Crítica: Venganza

Crítica de Cold Persuit por Agustín Villegas

Me niego a llamarla ‘VENGANZA’….

Las películas de Liam Neeson se convirtieron en un evento que todo fan del cine de acción busca acudir. Éste nuevo proyecto, dirigido por Hans Peters, no solo cuenta con tiros, peleas y mafias varias … sino que nos brinda una historia atrapante.

La historia, basada en la película noruega ‘KRAFTIDIOTEN’ (dirigida también por Peters), sigue a Nelson (Liam Neeson), un quita nieves laburante que se enfrentará a la peor de las mafias para vengar la muerte de su hijo. El nevado y montañoso pueblo se tiñe de sangre cuando éste hombre decide salir de cacería solo con conocimientos de detective adquiridos por las novelas policiales que tanto ama.

Los manejos que el director hace con la camara dejan en evidencia que no estamos ante una película de acción mas del montón. Esta remake atrapa al espectador con una historia dura y cargada de elementos brutales. El camino de éste maduro vengador cuenta con una narrativa fluida y oscura, quizás un poco opacada por los villanos. Mí problema con estos personajes es que son tan odiosos que deja en evidencia que existen para justificar la sed de venganza de éste personaje principal, entiendo que sea difícil apagar el carisma de Neeson pero que la película gire exclusivamente al rededor de “el lado bueno” le quita objetividad y tridimensionalidad.

Como fan de “FARGO” (la película y la serie) me sentí gratificado con los sutiles homenajes que le hacen a la obra de los Coen. Los ambientes nevados son perfectos para la violencia, el blanco queda hermoso empapado con el color rojo sangre, por lo que el apartado visual es una de las cosas que le dieron carisma y fuerza a ésta idea.

“COLD PERSUIT”, traducida perezosamente como ‘VENGANZA’, es una película de acción con tintes de comedia negra digna de ser vista. No se que vaya a pasar con la carrera de Liam Neeson luego de sus polémicos dichos, pero en lo personal quiero seguirlo viendo para siempre pateando trastes en todo ecosistema habido y por haber.

Reseña: La Suerte De La Fea

Por Victoria Seri

Maravillosa. Simplemente maravillosa. La Suerte de la fea es una historia deliciosa.

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El escenario es pequeño pero la actuación de Luciana Dulitzky es gigante. La obra está dirigida de excelente manera por Luciana Dulitzky. La actriz interpreta el texto del dramaturgo y director de teatro Mauricio Kartun a la perfección, entre paréntesis, una joyita también.

Una historia compleja que deja en evidencia los hábitos de consumos del siglo XX y también la cultura patriarcal de ese tiempo. Los hombres solían acceder a ver orquestas femeninas solamente de lindas mujeres quienes simulaban tocar los instrumentos. Mientras tanto debajo del escenario, en fosas, se encontraban las verdaderas músicas, las feas, las que verdaderamente contaban con el talento para ejecutar las piezas musicales.

Toda la puesta es impecable. El escenario y la escenografía sumergen al espectador en la época. Las luces juegan un papel importante ya que determinan los climas que se plantean en escena.

Musicalmente hablando, el violín que toca Fede Berthet supera todas las expectativas. Acompaña momentos específicos de la obra. Pone el justo énfasis en las escenas de un texto denunciante que nos hace cuestionar la belleza hegemónica, el éxito, el fracaso y el pensamiento aún vigente de que, si no se siguen determinados estándares, te tenes que esconder porque no servís para nada.

El espectáculo forma parte de una producción independiente, que ya tiene su tiempo en cartelera y se mantiene. Inicialmente estuvo en Timbre 4 y ahora se presenta en el teatro El Picadero los domingos a las 18 hs. Son 50 minutos de un relato contado de manera inigualable. Es simplemente imperdible.

