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La sexta entrega de la saga de parodias llegó a los cines el 5 de junio de 2026, y es la primera vez en 18 años que los creadores originales están de vuelta. Dirige Michael Tiddes y producen Keenen Ivory, Shawn y Marlon Wayans, con Anna Faris y Regina Hall retomando a Cindy y Brenda. No es un reboot desde cero, es una recuperación: la película vuelve a apuntar a todo lo que el terror hizo en la última década.
Resumen
La trama, fiel al ADN de la franquicia, junta a dos amigos que quedan atrapados otra vez entre asesinos, monstruos y criaturas sobrenaturales. Esta vez los blancos son muy actuales: hay spoofs directos de Scream (2022), The Substance, M3GAN, Wednesday y hasta de Sinners, la sorpresa de terror de 369 millones. Pero no se queda solo en cine: el guión también se ríe de las redadas de ICE, el MeToo, los Epstein Files y la pelea Kendrick-Drake, con la idea de burlarse del presente sin sermonear.
Lo que me gustó:
Se nota el regreso de los Wayans en el ritmo. La película recupera ese humor físico, absurdo y muy de los 2000 que se había perdido, y lo mezcla con referencias que sí son de 2026. Anna Faris y Regina Hall entran como si nunca se hubieran ido, y Marlon y Shawn Wayans le dan el timing que la saga necesitaba. Funciona mejor cuando parodia estructuras y no solo escenas sueltas, por eso los chistes sobre Scream y la cultura del reboot se sienten más afilados que en las entregas anteriores.
Lo que no me gustó:
Como toda Scary Movie, es irregular. Cuando intenta abarcar demasiado, desde política hasta memes musicales, algunos gags envejecen antes de terminar la función. La dirección de Tiddes es funcional pero no tiene la inventiva visual de las dos primeras, y se apoya mucho en la nostalgia. Si no creciste con la saga, varios chistes te van a dejar afuera.
A quién se la recomiendo:
Es para vos si extrañabas la parodia sin filtro y querés ver a los Wayans recuperando su juguete. Ideal para maratón con amigos, pochoclos y cero pretensiones. No es para quien busque sátira fina o terror real, es para reírse del género y de nosotros mismos mientras el cine de horror se toma demasiado en serio.
Hace tiempo que se venía barajando la idea de volver a traer a He Man al cine, pero tuvimos que esperar hasta el 2026 para poder ver al príncipe de Eterniaregresando a la gran pantalla, luego de una fallida adaptación en los años 80 ¿El héroe de blondos cabellos habrá tenido mejor suerte esta vez? Veamos.
Para algún despistado, Amos del universo trata sobre Adam, Príncipe de Eternia que tiene que reconquistar su mundo de las garras del malvado Skeletor, quien busca hacerse con el poder de Greyskull, que se encuentra en la espada de poder que pertenece a los legítimos gobernantes de Eternia. Adam debe volverse digno de portar dicho poder para derrotar a su enemigo.
Si, ya se, la trama parece un calco a la de Thor con el tema de la dignidad para poder portar el mjolnir; pero bueno, tampoco podemos pedirle demasiado a una franquicia, que nació de una serie animada pensada como excusa para vender unos juguetes de dudosa calidad. En ese sentido, la trama es lo más genérica y previsible posible, al grado que no entiendo porque se estiraron a las dos horas y veinte de duración.
Pero si empezamos por lo malo, ahora toca hablar de lo bueno, y es lo entretenida que resulta ser Amos del universo. Si, a veces el ritmo pega un bajonazo, pero gracias al carisma de Nicholas Galitzine (debería ser la cara del personaje de acá a mucho tiempo), logran salvar la situación más de una vez. Aparte los aportes de Idris Elba, Alison Brie y la voz de Jared Leto, aportan bastante, porque ninguno de ellos se tomo la película en serio; sabiendo que estaban adaptando algo medio absurdo.
Ayuda bastante la buena banda sonora compuesta por Junkie XL, quien utiliza el tema clásico de He Man pero dándole una revisión con una guitarra eléctrica a cargo de Brian May que no va a aburrir a nadie. Y si a eso le sumamos un tema muy conocido de una banda por todos querida. Mejor pero ahora toca volver a hablar de otra cosa mala.
