi. Las tres son amigas cercanas y esta obra se vuelve un ejercicio cercano y familiar. Richi es la encargada de la escenografía y diseño de luces de su obra. Calca de manera exacta lo que sería una casa de alta clase pero atrapada en el tiempo con tapices, muebles viejos, espejos, cortinas y tonos beiges.

Richi se compromete de manera seria a recrear la obra de Norman Briski (Briski hace la voz en off que se escucha durante la mitad), esta fusiona una relación de clase y la hace una sola, pues esta simbiosis de personajes se vuelve un lazo difícil de romper, se necesitan una a otra.

No te vayas con amor o sin él, está disponible viernes y sábado a las 19 en la sala Cortázar del Paseo La Plaza. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Sebastian Yatra: El artista colombiano deslumbró junto a su público por dos noches en Movistar Arena

El cantante colombiano Sebastian Yatra lleva varios días en el país presentando su gira «Dharma» y fue este fin de semana que le tocó el turno a Buenos Aires con sus dos fechas en el estadio Movistar Arena. Junto a una gran producción de escenografía, banda en vivo y cuerpo de baile, el artista brilló en dos noches con toda su música.

Nosotros tuvimos la posibilidad de asistir a su primera fecha, donde desde temprano se podía notar la afluencia del público y la expectativa que se tenía para con el show. Cercano a las 21:30 horas fue que Sebastian Yatra salió al escenario encapuchado y con la gente celebrando su entrada. Este Dharma Tour ha contado para su presentación en Buenos Aires una imponente escenografía, donde el artista pudo ingresar desde el centro con juego de luces y humo y donde también empezó a hacer gala todo el cuerpo de baile que lo acompañaría durante el show.

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Fueron canciones como Tacones Rojos, Traicionera, La pareja del año las más cantadas en la noche, donde el público presente no dudo en pararse de sus asientos para cantar junto a yatra. Sebastian Yatra, oriundo de Medellin, se tomó su momento para hablar al público, de lo emocionante que resulta volver a la Argentina y tener la posibilidad de dar una serie de conciertos después de 3 años.

Desde nuestro medio, tuvimos la posibilidad de presenciar el show y hacer una cobertura fotográfica de sus primeros temas. Agradecemos enormemente a la gente de Universal Music Argentina y Preludio Producciones por permitirnos asistir al recital como corresponsales de prensa.

Reseña: Casi Humanos



Por Sofía Luna Roberts

¿Qué es lo que nos condena como seres humanos? ¿Nuestras acciones, errores, actitudes, prejuicios? ¿Lo que callamos, lo que repetimos, lo que gritamos? El ser humano está condenado a todo lo que la sociedad tiene para reprochar, está castigado a heredar un montón de tradiciones machistas, misóginas, homofóbicas, xenofóbicas y tantas más que lo maldicen y atormentan a la hora de relacionarse con el otro. De esto y más es lo que Vani Szlatyner nos intenta hablar en su obra “Casi humanos”, donde las incomodidades, verdades y los tabúes son los ejes principales. Se presentan en sus 8 únicas funciones en el Teatro Belisario todos los domingos a las 20 hs (Av. Corrientes 1624)



Lo destacable de la pieza teatral es su manejo sutil pero siempre presente del humor ácido, de ese humor que ocultamos por miedo a ser juzgados o etiquetados como “malas personas”. Sus diálogos rozan tan cerca de la realidad que nos reímos para justamente no llorar de todo las injusticias que nos rodean como sociedad. La demostración de una realidad tan cruda nos interpela y nos obliga a reflexionar sobre la cantidad de apariencias y disfraces que utilizamos día a día para combatir las complejidades de las relaciones sociales.

