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Daniel Kellner, interpretado por Josh O’Connor, le entrega una mochila con unas misteriosas memorias a un grupo militarizado, pronto descubrimos que ellos tenían secuestrada a su novia Janey y ese era el precio por su liberación. Pero la entrega no está completa, le piden la ubicación de un elemento extraño que Daniel tiene en su mano y los amenaza con usarlo si no los dejan escapar. Lo logran pero no los dejaran escapar tan fácil.
Paralelamente Margaret, Emily Blunt, se prepara para ir a trabajar en el noticiero local cuando un pájaro irrumpe en su cocina. Extrañamente esto hace que ella pueda conocer cosas íntimas de las personas con sólo mirarlas y hablar idiomas que no conocía. ¿Cómo se conectarán estas historias? ¿Estaremos listos para la revelación que tiene para darnos? Habrá que verla para enterarse. Si vale la pena o no lo revelamos debajo.
¿Qué me gustó?
La mano de Spielberg detrás de la cámara es impecable, lo que no es ninguna revelación. Como nos hace vivir esta experiencia a través de sus ojos y de los ojos de los personajes es impresionante. Además, para esta peli juntóa todo el dream team, incluyendo la música inconfundible de John Williams
Todo el elenco está muy bien, pero Emily Blunt en el papel de Margaret merece una mención especial por como maneja y equilibra la emoción y la comedia.
¿Qué no me gustó?
El peor problema de la peli es jugar siempre a lo seguro, o por lo menos no jugarse demasiado en tratar de hacer algo distinto a lo que sabe qué le puede salir bien sin tomar demasiado riesgo.
La mayor parte de la peli es una sucesión de persecuciones con los personajes que van cambiando de destino motivados principalmente por su intuición.
Algunas cuestiones que el argumento da por sentado, no tienen demasiado sentido cuando uno se pone a pensar en ellas fuera de un fin exclusivamente narrativo.
El misterio en si está bien planteado y se va dilucidando de a poco, pero es bastante predecible.
¿A quién recomiendo esta peli?
A los fans de Spielberg por supuesto y del cine bien contado. Y también a los que disfrutan de su mirada amable de los extraterrestres.
La sexta entrega de la saga de parodias llegó a los cines el 5 de junio de 2026, y es la primera vez en 18 años que los creadores originales están de vuelta. Dirige Michael Tiddes y producen Keenen Ivory, Shawn y Marlon Wayans, con Anna Faris y Regina Hall retomando a Cindy y Brenda. No es un reboot desde cero, es una recuperación: la película vuelve a apuntar a todo lo que el terror hizo en la última década.
Resumen
La trama, fiel al ADN de la franquicia, junta a dos amigos que quedan atrapados otra vez entre asesinos, monstruos y criaturas sobrenaturales. Esta vez los blancos son muy actuales: hay spoofs directos de Scream (2022), The Substance, M3GAN, Wednesday y hasta de Sinners, la sorpresa de terror de 369 millones. Pero no se queda solo en cine: el guión también se ríe de las redadas de ICE, el MeToo, los Epstein Files y la pelea Kendrick-Drake, con la idea de burlarse del presente sin sermonear.
Lo que me gustó:
Se nota el regreso de los Wayans en el ritmo. La película recupera ese humor físico, absurdo y muy de los 2000 que se había perdido, y lo mezcla con referencias que sí son de 2026. Anna Faris y Regina Hall entran como si nunca se hubieran ido, y Marlon y Shawn Wayans le dan el timing que la saga necesitaba. Funciona mejor cuando parodia estructuras y no solo escenas sueltas, por eso los chistes sobre Scream y la cultura del reboot se sienten más afilados que en las entregas anteriores.
Lo que no me gustó:
Como toda Scary Movie, es irregular. Cuando intenta abarcar demasiado, desde política hasta memes musicales, algunos gags envejecen antes de terminar la función. La dirección de Tiddes es funcional pero no tiene la inventiva visual de las dos primeras, y se apoya mucho en la nostalgia. Si no creciste con la saga, varios chistes te van a dejar afuera.
A quién se la recomiendo:
Es para vos si extrañabas la parodia sin filtro y querés ver a los Wayans recuperando su juguete. Ideal para maratón con amigos, pochoclos y cero pretensiones. No es para quien busque sátira fina o terror real, es para reírse del género y de nosotros mismos mientras el cine de horror se toma demasiado en serio.
