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El pasado domingo 25 de octubre fue la fecha en que Jhay Cortez o también conocido como Jhayco, se presentó en el estadio Luna Park. En esta noche, el artista tocó sus más reconocidos temas, además de aquellos que fueron parte de su inicio y que los fans pidieron en el mismo recital. Un show con mucho flow, baile y un artista que ha sabido conectarse con cada uno de sus fans.
La noche en el Luna Park arrancó desde unas horas antes, donde estadio se iba copando de gente y en el que artistas como Cris Mj y Dj Gonn han calentado la noche que se ha sentido como una discoteca en un día domingo. Cris Mj tuvo su momento en el que puso a bailar a la gente con sus canciones y el grupo de bailarines que se hicieron presente en una previa potente. Esto no había terminado, ya que luego de la presentación del artista chileno, la presencia de Dj Gonn también sirvió para aumentar ese ambiente de discoteca, pasando temas bailables actuales y con la animación de gente vestida como personajes reconocidos del reggaetón.
Es así cuando pasado las 21 horas, las pantallas de han puesto de azul y han pasado un video con una secuencia de fotografías y que daban inicio al show de Jhayco, con gran entusiasmo del público. El artista se ha detenido en algunas ocasiones para alentar al público y para agradecer por la oportunidad de tener su primer Luna Park. Comentó que hace 3 años vino a la Argentina para ser telonero del cantante colombiano J Balvin, y que ahora ha tenido su primer show en solitario en el país.
Un integrante del público le pidió subir a cantar una canción con el mediante un cartel y el artista lo ha subido. Luego de eso otra persona irrumpió el escenario, cosa que parecía algo incidental, el mismo Jhayco lo ha abrazado y ha cantado junto a él también. Canciones como ‘512″ «Como se siente» han agitado al público y alentado a bailar.
Jhay Cortez nos otorgó un gran show en el que se nota la conexión que tiene con su público. Ha tocado sus temas más reconocidos y aquellos que el público le ha solicitado y fue una noche donde nunca faltaron las ganas de bailar.
Agradecemos a Fenix Entertainment y Matias Petrucelli por permitirnos asistir al show como corresponsales de prensa.
La reciente dictadura militar ha estado en el cine presente desde los primeros años de su final. La Historia Oficial ganó el Oscar en el año 86, siendo el primero para Argentina, luego vendrían filmes cómo La Noche de los lápices, Kamchatcka, Made in Argentina, etc.
Podría decirse que se trata de un género cinematográfico propio en Argentina, esto suma un valor importante: La memoria. El cine es un registro audiovisual pues más allá de contar una historia, reflejan la época en que se desarrolló la misma y las voces que no se pudieron escuchar.
Santiago Mitre alcanza su consagración internacional con Argentina 1985; filme basado en el juicio civil contra el alto mando militar un año después de recuperar la democracia, este estaría a cargo del fiscal Julio Strassera y un grupo de jovenes comprometidos para hacer justicia.
Mitre además de dirigir, escribe esta historia. Mediante información documental, testimonios e investigación, logra capturar el juicio más importante de la historia reciente argentina, pero a su vez da voz a los personajes involucrados en esta época, estos serían interpretados por Ricardo Darin, Peter Lanzani y Alejandra Flechner y Norman Briski.
Argentina 1985 cumple con su mayor cometido: causar conmoción en el público. Es difícil no emocionarse ante el alegato de Strassera luego de una lucha que parecía imposible. Se recrea la tensión ante el peligro que suponía este juicio, todas las cartas estaban echadas y los enemigos también.
Hay un uso del humor que puede parecer molesto e innecesario, pero supongamos que se utiliza para aliviar la carga dramática y tensión que la trama obtiene y sin ser puritanos, en la vida misma hay humor e ironías, más en el modo de ser porteño.