Y es que el CGI se nota bastante, sabemos que no estamos ante una mega producción, pero sí sabía que no se iba a contar con un presupuesto acorde al ambicioso apartado visual, se hubiera preferido algo de efecto práctico en lugar de tanta computadora (que se nota sobre todo cuando ya Adam está full power y lucha en cámara lenta).
Amos del universo termina siendo una película bastante entretenida, y mejor de lo que, al menos, yo, esperaba. Tiene muchísimas conveniencias de guión y un metraje largo sin necesidad, pero pese a eso, si deciden verla en el cine, no la van a pasar mal.
La franquicia Little Nightmares ya cuenta con un largo recorrido, durante el cual no cabe duda de que ha sabido como hacerse oír en la industria. Si me preguntáis a mí, diría que las primeras entregas se posicionan como pilar fundamental del género del que se sirven, los puzzles de plataformas.
Cuando este campo todavía era más desierto que prado, juegos como el que nos ocupa, Limbo o Inside no eran considerados todavía clásicos, sino más bien, propuestas interesantes dentro del panorama, que trataban de recuperar las dinámicas de juegos más antiguos como Another World, donde el 2D era una obligación por el estado del medio.
La genialidad de estas obras fue el atreverse a contar historias obtusas, a través de un sistema de control en 2 o 2.5D en un entorno en tres dimensiones. Con esto, se consigue aumentar notablemente la narrativa ambiental, así como plantear puzles o desafíos que serían imposibles de no contar con esa media dimensión de más.
Little Nigthmares se apoya en estos esquemas y trata de contar una historia sobre el terror en su estado más puro, visto a través de los inocentes ojos de un niño. Así pues, lo monstruoso no duda en adoptar proporciones imposibles, cada vez de forma más grotesca que la anterior.
El horror corporal se eleva a su máximo exponente, al no necesitar de la lógica o la biología. Un cuerpo puede deformarse todo lo que el guión necesite. Los enemigos no tienen por que tener punto débil ya que nuestra única opción será escapar de aquello que quiera darnos caza.
En este punto es donde entra en juego el sistema de control, que nos obliga a correr, saltar o deslizarnos sin parar a pensar siquiera, si pretendemos tener la más mínima oportunidad de sobrevivir.
Una ventaja del 2.5D es que de un solo vistazo podemos observar el escenario que nos rodea, al menos a grandes rasgos. Con ello, no importa que no paremos de correr y buscar el próximo saliente al que agarrarnos porque nuestro cerebro será capaz de hacerse una idea de lo que está pasando.
Por ello, siempre me pregunté cómo cambiarían las tornas al llevar este mundo a las 3 dimensiones completas. Así que, conforme tuve la oportunidad de probar esta entrega en realidad virtual, la acepté sin pensarlo dos veces.
Little Nigthmares VR: Altered Echoes es una especie de spin-off de la franquicia, donde tomamos el papel de un alter ego de Six, una especie de sombra oscura que busca volver a completarse.
Para intentarlo, recorreremos unos cinco escenarios diferentes, cada uno relacionado con una zona distinta de las dos primeras entregas. Estos lugares serán versiones distorsionadas de las que vivimos en estos títulos, por lo que el equipo cuenta con cierta libertad creativa a la hora de presentarlos.
A mi parecer, explorar estos entornos se convierte en una experiencia mucho más interesante en el caso de haber jugado las entregas principales, ya que todo parece un poco más conocido que en el caso de entrar de nuevas, por lo que la exploración y el desarrollo de los puzles se termina sintiendo más orgánico, ya interiorizado previamente.
No obstante, creo que en caso de que esta sea nuestra primera toma de contacto con Little Nightmares, vamos a ir un poco más perdidos y la experiencia no será del todo satisfactoria. Jugar a Altered Echoes me ha servido para confirmar que Little Nightmares es mejor como puzle de plataformas que como una experiencia más destinada a la exploración y al sigilo.
Atravesar estos escenarios en primera persona, interactuar con ellos y sentir el terror visceral de cruzarse cara a cara con los horrores que ofrece, es una experiencia que me alegro profundamente de haber vivido.