Hace tiempo que se venía barajando la idea de volver a traer a He Man al cine, pero tuvimos que esperar hasta el 2026 para poder ver al príncipe de Eterniaregresando a la gran pantalla, luego de una fallida adaptación en los años 80 ¿El héroe de blondos cabellos habrá tenido mejor suerte esta vez? Veamos.
Para algún despistado, Amos del universo trata sobre Adam, Príncipe de Eternia que tiene que reconquistar su mundo de las garras del malvado Skeletor, quien busca hacerse con el poder de Greyskull, que se encuentra en la espada de poder que pertenece a los legítimos gobernantes de Eternia. Adam debe volverse digno de portar dicho poder para derrotar a su enemigo.
Si, ya se, la trama parece un calco a la de Thor con el tema de la dignidad para poder portar el mjolnir; pero bueno, tampoco podemos pedirle demasiado a una franquicia, que nació de una serie animada pensada como excusa para vender unos juguetes de dudosa calidad. En ese sentido, la trama es lo más genérica y previsible posible, al grado que no entiendo porque se estiraron a las dos horas y veinte de duración.
Pero si empezamos por lo malo, ahora toca hablar de lo bueno, y es lo entretenida que resulta ser Amos del universo. Si, a veces el ritmo pega un bajonazo, pero gracias al carisma de Nicholas Galitzine (debería ser la cara del personaje de acá a mucho tiempo), logran salvar la situación más de una vez. Aparte los aportes de Idris Elba, Alison Brie y la voz de Jared Leto, aportan bastante, porque ninguno de ellos se tomo la película en serio; sabiendo que estaban adaptando algo medio absurdo.
Ayuda bastante la buena banda sonora compuesta por Junkie XL, quien utiliza el tema clásico de He Man pero dándole una revisión con una guitarra eléctrica a cargo de Brian May que no va a aburrir a nadie. Y si a eso le sumamos un tema muy conocido de una banda por todos querida. Mejor pero ahora toca volver a hablar de otra cosa mala.
Y es que el CGI se nota bastante, sabemos que no estamos ante una mega producción, pero sí sabía que no se iba a contar con un presupuesto acorde al ambicioso apartado visual, se hubiera preferido algo de efecto práctico en lugar de tanta computadora (que se nota sobre todo cuando ya Adam está full power y lucha en cámara lenta).
Amos del universo termina siendo una película bastante entretenida, y mejor de lo que, al menos, yo, esperaba. Tiene muchísimas conveniencias de guión y un metraje largo sin necesidad, pero pese a eso, si deciden verla en el cine, no la van a pasar mal.
Las producciones de superhéroes son se detienen ni un poco, y hoy nos llega una bastante particular, en especial por quien la protagoniza. Y es que estamos hablando del mismísimo Nicolas Cage interpretando a una variante de Spider-Man, el Spider-Noir, personaje al que le dio vida en las producciones animadas de Sony.
Cage da vida a Ben Railly, un ex soldado devenido en detective privado, que es contratado por una enigmática mujer llamada Cat Hardy. Su misión es encontrar a una persona, pero de golpe se ve involucrado en un complot que incluye científicos, el capomafia local, políticos corruptos y matones con poderes.
La verdad que creo que ninguno de nosotros esperaba la gran cosa sobre esta Spider-Noir. Primero porque no había demasiado presupuesto para una serie que si o si debía ambientarse en la época de La Gran Depresiónnorteamericana. Aparte que el personaje, fuera del nicho del cómic, no es demasiado conocido; y encima con Cage, que es una moneda al aire en el rol principal…
Y así y toda la serie es bastante entretenida. El acierto fue estrenarla toda junta de un tirón, hace que el interés del espectador no se diluya. Eso, sumado a que no son capítulos excesivamente largos; hacen que Spider-Noirsea bastante llevadera. De hecho, si era de episodios semanales, estoy seguro que muchos la hubieran dejado sin terminar.
Con esto no digo que la historia sea mala, pero no dista mucho de los policiales negros genéricos que la mayoría, ya vimos hasta el hartazgo: un detective privado medio borrachín, la mujer sensual y misteriosa que dará vuelta su mundo, el mafioso, los matones casi invencibles y un final que termina siendo irónico con todos. Quizás el mayor disfrute, es ver quien es el equivalente a que personaje conocido del universo Spider-Man.
En cuanto a la ambientación, que era otro de los medios que se tenían, cumple. A veces el CGI se nota bastante, ya sea en el balanceo del trepamuros, o en los fondos, notándose la pantalla verde casi siempre, y dejando ver que estamos en decorados (no por nada casi todo pasa en habitaciones cerradas). En ese sentido, recomiendo ver la serie en blanco y negro, y desechar la de color.