Los actores Julián Belleggia, Ángel Blanco y la actriz Miriam Fontes dan el cuerpo para protagonizar a tres psicólogos encargados de mejorar la salud mental de sus pacientes pero, sin poder aún, manejar sus propias vidas. Es la gran metáfora de la obra: nadie puede salvarse de los traumas que se heredan. La obra da lugar a historias que suceden y se ocultan, pero que respiran y laten en cada rincón de la escena a partir de un gesto, una palabra, una mirada o una risa. Estos personajes son egoístas, crueles, “enfermos” y tan materialistas como la sociedad que los engendra, en donde no ven otra salida más que aparentar y seguir encerrados en una realidad que los atosiga.

Temas como la discriminación, la vida, la muerte, la sexualidad, el deseo, el ser y aparentar son los asuntos primordiales que le dan una forma única y cretativa a esta obra teatral. Generan una extraña empatía con el espectador ya que todos nos hemos sentido así de condicionados y sometidos en esta sociedad que es difícil dejarlo pasar y preguntarnos: ¿Somos capaces de decir lo que pensamos? ¿Asumimos lo que nos provoca el otro? ¿Somos animales de costumbre o simplemente “casi humanos”?

Ricardo Arjona: Un suceso que va por su cuarto Movistar Arena y donde el fervor de sus fans mantienen a lo alto este «Blanco y negro tour «

No es una sorpresa que el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona ya haya agotado 6 Arenas con más de 65 mil entradas vendidas y que se haya tenido que agregar una nueva función para que sus fanáticos puedan presenciar este nueva gira llamada «Blanco y Negro Tour». Ya el artista tiene sus antecedentes en Buenos Aires tras haber hecho el récord de 34 luna Park vendidos, así que no era de esperar que su regreso tras la pandemia, sea por todo lo alto.

Nosotros hemos presenciado el cuarto show, pero entre la tribuna se vivía como si fuese la primera vez en tanto tiempo. Si hay algo que caracteriza un show de Ricardo Arjona, es el fervor que tienen sus fans. Se pueden decir muchísimas cosas al respecto viéndolo desde afuera, pero la realidad es que estando presente ahí, se vive un clima festivo. Es así como desde temprano se abrieron las puertas para ingresar al publico y que hasta el horario de función se vio un gran movimiento de gente a la espera de su artista tan querido. Acercándose a las 21:30 horas y como venía programado, Arjona salió al escenario, acompañado por músicos, coristas y una gran escenografía que anticipaba un imponente show.

En su escenografía vemos a un condominio llamado Blanco y Negro, donde en sus cubículos se encuentran los músicos que acompañan al show, sumado a dos coristas que han hecho gala de sus grandes voces en diferentes canciones, sumado a la pantalla en blanco y negro que hacía seguimiento tanto del cantante como de lo que sucedía en el público. Es así como Arjona, además de cantar sus grandes éxitos, también aprovechó esta noche para conectarse directamente con el público , para contar anécdotas e incluso hablar sobre temas que lo han mantenido visible en los medios por sus comentarios «polémicos. Aunque la polémica no es un tema que aquí importe, lo que importó fue el ida y vuelta que se vivió entre los fans y el artista, quienes han sugerido canciones a través de carteles y le han lanzado hasta un celular, por el cual Arjona lo tomó con humor, cantándole directamente a la persona con quien se encontraba haciendo la llamada.

Muchos de los grandes éxitos fueron entonados con énfasis por todos los fans. Temas como «Dime que no» o «Taxista» que tuvo que detenerse en el momento de la revelación en el final de la letra por el efecto que causaba en el público presente. Así también como su mítica «Señora de las cuatro decadas» donde las mujeres recién llegadas a esa edad, lo mostraban a través de ingeniosos carteles.

Arjona firmó un show imponente, tanto por la producción que se armó para la puesta en escena, la incorporación de talentosos músicos que acompañan al artista como por la pasión que dejó en el escenario en cada una de sus canciones. Si, Ricardo Arjona es un artista que tiene tantos fans como detractores pero no es un tema a discutir cuando otorgó un recital que está hecho para sus fans , conmoviendo todo un estadio repleto.