El ritmo que obtiene Mitre con su montaje es increíble pues en dos horas y media que dura el filme, no hay momento para el cansancio, se compromete el espectador al máximo por ciento, esto también es gracias a las actuaciones no solo del elenco principal, sino también del secundario. Argentina 1985 también es eficiente en su dirección de fotografía. Javier Julá sabe cómo recrear a Buenos Aires en la década de los ochenta, siendo esta ciudad sometida a constantes mutaciones.
Cómo extranjero, me conmovió el filme y es debido a que Argentina pudo condenar a sus dictadores a diferencia de toda la región que atravesó diversas dictaduras durante el siglo pasado (unos la siguen pasando hoy en día). Argentina 1985 está disponible este jueves 29 en 200 salas del país y tendrá un estreno en Amazon Prime a finales de octubre.
Basta visitar el cementerio de Recoleta para descubrir las leyendas e historias que involucran a Buenos Aires del siglo XIX y XX. En ese lugar donde se presenta la belleza de la muerte, están dos personajes que forman parte del folclore de la época post colonial, Camila y Felicitas.
En el caso de Camilia, pudimos ver la película del mismo nombre nominada al Oscar en 1984, dirigida por María Luisa Imberg. La vida de Felicitas fue retratada en 2009 por Teresa Constantini. Ambas mujeres contemporáneas, unidas con un final trágico por culpa de una sociedad cruel y machista.
»Sin voz y consideradas una propiedad, el destino de las mujeres estaba sellado desde pequeñas: la casa y el cuidado de los futuros hijos. Una joven viuda encontró el amor en medio de una tormenta. Acarició la dicha, se imaginó reparada, feliz. El 29 de enero de 1870, día en que iba a anunciar su compromiso, Felicitas Guerrero de 25 años fue muerta por un varón, asesinada por la espalda por un hombre que decía amarla». Es la reseña del monólogo de Adriana Tursi.
Geraldine Farhat se pone en la piel de Felicitas, la actriz transita en el plano astral del personaje porteño, en el mismo se cuestionará su posición en la sociedad, su deber como mujer y va a predecir su trágico final.
Farhat nos deleita con su suave voz y composición en guitarra, las mismas canciones son parte de la autoría de la actriz, El diseño de escenografía es abstracto, Sabrina López Hovhannessian forma una composición de fieltros gruesos de color rojo sangre que van colgando y encerrando a la actriz.
Zaida Mazzitelli dirige este monologo de una manera correcta, respeta al personaje de Felicitas y la reinvidica, les da voz a aquellas mujeres mudas para la sociedad. Felicitas es un monólogo hecho enteramente por mujeres. Una muestra de empoderamiento y protesta.
Disponible los sábados a la 21:30 en Espacio Jufré (Jufré 444)
Paramount+ reveló el trailer oficial de El Gerente, la primera película de la plataforma realizada en Argentina. El Gerente, que se estrenará el próximo 20 de octubre, está dirigida por Ariel Winograd y protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Carla Peterson, junto a Luis Luque, Cecilia Dopazo, Valentín Wein, Marina Bellati, Mónica Raiola, Agus “Papryka” Suásquita , Ignacio Saralegui, entre otros.
El Gerente narra la historia de Álvaro, un gerente de marketing que hace tiempo ha perdido la gracia. Separado, padre de un hijo adolescente con quien apenas puede mantener un dialogo, aburrido en un trabajo sin desafíos y un cuerpo que empieza a sufrir las consecuencias, su vida ha entrado en un largo stand by del que tendrá que despertar cuando Manganaro y Federica (el dueño de la empresa y la nueva gerente general estrella), le exijan innovar sus mediocres campañas de venta. Álvaro y su equipo tendrán que estar a la altura de las circunstancias, pero la idea que bajo presión aparecerá lo llevará por un camino inesperado de exposición y riesgo que no parecía dispuesto a encarar.
