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El mundo sigue convulsionado y está en llamas, los periodos de paz han sido efímeros, occidente enfrenta la primera guerra de este siglo. Las noticias sobre muerte y destrucción nos invaden, somos testigos de este acto infame mediante nuestras pantallas. La guerra nunca se fue.
»Hijos de la muerte nos adentra en el corazón de un pueblo azotado por una guerra arrolladora. Allí donde el trauma y la miseria se han vuelto el lugar común, se componen una serie de vínculos corruptos que dejan al manifiesto la miseria del hombre. Sin embargo, la dignidad humana cobra valor y logra conmover haciéndose visible emergiendo de la carne viva». Así describe Ezequiel Sagasti la obra que escribe y dirige.
Con un elenco numeroso integrado por actores jóvenes y de mediana edad como German Flood, Lucía García, Gonzalo Gravano, Gerardo Leyer, Melina Martín, Laura Masilo, Diego Rosenthal, Juan Diego Sagasti, Gonzalo Saludjian, Andrés Schweizer, Benjamin Segura, Verónica Viana y Ludmila Zalazar, Hijos de la muerte se presenta como un drama bélico destacable.
Hace unas semanas la película alemana Sin Novedad en el Frente fue premiada con el Oscar Internacional, esta relataba la cruda y horrenda realidad de los jóvenes cabos enviados a luchar en la Primera Guerra Mundial. Teniendo este referente cinematográfico actual. podemos decir que Hijos de la Muerte es una experiencia dolorosa sobre los estragos de la guerra en los pobladores.
El libreto de Sagasti se sostiene e impulsa con la música original de Matías Gessaga. El artista compone una banda original que llena de tensión, angustia y dolor a las líneas y sucesos de la obra.
En la guerra no hay ganadores, sino víctimas,en este caso, el pueblo es el que sufre y paga las consecuencias de los malentendidos de los hombres, en Hijos de la muerte vemos un drama bélico sobre un pueblo que se corrompe. se carcome por dentro hasta que la muerte deja de importar, la muerte está con ellos.
Disponible los domingos a las 20:30 en el Teatro Nün.
Hace un par de años recibimos una película llamada El padre, donde se nos mostraba una desgarradora historia protagonizada por Anthony Hopkins, en un rol que le valió su segundo premio Oscar. Ahora llega a nuestros cines El hijo, una secuela espiritual de dicho film, esta vez con Hugh Jackman en el rol principal. Veamos si estuvo a la altura.
Esta vez se nos muestra como Peter, un hombre separado que formó una nueva familia con otra mujer, debe hacerse cargo de su hijo adolescente, quien empieza a mostrar síntomas de tendencias suicidas. A lo largo de dos horas, veremos cómo este hombre va a hacer lo imposible para ayudar a su atormentado hijo, mientras intenta no descuidar su nuevo matrimonio.
Si vieron El padre, recordarán que era un drama. Bueno, El hijo sigue sus caminos, proponiéndonos una historia muy compleja, y en especial, una a la que todos los padres les tenemos terror, porque pocas cosas son más tortuosas, que ver sufrir a nuestros hijos y no poder ayudarlos.
En ese sentido, Hugh Jackman da una actuación impecable, mostrándonos dicho dolor y pesar. Pero el personaje, al mismo tiempo, está lo suficientemente bien escrito, como para que sintamos aún más pena, porque su Peter, no hizo o hace nada malo, lo cual lo lleva a sentir una peor impotencia y a la vez culpabilidad. Eso sí, la escena que tiene con Hopkins, es clave para entender a su personaje (y para ver brillar a Hopkins por cinco minutos).
Pero las dos horas mencionadas pueden volverse un poco pesadas. Esto lo decimos porque solo tenemos un tema central, que es la depresión del hijo de Jackman y ya. Nunca se indaga en el problema que pueda resultar tanto para su ex como su nueva esposa la ausencia o presencia del chico; o como sus problemas afectan laboralmente a Jackman. Pero no, solo veremos ese único dilema.
