Reseña de teatro: Dos más dos

Se ha estrenado en el teatro el nacional la adaptación teatral de la película Dos más dos , un film de Diego Kaplan que tenía como protagonistas a Adrián Suár , Julieta Díaz , Carla Peterson y Juan Minujin. La historia toma como temática central el intercambio de parejas , dominado por la cultura Swinger. En esta ocasión el elenco está encabezado por Fernán Mirás, Eleonora Wexler, Julieta Zylberberg y Luciano Cáceres.

El éxito que ha tenido el film se debe a la reflexión que brinda sobre las parejas , en relación al público que está dirigido. Si bien esto no está hecho para un tipo de público específico, pero si podemos notar que hay mayor identificación en aquellas parejas que llevan años juntas, en el que puede existir el planteo de alternativas para mantener viva la pasión. ¿El intercambio de parejas es realmente una alternativa ? ¿Es algo apto para todos ? Estamos ante un tema que aún en nuestra generación sigue siendo tabú, sobre esa relación de existe entre el amor y la exclusividad física. La obra pone en escena a una pareja común y corriente , a un hombre bastante cerrado en relación a la sexualidad, a una mujer que ha aceptado esos términos pero con el pasar de los años siente que quiere o necesita algo más. Cualquier pareja se puede reflejar en estos temas , una forma quizá simple o muy compleja de satisfacer su deseo con otro pero dejando de lado la infidelidad o el concepto que se tiene de ella. La puesta teatral es bastante fiel al material fílmico, realizando algunos cambios por necesidad teatral , debido a que los solo los cuatro protagonistas están en escena. Existe una resolución ágil para mantener la escencia de lo que se ha visto en la película , y poder explorar un poco más a los personajes en cuestión.

Podemos notar que la adaptación teatral se hace mucho más íntima y cercana con el espectador, el proceso en el que dos parejas amigas deciden arreglar dicho intercambio sexual es mucho más lento pero se torna más interesante ya que el público puede empatizar mejor con los personajes, sobre todo con los que se disponen a hacer un cambio bastante brusco en sus vidas. Obviamente no falta el humor , que se olvida de ese tabú y nos pone al sexo como ese elemento de placer que es, quitando el lado sentimental de lado. Así el espectador logra reírse de aquello que quizá pueden llegar a reprimir , más si está en la butaca sentado junto a su pareja. El relato se libera de prejuicios (con ellos incluidos ) y es lo que funciona, volviendo también al replanteo de las relaciones de pareja , los celos y la fidelidad pero desde otro punto de vista.

Los actores en escena cumplen con ese legado que habían dejado los intérpretes del film. Si bien la escencia de los personajes prácticamente están intactos , cada uno de los actores dejan parte de sí mismo para hacer de su trabajo algo peculiar. Fernán Mirás y Eleonora Wexler son los que más empatía con el público provocan , ellos son los que deben cambiar su comportamiento, arriesgar su vida de parejas por intentar algo nuevo. El conservador y ella dispuesta a cambiarlo todo, aunque sigue siendo fiel a su estilo y sentimientos. La pareja compuesta por Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg es la que sirve como pie para animar al trato , a hacer el intercambio sexual . Se trata de una pareja aparentemente abierta en todo sentido , aunque también existe el conflicto entre ellos y cosas que deben aprender de sus amigos.

La puesta en escena es vistosa , con varios cambios de escenografía que nos coloca en ambiente por aquellos sitios que recorre el film. El nivel de producción es alto y acompaña perfectamente al relato, con una notable dirección de los actores por parte de Marcos Carnevale.

Dos más dos es una adaptación necesaria , que logra entretener al mismo nivel que el film , y además profundizar a sus personajes generando mayor empatía con el público. Para aquellos que no vieron la película es una buena opción para acercarse a la historia, que busca reflexionar y acercarse a un tema que siempre fue tabú. Es una propuesta teatral bien actuará , ideal para parejas aunque entretenida para todo el público.

Ficha técnica “DOS MAS DOS”

Autores: Juan Vera / Daniel Cúparo

Elenco: Eleonora Wexler, Fernán Mirás, Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg.

Dirección: Marcos Carnevale

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de Vestuario: Ana Markarián

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Música Original: Nico Posse & Mono Morello

Prensa y Comunicación: Vanesa Bafaro

Producción Ejecutiva: Edgardo Alba / Nicolás Ventura

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

FUNCIONES

MIÉRCOLES 20.00 H.

