Crítica: El tío, de Eugenia Sueiro

Con dirección y guionado de Eugenia Sueiro, se estrenó el jueves 7 de febrero, esta película nacional, El tío.

Una trama basada en la ternura, en sensibilizar las fibras del corazón, es la historia de un hombre, de alma noble, el cual toma la responsabilidad de sus sobrinos y su cuñada, porque su hermano ha muerto.
Un hombre retraído, tímido, ese tío solterón, donde la sobrina, una niña de aproximadamente 7 u 8 años, ha logrado conmoverlo. Un tío que adopta a la familia, como propia, en sus alegrías, en sus problemas, con la consigna que la vida sigue y donde la familia de su hermano, termina encontrando como natural, el compartir la vida con él. Se juega en la película con la promesa de un viaje a Disney, que se había truncado, por hechos de la vida y que se reflota porque ese viaje es algo más fuerte que el capricho de una mera vacación.
Todos los miembros del elenco, se lucen a lo largo del film. Contamos con el actor César Bordón, de mucha experiencia en el medio ha abordado tanto cine, como teatro y televisión. lo mejor logrado de su papel , es la capacidad de darle al personaje la fuerza para que gire, lentamente se vaya involucrando un poco más, con el entorno afectivo.
Su co-equiper, en la historia, viene traído de la mano de la actriz Vanesa Maja, una mujer, que tiene una excelente formación actoral junto a Juan Carlos Gene, Cora Rocca, Beatriz Mattar. Me arriesgaría a decir que es su primer papel en cine, con una excelente selección de la directora, porque esta actriz logra ponerle al papel el coraje que toda mujer adopta en pro de proteger a sus hijos, pero sufriendo por dentro esa pérdida.
Dulce Wagner, una niña, con un excelente debut, es muy natural para la actuación, muy fotogénica, simpática. Seguramente esta película será el hermoso inicio de la biografía de una futura actriz que tiene un camino largo y promisorio por andar. La simbiosis, entre el personaje de Dulce y el de Cesar Bordon, se da pocas veces, como fue en Luna de Papel. La lente de Eugenia Sueiro lo busco, lo encontró y ha sabido explotarlo muy bien en la pantalla.
Valentino Barone, con una carrera incipiente, este joven actor, también logra con su personaje dar con el circulo que conforma esta familia También con un debut cinematográfico excelente. Un joven actor,que está transitando las pasarelas del arte y que dió los primeros pasos con anuncios publicitarios.
La recomendamos, es una película donde Eugenia le ha dado un toque femenino, a una película donde los sentimientos de los personajes afloran sin grandes conflictos, van brotando, se encuentran.

Calificación 8/10


Diana Decuto

consignas.de.radio@gmail.com

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Crítica: Hora-Día-Mes

Por Nicolás Katopodis

Bajo la dirección de Diego Bliffeld, esta película argentina no cuenta ni con nudo ni desenlace. Pero sí con una gran trama filosófica, gracias a la vida que tiene Nardo (Manuel Vicente) y los textos escritos de Marcelo Cohen, relatados también por él.

La película tiene dos particularidades que no suelen suceder en otras obras: que no tenga un conflicto, nudo ni desenlace, y que sea el propio relator que lo aclare al principio. Esto comenta el escritor Marcelo Cohen con una voz en off, de quien se ha usado algunos textos en el guión. Esta aclaración podría ser una gran ayuda para poder interpretar el arte de una manera que no solemos hacerlo. ¿Qué sucede si no hay nudo ni desenlace?

El relato se centra en la vida monótona que tiene Nardo, pero no por eso infeliz. Siempre le gustaron los autos, por eso, cuando ya no hay nadie que entre y salga por las puertas del garaje donde trabaja, él maneja los autos y acomoda su interior a su gusto. Manuel Vicente, en su caracterización, reflexiona junto al paso de las horas sobre muchas ideas, entre ellas el tiempo.