Quitando eso, podemos decir que El hijo es un sólido drama, pero es entendible porque no tiene presencia en los Oscar de este año, aunque no por eso sea una película olvidable; todo lo contrario, hasta nos arriesgaremos a decir que es mejor que algunas que sí están compitiendo por el galardón máximo del cine.
Calificación: 7.5/10
Lo mejor: las actuaciones, algunos momentos dramáticos muy logrados.
Lo peor: Anthony Hopkins y Vanessa Kirby se sienten desperdiciados, se puede tornar un poco larga por momentos.
Esta cinta es una de las mejores películas de acción de la historia. Y hoy en día encuentro similitudes con la muy conocida Misión Imposible de Tom Cruise, y de hecho, Lo que ocurrió con Top Gun Maverick el año pasado es algo muy parecido a lo que John Wick podria generar en la gente. Y es el hecho de ir al cine, un topico que se ha hablado mucho en este último tiempo debido a todas las aplicaciones de streaming que tenemos hoy en dia. Y si, John Wick 4 es para verla en el cine y disfrutarla al maximo.
Partimos de la base de que la película esta perfectamente bien dirigida, con secuencias espectaculares que de algún modo ya estamos acostrubrados con esta serie de peliculas. Pero con este film se siente distinto, porque toda la carga dramatica que envuelve a los personajes desde cintas pasadas, desemboca en esta alusinante obra.
La película tiene un monton de puntos altos. Los personajes son impresionantes y estan excelentemente interpretados junto con una dirección y un guión muy fuertes que refuerzan el ecosistema del mundo en el que se encuentran. Pero ojo, es una historia muy simple, y el conflicto y trama nacen a raíz de acciones pasadas de los personajes, pero lo mas importate en esta pelicula es la acción y en ese punto no hay con que darle. Es John Wick matando a todos de maneras inimaginables con escenas sumamente excitantes y brutales, con tintes de humor muy bien llevados a cabo y con secuencias explosivas y épicas, que mas se puede pedir. Dado al lamentable final de nuestro amigo John, alias Baba Yaga, no se que se puede esperar, pero como bien dije y asegure, la película va a ser un éxito en taquilla por lo que es muy probable que haya una quinta entrega. No sabemos como ni cuándo pero seguro habrá muchas balas y sangre (en especial sangre).
20 DE MAYO | MOVISTAR ARENA Preventa Santander Amex: Miércoles 22/3 – 17 hs Venta General: Jueves 23/3 – 17 hs A través de movistararena.com.ar
La banda de los hermanos Sardelli se potencia y agiganta en cada vivo que hacen cerca de su público, haciendo vibrar el escenario y dejando el alma en cada canción. Están transitando una etapa artística extraordinaria nacional e internacionalmente y hoy anuncian su primer Movistar Arena para celebrar esta gran locura de la mejor manera.
Patricio, Guido y Gaston Sardelli vienen de agotar 5 Luna Park, y hacer estallar el Estadio Argentinos Juniors marcando un antes y un después en la historia de la banda, frente a más de 30.000 personas, sumando además una extensa gira 2022 que los llevó por el país y Latinoamérica con un éxito rotundo de venta de tickets en cada recinto. Airbag es hoy una de las bandas referentes del rock hispanoamericano, con un crecimiento musical sin techo que viene reafirmando su liderazgo en cada proyecto que llevan a cabo.
Su último disco «Al Parecer Todo Ha Sido Una Trampa», séptimo álbum de estudio de Airbag, ganó el Premio Gardel 2022 a “Mejor Álbum Grupo de Rock”. Este material ecléctico que une la visión de cada uno de sus integrantes, fue concebido en este encuentro de perspectivas, y hoy en medio de su gira resalta en el vivo al potenciar su fuerza sonora con una gran sensibilidad interpretativa. Rápidamente el álbum se ha convertido en un nuevo suceso internacional, traspasando las fronteras con una gran repercusión en México, Colombia, Paraguay, Uruguay, Chile y Ecuador.