La campaña pone a su marca líder de televisores en el centro de la escena mediática y a Álvaro en la cuerda floja: desde ahí tendrá que revisar cuáles son las cosas importantes que está a punto de perder y debe recuperar. Escrita por Patricio Vega (Hermanos & Detectives, Tesis sobre un homicidio) y producida por VIS en asociación con Tresplanos e Infinity Hill, El Gerente está inspirada en el libro El Gerente de Noblex, cuyos derechos exclusivos mundiales fueron adquiridos por VIS.
¿Cómo se adapta un clásico?, ¿Qué mecanismos interpretativos se ponen en juego a la hora de leer un texto y llevarlo a escena?, ¿Cómo es el vínculo entre texto- autor- director- actor? Estas son las preguntas que atraviesan a “De Interpretatione”, obra dirigida, escrita e interpretada, valga la redundancia del término, por Marcelo Savignone.
“De Interpretatione” es la confesión de las interpretaciones latentes en los montajes a cargo de Savignone en «Un Vania», de 2013; «Ensayo sobre la gaviota», de 2014 y «Mis tres hermanas», de 2016. La obra gira en torno a las problemáticas que presenta un texto y, en particular, a las problemáticas interpretativas que se le presentaron al director en las distintas puestas. De forma explícita, la obra está atravesada por la filosofía de Paul Ricooeur y sus lecturas de San Agustín.Todo sujeto pone en juego, a la hora de interpretar, su bagaje cultural y su realidad personal. La memoria, la figura del testigo, el punto de vista: la interpretación siempre contiene una dimensión político/ ética. Savignone da testimonio de su experiencia en la dirección y la actuación de las obras, así como del contexto personal que lo atravesaba cuando emprendió el montaje de éstas. En “De Interpretatione” Savignone revisa y analiza su propio quehacer teatral.
Narrar es tomar posición. Es, también, dar existencia: el ser es porque se cuenta. Narrar es, siguiendo a Paul Ricoeur, la forma de salvar el tiempo: los hechos son porque son contados. Interpretar es siempre conflictivo pues enfrenta al autor con el lector, enfrenta al receptor con su propio yo al haber una multiplicidad de interpretaciones posibles. Confesar implica exposición. “De interpretatione” es un espectáculo sensible donde el actor- director- Savignone muestra sus propias contradicciones, sus dudas, sus aciertos.
Para establecer este tipo de comunicación, esta confesión, es necesario crear un ambiente íntimo. Luz cálida, té aromatizado para quienes ingresan, el cuerpo del actor- director ya en escena dialogando con el público de forma descontracturada, un audio con fragmentos de las obras de Chéjov que se abordarán dentro de unos instantes. Todo el tiempo se recuerda la convención teatral. Los límites entre ficción y realidad se vuelven nebulosos. Más que la relación actor- público, lo que se instala es un vínculo de oyente- confesor.
Difícil es también la clasificación del tipo de obra. Lo interdisciplinario está todo el tiempo presente, el actor narra a través de distintos mecanismos: la palabra, el canto, la música, los objetos, la danza. A todo se le agrega una dramaturgia en la que confluyen elementos del biodrama y la ficción: por momentos enuncia desde el propio yo, por otros, actúa como médium y canaliza las voces y cuerpos ficcionales de los personajes chejovianos presentes en sus obras. Una actuación versátil, dinámica, filosa y sensible.
Los trabajos en torno al espacio, a la luz, al vestuario y a lo sonoro, también tienen un rol relevante y le dan soporte al dispositivo escénico. La escenografía es esencialmente una puerta por donde entran y salen los personajes, por donde el yo- Savignone aparece y desaparece. Los cambios lumínicos y sonoros acompañan y refuerzan la dinámica de estas “idas y venidas” entre el presente de la confesión y ese pasado del que se da testimonio. El vestuario está concebido por capas, parte de un Savignone engordado con almohadones (para la ejecución y revisión de “Un Vania”) y llega a ser ropa deportiva contemporánea (nuevamente, la tensión entre realidad y ficción).