La inexistencia de un nudo y un desenlace obliga al espectador a entender la producción por otro lado, y qué mejor que el lado filosófico. Cohen habla de los motores, de las formas de las nubes, pero un punto interesante es la del arte. Nardo prepara para una clienta una escenografía en su garaje, y también una coreografía audiovisual con los autos. La muchacha se sorprende, quedando maravillada por lo que el protagonista hizo, durante toda la noche, con su uniforme de todos los días puesto.

Calificación 4/10

Crítica: Un asunto de familia

SHOPLIFTERS (aká Un asunto de familia / Manbiki Kazoku) Japón –  dirigida, escrita y editada por Hirokazu Kore-eda. / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Posiblemente esta sea la ganadora del Oscar el próximo 24 de febrero de 2019.  Los elementos que la podría hacer acreedora son muchos, en específico porque se las ingenia para hablar de temas que en otro país se desarrollarían con golpes bajos y aquí, la lección de cine es una reflexión acabada sobre la ignorancia y los problemas morales que padecemos en el mundo que vivimos.

La historia se centra en una familia conformada por dos hermanas, una abuela, un padre y un hijo, que para llegar a fin de mes comenten pequeños robos ejecutados por quien tiene este rol de padre, puesto que su hijo –quien ha sido entrenado por él para los robos- no lo llama “papá”.  Un día de invierno, éstos dos, se encuentran con una niña a quien recogen de su casa y deciden quedársela porque comprueban que sus padres podrían estar maltratándola físicamente.

La rebelión aquí es contra la sociedad, ésta que prioriza el dinero y la consanguinidad, por sobre el amor y los vínculos que nos unen más allá de los lazos de sangre; y a partir de ahí, el director, escritor y acá también editor japonés Hirokazu  Kore-eda construye un relato con excelentes actuaciones donde vuelve a reivindicar su oposición frente a la injusticia social y con la que obtuvo el mayor galardón en el pasado Festival de Cannes.

(Calificación: 10/10).

El tiempo y el lugar de las Cosas (Rob Martinez)

El libro comienza con una portada que dice “un libro que comenzó en 1977 y terminó hoy”.  Es muy interesante esta obra dividida en cuatro capítulos que hablan sobre lugares y el paso del tiempo, este pasaje literario y de ida, comprado a los fines de los 90, hasta llegar a la actualidad, donde abarca muchas temáticas:  las relaciones interpersonales, laborales, los cambios en sí mismos.  El último capítulo analiza sobre como apreciamos la vida, en que podemos mejorar, sin ser peyorativo, son cuantas hojas bordean el estilo de los textos de auto-ayuda. Los contenidos incluidos bajo  el segmento   “¿Que estoy haciendo aquí?” son un asertiva exposición sobre como estamos  plantados en la vida y cómo y en que deberíamos revisar para estar mejor posicionados.

Rob Martinez es el autor de El tiempo y el lugar de las cosas, es un libro de fácil lectura, donde hace un pantallazo de como fuimos creciendo, hay información periodística para abrirse en el género de ensayo, donde  literariamente sus observaciones como viajero, nos permiten disfrutar maleta en mano, en comprender y estudiar a la globalización, con sus idas y vueltas.

Comenta anécdotas, sobre diferentes escenarios de la realidad,  exponiendo sus juicios de valor, los cuales en muchos casos comparto, donde advierte que no perdamos los rasgos de humanidad.

Es un libro que invita a la reflexión, al debate. Es una obra que despierta el  interés del lector porque al ser escrita en diferentes etapas de la vida del autor, se va observando la evolución en sus ideas, en los polos de interés y hace que el lector habrá sus propias líneas de pensamiento.

Narra como de joven se incorporó al medio de las comunicaciones, comenzando por la radio cuando tenía 16 años de edad. Y también sus logros, a nivel laboral, habla sobre el orgullo que fue crear Ridyn, una revista digital de carácter quincenal que abarca temas de varias disciplinas (información  + ocio + cooltura) Enlace a la revista

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Rob le da mucha importancia a la motivación como la dinamo que nos mueve, siendo un entusiasta del trabajo freelancer, como un estilo de vida, que estimula la creatividad y evita el síndrome de burnout.