Si bien el cantante se toma el finde de descanso (en el show dijo que hará esos dias) hay Arjona para rato en los próximos 17,18,19 y 20 de agosto en Movistar Arena

Agradecemos enormemente a la gente de Fénix entertainment y Varas Otero por permitirnos asistir al show como corresponsales de prensa.

Reseña: Tres vidas para Oswald

El lunes pasado tuvimos el placer de asistir al Teatro Premier para poder disfrutar de la comedia protagonizada por Claribel Medina Y Maxi Ghione «Tres Vidas para Oswald» que se puede ver los días jueves a las 20:30 horas, además de su gira por el resto de la provincia los fines de semana.

La obra comienza con una pareja, donde todo al principio parece andar todo bien, llevando la comedia a situaciones cotidianas donde también se incluye el sexo como tema de conversación. Repentinamente la pareja se rompe y es ahí cuando empieza el relato de oswald, quien se encarga de hablarnos sobre sus tres vidas (y tres mujeres) que lo llevaron a ser la persona que es en el presente, con todos sus éxitos y fracasos.

Si bien el personaje de Ghione toma el poder en varias ocasiones para usar la palabra como medio de reflexión, no hay que olvidarse que se trata de una comedia con situaciones hilarantes y es ahí donde funciona la gran química que existe entre el y Claribel Medina. Claribel es la encargada de interpretar a tres mujeres con una personalidad totalmente distinta, a una mujer empoderada que maltrata un poco a su esposo, otra mujer un poco más sencilla y emocional que transita la maternidad, y por último, una peculiar extranjera y religiosa, que por algún motivo se cruzó en la vida de oswald. Ghione mantiene su mismo personaje durante toda la obra , pero con el si notamos una evolución, cierto aprendizaje que el personaje incorpora en cada nueva «Vida»

La sala del premier se vio repleta para esta función especial , con una decorosa casa en su escenografía, los hechos van transitando de forma dinámica y con chistes que van provocando carcajadas en todo momento. Son los mismos actores, que por unos segundos deben salir de sus personajes por las situaciones que se han generado y la respuesta inmediata del público.

Tres vidas para Oswald es una obra amena y divertida en el que sobresale la química existente entre Claribel Medina y Maxi Ghione, donde se nota que se divierten mucho trabajando juntos y lo transmiten al público. Así que como recordatorio, para reír un buen rato con ellos, la cita es los jueves 20:30 Horas en el Teatro Premier.

Agradecemos a agencia CEd por invitarnos a la función de prensa y permitirnos pasar una agradable velada.

Análisis: Cult of the Lamb para PC



Por Alejandro Corell

“El señor es rey eterno; los paganos serán borrados de su tierra”

Podemos decir sin miedo a equivocarnos que Neil Gaiman es uno de los mejores escritores vivos procedentes del Reino Unido. A través de multitud de obras ha tratado un amplio abanico de temas, suficientes incluso para llenar estas líneas sin centrarnos en nada en particular. Pero si me permito la cita en esta ocasión, es para focalizar las miras en American Gods, una de mis obras preferidas del autor y también una de las que hemos tenido la suerte de poder disfruta de una serie de televisión. Sin destripar la trama, ya desde los inicios de la novela se invierte la concepción de las creencias y adoraciones como el opio del pueblo. Los seres vivos necesitan adorar a alguien superior para sentirse autocumplidos, pero mucho más grande es la necesidad de este ser por ser adorado. No hay dioses sin creyentes. La única forma de sobrevivir es asegurando la estabilidad y crecimiento de tus súbditos. 