Comenzado el 2022 Airbag pasó por los principales festivales de nuestro país tales como el Cosquín Rock, Quilmes Rock y Lollapalooza. Transitó una extensa gira Latinoamericana “JINETES CROMADOS TOUR” que lo llevó por las principales ciudades de Argentina, Uruguay y México. En México el éxito fue rotundo, tras una serie de multitudinarios conciertos, realizaron una presentación en octubre en el Lunario del Auditorio Nacional.
Vienen de un gran período de reconocimientos y gratificaciones, habiendo tocado por primera vez en el Estadio Argentinos Juniors en un show histórico de la banda, ante + de 30.000 personas, además de llenar 5 Luna Park agotados en cuestión de horas, con una convocatoria descomunal. La banda continúa trabajando en nuevos proyectos para este año, en una incansable labor creativa que los llevará a estar nuevamente muy cerca de su público y visitar nuevos escenarios como el Movistar Arena el próximo 20 de Mayo
En 2022 los festejos del vigésimo aniversario de Primavera Sound llevaron el espíritu del festival más lejos que nunca, ¿ahora qué? Pues por suerte nunca faltarán los motivos para celebrar: nuevos sonidos, nuevos estribillos, nuevas bandas. Nuevas razones musicales, en definitiva, para seguir ampliando la comunidad Primavera en diversas partes del mundo. Sea en Barcelona, en Madrid o a 10.000 kilómetros de distancia, hay cosas que no cambian: asomarse a cada Primavera Sound de 2023 será asomarse a los rincones más excitantes de la música contemporánea.
Además de la imprescindible cita de Barcelona, donde todo volverá a empezar este año, el esperado estreno en Madrid y la décima edición de Primavera Sound Porto, el festival retomará la ruta transatlántica para celebrar sus segundas ediciones en Buenos Aires y São Paulo entre noviembre y diciembre. Dos destinos que en muchos casos también serán principio de un viaje en el festival que volverá a reflejar el panorama musical más excitante en 2023.
El nuevo predio elegido para la edición Argentina de 2023: Parque Sarmiento (Buenos Aires) es una consecuencia de haber escuchado a nuestro público y haber optado por una opción que nos permita mejorar la experiencia alrededor de Primavera con el objetivo de que a nuestro público solo le reste disfrutar de la música. Aunque para disfrutarla no hace falta ningún libro de instrucciones: lo vivido alrededor del mundo en 2022, un año lleno de descubrimientos y aprendizajes saltando de festival en festival, nos enseñó que alrededor del line-up de Primavera Sound pasan cosas que no pasan en otros lados… pero también que esas cosas se entienden universalmente.
Los días 25 y 26 de noviembre en Parque Sarmiento, volverá a comprobarse en Buenos Aires, un line-up que conjugará una amplia muestra de talento local y los nombres internacionales que mejor explican el aquí y el ahora musical en todas sus facetas.
Con la ayuda de PopArt Music y Dale Play Live como partners, Primavera Sound continuará exportando en Buenos Aires su modelo de festival urbano expandiendo su propuesta musical más allá de las jornadas y los recintos principales con la programación de Primavera en la Ciudad. Sello inconfundible de una cita que paralelamente ha hecho de la sostenibilidad, la igualdad de género, el compromiso social y la integración urbanística los valores sobre los que se sustenta.
“Reflect what you are”, se celebre donde se celebre el festival: Primavera Sound Buenos Aires se reflejará en el espejo que supone Barcelona, que a su vez es reflejo de la comunidad que ha construido en todo el globo tras más de dos décadas. Un proceso de identificación en todas direcciones que sigue desbloqueando nuevos niveles.