Ficha artística-técnica

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actuación: Luciana Dulitzky

Dirección: Paula Ransenberg

Composición musical e intérprete en escena: Fede Berthet

Asistencia de dirección: Marcelo de León

Diseño de Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Realización escenográfica: Los Escudero

Realización  de vestuario: Lucina Tropini

Diseño de iluminación: Fernanda Balcells

Pelo: Granado

Fotos: Alejandro Ojeda, Sofía Montecchiari

Diseño gráfico: Zkysky

Repostería: Vilmanjar

Prensa: Simkin & Franco

Análisis: Conarium para PS4

Tuvimos el placer de probar y analizar el juego Conarium para PS4, un título desarollado por Zoetrope interactive y que está inspirado en los cuentos de H.P Lovecraft. Se trata de un producto cuya jugabilidad se basa en la exploración y la resolución de puzzles, con grandes dosis de misterio y algo de terror.

La vida no es más que un conjunto de imágenes existentes en nuestro cerebro, sin que se dé diferencia alguna entre las que nacen de las cosas reales y las engendradas por sueños que solo tienen lugar en la intimidad

H.P Lovecraft.

El juego se trata de una versión bastante libre de la novela La montaña de la locura, del famoso escritor estadounidense. El juego nos mete en la piel de Frank Guilman, miembro de una expedición en la Antártida, donde las cosas no acaban muy bien. Se trata de un aventura con exploración en primera persona, con grandes tintes de terror, añadiendo la resolución de puzzles para descubrir los misterios que se trae este atrapante juego.

Jugabilidad:

El juego se trata de un simulador del género de terror, donde nos ponemos en la piel de Frank, miembro de un grupo científico en la Antártida que venían haciendo experimentos y algo ha salido mal. La perdida de memoria y el desconcierto ante la desaparición de todos en el lugar, da el inicio a su jugabilidad, que se basa en la recolección de objetos y resolución de los misterios para avanzar en la historia. El objetivo principal es la reconstrucción de la historia, la resolución de los puzzles mantienen una dificultad moderada, manteniendo una mayor importancia en el seguimiento de la historia. El control del personaje principal se asemeja a los juegos de apuntar y hacer click, con un manejo bastante sencillo e intuitivo en el uso de los objetos. El juego hace uso del motor gráfico Unreal Engine 4, con un manejo de los personajes bastante dinámico, además de mantener una calidad gráfica bastante notable, aunque es algo que se desarrollará en el próximo párrafo.

Apartado Técnico:

El juego se alimenta de lleno del ambiente creado por Lovecraft, siendo bastante imaginativo con la creación del escenario donde se lleva a cabo la historia. El diseño artístico es impecable, que se asemeja mucho a un thriller con tintes de terror bien logrado. A nivel gráfico el juego se ve bastante bien, sacándole provecho al motor Unreal Engine 4, aunque hay momentos en que se se nota algunas bajadas de FPS y resolución. Si se mantiene una más que correcto apartado sonoro, siendo un complemento más en el terror que el relato ofrece. El título se juega en inglés, con la posibilidad de menú y subtítulos en español, con un trabajo notable en el doblaje del personaje principal. La banda sonora también hace función a lo desconcertante de la historia, aunque llega a un punto que puede terminar siendo lineal y algo repetitivo.

Duración:

El juego puede terminarse en alrededor de cinco horas, dependiendo la habilidad del jugador en resolver los misterios y el interés en la exploración de los escenarios. La experiencia puede resultar breve para algunos, pero la realidad es que mantiene una relación historia/jugabilidad bastante concreta y satisfactoria. Si bien el juego tiene una amplia posibilidad de exploración, recolección de objetos y logros, no existe mucha posibilidad de ser rejugable.

Conclusión:

Conarium es un juego que parte de una premisa muy interesante con grandes inspiraciones en el universo de Lovecraft. Es un juego que tiene la dosis justa de misterio y terror, con una jugabilidad en primera persona que se basa en la exploración y la resolución de puzzles. A nivel técnico puede que el juego no sea perfecto, pero aún así brinda una experiencia entretenida y con identidad propia.

Lo mejor:

La inspiración en los cuentos de Lovecraft

La ambientación del juego, denotando mucho misterio y terror

El diseño artístico es acorde a la escencia del género al que pertenece.

La duración es la justa, no representa grandes desafíos, pero su jugabilidad es atrapante.

Lo peor:

Existe algunas bajadas de resolución.

La música puede resultar algo repetitiva

Si no te enganchas con su historia y modo de juego desde el inicio, puede que la cosa no cambie en el transcurso del juego.