Eso sí, Nicolas Cage se come la serie. Las dudas que se tenían sobre él son disipadas cuando lo vemos sin la mascara por primera vez, aportándole bastante carisma y cinismo a su personaje. El otro a destacar es Brendan Gleeson (alguien que no tenía ni idea de que iba a aparecer acá). El resto cumple, pero se nota que ellos son actores de cine y el resto no.
En conclusión, Spider-Noir es una serie para ver una vez y ya. No aburre, tampoco revoluciona, pero cumple al menos con la promesa de darnos un Spider-Man de otro universo, con su propia estética y lore. Algo es algo.
Si había una película que por alguna extraña razón, estaba generando un excesivo hype, era la nueva entrega de Scary Movie. Sí, ya se, volvían los Wayans, creadores de la saga; pero tampoco es que estemos hablando de joyas de la comedia. De hecho, a modo personal, la tercera entrega me parece superior a la primera. Pero volviendo a la peli de estaño, veamos con que nos encontramos en el cine.
La trama digamos que se cuelga bastante de lo que fue Scream 5, la primera de la duología protagonizada por Melissa Barrera y Jenna Ortega. Usando eso como base, vamos a ver parodias y referencias no solo a películas de terror, sino a momentos de la cultura popular de los últimos años.
Como dije, creo que el hype por esta película era un poco desmesurado. Porque, al fin y al cabo, tenemos una seguidilla de escenas paródicas, unidas por la trama de una película famosa; que, en este caso, vuelve a ser una Scream, saga que ya de por si parodiaba al género de terror, y que, creo que, por eso, hacía funcionar a la propia Scary Movie, algo que en la segunda de los Wayans no pasaba.
Pero creo que el mayor miedo que teníamos todos, era el del paso del tiempo. Y es que los que vimos la primera película, ya tenemos veinte años más, y nuestro sentido del humor, así como el de la sociedad, fue mutando, y quizás lo que causaba gracia cuando éramos jóvenes, ahora nos da un poco de vergüenza ajena; algo que lamentablemente, si pasa con esta Scary Movie: terroríficamente incorrecta.
Otro problema que creo que tienen entre manos, es que algunos personajes ya no funcionan. En especial, el de Shorty. Y es que ver a Marlon Wayans a sus 53 años, que sigue haciendo chistes sobre ser un fumón y comportándose como un adolescente, da un poco de cringe, hay que ser honestos.
Eso sí, cuando el guion empieza a auto referenciarse, tirándole palos a las otras Scary Movies, e incluso, al elenco que decidió seguir adelante pese a que sus creadores ya no estaban, es cuando más brilla esta película. De hecho, esos fueron los gags que me hicieron reír, junto con una referencia que creo que nadie vio venir.
Y creo que con eso se podría resumir lo que es Scary Movie: terroríficamente incorrecta; porque tampoco queremos sobreanalizar cuando el propio material original no se presta. Eso sí, hay una escena post crédito. No sabemos si es un chiste, o si de verdad tendremos ese proyecto en las salas dentro de poco. Pero ya están avisados.
Los directores de cine son egoístas al escribir, eso es así. Pero piensan cuán generosos pueden ser con sus películas, si es que el privilegio de una vida de cineastas no les nubla la visión y su conexión con el mundo que quieren retratar. Realidad, ficción, metaficción y autoficción dialogan entre sí en la nueva película del gran cineasta español Pedro Almodóvar, quien con este film sigue la temática crepuscular de Dolor y gloria (2019) pero haciendo énfasis en el proceso de la creación y la realización artística personal.
Amarga navidad es un puzzle cinematográfico con la clara firma de su autor que retrata dos historias, o mejor dicho una historia dentro de otra historia (dentro de la propia historia de Almodóvar). La secuencia que abre el film es la de Elsa Rosado (Bárbara Lennie) padeciendo unas terribles migrañas y que debido al insoportable dolor de cabeza decide ir a una guardia médica junto a su pareja Bonifacio (Patrick Criado), bombero y stripper. Luego de una escena de presentación subrayada desde los movimientos de cámara y unos diálogos acartonados, ojo a este detalle, se revela que Elsa es una cineasta ‘de culto’ que lleva tiempo sin rodar una película debido a que, hace años ya, se dedica exclusivamente a la publicidad y curiosamente así fue que conoció a su pareja, contactándolo para un anuncio luego de verlo realizar un espectacular striptease.