Para el público Argentino, próximamente se estará anunciando la fecha y el canal para la venta de entradas. Toda la información será comunicada en los canales oficiales Primavera Sound Buenos Aires:
MÁS SOBRE PRIMAVERA SOUND BUENOS AIRES IG: @primaverasoundbuenosaires TW: @ps_buenosaires WEB: primaverasound.com/es/buenos-aires
El pasado viernes asistimos al teatro «El método kairós» a la segunda función del reestreno de «Una obra para mi». Se trata de una propuesta muy interesante que aborda el biodrama dentro de la creación teatral y sobre lo difícil que puede resultar para un autor mostrar su verdad en una obra.
Una obra para mi comienza con un entramado simple, pero que a medida que pasan los minutos su consigna cambia completamente, pasando incluso por un momento de confusión para el espectador pero que en poco tiempo nos encierra en lo profundo de su propuesta. Esa simpleza es muy necesaria para que el público conozca a los personajes principales, los entienda y sienta empatia por ellos. Es así como arranca un juego entre dos hombres que están juntos, que están en una búsqueda artística para crear una obra casi biográfica, pero que en esa búsqueda se da paso al juego entre los personajes, con un tono más romántico y casi erotico para luego tomar otro rumbo. En la segunda parte de la obra, nos cuentan de a poco el objetivo de la misma, del porque se llama «una obra mi» , de aquella búsqueda de inspiración para contar una verdad propia.
Los actores manejan muy bien cada uno de los distintos registros que la propuesta ofrece. De aquellos momentos más terrenales a otros que parten desde la imaginación y los recursos teatrales para pasar de la realidad a la ficción. Cuando hablamos de realidad, nos referimos a la de la puesta, ya que nos encontramos en un proceso de creación teatral, teniendo casi una obra dentro de la misma. La química entre Francisco Bertín y Sebastián Suñé es indiscutible, la interacción entre ellos es constante y logran emocionar al público en sus últimas escenas. El trabajo de dirección a cargo de Suñé y Lía Bagnoli funciona para unir todas aquellas piezas de una puesta que se vuelve compleja pero que a apreciar todo su conjunto vemos con simpleza y honestidad aquella historia que supieron contar.
La obra escrita Sebastián Suñe, que también es uno de los protagonistas, es una propuesta que se nota que es personal y sincera, pero a la vez muy imaginativa, teniendo recursos teatrales y giros que la vuelven en una historia más allá del drama amoroso entre dos personas. El dúo Sebastian y Francisco es todo lo que está bien en una propuesta que nos provocará emociones del todo tipo.
Todos los viernes a las 20hs en el Teatro del Pueblo sucede Pajarita, ganadora del premio Estrella de Mar 2023 a Mejor Actor de Drama y dos premios ACE 2021/ 2022 a Mejor Espectáculo de Teatro Alternativo y Mejor Actor.
1927, una sirvienta española se arroja a las vías del ferrocarril. Este suceso conmueve a Roberto Arlt y germina la imagen que desencadena la escritura de Trescientos millones: “Durante meses y meses caminé teniendo ante los ojos el espectáculo de una pobre muchacha triste que, sentada en la orilla de un baúl, en un cuartucho de paredes encaladas, piensa en su destino sin esperanza al amarillo resplandor de una lamparita de veinticinco bujías”. En 1932 se estrena Trescientos millones en el Teatro del Pueblo, una de las obras fundamentales del teatro argentino. En la obra, la sirvienta española se llama Sofía, la que sueña con ser rica en ese “cuartucho de paredes encaladas”, la que sueña con un galán, con los personajes que ha leído, visto y escuchado, con el Infierno y la muerte, con el fin.
Noventa años después de su estreno, Guillermo Parodi, dramaturgo y director, lleva a la nueva sede del Teatro del Pueblo una reversión de esta obra icónica. Pajarita es un abordaje de Trescientos millones, una búsqueda por la actualización y, a la vez, por el mantenimiento de elementos propios de la poética arltiana. Ese pasado que puede seguir (y bien que lo hace) hablando de este presente.