Es esta premisa, en resumidas cuentas, la que nos aborda hoy aquí con Cult of the Lamb. El título se permite un inicio rápido. Nosotros, como último cordero del mundo, somos sacrificados para evitar la vuelta al poder de un antiguo ente, aquel que espera, tal y como sostiene la profecía. Por desgracia para nuestros ejecutores, este brillante plan no sale demasiado bien y una vez muertos, seremos rescatados y comandados por el mismo mal que deseaban erradicar, siendo cargados con la misión de enfrentarnos a sus captores para, por fin, liberarlo. Para facilitar nuestra empresa, recibiremos parte de su poder en forma de un atuendo capaz de mutar en armas y hechizos, pero incluso así, no tendremos suficiente. Esta no es una tarea para un solo hombre (o cordero), por lo que, si queremos tener alguna oportunidad, deberemos formar un culto, uno que crezca en número y nombre, lo suficiente como para hacer grandes cosas. Bienvenidos a la liturgia, tenemos camisetas personalizadas.



Una de las cosas que más llaman la atención de Cult of the Lamb es su apuesta multidisciplinaria. Una parte del título es, en términos generales, un roguelite. Tendremos que atravesar las distintas mazmorras del juego, enfrentándonos a enemigos en salas proceduralmente generadas, haciéndonos más fuertes conforme más intentos hagamos. Pero una vez volvamos de nuestras aventuras, tendremos que encargarnos de cuidar nuestra base, convirtiendo la experiencia en un juego de gestión, en una versión quizá más elaborada de aquella vista en Moonlighter.  

Respecto a la parte de aventura, para liberar a Aquel que espera, tendremos que avanzar por cuatro reinos distintos, enfrentándonos a los herejes que se han hecho con el poder, para llegar así a aquel que está detrás de todo esto. Para conseguirlo, tendremos que luchar primero contra hordas de enemigos, que nos esperarán en cada una de las habitaciones que recorramos. Desde el equipo de Massive Monster, tienen claras las bases que hacen divertido un roguelite. En primer lugar, la aleatoriedad. Cada vez que entremos en un nivel, este se diseñará de forma procedural, de forma que nunca recorreremos el mismo camino. Esta variación se aplicará al camino recorrido, a los enemigos, a los objetos y recompensas, pero no a los jefes finales. Y es que para enfrentarnos a cada uno de los herejes tendremos que superar primero cuatro veces cada uno de los escenarios, encontrando siempre a los mismos enemigos finales, los cuales una vez derrotados serán sustituidos por el siguiente en próximas vueltas. Esto provoca que, en caso de quedarte atrapado más tiempo del necesario en una zona, el viaje se vuelva algo monótono.  



Lo que también lucha en pos de la monotonía son los sets de armas y su forma de uso. Por desgracia, no hay una gran variedad de herramientas de muerte en el viaje: espadas, dagas, hachas, garras y poco más, eso sí, con distintas variaciones. No obstante, su forma de uso se siente demasiado simple, ya que todas cuentan con un único combo. Además, no parece que hayan aprovechado esta poca variedad para pulirlas al límite y es que más allá de la espada, el resto presentan claros problemas. Las dagas son mucho más rápidas, pero hacen menos daño. Las hachas son lo contrario, muy lentas pero cada golpe resuena con fuerza. Lo que puede parecer un sistema lógico no tarda en palidecer cuando descubrimos que a muchos enemigos (sobre todo a los jefes), no podremos golpearles más de una o dos veces seguidas, impidiéndonos realizar nuestro combo completo, independientemente del tipo de arma que llevemos. 

Pero para aumentar la profundidad del título, a parte de armas cuerpo a cuerpo contaremos con maldiciones, distintos hechizos que nos ayudarán a enfrentarnos a los enemigos que nos rodeen. Contaremos con muy pocas cargas en cada sala, así que es mejor reservarlos para momentos de necesidad donde necesitemos librarnos del peligro rápidamente. Este sistema caería muy rápido en la repetición, siendo ligeramente salvado por el sistema de progreso. Cada vez que volvamos a nuestra base, a parte de las gestiones que comentaremos a continuación, podremos mejorar las habilidades del cordero. Esto nos permitirá acceder a armas más poderosas o nuevos modificadores, así como nuevas maldiciones. Esta mejora permite que accedamos a cada nuevo nivel con una fuerza base superior a la del previo viaje, facilitando el camino, ya que los enemigos también serán más fuertes. 



