Análisis: Warhammer 40,000: Boltgun 2 para PS5

 

Boltgun 2 es una secuela directa del primer Boltgun. La historia se centra en el regreso de Vashtorr, el Arkifane, un semidiós demonio que ha puesto en marcha una maquinaria capaz de alimentar la Disformidad con la energía de planetas enteros.

La campaña se estructura en más de 30 niveles distribuidos en varios planetas. Tras completar cada misión, el jugador elige la siguiente ruta, lo que crea un sistema de campaña con ramificaciones y mejora la rejugabilidad.

La narrativa es funcional y sirve como hilo conductor, sin pretender ser el eje central. Es accesible para nuevos jugadores, pero contiene numerosas referencias al universo de Warhammer 40,000.

 

En cuanto a la jugabilidad, el núcleo es el de un boomer shooter clásico: movimiento constante, gestión de un arsenal amplio, sin sistema de coberturas y sin recarga manual.

La principal novedad respecto al original es la inclusión de un segundo personaje jugarle, con un estilo completamente diferenciado:

Malum Caedo quien es un ultramarine veterano de la guardia y el protagonista del primer juego. Es un personaje pesado y resistente. Su equipamiento se basa en el bólter, la espada sierra, granadas de fragmentación y la habilidad Obliterating Charge. Está diseñado para el combate frontal y directo.

 

Sororita Nyra Veyrath, Hermana de Batalla es un personaje mucho más ágil.

Combina pistola bólter con espada de energía y utiliza la Melta Bomb como explosivo de alto daño. Su jugabilidad exige un uso constante del sprint, el salto y el desplazamiento lateral.

 

El diseño de niveles ha mejorado notablemente. Son más cortos, de entre 10 y 20 minutos, más variados y con una mayor verticalidad. Se ha añadido un sistema de navegación asistida que corrige uno de los problemas del primer título.

Además, se ha ampliado el bestiario del Caos, con nuevos tipos de cultistas, demonios menores, unidades suicidas y jefes de gran tamaño.

 

El juego mantiene deliberadamente una estética retro de sprites pixelados, combinada con iluminación moderna, efectos de partículas y modelados 3D de alta resolución para los escenarios. Los entornos representan catedrales góticas, factorías industriales y estructuras invadidas por biomasa.

 

En PlayStation 5 funciona a 4K y 60 fotogramas por segundo con gran estabilidad. Los tiempos de carga son prácticamente inexistentes gracias al SSD. El mando DualSense aprovecha los gatillos adaptativos y la vibración háptica para diferenciar cada arma.

 

Como puntos a mejorar, algunas interacciones con objetos destructibles resultan poco precisas y ciertos segmentos de plataformas requieren una precisión que no siempre acompaña al control, especialmente con Malum Caedo.

 

La banda sonora es uno de los puntos fuertes. Mantiene el estilo de metal industrial del primero y suma una colaboración especial de Mick Gordon, compositor de DOOM 2016 y DOOM Eternal, para el enfrentamiento final.

 

Conclusión

Warhammer 40,000: Boltgun 2 no intenta reinventar el género. Toma lo que funcionaba en el original, corrige sus defectos, añade una segunda protagonista que aporta variedad real y ofrece más contenido y mejor ritmo. Es un boomer shooter sólido, muy recomendable para seguidores de los FPS retro y para aficionados al universo de Warhammer 40,000.

 

Calificación: 8/10

Reseña: Amores Reunidos

Por Micaela Steinbach

La CIA. Amor Eterno, dirigida por Cecilia Gómez, cumplió 15 años y celebró a lo grande en el Teatro Coliseo el pasado martes 13 de octubre.

Danza contemporánea, aérea, acrobacia y circo puestos en diálogo al servicio de crear un lenguaje propio. Un show que incluye el pasado y el futuro. El festejo reúne fragmentos de espectáculos pasados, a la vez que nuevas propuestas. El tango, la electrónica, el despliegue de luces, la escenografía, las proyecciones, momentos corales e individuales de gran precisión: lo que se vivió el martes 13 de octubre fue un verdadero homenaje.