Arlt escribe en una sociedad atravesada por la crisis del ´30. Sus personajes viven en esa realidad golpeada, desolada. Criaturas pululantes que van y vienen y habitan el sin sentido. Pero son ellas también quienes desean e imaginan. En Arlt conviven el desamparo, el agotamiento y la miseria, con la posibilidad de algo distinto, la esperanza. La vigilia y el sueño, los límites entre ambos se borronean. Dentro del gris, hay chispazos que iluminan, hay momentos de luz dentro de un mundo oscurecido por el impacto de la crisis. Ese territorio es el que también aborda Pajarita ubicándose en la realidad caótica actual. Allí Sofía sufre la crisis contemporánea, habita los límites de un mundo roto. Ambas Sofías, la de Parodi y la de Arlt, acarrean fantasmas, personas de humo que viven en la profundidad de ellas mismas y esperan atentas el momento del sueño para nacer.
En Arlt lo onírico y surrealista tienen un peso aplastante. Parodi los lleva al escenario a través de las actuaciones y los elementos de puesta. “Zona astral donde la imaginación de los hombres fabrica con líneas de fuerzas los fantasmas que los acosan o recrean en sus sueños”, así comienza el prólogo de Trescientos millones, y así es también lo que se respira en la puesta de Pajarita: escenografía, vestuario, luces y sonido, recrean un ambiente onírico del que el espectador entra y sale con facilidad acompañando el tránsito de Sofía. Todos los elementos son funcionales al paso de una esfera a la otra. Lorena Szekely y Pablo Mariuzzi son quienes encarnan estas criaturas que habitan esta espacialidad de borde. Ambos despliegan un abanico de posibilidades vocales y corporales que construyen este vaivén entre realidad y sueño. Lorena hace que fragilidad y determinación convivan en esa pajarita de alas partidas. Mariuzzi presenta una gran ductilidad camaleónica, él pone cuerpo a las distintas visitas de humo que irrumpen en el viaje adormecido de Sofía.
Lo porteño, la calle, la realidad cruda y desmembrada, la risa, lo reo y lo elevado, la vigilia y el sueño, la muerte y la vida. Pajarita como eco de Trescientos millones, como eco del ayer en el hoy.
“PAJARITA”– TEATRO DEL PUEBLO (Lavalle 3636)– Viernes 20hs.
Nostalgia en estado puro. Quizás alguno de vosotros hayáis tenido la fortuna de haberlo jugado en su día en Gamecube. Para aquellos que no voy a poneros en situación. Se trata del remáster de la entrega más laureada de la saga Tales desarrollada por Namco Tales Studio y publicada en Europa en el año 2004. En esta ocasión nos encontraremos ante una extensa aventura JRPG que cuenta con ciertos altibajos con respecto a la entrega original. La historia nos sitúa en un mundo mágico llamado Sylvarant que deberemos salvar.
Para ello podremos elegir entre cuatro personajes (Lloyd, Colette, Genis y Raine) con diferentes habilidades. La selección del personaje no es sencilla puesto que dependiendo de nuestra elección variarán nuestras decisiones y las relaciones con los múltiples personajes que habitan este mágico mundo. Cuestiones tales como la religión, la revolución o la justicia chocarán inexorablemente en dicho mundo compuesto por diferentes razas (humanos, elfos y semielfos). A nivel gráfico resulta un título correcto donde destacan los gráficos con una marcada estética anime y los personajes se mueven con fluidez pudiendo jugarse en una resolución de 1080p. Como nota negativa destaca que en determinadas situaciones peca de una cantidad excesiva de pixeles y una injustificada limitación técnica a 30 fps que resulta totalmente inexplicable para una remasterización en pleno siglo XXI.