JUEVES 21.45 H.

VIERNES 20.00 H.

SÁBADOS 21.45 H.

DOMINGO 19.00 H.

Entradas a la venta por

www.plateanet.com

5236-3000

o en boletería de “El Nacional Sancor Seguros”

(Av. Corrientes 960, de 10.00 a 20.00 H.)

Anuncios

Reseña: Nenamala, de Juan Seré

En el Teatro Ladran Sancho en su segundo año se representa NenaMala que entra dentro del teatro no convencional. Se debe tratar de no encasillar a las obras pero es muy difícil no hacerlo, al momento, de escribir la reseña. Para mí cae en “no convencional”, todo aquello a lo que no estamos acostumbrados a ver. NenaMala es una mezcla de teatro de terror con ficción, géneros sobre los cuales no hay muchas puestas en escena en Buenos Aires, en la actualidad.

La obra redobla el desafío porque logra excelentes efectos e imágenes, con recursos simples, pero no por eso le restan verosimilitud, lo cual la hace muy meritoria. Es una obra con un texto profundo, exquisitos dicen quienes ofrecen esta propuesta que aborda la filosofía sobre la vida y la muerte.

El tema fue escrito y dirigido por Juan Sere. La puesta está a cargo del grupo Rojo Accidente. El relato comienza en un faro, donde un viejo, intuye que la muerte se acerca mientras lo cuida su nieto Gordon. Un joven, tímido, quien en un intento por salvar a su abuelo, toma coraje y se lanza a aventuras para intentar salvarlo.

Gordon en busca de medicamentos llegará a una ciudad azotada por la peste. Es una obra con muchas metáforas porque ese encuentro con el mundo representa crecer.

El elenco actoral logra adentrar al público en un clima muy logrado. Hay actuaciones, algunas más destacables que otras, pero en general el nivel es muy bueno de todos. La labor del director Seré se palpa porque no es nada fácil mantener la tensión en este tipo de obras.

NENAMALA, es una alegoría cruel de una noche que vale por muchas, donde la plástica, lo perfomático, invitan a la versatilidad, plasman pensamientos profundos en boca de sus personajes, con puntos de encuentro que permiten una obra singular donde la platea se mantiene expectante a los diálogo y a lo próximo que está por ocurrir porque a lo largo de su desarrollo, la idea de la vida y la muerte penden de un hilo.

Ficha Técnica
Actúan: Pablo Bronstein, Gastón Filgueira Oria, Mariano Sayavedra, Marcos Krivocapich, Nicolás Levin, Andrés Granier, María Belén Ribelli, Carolina Stegmayer, Rosa Ortíz Pereyra, Luis Mancini y María Agustina Trimarco.
Diseño de máscaras: Juan Ignacio Fiori
Escenografía: Juan Fiori
Vestuario: Nicolás Levín y Belén Ribelli
Diseño de luces: Fidel Semería
Música original: Eloy Vicario Malich
Operación de sonido: Ulises D´Atri
Fotografía: Alba Cuenca y Estudio Levín
Ilustrador: Pedro Mancini
Prensa: Boca en Boca Prensa&Difusión
Dramaturgia: Juan Seré
Dirección: Juan Seré

Lunes 21hs / Guardia Vieja 3811

Crítica: Animal, de Armando Bo

El jueves 24 de mayo estrenò Animal, un film bajo la dirección de Armando Bo Jr y el guion de Nicolás Giacobone y Armando Bo Jr, con la actuación principal de Guillermo Francella.

La película tiene muchos aciertos. Uno de ellos es la ambientación de la historia en Mar del Plata. El lugar se ajusta a la historia que hay que contar. Para aquellos que estudian cine, analizar el producto final que hubiese quedado si se hubiese filmado en Buenos Aires, o en Punta del Este o en Río de Janeiro no sería el justo, el apropiado que le ofrece Mar del Plata.

No voy a contar la historia, porque quiero que el público de Butaca se siente despojado de toda idea sobre lo que está yendo a ver. Quiero que experimente, como en mi caso, en el cual solo me impulsaron las ganas de verla, estimulada por la publicidad gráfica de la ciudad; por ser una película interpretada por un actor que se catapultó en el género dramático con El secreto de tus ojos y bajo un director con un destacable árbol genealógico en materia de cine.