Calificación 7.5/10

Conarium es un juego desarrollado por Zoetrope interactive y publicado por Iceberg Interactive, se encuentra disponible para PS4, Xbox One y PC.

Entrevista a Agustina Sario y Matthieu Perpoint: Dupla que estrenará la obra “4 Movimientos Para Una Sinfonia”

Agustuna Sario  y Mattieu Perpoint, una de las duplas artísticas más talentosas, estrena 4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA, su primer obra juntos. Los bailarines e intérpretes, con amplia trayectoria en compañías de danza nacionales e internacionales, sorprenden con un nuevo espectáculo en el que proponen un recorrido multidisciplinario que combina danza, música en vivo y artes visuales. Tuvimos el placer de hacerles unas preguntas para que nos cuenten un poco sobre el espectáculo que estrenará el 7 de marzo a las 20:30 hs en el Club Cultural Matienzo.

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1) ¿Cuál fue la motivación para hacer juntos este espéctaculo 4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA (4MPUS)?

Agustina Sario: Desde que llegamos a Buenos Aires continuamos la búsqueda artística colaborando con otros coreógrafos. Ya hace unos años empezamos a sentir las ganas de expresar lo propio, de desafiarnos más, de buscar la manera de trabajar con nuestras propias inquietudes.

Matthieu Perpoint: Especialmente en 4MPUS la búsqueda toma raíces en que estamos viviendo juntos desde hace 14 años y de alguna manera preparar una comida y preparar un espectáculo comenzaron a cruzarse, nutrirse, encontrar lo poético en lo cotidiano y lo que puede haber de cotidiano y no solemne en lo poético.

2) ¿Qué obejtivos persigue, como propuesta artística, en el terreno de la danza?

Matthieu Perpoint: Persigo algo del terreno poético que tengo adentro. Para mí lo que llamamos arte es el lugar más adecuado para compartir algo de lo humano. 

Agustina Sario: Yo diría que muchos! La danza es un terreno que me hace respirar, tener otra mirada, reciclar y poder expresar desde la escena. De alguna manera creo que movernos y crear desde el cuerpo tiene una complejidad y simplicidad a la vez, estamos cargando nuestro propio instrumento, nuestro violonchelo encima! Y queremos que suene auténtico, puro y sin artificios.

3) ¿Qué desafíos se plantean a nivel pareja artística y en esta puesta en particular sobre el escenario? 

Matthieu Perpoint: Particularmente en 4MPUS: estar en la escena como estamos en casa.

Agustina Sario: En cada puesta,  creación o investigación hay dos aristas, una lo que creemos que queremos hacer y otra lo que sale, lo que hacemos, que viene de un lugar no premeditado y responde a intereses más oscuros, más ocultos, inconscientes. De alguna manera el trabajo es actualizar nuestra mirada para aprenderlos y trabajar física, sonora, y plásticamente con ellos.    

En 4MPUS nos metemos en un terreno muy cercano, tomándonos a nosotros mismos como objetos de investigación. La creación tuvo muchas etapas lo que nos permitió meternos de a poco en lo genérico, sensual, brutal, cotidiano y poético.

Matthieu Perpoint: También en este trabajo recurrimos al video, creado por Joaquin Wall, como soporte expresivo para mostrar algo del orden de lo íntimo y sugerir un recorte en la mirada, una invitación al espectador a ver detalles.

En esta puesta en particular los vínculos con el equipo de trabajo se consolidaron. Con algunos ya veníamos juntos en las obras: “3 ideas idiotas” y “Solo nº 3”. Esto genera una sinergia muy rica en lo sonoro con Demián Velazco Rochwerger, en lo plástico con Leandro Egido y en la luz con Adrián Grimozzi.

4) ¿Qué diferencias encuentran entre la formación del bailarín local y la experiencia propia de ambos durante los años de estudio y formación en Francia? 

Matthieu Perpoint: Allá tuvimos suerte de girar mucho, quizá esto es una diferencia. También es más suave el proceso. Crear acá es más difícil. Por suerte tuvimos los espacios y la gente de las residencias para apoyarnos en Casa Sofía y Marte en Matienzo.

