Crítica: Terremoto

The Quake (título original: Skjelvet) -aká “Terremoto” de John Andreas Andersen (dir. de fotografía de Headhunters, King of Devil’s Island) // Crítica CJ COLANTONIO.

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Con extraordinarios efectos visuales, The Quake (título original: Skjelvet) -aká “Terremoto”- es la segunda parte de la famosa película de origen noruego que se conoció en latinoamerica como “La última ola”.  En aquel entonces sucede todo en un lugar de montaña cerca de Oslo, donde ahora, el protagonista, quien es considerado un héroe, vive alejado de su familia, la que se encuentra en la ciudad.

No hace falta ver la primera parte para entender el tormento psicológico en el que se encuentra nuestro protagonista, quien sostiene éste estado hasta la mitad de película donde aparece realmente la acción.

Sin embargo, me interesaba la propuesta de tomarse el tiempo para el desarrollo del personaje y su desesperanzado intento por recuperarse, pero con actuaciones trabadas, y escenas sólo de presentación constante, es inesperado que los personajes logren una transformación creíble.  Así es como, la película sólo crece en los momentos donde se produce el esperado terremoto, justamente donde este director novel puede mostrar su verdadero arte; antes fue director de fotografía.

Con escenas que te harán recordar a Jurasic Park, ésta no es otra cosa que una película pochoclera más que intenta parecerse a las producciones de Hollywood, con la marcada intención de abrirse camino internacional.

(Calificación: 6/10)

Crítica: Plaza París

Por Sebastián Sabio

Esta es la historia de Gloria, una mujer perseguida por su duro pasado debido a los maltratos de su padre y a la vida de narcotraficante que llevaba su hermano, busca encaminar su vida y encontrar la paz. Para lograrlo acude a una psicóloga, a quien le cuenta todo lo que nadie sabe sobre su historia.

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Se vuelve sumamente interesante descubrir todos los dolorosos sucesos que cayeron sobre la protagonista a lo largo de su vida. Es muy fácil sentir empatia por ella al verla contarlos y a la vez es impactante imaginarselos.

El personaje de Gloria es sumamente interesante. Al principio se muestra una mujer con apariencia inocente que a pesar de haberle sucedido cosas terribles en su vida ella ha podido optar por “el camino del bien” pero con el pasar del tiempo notamos que está persona no es tan ingenua e inocente como pensábamos y se ve un personaje mucho más rico que el de una simple víctima y uno puede notar como sus experiencias de vida caen sobre ella y la convierten en lo que es, una mujer que hace lo necesario para seguir adelante.

Está producción brasileña nos enseña la difícil vida que se lleva en una favella. Donde el narcotrafico, las armas, los golpes y la discriminación se hacen habituales. Nos hace reflexionar sobre la forma en que juzgamos a quienes vienen de un lugar de pobreza o simplemente como vemos a la gente que es diferente a nosotros.

Lo más destacado de la película son el guión, lleno de mucha sensibilidad y de imágenes sumamente claras y el inmejorable montaje. Las actuaciones son buenas pero ninguna llega a ser algo muy destacado.

Calificación 7/10

Crítica: Jefa por accidente

Por Daniel Alvarez

Jefa por accidente es la nueva película protagonizada por Jenifer López, que interpreta a una mujer que busca una oportunidad dentro de un mercado laboral que hace preferencia a los títulos que la experiencia, además de otros dramas. Al principio parece que se trata de una comedia que nos habla de las oportunidades, de la búsqueda de sí mismo y el emprendimiento, pero por otros ratos se convierte e una propaganda pro vida, desvirtuando el eje de la historia principal.

El título original del film es Second act, que responde de una manera mucho más acertada lo que nos viene a contar esta historia, que habla sobre las segundas oportunidades. La protagonista es una mujer mayor de cuarenta años , que a pesar de no contar con estudios en gerencia y marketing, la experiencia y las habilidades que posee la convierte en una persona competitiva y capaz de conseguir el éxito. El problema es que el mercado laboral es muy exigente en cuanto a la preparación académica, por lo que le impide a JLo conseguir el trabajo soñado. Tras un par de modificaciones a su currículum, consigue un empleo en una gran empresa, a su vez se abren subtramas sobre la negación de la protagonista de armar una familia con su novio , porque en su adolescencia ha tenido una hija y la ha abandonado porque no tenía los elementos para hacerse cargo de ella. En un principio la trama funciona bastante bien, pero luego se convierte en un relato pro vida que carece de verosimilitud. No quiero ir adelantando sobre lo que sucede en el film , para no arruinar las “Sorpresas” a aquella persona que le interese ver el film, quizá por la participación de Jenifer López , que al fin y al cabo tiene mucho carisma para la comedia. El problema es que el argumento busca la espectacularidad, como que de la nada llegamos a una vida de lujos y riquezas, las segundas oportunidades son reales, pero las coincidencias resultan bastante artificiales.