Pero tengo dos grandes problemas. El primero de ellos no está relacionado directamente con el juego sino con mi vista y el visor. Las Meta Quest 3S se sirven de lentes Fresnel, las que hasta esta generación eran las lentes por defecto de la gran mayoría de visores. Estas cuentan con un punto dulce muy pequeño, donde la imagen se ve enfocada y conforme te alejas de él, va aumentando más y más el desenfoque.
Mi problema es que soy incapaz de encontrar mi punto dulce ideal, en cuanto muevo un poco la cabeza este desaparece y me paso más tiempo apretando el visor que jugando, por no hablar de que después de media hora tengo que parar porque me duele la cara. En base a las experiencias generales, este es un problema común pero cada ojo es un mundo y creo que mi visión por alguna razón se encuentra en el punto justo para que, para mí, la experiencia no sea injugable pero sí sumamente incómoda.
Si bien este problema tiene una solución tan sencilla como usar un visor con lentes Pancake (como Meta Quest 3, por ejemplo), no hay nada que hacer con el segundo gran problema de Altered Echoes: la capucha de Six.
A nivel de diseño de personaje, un niño con un chubasquero amarillo y una capucha que tapa gran parte de su cara, salvo un pequeño triángulo es cuanto menos interesante. Pero tratar de trasladar ese efecto a la realidad virtual ha sido uno de los mayores fallos del título.
Jugar a Altered Echoes significa jugar con el 50% de tu visión. Gran parte de la pantalla se encuentra oscurecida, imitando lo que sería apretujarse la cara dentro de la capucha de Six. Este efecto fue gracioso durante los dos primeros minutos, pero cuando intenté desactivarlo y vi que no era posible, pasó a ser un gran, gran inconveniente.
Quiero disfrutar de la totalidad de mi visión. Odio las franjas negras innecesarias, justificadas en dotar al título de un efecto cinematográfico. A esta lista negra, ahora se le suman las franjas capucha. Posiblemente sea una estrategia para mejorar el rendimiento, pero no puedo justificarlo de ninguna manera.
Ha hecho que mi experiencia jugando sea notablemente inferior a lo que podría haber sido. Pero más me enfada que no soy el único que se queja, sino que se trata de un problema general y el equipo de desarrollo no ha hecho nada frente a las múltiples críticas del efecto.
En resumidas cuentas, Little Nightmares VR: AlteredEchoes se convierte en una propuesta interesante dentro de la realidad virtual, pero no ha conseguido hacer ese clickque sólo pueden hacer algunos juegos de este medio. Si eres fan de la franquicia, te será divertido revisitar los escenarios del juego pero en caso contrario, no lo recomiendo como punto de entrada. Las franjas negras de la capucha son muy molestas y en caso de poder ser eliminadas, la experiencia mejoraría notablemente.
Seguimos reseñando series, y esta vez vamos con un spin off de una serie muy querida por estos lares; El cuento de la criada. Hoy toca ver el otro lado de la moneda en este mundo distópico, así que acompáñenme a ver Los Testamentos de estas jóvenes mujeres que siguen sumergidas en el totalitarismo de Gilead.
La serie se sitúa unos meses después de la conclusión de El cuento de la criada, con Gilead intentando volver a la “normalidad” tras el incidente con June. En ese contexto vamos a conocer a Agnes, una joven adoptada por una familia poderosa, que está a las puertas de ser elegida como futura esposa de uno de los comandantes. Pero tanto sus sentimientos por su guardaespaldas, como la llegada desde el extranjero de Daisy, van a alterar su mundo.
Antes que sigamos, vale aclarar que sí, Agnes, nuestra protagonista, es la hija de June, algo que la serie intenta mantener como secreto y que sea el gran giro del final, pero que cualquiera con dos neuronas conectadas, deduce al instante. Así que, en ese sentido, no hay que enroscarse, y prestarle atención a todo lo demás. Que es bastante bueno.
