Reseña: Tu amor será refugio

Por Sebastián Sabio

Una forma de encontrarnos a nosotros mismos.

Un pueblo, una familia separada, un asunto sin resolver, un momento de reflexión y búsqueda. Todo eso se puede ver en el transcurso de “Tu amor será refugio”, una obra que cuenta la historia de dos hermanos que deciden visitar a su madre en el pueblo donde vivieron durante su infancia y adolescencia. Diferentes motivos llevan a estos hermanos a reencontrarse con el lugar que los vio nacer y crecer. En esa casa se encuentran con su mamá, a quien visitan poco seguido. Ella se siente sola y a la vez encerrada en esa casa familiar, la cual nunca pudo dejar, pero simula todas sus emociones y necesidades para no preocupar a sus hijos.

Este mundo de pueblo es muy diferente al de la ciudad. La gente se está más con el otro, se acompañan. En ningún momento la obra pierde ese foco, el estar con el otro.

Con una puesta muy liberada de escenografía y actores que nunca abandonan la escena, el director Cristian Drut nos trae esta obra llena de esperanza y nos da la sensación de que todos tenemos un lugar a donde ir, un lugar donde siempre somos bienvenidos y amados, un refugio.

ELENCO
Luciano Ricio, Yanina Gruden, Matilde Campilongo, Aldana Illán, Ignacio Henríquez, Alejo Sulleiro.

FICHA TÉCNICA
Diseño de Vestuario y Escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de Iluminación: Facundo Estol
Diseño de sonido y música original: Rodrigo Gómez
Coreografía: Matilde Campilongo y Aldana Illán
Diseño gráfico: Denisse Van der Ploeg
Asistencia de dirección: Tomas Corradi Bracco
Prensa: 0KM Prensa
Redes Sociales: Aylém González
Autor: Juan Ignacio Fernández
Dirección: Cristian Drut

Teatro el Cultural Morán (Pedro Morán 2147, CABA) viernes a las 21 horas.

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Reseña: Turba

Los lunes a las 21:30, con idea original de Laura Sbdar, Ganadora del 1° Puesto Premio Germán Rozenmacher A la Nueva Dramaturgia, en el Portón de Sánchez, una mujer, empoderada de su personaje: TURBA.

Con música, movimiento, con idea original e interpretada por Iride Mockert, dirigida por Alejandra Flechner, tendremos eso, una mujer con mucho combustible, para hablar y gritar sobre muchas verdades, otras serán cantadas, donde tocará la violencia de género, donde todo lo que se diga, será en voz alta, algunas cosas en letras mayúsculas, una mujer que lucha, que no se da por vencida, que lo expresado es dicho con todas las herramientas que posea en ese momento.

Su parlamento no es el de una mujer que monologa, sino que es la palabra de muchas, la fuerza de todas.

Iride Mockert, tiene todas las cualidades para realizar un trabajo actoral imipecable porque es una profesional con muchas aristas: actriz, bailarina y música (ejecutante de oboe). Es egresada de la Licenciatura en Actuación del IUNA. Se formó en actuación con maestros como Juan Carlos Gene, Osqui Guzman, Julia Calvo, Ricardo Bartís, Guillermo Cacace, Silvina Savater, Guillermo Flores y a su vez su formación en danzas diversas como ser : contemporáneo con Ana Frenkel, Carlos Casella, Leticia Mazur, Lucas Condro, Dalila Spritz entre otros; en danza aérea con Brenda Angiel, Cristina Tziouras; Tango con Ariel Perez, Juan Agopian entre otros. Y desarrolló estudios en Flamenco con Claudio Arias, Lorena Di Prinzio y Laura Manzella, ritmos caribeños, Acrobacia combinada, folclore, contact, flyng low, violencia en escena y esgrima; malabares y lanzallamas. En canto y técnica vocal se formó con los docentes Fernanda Cobe, Celia Mugeri, Hector Rotger,Ana lía Silva. En música ha desarrollado un amplio aprendizaje en música clásica y popular como ejecutante de OBOE (Escuela Nº ####, Lòpez Buchardo)y tangos con Rodolfo Mederos.

Laura Sbdar es escritora, directora teatral, Licenciada en Artes (UBA), dramaturga (EMAD) y docente (UNA). Es autora y directora de las obras teatrales Vigilante, Un tiro cada uno, El movimiento y Susana y Gloria. Vigilante participó del V Festival Novísima Dramaturgia Argentina y fue publicada por Ediciones del CCC. Es autora de Poros publicada por Editorial Monstra. Forma parte de Cabeza –escritura feminista- junto a Mariana de la Mata y Consuelo Iturraspe con quien obtiene la Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes y escribe, dirige y actúa Un tiro cada uno. Dicta talleres de escritura. Obtuvo el Primer Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia 2018 por su obra Turba. La obra fue publicada en edición cuatrilingûe y será producida por el FIBA.