Quizá lo que hace que la cinta sea entretenida a pesar del absurdas decisiones argumentales , es la participación de Jenifer López, que denota un gran carisma para la comedia , al menos para el público al que el film se encuentra dirigido. También en el reparto se encuentra Vanessa Hudgens (Si, la de High school musical ), que es el personaje con mayor desarrollo además de la protagonista, que muestra simpatía y química con la nueva “Jefa”.

Jefa por accidente es una película que a pesar de resultar entretenida en su primer tramo , se trata de una historia artificial y poco creíble. Quizás hubiese funcionado mejor como un relato sobre el emprendimiento, el sobrevivir a un mercado laboral complejo , en vez de meterse en una fantasía sobre la concepción de la familia. Al parecer todo se resume en que la felicidad de una mujer solo se logra teniendo hijos, por favor, estamos en el siglo XXI…

Calificación 5/10

Música: JAZZ BELIEVERS ORQUESTA Homenaje a Duke Ellington

En BEBOP CLUB, al mejor estilo de New York, un martes 11 de diciembre a las 21 hs, bajando las escaleritas, estuvo la JAZZ BELIEVERS ORQUESTA (JBO), rindiendo homenaje a Duke Elington.

A 60 años de la grabación y lanzamiento de “The Atomic Mr. Basie”, Jazz Believers Orquesta celebra tocando la música de este álbum fundamental de la historia del género.

Recordemos que Duke llevó a una carrera que abarcó más de cincuenta años,(1899 – 1974) Nacido en Washington D. C., a partir de mediados de los años veinte vivió en la ciudad de Nueva York, y ganó un perfil nacional a través de sus apariciones con la orquesta en el Cotton Club, en Harlem. En la década de los años treinta, su orquesta salió de gira a Europa. Aunque es considerado una figura fundamental en la historia del jazz, Ellington abraza la frase “más allá de la categoría” como un principio liberador, y se refiere a su música como parte de la categoría general Música estadounidense, más que de un género como el jazz.

Jazz Believers Orquesta (JBO) está compuesta por músicos de intensa actividad en el circuito jazzísitico de Buenos Aires. Creada en el año 2016, esta Big Band interpreta música de las Grandes Bandas de la historia, brindando un concierto dinámico, versátil y swinguero.

Trompetas: Bruno Espínola / Alan Rodriguez / Juan Pablo Pelaez / Leo de Francisco.
Trombones: Moises Quiroz / Esteban Saccone / Jesús Silva.

Saxos: Federico Alvarez / Cecilia Dottore / Guido Baucia / Mauro Ostinelli / Sebastián Marcial Álvarez.

Guitarra: Gonzalo Beraza / Contrabajo: Walter Filipelli / Piano: Dante Picca / Batería: Nicanor Faerberg.

No podemos agregar más sobre una velada hermosa, apta para tentarse a picotear alguna que otra cosa rica, acompañado con la bebida que más les guste y escuchando un espectáculo con muy buen jazz.

En youtube, siguiendo el link, podrá ver los últimos cinco minutos del espectáculo. Click aquì para los 5 ‘ finales

Crítica : Clímax, de Gaspar Noé

CLIMAX – de Gaspar Noé con Sofía Boutella. // Crítica: CJ COLANTONIO.

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No hay mucho que decir si no conoces o no viste alguna película de Gaspar Noé, pero lo que sí te puedo decir es que, sea quien seas, no se te puede siquiera ocurrir perderte la oportunidad de ver esta película en el cine.

Ésta es sin lugar a dudas otro ejercicio visual, hipnótico, como nos tiene acostumbrados Gaspar; donde se pierde la noción ó la conciencia de que estamos mirando una película, nos olvidamos literalmente que estamos en la sala de un cine.  El 3D no logra superar éste manejo de la cámara -ni del ritmo- estamos frente a una obra única nuevamente que además se da el lujo de hablarnos de algo, o sea, no pierde, pese a todo, el relato, algo que bien podría hacerlo con facilidad.