 

Agustina Sario: En Francia la infraestructura en danza es más fuerte y es verdad que eso da suavidad, contención. Nuestras condiciones de trabajo allá eran excelentes. Trabajamos en una compañía radicada en un Centro Coreográfico Nacional- CCN Rillieux. La-Pape- en Lyon con un contrato fijo. Bailábamos obras de repertorio con teatros repletos como May Be y otras en Festivales en donde el público gritaba tan irritado que tuvimos que parar el espectáculo, como Description d´un Combat en Impulstanz.  Allá un coreógrafo como Maguy Marin que trabaja en este contexto se mueve con una obra de los ’80 que genera un flujo de público increíble hasta obras que responden a deseos actuales y que no se crean para buscar consenso sino para expresar lo que ella siente hoy.

5) ¿Consideran que el baile es un lenguaje universal? 

Matthieu Perpoint: La música creo que sí. La danza viene después. 

Agustina Sario: ¿El cuerpo es Universal? El cuerpo está y los gestos que produce generan acuerdos, entendimientos, además de comunicar para expresar desacuerdos, eso es universal.

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4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA| ESTRENO 7 DE MARZO, 20.30hs

Funciones: Jueves 7,14, 21 y 28 de Marzo, 20.30hs en Club Cultural Matienzo (Pringles 1249)

Sala Auditorio. Localidades $180 (descuento estudiantes y jubilados $150). Reserva en el teatro o www.alternativateatral.com

Entrevista exclusiva a Alfonso Cuarón por Studio Universal

 Dos potencias del mundo del entretenimiento latinoamericano y mundial se dan cita en una de las entrevistas imperdibles de este 2019. El reciente galardonado Alfonso Cuarón regalará a los espectadores de Studio Universal un encuentro junto al creador de la serie original “Club de Cuervos”, Gary Alazraki, los cuales se sumergirán en un uno a uno íntimo qué revelará los secretos mejores guardados de uno de los directores mexicanos más reconocidos de la actualidad cinematográfica.  

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Alfonso Cuarón, premiado con tres Golden Globes y reconocido con diez nominaciones a los premios Oscars (incluida Mejor Película), por su más flamante creación “Roma”, ha sido convocado por Gary Alazraki y Studio Universal para hablar sobre las bondades, desafíos y gratificaciones que significó para él este nuevo proyecto. Además, compartirá cómo surgió su amor por el cine, que lo inspiró a dedicar tiempo a esta pasión, cómo es el proceso creativo y la intimidad de su obras maestras, un viaje a la fibra más sensible de uno de los exponentes del cine más destacado de la última década. 

Al mismo tiempo, desvelará cuál es su enfoque a la hora de narrar sus historias, cómo aplica sus técnicas al momento de ejecutar sus ideas y cómo logra, a través de sus sensibilidad y conocimiento, compartir con el espectador su visión como director. También, cuán importante es darle significado y entidad a lo que uno hace, por fuera de los intereses materiales: “sentir que es una necesidad de vida”, tal cual lo expresa Alfonso es sus comentarios.

Volviendo a “Roma”, explica los riesgos que asumió en su realización, desde la propuesta hasta el elenco que la conformó y la motivación que lo condujo a hacerla. “Con esta película sentía la necesidad de reconectarme con quién soy, de dónde vengo, cuál es mi esencia; y mi esencia es mi familia y las heridas que comparto con ella y mi país”, sostiene Alfonso quien expone las bases que fundaron el deseo de llevar este film a la pantalla grande.  

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El próximo 15 de febrero a las 21.30hs ARG. todos los fanáticos del séptimo arte tienen un compromiso con Alfonso Cuarón, Gary Alazraki y Studio Universal. No se pierdan esta entrevista exclusiva para Latinoamérica y el mundo.

Crítica: Battle Angel: La Última Guerrera

Por Daniel Alvarez

Battle Angel: La última guerrera es una película cyberpunk basada en el icónico manga japonés creado por Yukito Kishiro en los años 90′. Esta versión nos trae a Alita y a todo su distópico mundo, en un film de acción real dirigida por Robert Rodríguez. A pesar de tener algunos baches en su arco narrativo, la película resulta entretenida gracias al trabajo de su director, el carisma de la protagonista y su imponente apartado visual.