Para quienes no conocen al autor de este libro: Rob Martinez,  cuenta con una licenciatura en Ciencias de la Comunicación, una especialización en Marketing y Negocios, y un amplio historial profesional en medios digitales. Actualmente es editor en jefe de Ridyn.com y CEO de su propia agencia de Marketing & Comunicación: Ridyn Digital. Desde hace años, sus cursos, conferencias y artículos inspiran a emprendedores de toda América Latina. El tiempo y el lugar de las cosas es su primer libro publicado.

Un libro para leer, masticar, donde nos posiciona en este mundo digital, sin perder la visión sobre el hombre.

Este libro puedes conseguirlo en Amazon, Link a la tapa del libro

 

Crítica: La imagen perdida

Por Daniel Alvarez

La imagen perdida es un film que retrata una historia personal, casi en formato de documental, pero que tiene la peculiaridad de estar contada a través de unos muñecos de arcilla que acompañan a la catarsis de su relator. Se trata de una historia compleja, de la visión de un sobreviviente que se destaca por la técnica visual utilizada para enseñarnos un relato íntimo y duro.

El realizador camboyano Rithy Panh, quien fue premiado en el festival de Cannes por esta película, nos muestra una historia capaz que retratar la imagen de una herida que nunca pudo sanar, pero que logra realizar una catarsis a través de este documento audiovisual. Los muñecos de arcilla utilizados en este film, recrean todos los personajes implicados en la historia , así como la ambientación de una sociedad oprimida que tuvo que pasar por la represión y el hambre, por culpa de decisiones e ideologías políticas. Está historia no está centrada en criticar esa ideología sino en la corrupción de la misma, y las consecuencias de un gobierno autoritario. Si bien existe una historia que refleja perfectamente ese dolor que nos muestra a través de sus imágenes, el relato tiende a volverse repetitivo y le cuesta encontrar un cierre, o más bien, una síntesis de todo lo que vivió el personaje. Es un retrato documental muy interesante pero que en momentos es muy lento , y el espectador nota que te está contando la misma historia en repetidas ocasiones.

El apartado técnico es lo que más se destaca en el film, porque además de utilizar una técnica poco convencional para contar este relato, el método utilizado retrata perfectamente la imagen de dolor dentro de un contexto documentalista. La imagen perdida es la búsqueda que el director hizo para encontrar la imagen adecuada a los hechos que el protagonista vive, visto a del genocidio cometido por el ejército autoritario que ha tomado Camboya luego de la guerra de Vietnam.

La imagen perdida es un retrato muy personal, que logra mostrar la imagen de dolor de un sobreviviente, con un apartado visual que logra transmitir la emoción de un sufrido protagonista. Lamentablemente el relato termina siendo repetitivo, cuando algunos aspectos podrían haber sido más sintéticos, pero no quita que se trate de un film que merece ser visto.

Calificación 7/10

Reseña: Lo que no querés ver (las princesas no cagan)

Con idea y dirección general de Victoria Mazari, en el teatro La Fábrica, nueve mujeres en movimiento, cruzando el escenario de la mejor manera que saben hacerlo que es bailando.

Obra abierta a la polémica, sobre si es Danza interpretada en el teatro o al teatro se le aplican las técnicas de danzas. Esta pieza única por el formato original que muestra, se llama “Lo que no querés ver (las princesas no cagan)”. Con música de Radiohead, Balanescu Quartet, Olafur Arnalds, Jean Jacques Lemetre, Fläskkvartetten, el escenario presenta a una bailarina famosa, la cual es entrevistada porque anuncia su retiro para empezar a dar clases.