Filmado en quince días, CLIMAX es un relato sobre el éxtasis en una sala de ensayo con bailarines, música, cuerpos, color y planos secuencias.

Irreversible, Enter the Void, Solo contra todos, Love.  Gaspar Noe, argentino radicado en Francia, hijo del pintor Luis Felipe Noé, nos contó en su visita, en el marco del 10mo. Festival de Cine Cannes Buenos Aires que se realiza en el Gaumont, que su película iba a ser un documental sobre bailarines y que se le ocurrió hace un año en navidad y que a los dos meses la estaba rodando.  Aquí como guionista, director, coeditor, camarógrafo y protagonizada por la talentosa bailarina y actriz argelina Sofía Boutella (La momia de Tom Cruise) es una experiencia para no dejar pasar.

(Calificación: 9/10)

Crítica: Aquaman

“Es hora del sol y sonrisas, arcoíris y pececitos, participa con otros niños en el show de Aquaman y sus amigos”

Esa era la letra del opening de los pequeños cortos que Cartoon Network transmitía a principios de milenio, los cuales me introdujeron al personaje de una forma ridícula, satírica y a la vez tan bizarramente divertida que me hizo tenerle aprecio a este héroe de DC Cómics del cual nos reíamos por su poder de hablar con los peces. Si bien el prejuicio general del atlante se vio atenuado con la serie animada ‘JUSTICE LEAGUE UNLIMITED’ y el reboot comiquero de los NEW 52, proyectos que mostraban a un Aquaman mas complejo y serio, esta adaptación cinematográfica termina de otorgarle la dignidad que el meta humano acuático tanto necesitaba.

Podemos decir muchas cosas de ese Frankenstein que termino siendo ‘JUSTICE LEAGUE’, pero las elecciones suicidas de Zack Snyder en lo que es casting fueron bastante certeras. Gal Gadot nos cerro la boca como Wonder Woman y, en contra de todo pronóstico, lo mismo hizo el imponente Jason Momoa como Arthur Curry. Todos pensábamos que era PERFECTO para interpretar a LOBO, y todavía lo mantengo, pero el ADN hawaiano del interprete hizo que éste se desenvuelva de una forma natural en esta historia épica de reyes y reinados sumergidos en el mar.

La historia sigue a Arthur Curry (Jason Momoa), el producto del amor prohibido entre un humano común y la legítima reina de la atlantida (Nicole Kidman). Junto a Mera (Amber Heard) y Vulko (Willem Dafoe) debe buscar el tridente de la Atlántida para derrocar a su conflictivo medio hermano, El Rey Orm (Patrick Wilson). En su viaje se enfrenta a Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), un vengativo pirata que se alía al villano en su plan de generar un conflicto bélico entre el mundo sub acuático y la superficie.

Visualmente es probable que estemos ante la mejor película de esta nueva (y vapuleada) era de adaptaciones cinematográficas de DC Comics. Los trajes son una maravilla, brillan en todo momento y deja en evidencia que no es necesario buscar realismo cuando se trata de adaptar un cómic que goza del absurdo como cualidad. El traje naranja de Aquaman BRILLA en pantalla, lo mismo con el de Orm (u Ocean Master, como ustedes prefieran llamarlo) y el de Mera, pero mi favorito es el de Black Manta. Hace mucho tiempo no veo un traje TAN increíblemente adaptado como el de este villano secundario que además promete volver en futuros films de este tambaleante universo. Los mundos que presenta la película son bastante buenos, pero no creo que sean el plato fuerte. La Atlántida es un rejunte de elementos de STAR WARS fusionados con AVATAR, osea, un mundo hecho por CGI como los que ya estamos acostumbrados a ver. Por otro lado la selección de locaciones reales fue PERFECTA y excelentemente aprovechada por el increíble James Wan. Tenemos una batalla en las costas del mediterráneo que no solo es increíble en aspectos técnicos, sino que esta tan bien escrita que honestamente me cuesta ponerme en exquisito con los demás aspectos genéricos que la película otorga.

La historia tiene elementos típicos del cine de aventuras. Podemos pensar que se afanó mucho de ‘THOR’ o ‘BLACK PANTHER’, pero seamos realistas … muchos mitos, historias literarias y películas tienen conceptos similares típicos de las historias de los héroes actuales. En sí el guión no tiene grandes sorpresas, el argumento es simple y no por eso aburrido, tenemos el clásico Macguffin (o objeto en el cual la trama gira) que es el tridente, un villano secundario, un villano principal, un interés romántico y un giro bastante predecible. La nafta de la idea es la energía que se le puso al film, mientras la vi no recorde ninguna de las anteriores ideas similares a la que eligieron para hacer AQUAMAN.