Asistir a “De Interpretatione” es asistir a la confesión de los canales subterráneos que se esconden en la producción escénica y en la lectura de un texto. La obra requiere de oyentes activos y permeables a la sensorialidad que todo el tiempo se irradia desde el escenario. Oyentes y confesor: la comunicación requiere del interés, la fe y el amor por eso que se está produciendo. Así se crea presente en ese encuentro fugaz, y no tanto, que es el teatro.
“De Interpretatione”- Todos los sábados a las 22h en el Teatro Belisario (Av. Corrientes 1624).
FICHA TÉCNICA: Dramaturgia e interpretación: Marcelo Savignone- Vestuario: Mercedes Colombo- Iluminación e intalación visual:Nacho Riveros- Fotografía:- Cristian Holzmann Artista Sonoro:Luis Sticco- Diseño gráfico:Edgardo Carosia- Asistencia general:Milagros Coll, Damian Minervini, Guido Napolitano, Belén Santos- Prensa:Marisol Cambre- Co-producción:Complejo Teatral De Buenos Aires Duración: 65 minutos
Es cierto que a muchos les puede resultar algo extraño cuando te realizan una evaluación para aplicar a un empleo, el creer si el método que se emplea es el correcto para definir si estas apto o no para un trabajo. El método Grönholm nos lleva a una entrevista laboral, donde cuatro postulantes se ponen a prueba en una extraña sesión para poner a prueba las habilidades del próximo director de una gran multinacional.
Benjamin Vicuña, Laurita Fernández, Rafael Ferro y Julian Cabrera son los cuatro actores que se ponen en escena. Ellos son 4 personas que van a asistir a una entrevista de trabajo, donde ahí mismo se enteran que todos serán entrevistados juntos. El problema es que el entrevistador nunca llega, pero ellos escuchan una voz que les indica el inicio de una serie de pruebas que dan por comenzada la entrevista laboral. La jornada avanza de forma muy hilarante, donde cada uno debe exponer sus secretos, miedos y virtudes.
La puesta en un principio puede resultar desconcertante, pero es la intriga que genera, el motor para seguir el curso de la historia con mucho interés. Los actores se desenvuelven de forma histriónica, con personajes interesantes y algunos grotescos, que se van quitando la máscara de a poco pero que a su vez, vuelven a mostrar que no todo es lo que parece. La escenografía acompaña también a dar un ambiente de un lugar imponente, que es el sitio del puesto al que todos quieren llegar, pero también es frío y claustrofobico.
No debería contar más cosas sobre el desarrollo de la historia. Su guión es ágil y son los giros argumentales los que terminan de englobar trama una que se revela de a poco. La obra usa bien el humor para tratar algunas cosas (Tal vez de forma agresiva) pero que al final encuentra las razones para hacer chistes que pueden rozar el limite de lo cancelable. Su juego es atrapante y toca evaluarla como un todo para poder juzgarla, y su resultado final, resulta efectivo como un método científico comprobado.
El método Grönholm es una propuesta más que interesante, una puesta que juega mucho con el humor en varios estadios pero que al final nos invita a reflexionar sobre la empatía, lo que uno es capaz de hacer por un bien personal, y por último, cuestionar la eficacia de un método que se basa en la cuenta, ya que el problema no está en el método, sino en quienes lo aplican.
En numerosas ocasiones he mencionado que el género de plataformas es mi favorito dentro de la industria de los videojuegos. Es por eso que recuerdo con mucho cariño el boom que éste tuvo en 3D durante la generación de Nintendo 64 y PlayStation. A pesar de los contendientes gigantes con los que se tuvo que enfrentar, el primer Pac-Man World logró hacerse un espacio dentro del interés de los jugadores. Veamos si, tras muchos años, todavía mantiene su encanto.
Aquí, como podría esperarse, encarnaremos a Pac-Man quien, tras un festejo de cumpleaños fallido, sufre el secuestro de toda su familia a manos del malvado Toc-Man y sus secuaces fantasmas. Este sencillo argumento justifica el recorrido que haremos por decenas de niveles para rescatarlos.