Sus alumnas demuestran cómo viven, piensan y se expresan a través de la danza. Pero lo teatral de la propuesta es mostrar a estas mujeres, en sus dudas existenciales, donde se plantea, sobre todo en la danza clásica, el vestuario lujoso, donde las zapatillas de punta metafóricamente hablando es para el bailarín/a subirse a un mundo de fantasía, del cual el bailarín queda atrapado y no pueda salir, desde esa mirada esa explica el porque de princesas. Son esas mismas princesas, habitando castillos, las que se angustian por el duro camino que les toca transitar en la búsqueda de la perfección, como la suma de un todo, que tal vez, el ser humano siempre se afane y nunca pueda llegar, en un duro camino a transitar hasta darse cuenta que la perfección no existe.

La coreografía es impecable, las bailarinas, son un lujo en escena, logran belleza en la estética y también cumplen con las exigencias del marco teatral.

Una obra para recomendar, 50’ de la mejor danza con la mejor música, de algo que les aseguro que si queremos ver.

Sobre si hay próximas funciones, les recomiendo busquen en Facebook /danseurdanza, en Instagram @ciadanseur


Reseña Diana Decunto

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Crítica” “El affaire de Sarah y Saleem”

Estrena este jueves 22 de noviembre, el film de Muayad Alayan, “El affaire de Sarah y Saleem”. La película comienza con “un affaire”, una relación sentimental clandestina, de una pareja, en la que ambos están casados.

Contada hasta ahí, la historia de Sarah y Saleem, sería una historia más de las sacadas del montón cuando hablamos de amantes, pero cuando hablamos de una historia que transcurre en Jerusalem, y como bien lo dice en la película, el personaje de la amiga, cuando Sarah entre sollozos, le confiesa que se siente arrepentida de su infidelidad. La amiga la consuela diciendo que es algo que puede suceder. Pero lo peculiar en esta historia es que Sarah es judía y Saleem palestino. Cuando Sarah, en tren de sinceramiento, le cuenta toda la verdad, ahí sí, su amiga se exalta, le dice que habiendo tantos hombres en el mundo, cómo se le ocurre fijarse en un hombre de origen árabe. La tilda de loca.

La infidelidad de Sarah es descubierta porque el marido de Sarah pertenece a las fuerzas militares de Israel. Los servicios de inteligencia creen que Saleem, pretende algo más, al estar conviviendo con una mujer israelí. A medida que avanza el film, la verdad se va alejando, siendo imposible que salga a la luz y va en su lugar ocupándolo el odio, en una atmosfera enrarecida, donde cada una de las parejas, la esposa de Saleem y el marido de Sarah intentan salvar sus hogares.

Una película, donde la tensión se mantiene, nos permite conocer, “experimentar” es la palabra usada por su director Muayad Alaya, de una situación de corrupción, espionaje, de la cual no tenemos la dimensión sobre cómo es vivir en permanente tensión en esas zonas fronterizas con conflictos árabe /israelistas, donde la guerra, es una amenaza latente.

Es una película que ha recibido numerosos premios:

  • Festival Internacional de Cine de Rotterdam(Estreno mundial Special Jury Prize for Best Screenplay HBF Audience Award
  • Titanic Budapest Film Festival Special Mention

En declaraciones el director ha dicho: “Mi hermano y escritor, Rami Alayan, y yo queríamos contar una historia más allá de las historias cubiertas por el medio reportando las consecuencias del curso de la ocupación Israelí. Queríamos alejarnos de la obra romántica del cine u otras formas de arte que utilizan narraciones idealizadas sobre palestinos y israelís uniéndose que con demasiada frecuencia ignoran la realidad que separan a las personas en el primer lugar, y los sistemas de trituración que son creados para mantener la división, el poder y la segregación entre ellos”

“La dirección en la película tuvo la intención de dejar a la audiencia experimentar la ciudad con los personajes mientras ellos navegaban sus miedos, pasiones, sueños, desilusiones, dilemas y esperanzas, y mientras ellos confrontaban las sorpresas de suerte y la vida en el sistema de ocupación, políticos corruptos y presiones sociales que colectivamente forman el antagonista en contra de ellos como individuales.”