Los personajes tampoco son un monumento a la tridimensionalidad, su sustento es el mismo que tienen personajes como Indiana Jones o John McClane … el carisma de los actores. Momoa es encantador y divertido, pero se nota que el tipo es así en su vida social y no se preocupo en flexibilizar su capacidad actoral para darnos a un personaje distinto al que ya hayamos visto. En su defensa el guión tampoco lo intenta, la película es buena gracias a su ritmo y su apartado visual. Amber Heard es himnotica, pero cuando baja la libido nos percatamos de que como actriz es un desastre.

“AQUAMAN” es una película divertida y bien hecha. Es entendible que despues de tantas patadas en los testículos entre el estudio y los fans se busque ir a una zona mas segura y cercana a lo que Marvel Studios ofrece con su exitoso universo, honestamente a pesar de que recae en cliches genéricos salí mas que satisfecho con lo que vi. La visión oscura de Zack Snyder fue completamente descartada y se ve que Warner intenta hacer una especie de reboot muy ligero con respecto a sus traspiés del pasado. Yo soy de los que querían ver el arco de cinco películas que el director tenía planeado, ya que era algo muy (MUUUY) diferente a lo que planteaba Disney con sus Avengers. Pero en la industria si algo no funca se mata en el instante. “Aquaman” es una película que difícilmente los decepcione, la recomiendo a todo ritmo.

Warner ya se encuentra trabajando en una continuación del film. Lo próximo de DC es “SHAZAM!” en Abril, dirigida por David F. Sandberg y protagonizada por Zachary Levy y Mark Strong. Se basa en uno de los personajes mas antiguos de la editorial, la historia sigue a un jovencito que adquiere el poder de convertirse en un super heroe con tan solo gritar la palabra que le da título al proyecto. Originalmente el personaje se llamaba CAPITÁN MARVEL, pero ahora Marvel tiene el dominio del nombre para su personaje que tendrá películas propia en Marzo del año que viene.

Calificación 8/10

Crítica: I’ll Take Your Dead

Por Gonzalo Borzino

Cobertura del festival Buenos Aires Rojo Sangre

En una granja desolada en medio del campo nevado canadiense, William (Aidan Devine) se dedica a desaparecer los cadáveres que le envían, motivo por el cual se gano el apodo de El Carnicero. No es un mal tipo, pero las circunstancias de la vida lo llevaron a esta mercenaria situación y es por el miedo a las personas peligrosas y por proteger a su hija Gloria (Ava Preston), que acaba accediendo a semejantes labores. La niña ha crecido en esta casa, endurecida por las circunstancias, pero se ve irremediablemente vulnerable ante las visiones de los muertos despachados en esas cuatro paredes, que la acosan con guturales llamados del mas allá. Con todo y todo, sus vidas parecen estar mejorando, logrando ahorrar lo suficiente como para escapar de este trabajo al que fueron sometidos, pero un día una pandilla les trae un nuevo cargamento de cuerpos, entre los cuales se encuentra Jackie (Jess Salgueiro), una muchacha que aun respira.

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Con cerca de 25 producciones de géneros terror o crimen en su haber, Chad Archibald llega dirigiendo su octavo film, esta vez una toma realista con algunos elementos paranormales mezclados de por medio. No cuesta demasiado percatarse de que se está ante un trabajo de autor, con todos los elementos controlados bajo la rigurosa línea de quien dirige, produce y escribe la mayor parte de sus proyectos.

A pesar de estar claramente marcada como genero terror, no hay que confundirla con una típica historia de fantasmas: Esta es una historia terrorífica que, casualmente, tiene apariciones. Similar en este aspecto a La Cumbre Escarlata (Guillermo del Toro, 2015), los elementos sobrenaturales se utilizan para enriquecer la tensión del relato y hacer evidente la ominosa presencia de “el mundo disruptivo” que parece coexistir a nuestro lado, cómodamente encerrado en la pequeña granja del carnicero. Los fantasmas se volverán meros reflejos de los acontecimientos y casi se podría llegar a sospechar que solo existen en la mente de Gloria. Lamentablemente, hacia el final, lo que prometía ser una toma poco vista sobre la particularidad fantasmal acaba cayendo en una categoría mas reiterativa. Y ni siquiera es que estemos hablando de los jumpscares que, a pesar de no ser demasiados, se hacen presentes como el innecesario norte de cualquier película que disponga de fantasmagóricas visiones ¿Es que acaso no podemos concebir la idea de un fantasma etéreo y silencioso? Si me lo preguntan, yo lo encuentro hasta mas atemorizante.