En cuanto a jugabilidad, es prácticamente idéntico al original. Una de las pocas cosas que añade la versión Re-Pac es que ahora consumir los dots de poder, Pac-Man se hará gigante y le será más fácil derrotar a los fantasmas.Durante el recorrido de los niveles, nuestro protagonista podrá saltar, rebotar para llegar a lugares más altos, correr a toda velocidad y algunas otras mecánicas ya vistas dentro del género. A pesar de su aparente simpleza, la jugabilidad es muy disfrutable. Un punto negativo a mencionar es su cámara, que no ha envejecido muy bien. En las secciones que debemos calcular la profundidad del nivel, es muy fácil que un salto termine con nosotros cayendo al vacío, lo que nos lleva, por momentos, a recurrir al prueba y error.
Como todo plataformero 3D que merece respeto, los niveles cuentan con mucha rejugabilidad. Si bien se caracterizan por ser lineales, todos esconden coleccionables en sus rincones. Debemos juntar frutas, letras para formar la palabra “Pac-Man”, llaves para rescatar a nuestros familiares y un sinfín de dots que nos darán las más altas puntuaciones. No hay límite alguno, y podremos intentar cuantas veces queramos el mismo nivel para completarlo al 100%. Por supuesto, no faltan los enfrentamientos contra jefes. Si bien no representan ningún desafío, eso no los hace menos entretenidos. Unas 8 horitas serán más que suficientes para hacer todo lo que nos propone este título. Si bien nos deja con ganas, es una duración esperable.
Pac-Man World Re-Pac no pretende colocarse entre los juegos del año ni ser un remake que dé que hablar. Pero es una experiencia que logra tocarnos la fibra de la nostalgia y que, a pesar de ser un videojuego de más de 20 años, logra divertirnos tanto como en aquellos días. Una parada obligatoria para los amantes de las plataformas.
Nos encanta resolver misterios o al menos ver cómo otros lo resuelven. El género detectivesco siempre suele ser el más atractivo pues involucra al espectador en una serie de pistas que pueden conducir a un culpable o a varios, uno más evidente que otro.
Hay un asesino en este salón de belleza y las tijeras se afilan mientras el público está atento. Cuidado, tu nuevo cambio de look puede ser el último.
Luego de más de cuatro décadas de adaptaciones interrumpidas en el teatro off en Estados Unidos, el clásico de Paul Pörtner se hace por primera vez en Argentina, está vez con la dirección de Manuel González Gil. Andrea Politti, Diego Reinhold, Mario Pasik, Alejandro Müller, Galo Hagel y Linda Peretz forman parte de este jocoso elenco, también son clientes, peluqueros, detectives o criminales, el resto queda en la observación y recreación de los hechos.
Tijeras Salvajes propone una propuesta diferente para el teatro porteño, lo hace interactivo y es el público quien debe decidir quién es el culpable. Para ello se rompe la cuarta pared y se reconstruyen los hechos según los recuerdos del espectador. Nada es como parece y no hay un solo final. Es increíble la energía que el elenco transmite en la obra, esta es transmitida a las butacas y las risas estarán garantizadas desde el inicio, así como el misterio por saber cómo, porqué y quién.
La puesta en escena tiene la gran ventaja de ser precisa para que los actores puedan desenvolverse, cada detalle importa pues puede ser clave para resolver el asesinato. Tijeras Salvajes es un espectáculo único en calle Corrientes que no tiene pérdida, por más descubras quién fue, nunca podrás saber si en la próxima función será el mismo.
Disponible viernes, sábados y domingos en el Multitabaris Comafi (Corrientes 936), las entradas se pueden adquirir en las boleterias del teatro o por Plateanet.