Está obra es muy importante porque representa ser la primer dirigida por Alejandra Flechner.

Con este equipo, lo que el publico aprecia, es una propuesta diferente, donde el silencio no tiene espacio, donde el combustible de la turba, da mucho para hablar.


Reseña : Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Festival de escuelas de cine con perspectiva de género.

Por Gonzalo Esteban Borzino
El viernes pasado, en Avellaneda, se llevó a cabo el primer festival de escuelas de cine con perspectiva de género (FECPG). Organizado por la municipalidad y la comisión de género de la IDAC, el edificio municipal Leonardo Favio se llenó de estudiantes y activistas que buscaban compartir una jornada con referentes del feminismo audiovisual.

Hubieron cinco bloques de cortometrajes realizados por estudiantes de escuelas de toda la Argentina, con el objetivo de darse a conocer y difundir la diversidad de miradas. Contando con cortos con protagonistas transexuales, animaciones stop motion, documentales de socorristas y hasta fiestas de drag queens tucumanas, las proyecciones rondaron un amplio espectro de temas siempre presentes en las agendas políticas contemporáneas, consiguiendo acercar al público de siempre obras renovadas y modernas. No obstante, si bien gran parte de los trabajos buscaban celebrar la diversidad y el compañerismo, varios tomaron una posición más cruda. Tal es el caso de Pluma fuerte, fragmento de la realidad brasilera que toma imágenes de una manifestación contra los asesinatos brutales de transexuales de ese país. De esta forma, el evento funciona como una ventana de difusión artística, pero también de reflexión critica.

“El arte tiene una función transformadora. Es una piedra que choca contra el espejo” – Mostras, documental de drag queens

Una de las dos presentaciones del evento fue un conversatorio con Lita Stantic, legendaria mujer de la industria local, a quien se le otorgó un reconocimiento por su trayectoria y trabajo en un campo donde la figura femenina era tenida por sobrante. Ella misma relató como uno de sus primeros jefes le dijo que era innecesaria su presencia en un rodaje, debido a que el cine no era para mujeres. A pesar de ello, insistió que los malos compañeros de trabajo no distinguen genero, y que no es cuestión de marcar a un grupo particular como los responsables del malestar laboral. A su vez, admitió que le gustaría ver más cine nacional que reflejase la realidad social, y no tanto de mero entretenimiento. Comentó que, si volviera a dirigir, haría una película de “los casos de gatillo fácil y los pibes chorros”. Sobreviviente de la censura de las dictaduras y formadora de su propia productora, es una poderosa referente para todas las realizadoras que intentan hacerse un lugar en la industria.

Resultando un éxito de convocatoria, el festival ocupó la entrada de la facultad junto a un móvil de radio Avellaneda, dejando abierta la posibilidad de repetición en un futuro cercano. Pronto, más estudiantes nacionales tendrán la chance de mostrar su contenido cinematográfico en las proyecciones y sus trabajos visuales en las muestras de arte. De esta forma, se pluralizaran los discursos y fomentará la diversidad, visibilizando a los autores pertenecientes a disidencias

Reseña: Le Meraviglie de Alice Rohrwacher.

El miércoles 18 de setiembre, dentro del ciclo Ciclo Al Cinema! en el Centro Cultural 25 de Mayo, fue inevitable la emoción por la proyección de la excelente película Le Meraviglie de Alice Rohrwacher.

La película se estrenó en el 2014, narra sobre la vida de una familia, que se dedica a la apicultura. La historia nace a partir de las memorias escritas por Alice Rohrwacher, sobre sus padres que vivían de esta actividad.

Trata sobre dura vida de un apicultor, quien junto a su familia, trabaja de de sol a sol, para obtener la miel. Muy interesante, como introduce la cámara para mostrarnos una granja donde viven la madre y sus cuatros hijas, de las cuales Gelsomina, es la mayor, de edad adolescente. Mientras el padre no es un mal hombre, pero embrutecido por la dureza de la actividad y buscando lo simple de la vida. Narra cómo se ensambla a esta familia, un joven adolescente Martín, con antecedentes policiales, dentro de un programa de reinserción para jóvenes y que el padre no le importa los riesgos, porque necesita un hombre que lo ayude en las tareas de la granja.