En cuanto a los enemigos, si bien la variedad no es muy elevada, lo agradeceremos a la hora de aprender sus patrones, que en un combate contra pocos adversarios es tarea fácil, pero en salas abarrotadas será casi imposible esquivar todos los ataques. Esto desencadena una situación algo frustrante, cuando la cantidad de enemigos y partículas es tan elevada que no sabemos si quiera donde estamos hasta que recibamos uno o dos golpes, reduciendo sobremanera nuestras posibilidades de supervivencia. Donde se aprecia variedad es en los enemigos finales, sobre todo en los herejes, siendo cada uno más terrorífico y fuerte que el anterior. Cabe destacar la dificultad, superar Cult of the Lamb es un desafío que requerirá de una considerable dosis de esfuerzo. Algunos enfrentamientos son realmente complicados y es fácil perder la vida y tener que repetir. No obstante, tal y como sucede en juegos de esta índole, se llega a un punto donde es relativamente fácil leer al oponente e identificar sus patrones, dominando el enfrentamiento como un maestro de la lucha. Llegar a este punto puede costar unas 20-25 horas, o quizá algo más o algo menos en fusión de vuestra habilidad.

Y más allá de esto, cada vez que volvamos a nuestra base seremos responsables de gestionarla. Y es que uno de los puntos fuertes del título es esta mecánica. En un principio, contaremos con muy pocos elementos en nuestra parcela. No tardaremos en construir una iglesia y comenzar a reunir adeptos, que trabajarán para nosotros, aparte de adorarnos. Con esta fuerza de trabajo y su fuerza vital, cada vez serán más las funciones que podremos suplir en nuestro campamento: producción de recursos, gestión de materiales, captación de nuevos seguidores… Esto es algo más complicado de lo que parece a simple vista, porque a diferencia de las sectas reales, nuestros fieles no tardarán en mosquearse si algo les disgusta, de forma que tendremos que estar siempre pendientes de que todo esté bien. Esto significa dedicar una porción de la noche a recoger los excrementos y vómitos de nuestros seguidores después de volver de un agotador combate, al menos hasta que construyamos retretes. Bueno, si un seguidor se enfada, también podemos optar por sacrificarlo, así que es recomendable no encariñarse con ninguno, por muy monos que puedan ser. En un principio llevaremos a cabo muchas tareas manuales, que conforme vayamos avanzando y desbloqueando nuevos sistemas, comenzarán a gestionarse de una forma más automática, para que podamos centrarnos en aumentar la fe que nuestra iglesia siente por nosotros, convirtiéndonos en seres más poderosos. 



El último punto fuerte del título es su apartado artístico. Cult of the Lamb es, sencillamente, una preciosidad. Ya desde su primer tráiler, era fácil observar como el apartado visual estaba trabajado al máximo, ofreciendo unos diseños muy bonitos, que juntan lo oscuro con lo adorable. El diseño de personajes junto con las animaciones de movimiento y combate hacen que jugar sea siempre un disfrute. Además, este trabajo viene reforzado por el apartado sonoro, con sonidos muy sólidos que responden bien a lo que sucede en pantalla, dotando a cada espadazo o cada golpe de un mayor peso. Si esto fuera poco, la banda sonora, pese a no ser muy amplia, puede grabarse fácilmente en nuestro cerebro.

En resumidas cuentas, Cult of the Lamb es una aventura preciosa, que mezcla de forma efectiva dos géneros muy diferentes como son el roguelite y la gestión. Es cierto que el sistema de combate es algo simple y puede llegar a sentirse monótono, pero no deja de ser satisfactorio. A lo largo de las 20-25 horas que puede costarnos liberar a Aquel que espera, sentiréis que el tiempo vuela si os gustan otros juegos de este tipo. Por el precio que tiene, es una de las opciones más bonitas de este 2022. Así que sed un buen rebaño, y haceos el favor de probarlo.