Si bien no voy a contar la historia, si quiero desde esta reseña, decirles las aristas más importantes que tiene esta película, que la hacen altamente recomendable. Además de la ambientación, montaje, fotografía, otro hecho destacable es el argumento. Es de mucha actualidad y seguramente algún conocido o familiar o amigo haya sufrido sobre el planteo que hace la película, donde el guion es sólido, consistente, tal vez, le falte algo del dramatismo que representa esa realidad. La dirección es excelente, todos los personajes logran esa idea de estar sumergidos en su propio egoísmo, cada uno en posición de víctima, sin pensar mucho en el dolor del otro.

Si me preguntan que no me gusto de la película, es la actuación de Francella, no me queda claro si ha sido marcado esa actuación, por el director o caemos en lo que muchos dicen que los personajes se van acartonando. Realmente no encontré mucha diferencia entre este personaje de Francella y el que hace en El secreto de tus ojos. Todos los personajes me da la impresión que comienzan a ser todos, muy Francella. Le falta cierta emocionalidad en la actuaciòn y que lo exige el personaje, en las situaciones más extremas, que relata la película.

Los actores que secundan a Francella, en cambio, destacables las actuaciones de Carla Petersen, Federico Salles en el personaje de Elias y Mercedes De Santis como Lucy Villar.

La música hace también el acompañamiento que le da un gusto abocado al film. Es de Pedro Onetto.

Vea esta película, que le permitirá analizar, en las situaciones límites, como aflora lo salvaje, lo animal que llevamos cada uno de nosotros.

Calificacion 09/10



Reseña Diana Decunto

Crítica: Gloria, de Dennis Smith y Constanza Boquet

Reseña de Lara Salinas .

Sin golpes bajos, ni intenciones pedagógicas, ni alecciones de algún tipo, la puesta en escena presenta un tema que se encuentra invisibilizado en la actualidad: la eutanasia, la posibilidad de facilitarle a un familiar la muerte que desea pero que –muchas veces– no está en condiciones de expresar, y las emociones que surgen en torno a la decisión de acceder a ella.

Es de noche. Dos hermanos esperan a un hombre que practicará un servicio en la casa: esta persona fue citada para ponerle fin a la vida de Gloria, que ya no manifiesta deseos por vivir.

Uno de los motivos por los que esta puesta en escena es tan singular tiene que ver con los dilemas éticos que la sustentan. A medida que el espectador escucha las discusiones fraternas, recibe más información sobre el estado en el que se encuentra Gloria, su vida y su vínculo con ambos personajes, y estará en condiciones de reflexionar respecto de las posturas que ambos sostienen, pero no de tomar partido por una decisión particular. En eso está la riqueza de la puesta en escena: a pesar de ahondar en una reflexión ética, impide que el espectador imponga una sentencia moralista. En vez de determinar qué está “bien” o “mal”, las emociones y las diferentes reacciones que atraviesan los hermanos ganan nuestra atención.

La empatía con los personajes es facilitada desde un primer momento por la disposición escénica. Los espectadores rodean a los actores y se encuentran tan cerca que, los de primera fila, prácticamente pueden pisar el escenario. Se trata de una sala nueva del Camarín de las Musas, un galpón alargado y tan cercano a la calle que invita a sacar la obra a la vereda: a volver a conversar sobre la eutanasia y el suicidio asistido, que fueron abandonados hace años por los medios de comunicación masivos, cuando los debates en el Congreso fueron dejados de lado.

Lourdes Invierno y Dennis Smith (en reemplazo de Karina Hernández) dan vida a dos personajes que exponen la fragilidad de la condición humana. Pero a pesar de ser incapaces de juzgar a ciencia cierta si la decisión que tomaron es la forma correcta de enfrentar el problema y de los límites que les impone la soledad en la que cada uno está inmerso, el cariño se manifiesta e ilumina la escena antes del aplauso. El amor se manifiesta, a pesar que durante toda la obra estuvo latente. Contagiados por esa energía, los actores se despiden con un abrazo, una vez que los personajes los abandonan.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Actúan: Lourdes Invierno, Karina Hernández*

*En las funciones de 12, 19 y 26 de mayo, el rol de Karina Hernández fue interpretado por Dennis Smith.