La trama nos muestra que la historia de Elsa es parte del guion que está escribiendo Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), un director de cine reconocido que hace años no rueda y cuyas mejores películas ya han pasado, un alter ego del propio Almodóvar. La propia historia de Raúl empieza a tomar peso cuando Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), su asistente personal de toda la vida, le comunica que dejará de trabajar para él porque una amiga muy cercana a ella está pasando un mal momento y quiere dedicarle tiempo para acompañarla. Raúl se lo toma muy bien e incluso humanamente le pide estar al tanto de esa situación para ayudar en lo posible, en su lugar queda su enigmático compañero, Santi (Quim Gutiérrez). Con esto ya planteado inicia el puzzle meta cinematográfico de idas y vueltas entre las historias donde una se alimenta de la otra.
Raúl quiere escribir un buen guion y no sólo vivir del prestigio ganado antaño. El problema aparece cuando, para escribir ese buen guion, exprime las delicadas historias personales de sus cercanos sin consentimiento alguno. Almodóvar vuelve a la trama que escribe Raúl, mostrando que su película no es demasiado buena, al menos de momento, juega con diálogos acartonados y explicativos a modo de chiste metacinematográfico y avanza cuando Elsa se toma un tiempo de descanso para que la crisis nerviosa que atraviesa no le siga dando migrañas. Para eso viaja a Lanzarote, una particular isla canaria de playas negras, que la rodea de algo más cercano a cenizas que a arena en sí, ejerciendo para la ocasión de antítesis frente a la nieve blanca que hace juego con el título del film. En la isla Elsa se reencuentra con el deseo de filmar una película y se dispone a escribir un guion autobiográfico para exorcizar un duelo que no logró cerrar. A Lanzarote la acompaña su amiga Patricia (Victoria Luengo) en plena crisis matrimonial debido a una sospecha de infidelidad en su relación, pero luego es reemplazada por Natalia (Milena Smit) otra amiga en duelo de Elsa. Los cineastas protagonistas, un poco en el mismo punto, toman las mismas decisiones a la hora de reconectar con la escritura cinematográfica.
“Si va a llegar el día en que me abandones / prefiero, corazón, que sea esta noche. / […] Vas a saber que aquello que dejaste / fue lo que más quisiste, pero ya no hay remedio.”
Canta Chavela Vargas en Amarga navidad, canción compuesta por José Alfredo Jiménez que le da título al film. No es la única obra de Chavela que atraviesa la película ya que el director utiliza espléndidamente su figura. En primer lugar, Amaia Romero le canta a Elsa para calmarla, sosteniendo una escena completa solamente con su dulce voz. Una emoción que sólo se logra alcanzar con ternura y talento. El otro tema es La llorona y en este caso la escena es sostenida por la voz de Chavela y la emoción de dos amigas que necesitaban llorar. Acá es cuando Almodóvar muestra su altura y sensibilidad como artista haciendo un paralelismo consigo mismo.En las últimas presentaciones en vivo de Chavela, ya a sus 93 años y luego de una vida entera de cantar y cantar, lógicamente su voz no es lo que era, incluso la estaba perdiendo. Almodóvar toma esto y filma que una gran verdad puede ser representada en el arte también con susurros, incluso en el ocaso de una carrera. Su puesta en escena es acotada pero pulcra, ya no dirige películas visualmente histriónicas ni rimbombantes como sus films de los ‘80 y ‘90 y es consciente de ello.
Raúl está en medio de una crisis creativa y no sabe qué rumbo darle a los personajes de su guion, acá se cuela su realidad en la película. El director parece no saber relacionarse con sus seres cercanos y llena todo vacío personal filmando; el propio personaje de Sbaraglia lo dice: «Hace 5 años que no filmo; si no ruedo, me voy a morir». Eso es todo lo que un cineasta quiere, filmar. Y hará cualquier cosa para lograrlo, en especial para poder hacerlo bien, con una historia que le reviva el fuego que le celebraban en sus buenas épocas. Así que Almodóvar pone a Raúl en incómodas situaciones donde se le reclama ser demasiado complaciente consigo mismo y vivir de su prestigio de director en vez de su oficio como cineasta.
Amarga navidad es el retrato de una contradicción humana y artística, un artista necesita canalizar su realidad para devolverla transformada en belleza, sin importarle que sea a costa de esa misma belleza que lo rodea. Almodóvar filma su propia madurez desnudando las miserias del oficio en este puzzle de guion y pone en valor personas que aparentemente siempre fueron invisibles pero en realidad nunca lo fueron. ¡Al cine!