Recomendamos ver este film, porque este director logra su cometido. El público será quien a partir de film, saque sus propias conclusiones.


Calificacion 8/10


  • Reseña Diana Decunto
  • consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: Camino sinuoso

Por Daniel Alvarez

Camino sinuoso es una película que tiene como protagonista a Juana Viale, y que su premisa nos adentra en aquel dicho de “Pueblo chico, infierno grande”. Se trata de un film que comienza con potencial para contar algo interesante desde el lado dramático, pero todo de diluye a través de diálogos absurdos y actuaciones poco imaginativas.

Mía es una atleta que tuvo que retirarse de una competición internacional por haber sido acusada del uso de drogas para mejorar su rendimiento, hecho que también actualmente le está impidiendo gestar un embarazo. Viviendo en la ciudad, y con un esposo que la somete, recibe una llamada con la noticia de que su padre se encuentra gravemente enfermo y a punto de morir. Resulta que la relación con su padre ha sido áspera, ya que él fue motivo de mucha de sus desgracias, pero aún así decide viajar para poder despedirse de el. Allí se encuentran con su hermano, con el dilema que su padre se puede salvar si le donan un riñón, pero su hijo no tiene planes de ayudarlo. Luego de eso se abren subtramas , sobre los negocios del hermano de mía, la relación de ella con un lugareño, y cosas que sirven para desviar la historia del conflicto principal. Suceden muchas cosas sin un hilo conductor, y eso hace que el relato se vea muy desordenado y que ante sus giros en la trama , termine rozando lo absurdo.

En cuanto al elenco, la única interpretación destacable es la de la misma Juana Viale, ya que su personaje se encuentra bien construido a raíz de la relación con su padre , y es ahí donde se concentra su conflicto. El problema es que por momentos parece que terminan olvidándose de que ella existe y de su conflicto, para presentarnos dilemas que muy poco aporta a la trama. Las participantes de Gustavo Pardi y Arturo Puig no acompañan debido a lo inverosímil de su guión, y el pobre trabajo de dirección de actores. Los giros en la trama resultaban muy rebuscados , haciendo que los actores caigan en el patetismo a pesar de sus facultades interpretativas.

Algo que el film sabe aprovechar bien es su fotografía, marcado por los bellos paisajes de Villa La Angostura , y donde sus mejores registros pueden verse en las tomas de exteriores.

Camino sinuoso es un film que parte de una idea interesante pero que ha sido muy desaprovecha debido a lo absurdo e inverosímil de su guión. Lamentablemente las actuaciones no acompañan al flojo trabajo de Juan Pablo Kolodziej, que tenía las de ganar con una premisa potente. Se trata de una película desaprovechada y poco atrapante de la que nos olvidaremos pronto.

Calificación 4/10

Festival Internacional de Cine en la Argentina a través de internet

El lunes 05 de noviembre a las 19hs, participé de la entrega de premios y menciones en el primer Festival Internacional de Cine en la Argentina a través de internet (FIC SUR Online). Este festival no tiene sólo repercusión en Argentina, sino en otros países como Bolivia, Costa Rica, Brasil, Chile. Al recibir los premios los representantes de Bolivia y Costa Rica, destacaron la gran influencia que tiene este tipo de iniciativas para promover en sus respectivos países el cine sobre todo documental.

El concurso se llevó a cabo desde el 25 al 28 de octubre y fueron siete los films que resultaron ganadores. Entre las ganadoras se encuentra MEDEA de Alexandra Latishev (Costa Rica, Argentina, Chile) como Mejor Película de Ficción, ALGO QUEMA de Mauricio Ovando (Bolivia) en la sección Mejor Documental y LAS FUERZAS de Paola Buontempo (Argentina) como Mejor Cortometraje. El premio del público fue para VIEJO CALAVERA de Kiro Russo.