Dramaturgia: Constanza Boquet, Dennis Smith

Diseño Lumínico: Christian Gadea

Fotografía: Gustavo Maggi

Comunicación: BMZ Comunicaciones

Realización de Arte: Lourdes Invierno

Producción Ejecutiva: Carola Parra

Producción General: Lourdes Invierno y Diego de Paula

Dirección: Dennis Smith

Sábados 20 hs en El Camarín de las Musas, 960 (CABA).
Para reservar las entradas ingresar al camarindelasmusas.com o llamar al 4862-0655

Lara Salinas

Teatro, cine y lecturas en el jardín de ZELAYA

El viernes 25 de mayo, como todos los viernes previstos de mayo y junio, a las 20 hs, en el Jardín de Zelaya, en el espacio FILMOTECA en VIVO, con la presentación y proyección en fílmico de Fernando Martín Peña, dentro del ciclo: UN DICCIONARIO de CINEASTAS, tuve la oportunidad de ver EL NIÑO SALVAJE o El Pequeño Salvaje de T. de Truffaut.

Una acogedora sala, con el calor de una estufa y el perfume del celuloide, vimos al mejor estilo de aquella época esta película “El niño salvaje”, film francés estrenado en 1970 bajo la dirección de Francois Truffaut con la actuación de François Truffaut como el Dr Jean Itard, Jean-Pierre Cargol que fue la única película que hizo a la edad de 13 años, Françoise Seigner, Paul Villé, Jean Dasté.

La película basada en un hecho real, a fines del siglo XVIII, un niño de 12 a 13 años, vaga por el bosque en Aveyron, Francia, en estado salvaje: desnudo, no sabe hablar, se esconde de los humanos, hasta que es atrapado. Atiende el caso el doctor Jean Itard , y acá es donde la historia comienza, porque el niño, el Dr Jean y la ama de llaves, viven realidades, que se cruzan. Para el Dr Jean es un descubrimiento científico, anota en un libro personal, los avances. Lo analiza, estudia y somete a pruebas, porque el desafío está en reintegrarlo a la sociedad, como dice en una parte: “avanzó un escalón, pero no por eso dejo de ser salvaje”. Cuando lo adopta y porque es el sonido al que más responde el niño, se lo apoda Victor. Un pequeño que es exigido, en un mundo que no entiende, donde tampoco encuentra el afecto y la comprensión. Un ama de llaves al que le da pena la condición de Victor, tratando de ayudarlo de la mejor manera posible.

Es una película que invita a la reflexión, que tiene muchas aristas para analizar. Los dos protagónicos el de Truffaut como Dr Itard y el de Jean Pierre Cargol como Victor, son excelentes la participación de ambos, pero la del niño, podemos encumbrarla, teniendo en cuenta la edad y que no era del medio.

Les cuento que ZELAYA, es una casa-jardín ubicada en el barrio del Abasto, Zelaya 3134, cuenta con la dirección de Federico León y nació en 2015 cuando las actividades se apropiaron de la vivienda de Federico transformándola en un territorio de exploración e indagación artística. Desde entonces, se presenta una programación ideada como una obra, en continuo movimiento de construcción, proceso y búsqueda. En la programación de mayo / junio hay teatro, cine y literatura.

Daremos a continuación, los próximos films previstos para el mes de junio. Es un hermoso lugar para hacer un paréntesis en una ciudad intensa, lograr disfrutar del silencio, en un jardín frente a un estanque, esperar a que sean las 20 hs para retrotraernos junto a Fernando Martín Peña a un cine donde no prime solo la imagen sino películas cargadas de mensaje, A los que el espectador, cuando se levante de la butaca para irse, ahí comenzarà, seguramente a compartir el debate donde en ese instante, el público, se transforma en el verdadero protagonista.

Viernes 1 de Junio : U. de Ulmer – EL GATO NEGRO (The Black Cat, EUA, 1934) con Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners, Jaqueline Wells (65’)

Viernes 8 de Junio : V.de Vidor – PERFIDIA DE MUJER (Beyond the Forest, EUA, 1949) con Bette Davis, Joshep Cotten, David Brian.