Paralelamente, llega a este pueblito, una productora, para promover un concurso entre los granjeros, y la película en imágenes y silencios, hará planteos sobre la dicotomía entre el mundo de la farándula, los shows armados y la realidad de la supervivencia diaria.

La cámara es implacable, muestra una granja, que ha quedado en el tiempo, donde la miel se coloca en tachos, y se la fracciona para vender en las ferias. donde el mundo moderno choca con el primitivo.

La fotografía y todo el elenco, acompañan a un guión, que hace de esta película una pieza única. Es de destacar la actuación de los más jóvenes, como han logrado darle fuerza y belleza al film.

Les recomendamos que recuerden que dentro del programa del Ciclo Al Cinema! está previsto para el miércoles 25/09, a las 21:30: The Place (Paolo Genovese)


Ficha técnica

Guión y dirección Alice Rohrwacher.

Reparto: Maria Alexandra Lungu, Sam Louwyck, Alba Rohrwacher, Sabine Timoteo, Agnese Graziani, Monica Bellucci

Música Piero Crucitti

Fotografía Hélène Louvart

Premios

2014: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2014: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado y Mejor actriz
2014: Festival de Mar del Plata: Mejor guión – Astor de Plata

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

FIDBA – del cine de lo real

Dentro del Festival Internacional de Cine Documental (2019) celebrando su séptima edición, del 2 al 11 de septiembre, tuve la oportunidad este lunes 2 de septiembre de asistir a la función de la película apertura VARDA PER AGNÈS.

La documental está realizada en primera persona, es la vida de Arlette Varda, una creadora de realidades, explotando todos los recursos más inimaginables para mostrar una visual que capte al espectador, donde hay una emoción puesta en la búsqueda de que toda imagen puede ser atractiva, y es el artista detrás de cámara, quien le da el sentido.

Arlette Varda, es una realizadora nacida en Bélgica, en 1928, vivió muchos años en Francia, tiene un sentimiento muy profundo con la naturaleza y en especial la playa, filmó muchas escenas sobre el mar, busco la estética y se dió el lujo antes de fallecer en marzo de este año, de hacer una documental autobiográfica, donde tuvo la oportunidad de demostrar a un público joven, que la búsqueda de la belleza en la imagen, no depende directamente de un tema económico sino que está asociado a la creatividad.

Para que se den una magnitud del poder creativo de esta pionera del cine, por casualidad descubre que las papas que no cumplían con una determinada forma, eran tiradas, eran separadas y no se las destinaba al consumo humano. Está mujer encontró la posibilidad de contar una historia, y armó una exposición audiovisual de papas, con los tubérculos aflorando de aquellas papas despreciadas por tener forma de corazón.

Otra anécdota, que cuenta en el documental, es cuando quiso volver a Bélgica a filmar la casa donde había nacido y conoció a unos coleccionistas de trenes y encaró una documental sobre esa colección de trenes.

Fue una excelente elección abrir este festival con esta película. Este festival cada año que pasa viene con más fuerza, la sala estuvo repleta de público, en el Caras y Caretas, tuvieron que habilitar la parte superior porque la de abajo se llenó por completo.

Lo invitamos a que si le interesa el género, consulte la Programación, http://www.fidba.com.ar/2019/programa/

Asimismo tengan en cuenta, las tres master class que se dictarán: Luciano Barisone (Italia) periodista y crítico de cine, el miércoles 4 de setiembre de 19.30 a 22:30; o Chus Dóminguez creador audiovisual el jueves 5 de septiembre en el mismo horario o Heather Haynes (Canadá), el sábado 7 de setiembre de 14:30 a 16:30.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Análisis: Hotline Miami Collection para Nintendo Switch

Análisis de Hotline Miami Collection
Reseña escrita por Agustín Czyrka

Un viaje psicodélico y ultraviolento para los amantes del Retro.

La Historia:

En el Juego 1, la historia comienza en Miami a fines de los años 80 y, luego de un breve tutorial, sigue la “vida” y las pesadillas de nuestro personaje principal, que se ve envuelto en una seguidilla de asesinatos masivos sugeridos por llamados telefónicos anónimos y voces a las que él escucha. Al principio no está del todo claro quién o qué es cada personaje y cuáles son las motivaciones profundas para tanta masacre, pero el juego se preocupa por los pequeños detalles, cuenta pequeñas cosas en forma de “sprites” y va profundizando en una trama narrada en fragmentos, noticias y recuerdos. Toda esta narración queda mezclada con un estado alucinógeno inducido por la violencia y locura.