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Esta vez vamos a hablar de algo diferente, y es que nos vamos casi a la otra punta del mundo, para hablarles de una película que mezcla drama y terror y que nos llega desde Japón. Veamos por qué vale la pena darle una oportunidad a este proyecto llamado Dollhouse.
La trama se centra en la pareja de Yoshie y Tadashiko, quienes, tras perder a su pequeña hija, buscan un poco de paz con una muñeca de cerámica de tamaño real. Pero pronto la muñeca es dejada de lado cuando Yoshie queda embarazada. Los años pasan, y situaciones extrañas se empiezan a dar en torno a Aya, la despechada muñeca, que oculta varios secretos.
A verdad que no esperaba demasiado de esta película, sobre todo, porque no conocía a nadie de los involucrados; y, por ende, no tenía referencia de si eran buenos artistas o no. Y si, al menos en este caso, se nota talento en varios de los apartados. Empezando y destacando por sobre los demás, el del guión.
Si, la historia a priori parece media cliché, con una familia perdiendo a un ser querido, y en su desesperación por llenar ese vacío, termina atrayendo a un ente maligno. El tema es que la parte dramática está tan bien mezclada con la terrorífica, que ni nos damos cuenta cuando pasamos del miedo al nudo en la garganta, y viceversa.
En esto ayuda bastante las actuaciones de la pareja principal, Masami Nagasawa y Koji Seto, pero solo de ellos, porque si bien el estilo de actuación oriental dista bastante del nuestro, el resto de los personajes se sienten muy sobreactuados. En especial, el de la abuela, algo irónico, porque se supone que la actriz es la que más experiencia tiene.
Otro problema que le veo a Dollhouse, es que se alarga demasiado. Creo que la parte dramática del inicio, se extiende sin necesidad, siendo bastante redundante en lo respectivo a la pérdida de la hija. Si, sabemos que es un evento muy dramático, pero como espectadores esta historia la vimos cientos de veces, no hacía falta que nos cuenten lo mismo de siempre, con tanto detalle.
Quitando eso, Dollhouse es una película se sostiene bastante bien. Aunque se estira en su presentación, y algunas actuaciones sacan de clima, en general si es un proyecto que merece no solo ser aprobado, sino también recomendado. Para ver, pasarla bien y no mucho más.
El Mandaloriano ahora trabaja como cazarecompensaspara la nueva república buscando a antiguos generales del imperio junto a su joven aprendiz Grogu. Pero para cumplir con su nueva misión debe hacer un trato con los Hutts por información, cosa que no le gusta nada.
Los Hutts le piden a cambio que rescaten a su primo en un planeta ciudad donde no todo es lo que parece. ¿Podrá el querido Mando cumplir con su misión o algo más se atravesará en su camino? Habrá que verla para enterarse, debajo analizamos el resto.
¿Qué me gustó?
El título está bien puesto, realmente es la película de los dos. Incluso se le da al personaje de Grogu su espacio de desarrollo que no había tenido a lo largo de la serie.
La acción es constante y van saltando de aventura sin tanta política, aunque esta, como una peli de este universo debe ser.
¿Qué no me gustó?
La evolución del personaje principal ya se contó en la serie, por lo que esta entrega no funciona ni como principio, ni como final de esa historia, queda más como una nueva temporada llevada al cine con nuevas misiones que cumplir.
La música icónica de la serie está presente, pero también hay una reversión tecno que no encajan para nada con este universo.
Los cameos (tanto de actores como personajes) están muy bien en algunos casos, pero en otros son completamente innecesarios y nos terminan sacando un poco de la historia.
¿A quién recomiendo esta peli?
Por supuesto a todos los fans de la serie y el universo StarWars que la estaban esperando. Si no viste la serie podes verla pero no van a hacer nada para explicarte el origen de los personajes, te recomiendo en este caso ver la primera temporada de The Mandalorian que vale la pena.
Que íbamos a tener una secuela, era mega sabido. Y es que al final de la entrega del 2021, se vaticinaba la llegada de Johnny Cage como uno de los personajes estrellas para Mortal Kombat ll. y ahora, casi a mediados del 2026, nos llega esta ¿esperada? segunda parte. Veamos si es mejor, o si al menos, alguien se digno a ver un gameplay de la franquicia del fatality.