Viernes 15 de Junio : V.de Wajda – LADY MACBETH EN SIBERIA (Sibirnska Ladi Magbet,Yugoslavia 1962) con Olivera Mahovic, Ljuba Tadic, Kaptalina (93’)

Viernes 22 de Junio : Y.de Yukevitch – EL HOMRE DEL FUSIL (Chelovek s ruztyom, 1938) con Boris Tenin, Maksim Strauch

Viernes 29 de Junio : Z.de Zimmermann – A LA HORA SEÑALADA (High Noon, EUA, 1952) con Gary Cooper, Grace Kelly, Thomas Mitchell

Crítica: Un viaje extraordinario

Crítica de Isabel Urrieta

Hay

mucho de clásico y a la vez de extraordinario en las historias que vinculan al hombre del mar. Todos hemos escuchado, leído, o visto relatos de este tipo, y algunos individuos, más curiosos y envalentonados, los han encarnado.

Para esta entrega el director británico, James Marsh, se suma a la lista de autores que se valen del mar como fondo y metáfora, esta vez para narrarnos una historia real, que inicia en 1968 -50 años antes del estreno del filme- y que retrata un fragmento de la vida de Donald Crowhurst, uno de los concursantes de la Golden Globe Race, competencia organizada por el diario Sunday Times, que heredaría para la historia al primer sujeto en circunnavegar por el mundo, en solitario y sin escalas, así como heredaría también alguna que otra anécdota más.

Crowhurst a diferencia de los otros competidores más experimentados, era un velerista aficionado, dueño de una compañía que se dedicaba a la venta de equipos de navegación marina, marido de Clare y padre de cuatro hijos. En esta versión, en apariencia bastante fiel a la real, Colin Firth hace el papel de nuestro protagonista y Rachel Weisz el de su esposa, ambos nos sumergirán en un metraje que nos romperá constantemente la cabeza (aún después de salir de la sala) tratando de dar respuesta a las interrogantes más terrenales que existan ¿qué lleva a un hombre que parece de una naturaleza sencilla a embarcarse en tal empresa? Y ya una vez en el mar ¿qué pasa por la cabeza de un sujeto solo ante tal inmensidad?

Una pista importante y motor de esta historia es el rol que juegan los medios de comunicación, los patrocinadores, el papel de los héroes locales en el imaginario colectivo, y la auto-imagen del ser, todo puesto allí en pantalla y presentado con un ritmo y una lógica que mantiene al espectador enganchado. Otro elemento remarcable de esta cinta son en definitiva los diálogos, las frases extraídas de los cuadernos de viaje de Donald que dan idea de lo profundo y frágil que puede llegar a ser el pensamiento humano. La música es sublime y de la fotografía hay par de imágenes que resuelven un tanto de la historia y que la elevan a poesía.

FICHA TÉCNICA:
Título original: The Mercy
Año: 2018
Duración: 112min.
País: Reino Unido
Dirección: James Marsh
Guión: Scott Z. Burns
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Eric Gautier
Montaje: Jinx Godfrey, Joan Sobel
Reparto: Rachel Weisz, Colin Firth, David Thewlis, Mark Gatiss, Andrew Buchan,
Productoras: Blueprint Pictures, BBC Films

“Lo lindo de Calzarse es pisar en cualquier lado”

   Esta reposición con cambio de elenco para este año 2018, narra la historia de una pareja joven, heterosexual, que están en el Tigre.  Mientras van paseando por la costa, llegan a una casa abandonada, que filosofan si la toman como una casa de fin de semana, para rentar  de lunes a jueves o bien tomar esa casa toda la semana, con lo cual pierden la posibilidad de contar con una casa de fin de semana. Como ocurre en el Delta, el agua sube de repente y quedan atrapados por culpa de la inundación. Aparece el Bocha que les ofrece ayuda para sacarlos de ahí. El Bocha es un hombre grande, jovial capaz de despertar sospechas, acerca de sus intenciones. No  se sabe si trae una segunda intención, y el giro inesperado es que para liberarlos de la inundación los lleva por caminos mucho más peligroso de los que pueden ser los reales, como ser sueños y recuerdos.

lo lindo de calzarse

El director de la obra es Julián Rodríguez Rona quien dice  que  “Uno de los disparadores de la puesta fue jugar con la idea del título de la obra. La sensación de “pisar en cualquier lado”, que el espectador tuviera una percepción distorsionada, -o no habitual- del espacio escénico. Me interesaba trabajar con materiales simples, que tuvieran poca o nula intervención previa, y sabía que los objetos que construyeran el espacio necesariamente iban a ser elementos narrativos.”