Calificación: 9/10.

Análisis: Hell Pie para PC


Por Alejandro Corell


“Bienvenido al infierno, ese es tu despacho”
A lo largo de los años, nos han inculcado una serie de máximas sobre distintos conceptos de la vida. Que si McDonald´s es barato, que si recubrir el baño de un bar con una capa de papel higiénico nos protege, que si los plataformas en 3D están diseñados artísticamente para niños… todo cuestionable. Sobre todo, esta última afirmación. Y es que cuando pensamos en un juego de plataformas en tres dimensiones, pensamos en aventuras del fontanero rojiazul, o en los paradisiacos mundos de Spyro, entre otros. Sea cual sea nuestra elección, todas comparten un fondo “family friendly”, que puede contar una historia más o menos compleja pero adornada con colores y formas agradables.


Esta estrategia es justo la que el equipo de Sluggerfly ha querido evitar con su nuevo título: Hell Pie. En este caso, nos ponemos en la piel de Nate, el demonio del mal gusto (sólo hace falta ver como viste). Algunos podréis pensar que vuestra oficina es un infierno, pero sólo él puede hacerlo sin dejar de tener razón. Más allá de aguantar la rutina diaria soporífera, no eran muchos sus problemas, hasta que termina siendo el encargado de preparar la tarta de cumpleaños del mismísimo Lucifer. Desde luego, no se trata de un pastel como el que probasteis en el cumpleaños de vuestra tía abuela, en el infierno las costras supurantes y las tiritas húmedas son el verdadero Rock and Roll, nena. De esta forma, comienza nuestra aventura, recorriendo una amplia variedad de mundos para encontrar cada uno de los elementos necesarios para esta tarta.



Por suerte, no estaremos solos en nuestra empresa, ya que nos acompañará Nugget, un querubín mascota que es de todo menos bonito. Pero por encima de todo, es útil, ya que es capaz de servirnos como gancho y como arma de defensa, algo esencial para sobrevivir a los peligros que encontraremos en nuestro camino. Se trata sin dudarlo, de una excelente elección de diseño por parte del equipo. Plataformas, hay muchos. Es difícil destacar por ofrecer el sistema de movimiento más responsivo y preciso del mercado, o por servirse de los mejores gráficos. Por ello, no queda otra que jugar con la movilidad. Introduciendo el gancho, la forma en la que avanzaremos por el mapa cambiará sobremanera. Si bien, encontraremos gran cantidad de caminos diseñados para ser recorridos de forma más o menos sencilla, sirviendo como guía para el jugador. Pero utilizando las herramientas que nos da el juego, podemos avanzar por los niveles de formas totalmente inesperadas, diseñando nuestro propio camino. Un salto, un balanceo, un dash hacia el lado y otro salto pueden ahorrarnos 5 minutos de plataformas móviles lentas y seguras.
Además, las mecánicas de juego crecerán conforme avancemos en la aventura, ya que desbloquearemos nuevas habilidades, así como distintos poderes de los que podremos servirnos a placer. Eso sí, para conseguirlos, vamos a tener que explorar, y mucho. Casi todo lo que vamos a hacer en Hell Pie es buscar cosas: buscar ingredientes, buscar comida para nuestro querubín, buscar animalitos para sacrificarlos (sí, como lo oyes) … cada recoveco es un posible tesoro escondido, esperando que lo encontremos. Por suerte, no nos cansaremos de rebuscar mucho en los mismos sitios, ya que cada escenario del título es totalmente diferente al anterior. Esta variedad refresca la experiencia, y muestra una interpretación muy curiosa del infierno.