Y es que siempre vimos este mundo desde el punto de vista de la secuestrada, que sabe que lo es, y por ende se vuelve una guerrillera desde su lugar y con los pocos medios que tiene. Ahora vemos a una de esas mujeres que ya nacieron bajo el régimen de Gilead, ya adoctrinada, pero que tanto sus impulsos sentimentales, y porque no, algo de genética, la llevan a empezar a rebelarse contra un sistema que solo las ve como úteros andantes.
Esto no solo sirve para traer viejos personajes conocidos como los Mckenzie o la Tía Lidia, sino para que Chase Infiniti de rienda suelta a todo su abanico actoral. Ya la vimos sorprender en la serie de Presunto Inocente, y actuar aún mejor en Una batalla tras otra; pero acá es donde da su mejor actuación, y es que los diez episodios que dura Los Testamentos, ayudan bastante para darle el tiempo necesario a la actriz. Que aparte, está muy bien secundada por Lucy Hailliday.
Quizás la serie a veces se pone un poco teen, en especial, cuando se centra en los problemas amorosos de Agnes. Pero por suerte, son pocos momentos. En general, Los Testamentos es una serie bastante redonde, que amplia el universo de El cuento de la criada, mostrando que se pueden contar varias historias. Con una segunda temporada ya confirmada, solo falta tener paciencia hasta que la suelten en Hulu.
Las producciones de superhéroes son se detienen ni un poco, y hoy nos llega una bastante particular, en especial por quien la protagoniza. Y es que estamos hablando del mismísimo Nicolas Cage interpretando a una variante de Spider-Man, el Spider-Noir, personaje al que le dio vida en las producciones animadas de Sony.
Cage da vida a Ben Railly, un ex soldado devenido en detective privado, que es contratado por una enigmática mujer llamada Cat Hardy. Su misión es encontrar a una persona, pero de golpe se ve involucrado en un complot que incluye científicos, el capomafia local, políticos corruptos y matones con poderes.
La verdad que creo que ninguno de nosotros esperaba la gran cosa sobre esta Spider-Noir. Primero porque no había demasiado presupuesto para una serie que si o si debía ambientarse en la época de La Gran Depresiónnorteamericana. Aparte que el personaje, fuera del nicho del cómic, no es demasiado conocido; y encima con Cage, que es una moneda al aire en el rol principal…
Y así y toda la serie es bastante entretenida. El acierto fue estrenarla toda junta de un tirón, hace que el interés del espectador no se diluya. Eso, sumado a que no son capítulos excesivamente largos; hacen que Spider-Noirsea bastante llevadera. De hecho, si era de episodios semanales, estoy seguro que muchos la hubieran dejado sin terminar.
Con esto no digo que la historia sea mala, pero no dista mucho de los policiales negros genéricos que la mayoría, ya vimos hasta el hartazgo: un detective privado medio borrachín, la mujer sensual y misteriosa que dará vuelta su mundo, el mafioso, los matones casi invencibles y un final que termina siendo irónico con todos. Quizás el mayor disfrute, es ver quien es el equivalente a que personaje conocido del universo Spider-Man.
En cuanto a la ambientación, que era otro de los medios que se tenían, cumple. A veces el CGI se nota bastante, ya sea en el balanceo del trepamuros, o en los fondos, notándose la pantalla verde casi siempre, y dejando ver que estamos en decorados (no por nada casi todo pasa en habitaciones cerradas). En ese sentido, recomiendo ver la serie en blanco y negro, y desechar la de color.
Eso sí, Nicolas Cage se come la serie. Las dudas que se tenían sobre él son disipadas cuando lo vemos sin la mascara por primera vez, aportándole bastante carisma y cinismo a su personaje. El otro a destacar es Brendan Gleeson (alguien que no tenía ni idea de que iba a aparecer acá). El resto cumple, pero se nota que ellos son actores de cine y el resto no.
En conclusión, Spider-Noir es una serie para ver una vez y ya. No aburre, tampoco revoluciona, pero cumple al menos con la promesa de darnos un Spider-Man de otro universo, con su propia estética y lore. Algo es algo.
Si había una película que por alguna extraña razón, estaba generando un excesivo hype, era la nueva entrega de Scary Movie. Sí, ya se, volvían los Wayans, creadores de la saga; pero tampoco es que estemos hablando de joyas de la comedia. De hecho, a modo personal, la tercera entrega me parece superior a la primera. Pero volviendo a la peli de estaño, veamos con que nos encontramos en el cine.