Ese sentido lo logro porque la escenografía y diseño espacial realizados por Cecilia Zuvialde ganó el año pasado los Premios Teatro del Mundo (2017) que otorga el C.C.R.Rojas y fue seleccionada para participar de La Fiesta de Teatro CABA.

El Director en entrevistas ha deseado aclarar: “Siento que cuando más genuinamente me puedo expresar en la escritura es cuando me acerco a la manera en la que asociamos en los sueños. En ese juego de asociación libre fue que se cruzó el Delta del Paraná con el Delta del Mississippi y apareció la música de la obra. El Blues del Mississippi se me hace extrañamente familiar en el universo del Tigre. Al igual que los materiales que conforman la escenografía la música también se caracteriza por su simpleza y la utilización profunda de pocos elementos.” Julián Rodríguez Rona.

Existe una escena donde la escenografía es el recurso, para mostrar el efecto dominó, se utilizaron herramientas simples para lograr en imágenes una idea profunda. Es algo digno de destacar. Ha tenido excelente críticas de colegas que han ido a ver la obra como ser Javier Daulte.

Excelentemente ese climax, en el guión, en la puesta escena de Julián Rodríguez Rona, en la piel de los actores, Mauricio Minetti, Eugenia Blanc y Andres Caminos, que logran mostrar que el río sube  inundando todo para luego bajar y desaparecer. En donde no se sabe bien ni el cómo, ni el porqué,  pero como el amor pasa.

FICHA TÉCNICA

Actúan: Andrés Caminos, Eugenia Blanc y Mauricio Minetti Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde, Diseño de iluminación: Matías Sendón, Música: Brian Zditowski y Julián Rodríguez Rona, Realización escenográfica: Nicolás Botte, Asesoramiento coreográfico: Luciano Rosso, Diseño gráfico: Lucia Vanin, Fotografía: Nicolás Levín y Martín Berra Prensa y difusión: Marinha Villalobos, Asistencia de dirección y producción: Julia Sánchez, Dramaturgia y dirección: Julián Rodríguez Rona. Duración: 40 minutos


Teatro. Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034)

Martes 21 hs.

Diana Decunto


 

SYFY PRESENTA SU CONCURSO DE COSPLAY EN LA ARGENTINA COMICCON

Una nueva ComicCon abre sus puertas para los amantes de la cultura pop, cómics, cine y TV. SYFY, el canal líder en ciencia ficción, será parte de esta convención con un concurso que reunirá a los mejores cosplayers del país. El próximo viernes 25 de mayo, la señal inaugurará el escenario central de Argentina ComicCon con el concurso SYFY Cosplay. El mismo pondrá en competencia los mejores disfraces y personajes, cuyos 3 ganadores se alzarán con el máximo galardón y se harán dueños de importantes premios que están en juego. ¿Quién será el próximo gran cosplayer argentino?

SYFYCosplay1BAJA

SYFY Cosplay contará con participaciones individuales y grupales. En cada caso, dispondrán de 1 ó 2 minutos, para llevar a cabo sus presentaciones y convencer al jurado de que son merecedores del premio mayor. Cada intervención será controlada por el staff a cargo y el exceso en el tiempo reglamentario implicará la inmediata descalificación de los concursantes. Estarán habilitados para competir personajes animados, literarios y surgidos de series de TV y cine, que sean de conocimiento y acceso público. Este gran evento y disputa se desarrollará en el escenario principal, donde habrá 3 ganadores y 3 premios para cada uno.

 

Para conocer más detalles sobre cómo participar y las condiciones para ser parte del concurso deberán ingresar a http://www.argentinacomiccon.com.ar/reglamento-concursos-cosplay/ y allí se enterarán de todo lo necesario para no quedarse afuera.

 

A través del hashtag #ESCOSADEFANS, el canal invitará a los espectadores a sumarse a la conversación en vivo del concurso y conocer cuáles son los candidatos preferidos y los que tienen mayores posibilidades de subirse al podio de los triunfadores.  