Antes de cada masacre manejamos al personaje dentro de su departamento, donde él nos muestra un fragmento de su vida cotidiana en cada pixel y donde luego atenderemos una llamada telefónica que nos ordenará hacia dónde dirigir nuestra violencia.

Después de cada sangrienta misión hay una pantalla extra en la que el personaje interactúa con alguna persona en un bar, pizzería, disquería, etc. Estas pequeñas historias desarrollan un poco más al personaje detrás de la máscara.

El Juego 2 continúa con algunas premisas del primero, pero construye una historia con varios personajes, donde siempre controlaremos a alguien que se deja llevar por sus instintos violentos y asesinos pero sus motivos y orígenes difieren del anterior. Manejaremos a un pandillero de alta mafia a punto de jubilarse, a un policía justiciero que se vuelve verdugo, a un actor de películas de acción que confunde la realidad con la ficción y así sucesivamente. Este juego cuenta con una trama más expansiva que la anterior entrega.

El control:

Hotline Miami es un juego de tiros de dos mandos con perspectiva cenital. Los controles son configurables, con el analógico izquierdo se maneja al personaje y con el analógico derecho manejamos su mirada y su puntería. Con los gatillos se agarran armas, se dispara y golpea.
El juego nos explica como desplegar la masacre: aunque si vas corriendo y disparando sin pensar no podés pasar los niveles, al morir y reiniciar constantemente empezás a ver bien el plano del lugar, los puntos ciegos, el patrón de caminata de los enemigos, etc.
El juego posee una acción desbordante y acelerada pero se juega como un puzzle, sobre todo en algunas misiones en las que correr y disparar no sirve.
Mi crítica a los controles es que, jugándolo en la Nintendo Switch, al apuntar la mira sobre un enemigo se siente la falta de mouse. Algunas muertes se sienten injustas ya que el mando no es tan preciso para responder a varios ataques de múltiples direcciones. Sobre todo cuando te selecciona automáticamente a un enemigo que no querías en vez de al que tenías en frente.

Los niveles:

El primer juego de esta colección está dividido en cinco partes y cada una de ellas está dividida en 4 capítulos, para un total de 20+ capítulos. Cada uno cuenta con una introducción, la misión propiamente dicha y el diálogo posterior en algún negocio.

El juego esta visto desde arriba y desde una altura considerable. Esto nos ayuda a ver y planear nuestros movimientos para optimizar el uso de cada bala, cada golpe para abrir una puerta o el lanzamiento de un bate bien apuntado.

Los niveles se sienten variados y diversos: si bien el juego trabaja con la misma fórmula, al cambiar el plano de cada misión, las armas o powerups disponibles y algunos enemigos especiales, logra dar frescura y mantener la atención del jugador.
El juego no es “roguelike”, no se autogenera artificialmente. Cada misión está hecha artesanalmente y se siente bien diseñada.

El segundo juego está dividido en Seis Actos, con un total de 25 escenas (misiones que jugamos) con mayor variedad de escenarios y lugares en los que desatar las masacres del juego, llenos de pequeños detalles que te invitan a detenerte y observar.

El Arte:
Hotline Miami está narrado con una cámara muy alta y lejana donde solo vemos la cabeza y los hombros de los personajes, y tiene escenas de diálogo que abren ventanas dibujadas con texto de los personajes.

Toda la estética del juego está muy cuidada del principio a fin, desde la paleta de colores de un neón vibrante y el efecto de blur y narcóticos sobre el control hasta las tipografías y detalles en cada menú del juego. El apartado de diseño retro está muy bien conseguido.

El trabajo de pixeles es bueno, y podemos detenernos en cada nuevo lugar a contemplar pequeños elementos que agregan profundidad a este mundo. Las animaciones y movimientos de los personajes son aceptables y sobre todo las muertes en el suelo son particularmente detalladas y violentas.
Si bien no es mi estética favorita reconozco su calidad, lo único que puedo criticar son los rostros y los retratos que me desagradan. Tengo entendido que son toscos, grotescos y mal dibujados intencionalmente, pero me hacen sentir que no alcanzan la calidad que muestra todo el resto del juego y me molesta esta disonancia.

Hotline Miami 2: Wrong Number mantiene una estética similar, pero mejora cada menú del juego: ahora utiliza cassettes y cintas de películas como selectores de misiones que se ven fantásticas, cambia la paleta de colores a una algo más oscura y menos vibrante, y agrega mayor variedad en los lugares que van a visitar los personajes a lo largo del juego.

El juego se disfruta mejor en modo portátil, ya que los gráficos ampliados en una tv de 50 pulgadas se ven sencillos. Mejora su atractivo en la palma de la mano.