El film nos trae como protagonista a Alita, una Cyborg encontrada en la basura por un doctor que decide reconstruirla y darle un refugio. Está ambientada en un mundo futurista donde sabemos que se ha dado lugar a una guerra, y que la ciudad flotante de Zalem toma el control de las marginales ciudades que sirven como colonias proveedoras de recursos. Alita comienza a recordar cosas sobre su pasado y la importancia que ella tiene sobre esa guerra, donde también se incluye un violento deporte que es la llave para viajar a Zalem, más una trama amorosa que poco tiene para aportar. En líneas generales, la trama es interesante, aunque no dejamos de pensar de que se trata un conjunto de historias que ya hemos visto en varias películas. De todos modos el personaje de Alita se encuentra muy bien construido y diseñado a partir de efectos digitales y captura de movimiento, es el viaje de ella lo que resulta atrapante y entretenido en el film. El resto de los personajes están muy desdibujados, con una Jenifer Conelly que solo sirve para ser útil en un momento determinado, y un Mahershala Ali, que aún no sabemos porque fue a parar ahí. Otra cuestión que resta puntos, es aquella trama amorosa que fué incluída seguramente para atraer al público juvenil, pero que resulta cliché empalagoso que poco tiene para aportar a la historia. Para compensar tenemos un ritmo de acción mantenido, acompañado de un fuerte apartado visual que nos regala un deleite de escenas. La película da aquella sensación de que algo grande está por venir y que está aventura, a pesar de sus fallos, es un efectivo prólogo para introducirse en el mundo de Alita.

Robert Rodríguez se hace cargo del trabajo de dirección en un film en que se nota su mano como realizador, pero que aún así parece que ha sufrido de muchas limitaciones. En varios cortes podemos notar que la cinta pretende ser un tanto más oscura y violenta, y que seguramente por decisiones del estudio, esto ha quedado a medio camino. Aún así podemos visualizar un excelente trabajo en los efectos especiales y el diseño artístico de aquel distópico mundo, siendo la escenas donde predomina la acción, el gran deleite de la película.

En cuanto a las actuaciones, principalmente es destacable el trabajo de Rosa Salazar en el papel de Alita. A pesar de que la actriz fue sometida a un trabajo de digitalización para su personaje, denota también un esfuerzo a nivel interpretativo que traspasa el CGI implementado. En cuanto al resto de los actores, solo podría destacar a Christoph Waltz, que mantiene efectivamente un rol casi paterno con la protagonista. El resto del elenco está entre la falta de desarrollo de sus personajes y el patetismo por las situaciones absurdas que padecen.

Battle Angel: La última guerrera es una película entretenida, aunque en sus más de dos horas de duración, bien podrían haberse ahorrado las subtramas más empalagosas y centrarse en el conflicto principal. En un film que cuenta con una efectiva ambientación cyberpunk, y un notable apartado visual, sobre todo en las escenas de acción. Esta cinta, a pesar de sus fallos, denota la mano de su director Robert Rodríguez, en una historia que con algunos cambios puede apuntar a más en el futuro.

Calificación 7/10

Análisis: Stunt Kite Party para Nintendo Switch

Esta semana hemos tenido el placer de probar el juego Stunt Kite Party para la consola Nintendo Switch. Se trata de un colorido juego desarrollado por Handy Games , que nos pone en la piel de un piloto de cometas profesional. Se trata de un juego que puede disfrutarse tanto de forma solitaria como en multijugador, siendo este último donde más se apoya el entretenimiento del juego.

El Kite Stunt es una competición de cometas, y en su historia principal uno se pone en la piel de Eddy, un muchacho que tiene muchos sueños de ser el campeón de este deporte. Todo esto resulta una excusa para poner a volar las cometas y competir en variados modos de juego que brinda una experiencia entretenida.