Hay que hacer una parada en el camino hablando de lo grotesco que puede resultar Hell Pie. El equipo artístico ha tomado como base el ser desagradables, rozando los límites legales de contenido en publicación de videojuegos y vaya si lo han conseguido. En este mundo, vamos a encontrar todo lo que podamos imaginar que desaprobaría nuestra abuela. Desde excrementos nazis, glotones come heces, carnicerías humanas y, sobre todo, mucha, mucha sangre. Es posible que estos elementos no resulten agradables para todo el mundo, y si bien no creo que puedan resultar una ofensa, conviene mirar alguna que otra captura del juego para saber si vamos a disfrutarlo o no.


Si Jugablemente el título da el callo y visualmente aguanta gracias a su apartado artístico, donde no termina de acertar es en lo sonoro. Los efectos de sonido al caminar, saltar, chocar o atacar no llegan a transmitir una sensación de solidez suficiente para hacernos sentir cómodos. Los personajes no tienen doblaje, tendremos que conformarnos con líneas de texto. Pero la música es el verdadero talón de Aquiles. Además de ser poco variada, lo que le impide adaptarse a cada situación, no se activa ni desactiva cuando le toca, en muchas ocasiones. Esto nos deja con un escenario peligroso en completo silencio o en una pausa de descanso acompañada de una tensión musical elevada. Son errores que pueden corregirse en futuras actualizaciones pero que chocan bastante en un inicio.



En conclusión, Hell Pie es un plataformas atrevido, al que no le importa ser desagradable en su apartado estético, pero no por ello no disfrutable. Las múltiples opciones de movimiento de las que nos dota nuestro cupido convierten cada nivel en un avance libre por donde más nos plazca, que suele respetar las ideas del jugador. Completar el juego nos puede llevar unas 7-10 horas, que pueden alargarse un poco si queremos encontrar todos los coleccionables del juego, que ciertamente son unos cuantos. Recomendado para todo aquel que disfrute de los plataformas en 3D habituales, y busque algo nuevo con lo que pasar un rato divertido. No recomendado para oficiales religiosos, ni para ser jugado delante de vuestros familiares, a no ser que os guste la fiesta.

Calificación:7.5/10

Reseña: De la raíz a la luna

Hace unos años tuve la oportunidad de ver en escenario a Pepa Luna en el espacio de La Botica del Ángel, dónde se pudo apreciar no solo una bella voz, sino a una artista que derrocha carisma y sentimiento por lo que hace. De la raíz a la luna funciona como una obra autobiográfica y un espectáculo musical que recorre la vida de Pepa Luna desde su niñez en España hasta llegar como una artista a Buenos Aires. Una obra con un recorrido más que interesante, agregado al talento y la gran presencia escénica que nuestra protagonista nos ofrece en un espectáculo único.

La obra nos ofrece un recorrido sobre la vida de una niña nacida en España, sobre la relación con su madre y su familia. Dónde quizá se interponen valores algo conservadores, en el que a Pepa se le enseñó dos cosas importantes, respetar a su padre y casarse para ser alguien. Esto es algo que no se escapa de una realidad que ha existido, y que si bien nuestra protagonista ha querido y respetado a su familia y valores, también nos encontramos con la forma en que pepa buscó su propio camino. Este camino no es solo el del acercamiento con la música y la transformación en una artista, sino un repaso de todos los hechos que llevaron a ella ser quien es hoy.

De la raíz a la luna también es un bello espectáculo musical en el que se debe mencionar a Gustavo Cortado en el piano y la dirección musical, cómo a Carlos Benet en el contrabajo, que acompañan increíblemente toda la narrativa de la historia, además de los momentos puramente musicales. Pepa Luna tiene una vos imponente y a su vez dulce, en el que va transitando varios tipos de melodías, haciéndola propia.

De la raíz a la luna es un hermoso espectáculo que nos permite presenciar una bella historia de descubrimiento y conocer de lleno a una artista llena de carisma y talento. De la raíz a la luna puede verse los domingos a las 20:30 horas en Tadron Teatro. Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.