Las actuaciones, en su mayoría, estuvieron decentes con una única excepción: Ava Preston, quien interpreta a Gloria, estuvo alucinante. El control gestual que proyecta en todo momento y las marcaciones en su forma de hablar dan a entrever a una persona sumamente preparada para volverse una presencia en este género, que suele ser bastardeado por sus malos actores. Que una niña de apenas 14 años tenga esta presencia , es un gran hito para su carrera. Por otro lado tenemos a Ari Miller, quien interpretaba al gánster principal Reggie. Este, un hombre adulto con sus más de veinte producciones a espaldas, se desenvuelve como un muchacho nervioso y poco centrado para el entorno gris y realista que plantea el film. Afortunadamente, aparece tan poco y en momentos donde le foco no está en lo terrorífico sino en la locura situacional que puede ser pasado por alto.

Proyectado en el festival de cine de terror y bizarro, Buenos Aires Rojo Sangre, en la categoría de competencia Internacional, este film logra proyectar adecuadamente una idea de esencia autoral que va mas allá de lo evidente dentro de un género que, vez tras vez, parece morir un poco. Son estas elecciones, como la utilización de planos cerrados para denotar el entorno opresivo y resaltar el protagonismo de la casa, las que premian al espectador con la incomodidad situacional en la que estos personajes se ven envueltos. A pesar de no ser una obra superlativa, como parecen serlo trabajos anteriores como Bite (2015), es lo suficientemente satisfactoria como para obviar sus problemas y  guardar los cadáveres.

 

Puntaje: 6.5/10.0

Reseña: El Equilibrista

Con dirección de César Brie, en función de pre-estreno, Mauricio Dayub, en un unipersonal “El equilibrista”.

Una obra con un guión hermoso, con un alto toque poético, y un homenaje a todos los que vinieron como inmigrantes, focalizado en la colectividad italiana, pero es un sentimiento que toca los corazones de todas las colectividades.

La obra cuenta la historia de una familia, desde el abuelo y la abuela, venidos de la Italia. Trae a la memoria emotiva, la historia de amor, que fue la que permitió que nuestros, padres, tíos y tías, integrarán la familia italiana en América. Esa familia, que se reunía los domingos a comer la pasta, la que iba, los domingos a la cancha, la que bailaba, en el caso de los italianos, la tarantela en el patio, los días de fiesta.

Con libro de Patricio Abadi, Mariano Saba y Dayub, en un monológo que le permite a Mauricio Dayub entregarse totalmente, a vestirse de diferentes personajes, con una hermosa escenografía muy sugestiva, donde el fondo es creación de Graciela Galán y el resto de Gabrielle Gerdellics.

La música, muy acertada selección de temas, para acompañar a narrar la historia, es de Pablo Brie.

De Mauricio, qué más podemos decir que no se haya dicho. Creo que aprobó todos los exámenes cuando encarnó el personaje en TOC TOC. Acá es un regalo teatral, que nos permite, acompañarlo en este relato que seguramente tocará las orillas de la historia personal como la de muchos que miramos con cariño y ternura, esa emigración de la Europa para llegar a la América.

Una hermosa propuesta, de gran peso interpretativo, con un guión sustentable, donde tiene momentos de humor, de ternura y de absurdo.con pre-estreno en diciembre, en el Teatro Chacarerean, está habilitada para ser visto por el público los días lunes 10 , martes 11 y jueves 13 de diciembre a las 21 hs. A partir de Enero 2019, los que se queden en Buenos Aires, tendrán la posibilidad de disfrutar de una suave brisa teatral que les moverá la estantería, llegándoles a tocar las fibras más intimas de la emoción.

En una parte del parlamento Dayub dice:

“Mi abuela soñaba con cajas que no abrían. Un día le conté que yo también soñaba con una. Me aconsejó que no la abriera. Cuando me animé, la abrí, y entendí a mi papá. Luego abrí otra, y comprendí a mis tíos.”

Si se va de vacaciones, le recomendamos que esta paquetito de Dayub, lo desenvuelva antes de hacer las valijas. Se va a encontrar con una fresca y grata sorpresa y sino le recomendamos comenzar el 2019, con el pie derecho a partir del martes 22 de Enero, en el Teatro Chacarerean.