La trama digamos que se cuelga bastante de lo que fue Scream 5, la primera de la duología protagonizada por Melissa Barrera y Jenna Ortega. Usando eso como base, vamos a ver parodias y referencias no solo a películas de terror, sino a momentos de la cultura popular de los últimos años.
Como dije, creo que el hype por esta película era un poco desmesurado. Porque, al fin y al cabo, tenemos una seguidilla de escenas paródicas, unidas por la trama de una película famosa; que, en este caso, vuelve a ser una Scream, saga que ya de por si parodiaba al género de terror, y que, creo que, por eso, hacía funcionar a la propia Scary Movie, algo que en la segunda de los Wayans no pasaba.
Pero creo que el mayor miedo que teníamos todos, era el del paso del tiempo. Y es que los que vimos la primera película, ya tenemos veinte años más, y nuestro sentido del humor, así como el de la sociedad, fue mutando, y quizás lo que causaba gracia cuando éramos jóvenes, ahora nos da un poco de vergüenza ajena; algo que lamentablemente, si pasa con esta Scary Movie: terroríficamente incorrecta.
Otro problema que creo que tienen entre manos, es que algunos personajes ya no funcionan. En especial, el de Shorty. Y es que ver a Marlon Wayans a sus 53 años, que sigue haciendo chistes sobre ser un fumón y comportándose como un adolescente, da un poco de cringe, hay que ser honestos.
Eso sí, cuando el guion empieza a auto referenciarse, tirándole palos a las otras Scary Movies, e incluso, al elenco que decidió seguir adelante pese a que sus creadores ya no estaban, es cuando más brilla esta película. De hecho, esos fueron los gags que me hicieron reír, junto con una referencia que creo que nadie vio venir.
Y creo que con eso se podría resumir lo que es Scary Movie: terroríficamente incorrecta; porque tampoco queremos sobreanalizar cuando el propio material original no se presta. Eso sí, hay una escena post crédito. No sabemos si es un chiste, o si de verdad tendremos ese proyecto en las salas dentro de poco. Pero ya están avisados.
Adam es el joven príncipe de Eternia que se ve obligado a abandonar su planeta por una invasión de villanos liderada por Skeletor a través de un portal que lo llevara a la tierra, de donde es su madre.
Pasan los años, pero el príncipe no puede olvidar su origen y continua buscando la espada que lo llevará de vuelta a casa, pese a que todos le dicen que abandone estos sueños. Finalmente alguien responde a sus pedidos y encuentra la espada del poder, pero al empuñarla no se activa el portal automáticamente sino que activará una señal que se esuchará en Eternia. ¿Podrá Adam volver a su tierra natal? ¿El fandom clásico de esta franquicia pensará que esta versión está a la altura? Habrá que verla para enterarse, lo demás lo analizamos debajo.
¿Qué me gustó?
El diseño de los personajes es genial, tomando los diseños de varios de los juguetes originales y llevándolo a la vida.
El humor sorprende, está bastante bien aplicado y en general es efectivo.
El elenco está muy bien, mención especial para Man-at-arms, interpretado por Idris Elba y Skeletor, en la voz deJared Leto.
La música de Brian May (Queen) es genial y va muy bien con estos diseños y este mundo.
Me Resultó interesante como adaptaron a los tiempos que corren a un héroe fuerte que resuelve los problemas a golpes, haciéndolo más dialoguista y cultor del trabajo en equipo pero a la vez dándole una vuelta de tuerca (en tu cara Superman).
¿Qué no me gustó?
La peli tiene problemas con las urgencias, en situaciones que deben resolverse rápido los personajes se toman demasiado tiempo.
Hay que dejar de robar con el chiste de lo ridículo de los nombres de los personajes de estas franquicias al menos por dos años, esto ya quedó viejo en la primer etapa de las películas de Marvel.
También hay algunas incoherencias con las acciones de los personajes que parecen actuar más en función de la trama que de la lógica.
El soundtrack (las canciones que utilizan) de la primer mitad es excesivo y llega a distraer de lo que está pasando en pantalla.