A nivel jugable es una auténtica delicia poder disfrutar de una gran variedad de mazmorras desafiantes con múltiples acertijos y secretos por descubrir. Un detalle muy positivo es que dichas mazmorras cuentan con diferentes caminos secundarios lo que supondrá un desafío para el jugador e invitará a explorarlas íntegramente. El sistema de combate en 3D por turnos está bien diseñado y la curva de dificultad bien ajustada. Contamos con un ataque básico pudiendo utilizar artes especiales que consumen puntos de maná. Así mismo podremos configurar hasta cuatro poderes equipados al mismo tiempo utilizando diferentes combinaciones de botones (con una estructura similar a Super Smash Bros). La duración de la aventura se sitúa en torno a las 100 horas y puedo aseguraros que en ningún momento resulta tedioso o insustancial. Por lo que respecta al apartado sonoro se merece un reconocimiento especial. Las melodías originales creadas por Motoi Sakuraba se mantienen intactas y resultan una experiencia sonora difícilmente superable por muchas remasterizaciones recientes. El juego cuenta con voces y textos solo en japones e inglés.
En resumen se trata de una extensa aventura de corte clásico que hará las delicias del jugador tradicional de JRPG. Los personajes, mapas y mazmorras están bien diseñados, la banda sonora resulta sublime pero algunos fallos técnicos lastran la calidad global del conjunto. Os recomiendo jugarlo (o rejugarlo) porque sin duda ninguna se trata de historia viva del mundo de los videojuegos.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
El teatro no es lineal,se adapta a la visiòn de su dramaturgo, es que en lo experimental se pueden explorar/explotar formas y voces que en lo clàsico no se podría El director y dramaturgo junto al actor son cómplices de llevar una idea (pues el teatro no solo son historias, son ideas y planteamientos) al público. Este se vuelve observador de algo diferente, se cuestiona y se sumerge en el experimento.
La dupla de Emiliano Dionisi y Roberto Peloni nos ofrece su brote creativo en » El Brote», presentada en el Teatro El Pueblo.
»A un actor se le comienzan a desdibujar los límites entre la ficción y la realidad, y ahora desconfía de quien escribe los acontecimientos de su vida «¿Que clase de personaje somos en esta historia?» Bajo esta abstracta sinopsis, Emiliano Dionosi nos introduce en El Brote.
Roberto Peloni es sólido y convincente en este papel que le exige desprenderse de lo convencional. Asume el reto y encarna el no teatro en sí mismo. ¿Qué es real?, ¿Què es actuado?, ¿Qué es lo que lo interpela? El libreto de Dionisi nos habla de las relaciones humanas, del arte y el sufrimiento del mismo. Aquellos brotes de imaginación o dícese: inspiración, que llegan de forma inesperada, ¿Se escapa o se lucha contra el?
Peloni y Dionosi es el dúo que se complementa para poder romper con el teatro y hacerlo real. Disponible los lunes a las 21 horas en el Teatro El Pueblo.
De más está en decir que «cada historia de vida es un mundo», aunque la de Ramiro, tiene un tinte especial, que merece y vale la pena relatar. Un entrelazo de la industria audiovisual con el derecho y la vida…
«Director | Guionista | Productor | Editor @canal9oficial», parte del breve currículum a presentar en Instagram delata las habilidades de quien oficia también como escritor, de 43 años de edad… Su habilidad le permitió cumplir con un anhelo que arraiga desde chico, que era el de escribir. En curso con historias traumáticas de vida que giraban en su alrededor, llevó a plasmar su propio suceso ficticio basado en su realidad. Un camino de espinas lo esperaría en el círculo vicioso que un poco tiene la dinámica de la adultez, pero como bien dice el consejo, «insistir, resistir y persistir».
¿Cómo es que arrancas con la serie que se conoce como Aliados en tu vida?