 

Reseña de “Chicos feos: Vol 2”

Chicos feos: Vol 2 es un espectáculo de Gabriel Gávila que marca el cierre de una trilogía, con un final presentado en dos partes. Cabe destacar de se trata de un show que se caracteriza por ser provocativo , por no tener miedo a hacer algo distinto , rompiendo esquemas tradicionales del teatro, pero sin dejar de serlo. Ahora los chicos son feos , están para mostrar su lado más oscuro , íntimo. Una obra que se desarrolla a partir de la exploración de los actores y su autor , que mantiene su estilo provocador , y de fiesta , esta vez al ritmo del reggaeton.

Espectáculo confesional y honesto, sobre un grupo de chicos que cuentan sus verdades más íntimas. Un espacio sincero donde la sexualidad, las enfermedades, las adicciones y los abusos, imponen su dolor, ante la alegría del primer amor, el despertar a la vida, los triunfos personales y profesionales. En “Chicos feos”, chicos de todas las condiciones estéticas, psíquicas y humanas, confiesan lo que tal vez, nunca le hayan contado a nadie. Con un detalle que no se puede pasar por alto: Todo es real. Los límites entre la ficción y la realidad no existen en esta obra creada, montada y dirigida por Gabriel Gavila.

Para comenzar esta reseña voy a hablar principalmente sobre mi experiencia en la función del viernes 18 de mayo, aclarando que he visto dos de sus obras predecesoras. En la función sucedió algo muy particular y toca decir que fue la primera vez que veo esto en las tantas obras que he asistido: Un espectador interrumpe la función para denotar el desagrado de lo que estaba viendo , haciendo alusión de que la obra era “Pornografía Pura”, si bien no me resultaba extraño que esté hecho fuera parte del show , ya que las obras anteriores de Gabriel solían romper con la cuarta pared , y parecía que este era el caso. La cuestión que al pasar el tiempo se nota de que no era así, y que dicha persona ha tenido la falta de respeto de interrumpir una puesta teatral, que no es justificable bajo ningún termino. El espectador se va , el director pide disculpas y la función sigue como si no hubiera sucedido nada, aplausos para el y los actores que pudieron resolver algo atípico pero posible.

Aclaro esto porque desde ese hecho tengo varias cosas para analizar, el primero es que uno al asistir al teatro , en cierta medida tiene que saber lo que va a ver , a partir de las publicidades, reseñas y demás. Esta obra además es el cierre de una trilogía, que se ha caracterizado por ser provocador , jugar con la sexualidad al punto de ser bastante explícito, pero siendo ese un elemento del show. El público lo ha comprado , por lo menos el que ha disfrutado de ello, así que a saber bien lo que va a ir a ver. El segundo punto va sobre mi experiencia para denotar la capacidad que tiene la obra para brindar algo distinto aunque el espectáculo sea el mismo. Chicos feos es una obra sin historia, sin protagonistas pero que algo cuenta , se lo cuenta al público. Y esto depende mucho de la reacción de la gente , a los chistes , a la provocación y demás, haciendo que cada función sea una experiencia distinta. La que he vivido yo , fue bastante particular, pero aún así fue interesante. Me quedo con las ganas de ver la obra nuevamente sin dicha interrupción.

Este espectáculo sigue la línea de lo que se ha visto en los shows anteriores , hay hombres , hay chistes sobre la cultura popular y actual; también hay provocación, y mucha… Si hay algo que cambia, se nota el aroma a cierre , y a pesar de seguir siendo un show performatico , se nota un aspecto mucho más íntimo , como se vió en el primer volúmen. Los actores esta vez se toman el trabajo como algo más personal, alejándose lo más posible del personaje para mostrarse tal cual es, con sus verdades, siendo eso lo que nos hace similar a todos los demás , al parecer , feos. Su director y autor también se encuentra en escena , una participación ideal para dar el cuerpo y voz a lo que resulta una despedida.

Espero no haberme extendido demasiado en una reseña que la he tomado como personal , pero que sentía necesaria para dar un retrato de lo que fue la experiencia de la obra. En mi caso, disfruté de lo festivo y sensual de Chicos malos , de lo íntimo y personal de Chicos feos: vol 1 , y sobre todo también de Chicos feos : vol 2 que brinda ambas cosas en conjunto. Vuelvo a la aclaración de que uno debe saber lo que va a ver , y si no gusta , al menos tener el respeto de salir silenciosamente. Para aquellos que no vieron ninguna obra de la saga, pueden verla tranquilamente, si son capaces de adentrarse en un show sin tapujos y bastante provocador.