Ahora empezaremos conociendo la historia de Kitana, quien, siendo niña, vio como el invasor Shao Khanmató a su padre, el Emperador Jarrod, para conquistar el reino de Edenia. Es así que conoceremos, por fin, como funcionan las reglas del Mortal Kombat. Y en el medio, como campeón de la Tierra, tendremos a un actor de artes marciales en sus horas más bajas.
Si, leyeron bien la sinopsis, y no van ni dos minutos de película y vemos que siguen sin respetar el canon de los videojuegos (algo que no es muy difícil), pero bueno, también sirve como advertencia para que no busquen algo totalmente fiel si es que son fans, y se dejen llevar por una cinta en la que su mayor fuerte, radica en las escenas de combate.
Pero centrándonos en la película, hay que decir que es mejor que la primera (algo fácil de conseguir). Y no solo por el hecho de que ahora por fin tengamos un torneo mortal, sino que no van ni cinco minutos y ya tenemos el primer combate; ahorrándose tiempo en explicación y justificaciones de porque algunos tienen poderes. Palo y a la bolsa.
A eso hay que sumar las actuaciones de Karl Urban y Adeline Rudolph. No digo que sean merecedores de Oscar, o que sean los mejores del elenco, pero si los que parecen haber aprovechando al máximo lo que se les dio para trabajar, y el tiempo que tuvieron en pantalla. No por nada ellos son los protagonistas de esta segunda parte.
Pero obviamente, esta película iba a tener cosas malas, y hay que hablar de lo obvio, que es el cgi bastante chafa que tiene. Los poderes se ven okey, pero esos fondos, recuerdan a las nubes de Windows 98 de Black Widow. Solo basta ver todo lo que no es set en El Templo de Raiden para darse cuenta que los personajes están pegados sobre una pantalla verde. Y mejor no hablemos de las licencias creativas con respecto al videojuego, que, al fin y al cabo, la historia no es tan compleja como para que deba ser simplificada.
Mortal Kombat ll es superior a su predecesora, eso no se duda, aunque la tenía fácil. Solo queda ver como le va en taquilla para saber si tendremos una tercera entrega, que no es sugerida en esta secuela, pese a que cierto villano icónico de la franquicia, es nombrado varias veces…
Volvemos a hablar de producciones de Netflix, y esta vez con una película que a priori, podríamos decir que ya la vimos mil veces. Pero bueno, la voy a comentar, porque los involucrados son intérpretes que en lo personal no solo me parecen buenos, sino que aparte, me caen muy bien. Así que cortemos la cháchara, y veamos de qué trata Apex.
La trama sigue a Ashley, una fan de la adrenalina, que sufre un accidente haciendo alpinismo, en el cual, muere su instructor y amigo. Tiempo después, decide cerrar el círculo yendo a Australia. Lo que parecía ser una reconexión con su pasión, termina en pesadilla cuando conoce a Ben, un hombre local bastante turbio.
Si, ya se, la trama de persona en peligro que es acechada en un ambiente natural y exótico, ya la vimos hasta el hartazgo, y les diría que incluso, mucho mejor resueltas que en Apex (a todos seguro se nos vino esa donde Anthony Hopkins lucha con un oso en el bosque) ¿Entonces por que me molesto en hablar de Apex? Porque como dije, tanto Charlize Theron como Taron Egerton me caen muy bien.
Y es que esta película son ellos dos, y ya. Si, hay un grupito de hombres ahí merodeando, pero son utilizados más como una falsa amenaza que como antagonistas reales. Cosa que no tiene nada de malo, contrario a lo que pasa con el no uso del escenario. Y es que veremos cascadas, ríos, bosques y montañas; pero shet, la película pasa en Australia, uno de los países con la fauna más peligrosa del mundo. olvídense de ver arañas del tamaño de un gato o serpientes venenosas (bueno sí, sale UNA). En fin, un desperdicio.
Pero, así como se desperdicio el escenario de Apex, sí se aprovechó el tiempo que se tuvo. Durando apenas unos noventa y seis, y con Theron y Egerton (sigo diciendo que estos personajes son los que mejor le calzan al ex Kingsman) dando lo mejor de sí, pese a no tener demasiado con lo que trabajar, hacen que la peli dirigida por Baltasar Kormákur no aburra.
Y queda muy poco para agregar sobre Apex, porque la película no busca ser mucho más. Bien por el dúo protagonista, pero mal por el director al no aprovechar el entorno donde sucede todo. Ahora toca esperar que Theron y Egerton elijan proyectos más desafiantes.
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