Es muy larga la historia… Empecé con 20 años (por los 2000) con lo que se llamó N.N. Yo escribía letras de canciones, poesías de chico, y lo que comenzó como una letra de una canción, se volvió más larga, con personajes, diálogos… Después empecé en trabajar en cine, producción, a la historia la empecé a profesionalizar… A los siete años, ya desarrollado, estudiaba en el SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) la carrera de Jefatura en Producción de Cine, la presenté para una carpeta audiovisual mientras estudiaba, al estar ya con varias personas del ambiente (2007/08), el guion empezó a circular por varios lados, en varias productoras… Un día me crucé a Axel Kuschevatzky, le comenté como toda persona que quiere cumplir su sueño, y me dijo, «déjamelo en Telefe», y después, pasó lo que pasó.
Vale destacar que la demanda por plagio que existe en la Justicia por el producto, incluye a Cris Morena y a Axel Kuschevatzky, como productores; mientras que a Leandro Calderone, como guionista. Apelando al dicho criollo de «no es ningún gil», Ramiro ya había registrado el material a su nombre. Al su padre haber sido abogado, sabe artimañas al respecto, de autorías y lo que sucede globalmente relacionado a patentar un material determinado.
¿Qué fue sucediendo en el mientras tanto?
Tuve una relación con una mujer que se me presentó, lo que hoy se le llama «relación tóxica», fue una psicopatía integrada, que, a propósito, presentamos un proyecto de ley en el Congreso de la Nación, lo cual lo han tomado y lo están analizando, junto con muchos especialistas. En esos meses, se me presentó esta chica, diciéndome que trabajaba para Cris Morena, que quería un guion para volver a trabajar en la televisión (lo necesitaba en un plazo de 45 días), yo inocentemente, ya venía produciendo cortos, que eran premiados… Y bueno, sucedió como un thriller psicológico, imagínate que apareció una mujer que me dijo «quiero que escribas para Cris, que va a volver». Nos enamoramos, me hizo una alienación, y me generó un secuestro encubierto, a partir de ahí me hizo perder cosas, cámaras, ahorros, por cinco años… Me hizo escribir un guion nuevo, pero la realidad es que mientras estaba desaparecido, estaban estrenando Aliados.
¿Crees que había un trabajo de inteligencia de la chica, que era tu «pareja», con la producción de Aliados?
No lo sé, no lo puedo saber, yo te cuento los hechos. Lo que pasó es que además de que lo dejé en Telefe y se usó para la Universidad, y un montón de cosas más, además se me presentó, perdí por 5 años el trabajo, el contacto con mi familia; perdí el trabajo en el Congreso de la Nación que trabajaba con Pino Solanas, donde estábamos filmando El Legado Estratégico de Perón. Terminé en Córdoba, comiendo de la calle, pasabas y me veías descalzo en los semáforos. Estaba secuestrado, amenazado de manera coercitiva. Me decía que su ex marido (militar) nos iba a matar… Y le creí, tenía un botón anti-pánico, ella salió en la televisión, convenció a jueces… Yo estaba enamorado… Yo no tenía redes, me alejó de todo. Gracias a Dios no me mató. Cuando volví me enteró que había estado mi guion en Aliados… Lo vi por internet. A mí me desaparecieron, me robaron todo… Fueron dos historias paralelas, a Axel Kuschevatzky yo se lo dejé, ahora si en el medio, en la guardia de seguridad, se llevó a otro lado, no sé. Ahora, en Telefe está, porque tenemos los sellos de entrega y millones de pruebas más. Yo antes venía negociando con gente de USA, Yair Dori (productor, quien vendió los derechos de Casi Ángeles a Israel) se estaba tratando, pero querían quedarse con la autoría, y bueno, se cayó. Se presentó todo con pericias, pruebas. En diciembre se presentaron testigos respecto a mi guion, testificaron todo, así que está avanzando a mi favor.
Y respecto al proceso judicial, ¿cuándo empezó?