Jugabilidad:

La jugabilidad de este título es muy sencilla, tú eres un piloto de cometas y en las partidas tienes que hacerlas volar para cumplir el objetivo que se establece en cada juego. Existe una gran cantidad de modalidades de juego , que van desde romper globos, esquivar misiles, llevar un TNT y pasarlo para que le explote a otro jugador, entre otros minijuegos. La variedad es notable, y su jugabilidad es fácil de entender, cosa que también te permite armar competencias de hasta cuatro jugadores, brindando una experiencia dinámica y entretenida.

Es en el modo historia donde falla un poco el juego, ya que la dificultad de la misma resulta un poco grande para el tipo de juego que es, más orientado al público infantil. Luego de pasar el tutorial debes competir con un lugareño para empezar la historia, y la realidad es que ya desde el principio resulta algo difícil superarlo, teniendo en cuenta que apenas estás pasando el tutorial. La modalidad del juego no es difícil de aprender, sus controles son sencillos, solo tienes que darle algo de tiempo para acostumbrarse a la forma de vuelo que tienen los cometas. El problema es que los contrincantes tienen una habilidad más que moderada, incluso en las partidas individuales fuera del modo historia, lo que le hace un juego desafiante desde el inicio, lo que podría haberse escalonado gradualmente. El multijugador es el modo que más entretenimiento nos deja, aprovechando las cualidades de los joy con de Switch, con la posibilidad de añadir más jugadores, haciéndolo un juego competitivo y nutrido en modos de juego.

Apartado Técnico:

En cuanto al apartado visual, se trata de un juego muy colorido y bien diseñado para la jugabilidad que ofrece. Existe una variedad en los diseños de personajes , que van desde humanos hasta robots, cada uno con una personalidad definida, que también se denota en su apartado sonoro. Los escenarios de juego son variados, aunque se maneja de una forma muy similar a la hora de las partidas, que se desarrolla en una pantalla única en 2d donde los cometas vuelan y los objetos aparecen según la modalidad y el objetivo requerido. En cuanto al apartado sonoro, la música marca ese tono colorido del juego, manteniendo el espíritu de fiesta con las melodías del juego. Lo que puede resultar algo cansino y repetitivo son las voces de los personajes, que mientras juegas puedes escuchar como unos quejidos constantes mientras los personajes utilizan cada cometa, eso se lleva a cabo durante toda la partida.

Duración:

La duración del juego puede ser casi ilimitada en sus modos en multijugador, ya que con la variedad de formas de juego y la agilidad que se tiene para competir con otros jugadores, hacen la experiencia entretenida. El modo historia no demanda muchas horas en el desarrollo de su relato, aunque por su dificultad puede que no sea una experiencia muy atractiva para el jugador individual.

Conclusión:

Stunt Kite Party es un juego entretenido que nos invita a ser pilotos de cometas en minijuegos dinámicos y divertidos. La diversión del juego radica en su modo multijugador, debido a la competitividad que el título brinda para jugar con amigos. Su modo de historia principal sabe a poco por su dificultad que representa un desafío que no es acorde al estilo del juego. En líneas generales es un juego colorido y con una gran variedad de modalidades de juego para divertirse en la consola híbrida de Nintendo.

Lo mejor :

Su multijugador entretenido y competitivo

Su colorido apartado visual

La variedad de modos de juego

Lo peor:

Su modo historia con una notable dificultad

Es un juego que no se disfruta si no tienes con quien compartirlo

Requiere práctica acostumbrarse a los controles de las cometas

Los sonidos de los personajes pueden resultar algo molestos

Calificación 6.5/10

Reseña: Minas, de Diana Amiama.

Por Sebastián Sabio

Humor femenino y “otras cosas

La obra trata sobre tres amigas pasadas de los cuarenta que se reúnen y, ayudadas por los afectos del alcohol, van a revelar sus pensamientos y a decirse lo que nunca se dijeron abordando temas como la fidelidad, la sexualidad y la maternidad.

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Esta obra no cuenta con un nudo puntual, sino que crece a partir de pequeños conflictos que se van dando entre las protagonistas.

Se pueden ver dos personajes muy originales que hacen a la obra atractiva y entretenida. Sin embargo el personaje de Eugenia es un absoluto estereotipo. Sin embargo el contraste que se produce entre los dos primeros personajes y el tercero ayuda mucho al desarrollo.