Ficha Técnica:
Autor y director:
Gabriel Gavila.
Elenco: Gabriel Gavila, Victor Wolf, Marcelo Salas, Lior Telezon, Leandro Sturla, Javier Roldán, Gonzalo Cetraro, Gonzalo Bourren, Gerónimo Campese, Federico Sorrentino, Emmanuel Martinez y Adro Verbén.
Fotografía: Ana Rodriguez.
Make up: Melina Acuña.
Vestuario y Escenografía: Ileana Vallejos.
Comunicación audiovisual: Leandro Sturla – Emmanuel Martinez.
Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.
Stage Manager: Joaco Balverde.
Selección Musical: Joaco Balverde y Gabriel Gavila.
Colaborador Artístico: Luciano Crispi.
Diseño de luces: Lucas Ontivero
Supervisión Artística: “Iti El Hermoso”.

CONTACTO:
FB – TW – IA: @chicosfeosarg
Correo: chicosfeosteatro@gmail.com

Viernes a las 23hs., en el Espacio Artístico “La Sodería”, Vidal 2549, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 4543-1728. Costo de entrada: $300. Más info: chicosfeosteatro@gmail.com

Daniel Alvarez

Reseña: Inestable, de Sutottos

Inestable es la suma de constantes acciones de parte de sus personajes protagónicos y de las carcajadas que devuelve el público. El humor de dos personas auténticas y puras es llevado por conversaciones superfluas, pero se centran siempre en el potencial miedo que pueden producir distintas deducciones lógicas.

unnamed (2)

Andrés Caminos y Gadiel Sztryk son los encargados de provocar los sábados en el Teatro Beckett esa sinergia con el público que pocas veces toma un respiro. La semejanza de autenticidad de los personajes es lo que cae bien en un primer momento, y está en su corte carré, en el talle más chico de ropa que usan y en que no hay ningún filtro en su actitud en la obra. Sus paranoias, concepto en que se centra la obra, son tan reales y humanos que cualquiera del público puede verse representado.

El hilo conductor del argumento son temas bien preparados, aunque banales. O por lo menos la manera en la que se realizan los discursos. Como el centro de la obra es el miedo y las fobias, esta cadena de temas superfluos ayudan al espectador a olvidarse de lo principal, para después, cuando menos uno se lo espera, volver a la neurosis con un remate.

Esta paranoia tiene en los personajes una total incidencia. Llevada al extremo, se origina en una lógica que se desarrolla de manera descomunal. ¿Cómo puede uno imaginarse que en el mismo momento en que entra mi compañero a la casa, alguien más pudo haber entrado? ¿En qué momento? ¿Y si está observándonos? Sin embargo, aunque de momento estos temores suenen inverosímiles, al miedo que uno lleva adentro no lo tranquiliza ninguna de las deducciones que llevan a cabo los personajes.

Ficha técnica:Ficha técnica:
Actores: Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Dramaturgia y dirección: Andrés Caminos y Gadiel Sztryk
Asistencia de dirección: Guadalupe Bervih y Manuela Bottale
Colaboración coreográfica: Lali Chidichimo
Escenografía: Fernando Dopazo
Diseño de Luces: Fernando Dopazo
Vestuario: Analía Cristina Morales
Realización de vestuario: Patricio Delgado
PR + Media + CM: Mutuverría PR
Producción: Sutottos
Fotografía: Pablo Linietsky
Actores: Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Dramaturgia y dirección: Andrés Caminos y Gadiel Sztryk
Asistencia de dirección: Guadalupe Bervih y Manuela Bottale
Colaboración coreográfica: Lali Chidichimo
Escenografía: Fernando Dopazo
Diseño de Luces: Fernando Dopazo
Vestuario: Analía Cristina Morales
Realización de vestuario: Patricio Delgado
PR + Media + CM: Mutuverría PR
Producción: Sutottos
Fotografía: Pablo Linietsky
4° TEMPORADA
Desde el 5 de Mayo
Sábados a las 21hs
Teatro Beckett, Guardia vieja 3556.
Entradas: $250.- Descuento para Estudiantes y Jubilados: $230.-
Disponibles en el Teatro Beckett o en Alternativa Teatral