El inicio empezó por fines de 2018, pero se activó en 2022, casi 2023. Presentamos con María Teresa Forero, una perita internacional, quien trabaja y se presentaron 55 páginas, más de 70 puntos que coinciden. La fiscalía la quiso sobreseer sin investigar. Muy raro. Apelamos y la Cámara empezó a investigar, si uno lee las comparaciones, no hace falta ser perito, es muy alevoso… Actuaciones, escenografías. Tienen tanto poder e importa tan poco. «De última le pagamos» pensarán.
La Ley a tratar sobre el abuso psicopático, ¿en qué consiste?
Lo primero y principal de la Ley es en pos de implementar en niveles educativos, porque es algo que no se da en ningún lado, me llaman de otros países. Los psicólogos los están estudiando. En si es generar conciencia. Penas no está hablado, no se analizó porque en marzo se presentan a los bloques. Cuando uno presenta una ley se empiezan a emparentar con otras, y entran millones de penas que va de falso testimonio a homicidio calificado. La ley está abierta y la están tomando del exterior, y que vuelve con variaciones, de hasta qué punto se puede aparentar.
¿Cómo fue trabajar con Pino Solanas y su proyecto (El Legado Estratégico de Juan Perón -2016-)?
Con Pino era multifunción. Era ser asistente de todo, hice hasta de extra… En cada rodaje nos enseñaba, nos tenía cortitos (risas) pero aprendimos un montón. Yo no soy político, no tengo afiliación, ni siquiera a su partido (Proyecto Sur), no porque estaba en contra del de él, sino por no tener bandera alguna. Me parecían genial sus proyectos, como defendía la naturaleza, como hablaba…
¿Cómo fue que llegaste con él?
Yo ayudaba en Guionarte, una escuela de guion, que era socio, y bueno, brindaba material en hacer cortometrajes, asistía a los chicos para que puedan llevar a cabo su guion. Ahí conocí a un chico, Nicolás Sulcic, al principio me pedían las cámaras y después me contrataron para que trabaje con él.
Y en lo que respecta a la industria del guion, ¿cómo la analizas?, ¿está todo muy monopolizado?
Y… mira, pasa como todo, hay gente que se encarga de robar ideas y no dejar que llegue el resto. Hay poder en personas para decir “muy bien, pero hasta acá llegaste”. Si no te ofrecerían trabaja conmigo, pero el material es mío. Cuando ves un guion y ves la vida de quien lo hizo, coincide, hay cosas a darte cuenta de si es choreado… Hay temas de plagio por todos lados.
Bueno, lo que es la “idea general”, que observamos mucho en cine, por ejemplo, da la impresión que funciona para opacar la labor del guionista…
Sí, lo que sirve es el desarrollo. A uno se le puede ocurrir una historia de una pareja, pero el real sustento está en lo que es el durante.
Conclusión Es difícil no creer y no apoyar las luchas individuales de quienes relatan un despojo y abuso al respecto. Ramiro, además de ser fiel creyente en Jesucristo, posee sensibilidad, capacidad y emoción al hacer mención de su vida, de lo que pasa y vendrá… No es casualidad que hace tan poco (2021) haya publicado un libro, Sobreviviendo a una psicópata, en referencia a las aberraciones mencionadas con anterioridad que padeció. En lo personal, deduzco que la imagen positiva que hay sobre Cris Morena, en términos genéricos, es abrumadora, y, por ende, no sorprende así que el caso de Ramiro, en lo que incumbe a Aliados, haya tenido tan poca repercusión en los medios convencionales, sumado al lento accionar judicial. La industria es un negocio donde el trabajo para destratar es de inteligencia, y el outsider es por las dudas acusado. Ramiro lejos de morderse los labios y cruzarse de brazos, buscó alternativas y lucha por el reconocimiento artístico y económico, al respecto. No busca venganza, sino que justicia. Su realidad supera a cualquier slogan y/o frase hecha que haga especulación al respecto del tema. Una ramificación de una historia de vida, que mereció ser contada. Escribió Nicolás Doyle para La Butaca Web.
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