La Música y el Sonido:
El sonido y la banda sonora del juego son excelentes, con una mezcla de estilos de los 80 y 90, intensa y retro. El sonido acompaña cada disparo, cada puerta y cada cuchillazo de forma adecuada y se siente de calidad. La banda sonora cuenta con unas 3hs de música llena de temas memorables, que acompañan gratamente en cada misión.

La Rejugabilidad y Desbloqueables: Hay muchas horas de juego en esta colección. Solo completar la historia del juego Hotline Miami lleva unas 5hs aproximadamente, a razón de una 1 hora para completar una parte, y unos 15 minutos para cada misión.
En el Hotline Miami 2: Wrong Number la historia dura unas 7+ hs de juego, unas 2 o 3 hs más largo que el primero, y esto es solo para la historia principal. Ya tenemos un total de 12hs para completar todas las misiones de esta colección, sin contar que el juego cuenta con numerosos desbloqueables y la posibilidad de mejorar nuestros records en cada nivel. Para los jugadores que les guste completar al 100% van a tener más de 25hs de juego en este título.

Los desbloqueables vienen en forma de Máscaras y Armas para utilizar en la misión.

Cada máscara además de variar levemente la estética del personaje nos agrega un poder/modificador por ejemplo poder matar con el puño, o abrir las puertas de forma letal sobre los enemigos. El primer juego tiene un total de 27 máscaras que se desbloquean sacando altos puntajes en las misiones. El segundo juego cuenta con 9 máscaras.
Sumando los dos juegos hay más de 30 armas entre armas de fuego y armas de corta distancia. Más de la mitad de éstas son desbloqueables durante la historia.
También hay piezas de puzzle con letras para encontrar en cada misión y completar un mensaje secreto que se forma con todas ellas.

Conclusión: Hotline Miami Collection es un Juego de Acción Ultraviolento con una estética muy cuidada; un juego divertido con numerosos desbloqueables que te mantendrán ocupado con una trama interesante que nos acompaña en la aventura, una banda sonora excelente adecuada al título y suficientes horas de juego para alegrar a cualquiera. No es un juego para todo el mundo, la trama y la violencia dejan de lado a mucha gente, pero si sabés de qué se trata y te interesa, sus desarrolladores cuidaron hasta el último detalle para dar una experiencia de calidad.

Mi nota 8/10

Positivo:

  • La acción frenética y divertida
  • La trama y estética muy cuidada en cada detalle
  • Los desbloqueables agregan rejugabilidad y variación
  • El sonido y la música son excelentes
  • Rejugar las misiones es instantáneo, sin tiempo de carga

Negativo:

  • El control en consolas dificulta la puntería
  • Algunos bugs molestos
  • Las caras mal dibujadas

Reseña: La Zapatera prodigiosa

En el Teatro El Vitral, hasta el domingo 4 de agosto, a las 17:30, todos los días, el musical infantil, y para grandes también La Zapatera prodigiosa, un hermoso homenaje a Federico García Lorca.

La zapatera prodigiosa original: es una obra de teatro de Federico García Lorca que fue estrenada en 1930 y que en esta puesta, en el 2019, ha sido adaptada por María de las Mercedes Hernando, las letras de las canciones son de su autoría y la música original de Angel Mahler.

La obra cuenta cómo una mujer más joven se ha casado con un zapatero, y él cree que ella se casado por interés. Las comadres del pueblo, no la quieren, y el hombre atribulado, por amarla y creer que no es correspondido, se termina yendo del pueblo. Tiene un final feliz, pero como se desovilla la madeja, lo dejamos ahí, para que la vayan a ver.

Es una obra con mucho de baile flamenco, Federico García Lorca, está presente y es una pieza que se caracteriza por el buen humor, como estandarte, logra escenas poéticas, llevadas por la dirección de Franz García Reynaldi.

Además tiene incluído una puesta de títeres, mucho baile español., mucho Lorca, hermoso el vestuario y la iluminación.

Una obra ideal para el público infantil, en estas vacaciones de invierno que se lo quiere sacar a distraerse con una opción diferente, no clásica, y que los atrapa.

El elenco compuesto por Franz García Reynaldi , Paula Reus Menéndez, Ramiro Maluendez, Valu Zapata, Jazmín Fernández, Micaela Baylac y Marcelo Bielawin, son compactos, encargados en cada uno de sus personajes darle ese toque de alegría que se mantiene a lo largo de todo el espectáculo.

Es una obra con premios, en el 2018, Premio Hugo Federales y en el 2019, ganadora de dos premios Atrezzo, con la mejor dirección.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com