Desde el estreno de la películaKnives Out y las recientes dos temporadas de Only Murders In The Building (2021); ha resurgido la comedia de detectives. El género que parecía ya muerto conlleva un homenaje a los clásicos literarios de Agatha Christie y Sherlock Holmes. El misterio es lo principal y todos son sospechosos, aunque uno más que otro, se pueden dar giros de trama interesantes o predecibles.
La historia nos lleva a Londres de la década de los cincuenta. Un engreído director de cine estadounidense (Adrien Brody) quiere adaptar al cine una famosa obra de teatro que, a su vez esta se basa en un libro de Agatha Christie. Varios miembros de la producción son asesinados de forma misteriosa, el desmotivado inspector Stoppard (Sam Rockwell) y la inocente pero determinada oficial Stalker (Saoirse Ronan) deben resolver el crimen.
El filme supone el debut del joven director británico Tom George (este ya ha dirigido episodios de series para la BBC) junto al guionista Mark Chappell. Los primeros diez minutos son eléctricos, esto es gracias al montaje y recursos como la pantalla dividida la cual permite ver las reacciones y acciones de los demás personajes. Luego es una montaña rusa de ritmo en lo que, si bien conocemos las historias y dinámicas de los personajes, se pierde el foco del crimen a resolver. Al ser una comedia es claro que tendrá chistes y momentos hilarantes, no todos funcionan, pero la hacen simpática y es Saoirse Ronan quien aporta el alma del filme, su personaje de oficial novata pero llena de entusiasmo logra transmitir al público carisma y empatía.
El misterio de saber quién es el asesino es lo que deja al espectador con intriga, al principio todos los personajes parecen serlo, pero es acá dónde entran los juegos y trampas del guion. El saltar de culpable en culpable nos hace estresar y querer saber que está pasando, para ellos habrá pistas que conduzcan hacia esto por lo que el espectador se vuelve un detective más.
Mira cómo corren rompe la cuarta pared, pero no de una forma descarada, sino inocente, esto permite más dinamismo dentro de sus muchas conveniencias y obviedades. Estamos conscientes que el producto que se nos ofrece es el mero entretenimiento y que no será el más destacado dentro de la larga lista de comedias detectivescas así, se disfruta.
Cuesta olvidar cuando el dolor fue grande, la herida sigue latente y abierta ante el recuerdo. Desprender esa emoción que no desaparecerá del todo pues la cicatriz es un memorándum, se vuelve una hazaña que no todos estamos dispuestos a afrontar.
La muerte y la guerra, el dolor que queda en los que quedaron, aquellos que siguen esperando la llegada de sus seres queridos, arribo que nunca tendrá fecha. ¿Se puede seguir adelante con tanto dolor?
»En una cabaña del sur una madre recibe, después de muchos años, la visita de sus dos hijos. Conmovida por el reencuentro, se abrirá paso entre los recuerdos de la tragedia que desmembró a su familia para no volver a perderlos. Afuera, un poderoso enemigo amenaza con destruirlo todo». Es la sinopsis de Imaginaria, la obra original de Pablo Iglesias.
Maiamar Abrodos, Matias Milanese y Hernan Muñoa son los protagonistas de esta historia.Ella está atrapada entre dos tiempos, el presente y el futuro, dos hijos, una casa frente al lago y una importante decisión forman parte de los elementos que componen este melodrama familiar.Nicolás Sorrivas dirige Imaginaria de modo delicado pues el tema en sí lo es. La perspectiva de los personajes cambia entre sí y se vuelve un recurso bien interesante, al tener a un personaje omnipresente.
Maiamar Abrodos posee una fuerza increíble y llega a hacer temblar las butacas con su actuación y en el clímax de la obra. Su personaje es doloroso pero lleno de matices.Imaginaria tiene una gran carga dramática que es soportada bajo un buen libreto y dignas actuaciones. El luto, el dolor y la resiliencia son temas puestos en tablas y que son tratados de la mejor manera.Imaginaria está disponible los jueves a las 21 en Espacio Callejón (Humahuaca 3759) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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