¡Vamos Dayub!, sigamos soñando y no renunciemos a querer abrir cajas, el deseo de abrirlas es el mejor regalo!


Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com


Crítica: Violentia

Por Gonzalo Borzino

Cobertura del festival Buenos Aires Rojo Sangre

En un presente alternativo, el Dr. Adam Anderson (David Lewis), creador de nanobots que alteran la percepción de la memoria a voluntad, es contratado por un departamento gubernamental secreto para colaborar con el proyecto de reinserción para sujetos psicológicamente peligrosos. Mezclando los medicamentos de control de actitudes creados por la Dra. Rachel Porter (Emily Holmes), deberán tratar a Simon Frost (Scott Lyster), un violador y asesino serial que se encuentra internado en el instituto y quien guarda una siniestra relación con el senador benefactor del proyecto Edward Frost (Mackenzie Gray). Adam lucha con ser integrado a esta maquiavélica maquina estatal pero acaba cediendo cuando, durante un tiroteo escolar, su hija acaba muerta, dándole la visión de que la violencia está realmente fuera de control y se le debe buscar una cura.

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Dirigiendo, produciendo y escribiendo, el primerizo director Ray Raghavan nos trae este interesante drama de ciencia ficción, donde se pone el dedo sobre la violencia desmesurada a la que, día a día, nos vemos sometidos. El director indio propone un acercamiento dignificado por la contemporaneidad y la falta de empatía que los estados parecen ejercer sobre sus pueblos atemorizados por “los enfermos que andan sueltos”, atravesado por el futuro de la súper-tecnología. Lo que en un pasado hubiesen sido drogas psicotrópicas, ahora es nanotecnología que se infiltra en nuestra cabeza y toma control de nuestros pensamientos.

Claramente influenciada por El Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, el film presenta un trasfondo sumamente atractivo, pero acaba resultando tedioso. Los diálogos se vuelven monótonos y extensos, los actores carecen de sentimiento al hablar y, en algunos casos, contradicen lo que ellos mismos plantean. A pesar del inesperado giro final y del manejo del suspenso a lo largo de toda la película, lamentablemente esta se ha quedado corta en el fluir de las acciones. Quizás, con otro manejo temporal y explicando sus lógicas de formas un poco menos directas, hubiese logrado ser lo suficientemente atractivo como para considerarla una discusión certera sobre la cuestión de la violencia. En su lugar, nos quedamos con una pobre imitación sin una reflexión clara.

Presentada en el Buenos Aires Rojo Sangre, en la categoría de Competencia Internacional , esta producción canadiense logra hacernos cuestionar por momentos que es real y que es un artificio de la mente. Sin embargo y, para nuestro lamento, la carencia de interés y el arrastre que generan los diálogos sin fuerza provocan en el publico una reacción de frustración que, de manera accidental, los incitara hacia la violencia.

 

Puntaje: 4.5/10.0

Reseña: “Nosotros: Música + Poesía”

Despidiéndose del año 2018 y prometiendo volver, doña Pepa Luna, junto a Facundo Ponce y Germán Moldovan homenajeando a Fernando Pessoa con la obra “Nosotros. Música + Poesía”.

En una única función el viernes 7 de diciembre, el Museo de la Botica del Ángel, prendió las luces del teatro, para la cantante/actriz Pepa Luna nos traiga las brisas perfumadas de España la cual junto al actor Germán Moldovan, se amalgamó la propuesta leyendo versos del poeta portugués Fernando Pessoa, tocando las orillas del río de la Plata para cantar junto al cantante Facundo Ponce, unos tangos clásicos como Niebla del Riachuelo, con un corte y quebrada, interpretado por bailarines, mientras llego el ángel de Astor Piazzola y pudimos ver la luna rodando por Callao con Balada para un loco, con despedidas de mucho sentimiento con boleros como Nosotros..que nos quisimos tanto.

Un público que aplaudió toda la noche, porque los Mareados vinieron a compartir sus penas mientras a las damas presentes Fernando Pessoa les regalaba rosas.

Una noche hermosa, de emoción, esperando ansiosos, porque vuelvan a este maravilloso teatro, donde Bergara Leumann seguramente acompaña todas las funciones. Hago votos, por un 2019, en el que continuemos apostando a las producciones teatrales. Pepa hasta la vuelta!!!!!

Link aplausos al final de la funciòn


Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com