Tanto al inicio como al final de la obra se usa un recurso audiovisual. Una proyección que muestra los tres diferentes caminos que viven las protagonistas. A pesar de ser un recurso original, realmente no le aporta nada a la obra y no queda muy en claro el objetivo de dicho recurso.  La obra puede disfrutarse los viernes a las 21hs en el teatro El Extranjero.

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Ficha artístico técnica:

Autora: Diana Amiama

Actúan: Silvia Hilario (Yiya),Milagros Gallo (Eugenia),Andrea Jaet (Adelita)

Asesoramiento en Vestuario: Alejandra Soto /  Diseño Musical y Sonoro: Cecilia Candia /

Diseño de Iluminación: Malena Miramontes Boim / Videoarte: Silvia Maldini /

Asesoramiento coreográfico: Lucía Khabie / Asesoramiento en maquillaje: Fernanda Loscalzo / Actrices en video: Lucía Khabie, Mile Muscia y Valentina Veronese

Asistencia de Dirección: Valentina Veronese / Diseño gráfico: Malena Candia /

Redes: Martina Mouro / Fotografía: Florencia Bauzada / Hernán Nuñez / Prensa & difusión:

Simkin & Franco.

Dirección: Ana Alvarado

Minas cuenta con el apoyo de ProTeatro del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Crítica: Escape Room: Sin Salida

ESCAPE ROOM: SIN SALIDA dirigida por Adam Robitel con Guión de Maria Melnik y Bragi F. Schut. / Género: terror psicológico / Estreno Argentina 07 de febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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La propuesta de esta película es mantenerte sin aliento durante todo el metraje, sin siquiera darte la posibilidad de respirar tranquilo, porque las situaciones de tensión no tienen pausa.  Hasta ahí todo bien, si vas con una caja de pochoclos a pasar el rato, pero es sin duda, una propuesta floja en cuanto a la trama, pese a que los artilugios de las habitaciones (en donde los personajes deben escapar) sea donde los creativos se han roto la cabeza.

En mi caso, donde considero que los personajes son lo más importante para que una historia simple se convierta en un camino extraordinario, en este caso de redención, están ausentes, y las actuaciones… obvias maquetas que no ayudan a ninguna identificación posible con el público.  

Aquí, 6 personas con un pasado de supervivencia son invitadas a ganar una obscena suma de dinero si logran escapar de una serie de habitaciones que esconden acertijos relacionados con su vida.  No es otra cosa que otra versión que la saga de “El juego del miedo”, pero menos sangrienta, el elemento morboso fundamental y retorcido que la hicieron exitosa.

Calificación: 4/10.

Crítica de cine: Venganza

VENGANZA (Cold Pursuit) dirigida por Hans Petter Moland con guión de Frank Baldwin (adaptación de un original de Kim Fupz Aakeson) con Liam Neeson, Laura Dern, Tom Bateman, William Forsythe, Julia Jones, Raoul Max Trujillo, y muchos más. / Estreno Argentina 21 de febrero de 2019 Crítica: CJ COLANTONIO.

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Cuando una película de Liam Neeson se estrena, todos más o menos sabemos que se trata de una película de acción.  Lamentablemente -muchos de quienes lo siguen- se llevarán una enorme decepción; y no me refiero a él en específico, está claro que es un gran actor.  Justamente porque no le dan el lugar que sabemos que es donde puede desarrollarse y queda a medio camino; hubiera sido mejor sacarlo en definitivo de ése lugar y listo.

En ésta, pareciera que se intenta llevarlo a un rol de antihéroe, pero tampoco; aquí es el responsable de generar una guerra entre dos mafias cuando matan a su hijo; nada que ver a lo que recita el tráiler o la sinopsis.

Rodeado de actores que aportan poco, no sólo en sus roles, sino como intérpretes, posiblemente el caso más llamativo es el de Laura Dern, que desaparece de la película casi al principio con una línea de diálogo deplorable: “¿Sabías que nuestro hijo tenía Facebook?  ¿Sabías qué música le gustaba y qué películas veía?” y chau.

Con un humor que pareciera podría conducir a algo, ésta cinta deja muy mal parado a un actor del que el público espera más.

Calificación: 4/10.