Las menciones especiales del jurado fueron : VERGEL de Kris Niklison (ARGENTINA / BRASIL) y LA EDUCACIÓN DEL REY de Santiago Esteves (ARGENTINA) perteneciente al género de ficción.

En materia de cortometrajes fueron mencionadas SELVA de Sofia Quirós (COSTA RICA). .

Se recordó a Leonardo Favio que un 5 de noviembre del 2012 nos dejó. Los premios fueron entregados por el actor y director Pepe Soriano con sus jóvenes noventa añitos y conducida la presentación por Alicia Beltrami.

Este ágape movilizó a muchas figuras del quehacer artístico: productores, cineastas, actores, actrices, directores. Se vivió como una verdadera fiesta.

Las películas se podrán ver en la plataforma de https://octubretv.com/

En estos momentos algo deprimidos para la industria, estos eventos y actividades traen brisas frescas dando esperanzas para continuar porque tenemos muchos peldaños para subir y con el mejor de los resultados.

Se podrán ver fotos y videos del evento en la página web de You Tube de Butaca Web. (https://youtu.be/FIFAYGkO6xw.)


Reseña Diana Decunto –

consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: Halloween (2018)

Está nueva versión de Halloween supone el regreso del icónico personaje Michael Myers , creado en 1978 por el director John Carpenter. Cómo dato adicional, esta película supone una secuela directa del primer film , olvidándose de todo lo que se estrenó en el medio. También es el regreso de Jamie Lee Curtis en el papel de Laurie Stroode , que regresa para enfrentarse a este villano en una noche de Halloween, 40 años después.

La cinta inicia con un dúo de periodistas que quieren realizar un trabajo de investigación para entender la mente de Michael Myers, aquel despiadado asesino que ahora se encuentra recluido en una institución psiquiátrica de máxima seguridad. A su vez , la noche de Halloween se acera y Laurie Strode se prepara como en todos los años para un posible enfrentamiento. Ella , luego de los sucesos que hace cuarenta años, se ha entrenado y equipado con un gran números de armas para asesinar a Myers si un día se lo encuentra. El problema es que este trauma también ha repercutido en la relación con su familia , con una hija traumada por la crianza dura de su madre y una nieta que poco entiende a su abuela. Justamente el 31 de octubre Michael Mayers escapa , empieza a hacer de las suyas , atrayendo el inminente enfrentamiento con Laurie, ya preparada para lo peor.

Toca destacar que ha sido una buena decisión olvidarse de las secuelas y todo lo que sucedió posterior al primer film para contar esta historia. Si bien han pasado muchísimos años, la película se siente muy cercana a la de Carpenter, mantenimiento la escencia del clásico y añadiendo varios guiños de este.

Lo más novedoso y destacado de esta versión es lo que se ha hecho con el personaje de Jamie Lee Curtis, ya devenida en anciana , se trata de una mujer que se ha hecho fuerte a raíz de aquel suceso traumático que vivió. Mantiene una personalidad agradable pero que a su vez no le tiembla el pulso a la hora de tomar armas, con ciertas reminiscencias a Sarah Connor pero del cine de terror. El enfrentamiento entre estos dos personajes es lo más atractivo del film, aunque en el camino hayan baches en cuanto a las historias secundarias.

En cuanto a los aspectos técnicos y la fotografía se ha tratado de mantener la escencia del primer film , obviamente adaptándose a la época actual . También es para destacar la crudeza de los asesinatos, ya que el director David Gordon Green, ha optado por no alivianar estos aspectos , cosa que en muchos casos sucede con el fin de llegar a un público más amplio.

Halloween es el gran regreso de Michael Myers a la pantalla grande con una adaptación que fiel al film de John Carpenter. Si bien su guión es sencillo y sin grandes sorpresas, vale la pena el enfrentamiento entre la abuelita bad de Jamie Lee Curtis y uno de nuestros asesinos favoritos.

Calificación 8.5/10