¿A quién recomiendo esta peli?
Si creciste en los noventas con la caricatura y los muñequitos esta peli es para vos, está llena de guiños a eso y la película con personas del 87. Por supuesto que losmás chicos también se pueden enganchar con este mundocolorido lleno de acción y quizás hasta los fanáticos de Queen podrían encontrarla interesante.
Dato: Hay varias escenas post créditos, una ni bien termina la peli, otra después de los primeros créditos y otra al final del total de los créditos.
Desde el momento en que uno ingresa a la sala del Teatro Azul, Un paso atrás ya comenzó. Los actores ocupan el escenario con máscaras, moviéndose en una especie de danza silenciosa que desconcierta y despierta curiosidad. Es una apertura tan extraña como atractiva, que prepara el terreno para una obra que apuesta constantemente por sorprender.
Escrita y dirigida por Matías Vitali, la pieza cuenta la historia de un maestro de escuela primaria que, tras la filtración de un video íntimo, toma una decisiónque piede cambiar el rumbo de su vida. La acción transcurre durante la noche de su cumpleaños, justo antes de que familiares y seres queridos lleguen para festejarlo por sorpresa. Sin embargo, el gran acierto de la obra no reside solamente en lo que cuenta, sino en cómo lo cuenta.
A través de un recurso narrativo tan arriesgado como efectivo, la historia avanza en dos líneas temporales. Un personaje de tono casi onírico interrumpe la acción para retroceder en el tiempo y revelar fragmentos clave de lo ocurrido horas antes. Estos “pasos atrás” enriquecen el relato, construyen tensión y permiten que el espectador complete el rompecabezas de manera gradual.
Con momentos desopilantes y otros profundamente humanos, la obra logra un equilibrio poco frecuente. El numeroso elenco, por momentos caótico en el mejor sentido, recuerda esa energía coral que hizo inolvidable a Esperando la carroza. El resultado es una propuesta original, emotiva y muy bien interpretada, que invita a reflexionar sin perder nunca el vínculo con el entretenimiento.
Una obra recomendable, de esas que consiguen algo cada vez más valioso: sacarnos de nuestro tiempo por un rato y sumergirnos por completo en el suyo.
Elenco:
Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera,
Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello
Ficha Técnica
Fotografía:
Laura Laiguera y Matías Vitali
Diseño gráfico:
Laura Laiguera
Diseño sonoro: Matías Vitali
Escenografía e iluminación: Lucas Pardeau
Producción ejecutiva: Alejandro Souto y Matías Vitali
Asistente de dirección: Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz
La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA
(FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.
Convocatorias a competencias
La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com. La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar
-Competencia Internacional de Largometrajes.
-Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.
-Competencia de Cortometrajes U.B.A.
-Competencia de Largos Graduados DIS
-Competencia de Cortos Graduados DIS
Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.
En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:
-Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.
-Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.
En el teatro El Extranjero, todos los lunes a las 20:30 sucede “Nido de Lagarto”, de Franco Verdoia.
Esos dos se aman en secreto desde hace cuarenta años. El tiempo pasa, la vida se arma a espaldas del deseo. El cuarto de un hotel de ruta, su nido y refugio; un lagarto escondido, el único testigo de ese amor prohibido. ¿Habremos errado en la vida? La pregunta sin respuesta. Si el final llega, que sea juntos.
La actuación de Silvina Sabater y Horacio Acosta logra encarnar la desesperación por poder ser. La urgencia de verse, pero siempre a escondidas, habita esos cuerpos en los que el tiempo va dejando huella. Hay momentos de gran intensidad emocional. El estar de ambos instala un tiempo en la sala que mantiene la atención de quienes observan.
Mención especial a la escenografía. Los años también pasan a los objetos. El cuarto de hotel va despedazándose. El nido se vacía, sólo quedan ellos dos.
“Nido de lagarto” sobre el amor, el tiempo y la vida. Un tono melancólico atraviesa los momentos de mayor humor y fantasía, ahí está lo que se puede y lo que no. Las reflexiones trascienden la escena y flotan hacia la platea en la que, a su modo, cada quien resuena.
“Nido de Lagarto”- Lunes 20:30hs – Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378).
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