“Amores reunidos”, un espectáculo único que promete la vuelta y el reencuentro. Vendrán muchos festejos para una Compañía que pisa fuerte y plantea un lenguaje en donde los cuerpos van, vienen, caen, vuelan, crean y se sostienen.

Ficha técnico-artística

Elenco: Alejandra Sanmartin, Andres Varani, Chiara Zarfati, Eva Di Leo, Patricia Rumassa,

Lucas Coria, Fernando Rosales, Facundo Varela y Maximiliano J. Nastar y artistas invitados./

Música: Rodrigo Guerra y Luciano Campodónico/ Vestuario: Jonatan Maximiliano Nastar/

Escenografía: Facundo Varela/ Rigging: Rodolfo Aguirre/ Música: Rodrigo Guerra y Luciano

Campodónico/ Luces: Lucas Balestrino/ Video: Camilo Ortiz/ Video de trailer y material depromoción: Pablo Goldberg/ Diseño de la gráfica: Belén Macedo/ Prensa: OCTAVIA

Comunicación/ Producción: Amor Eterno/ Asistente de dirección: Julieta Esquenazi

El mapa del alfajor suma un jugador: lanzan una marca premium tras un año de desarrollo en plena recesión

El mapa del alfajor suma un jugador: lanzan una marca premium tras un año de desarrollo en plena recesión

24 Siete comenzó su distribución con piezas de 72 gramos y doble cobertura, apostando a la elaboración nacional para competir en un segmento maduro. En un contexto económico desafiante para el desarrollo de nuevos emprendimientos, una familia argentina decidió apostar por la industria nacional y crear 24 Siete, una marca de alfajores premium que busca hacerse un lugar en uno de los mercados más representativos de la cultura gastronómica del país.

El proyecto surgió con una idea clara: desarrollar un alfajor que se distinguiera por su sabor, la calidad de sus ingredientes y una identidad capaz de conectar con los consumidores argentinos. Desde las primeras pruebas hasta la definición del producto final, el proceso llevó casi un año de trabajo “Decidimos empezar a crear un producto distinto y disruptivo para el mercado del alfajor”, explica uno de los creadores de la marca.

Un producto desarrollado en cada detalle

La propuesta de 24 Siete se apoya en la selección de materias primas y en el cuidado de cada etapa de elaboración. El dulce de leche, el chocolate y, especialmente, las tapas fueron protagonistas de un proceso de desarrollo que buscó alcanzar un perfil de sabor propio. Encontrar la receta adecuada para las tapas demandó entre tres y cuatro meses de pruebas. El resultado es un alfajor de 72 gramos con doble baño de chocolate, disponible en dos variedades: negro y blanco.

La filosofía de la marca parte de una premisa: el consumidor argentino conoce profundamente el alfajor y tiene expectativas altas sobre su sabor y calidad. Por eso, el objetivo es ofrecer una experiencia que invite a volver a elegir el producto.

Una marca inspirada en el estilo de vida argentino

El nombre 24 Siete hace referencia a la expresión 24/7, asociada a aquello que está presente todos los días, a toda hora. Para sus creadores, representa la intensidad con la que los argentinos viven sus pasiones, ya sea al estudiar, trabajar, practicar deportes o compartir momentos cotidianos. Esa identidad se refleja también en el packaging, que incorpora la frase “Cuando te pinte, ESTOY”, una

invitación a disfrutar el alfajor en cualquier momento.

Más allá del producto, la marca busca construir una comunidad de consumidores a partir de su propuesta y de una relación cercana con el público. En lugar de centrar su estrategia exclusivamente en figuras conocidas, apuesta a que la experiencia del alfajor sea su principal carta de presentación.

Un proyecto con mirada a futuro

Con el desarrollo de sus primeras variedades, 24 Siete busca ampliar su presencia en el mercado argentino y consolidar una marca con proyección a largo plazo. Entre sus objetivos futuros se encuentra la posibilidad de llegar a mercados internacionales. La iniciativa representa la apuesta de una familia emprendedora por desarrollar un producto nacional, generar una identidad propia y competir en una categoría profundamente arraigada en las costumbres argentinas.

Instagram: @24sietealfajores

Crítica: Cordobeses, la película

Por @cronicadeunavidacualquiera

Pinta tu aldea y pintarás el mundo

 

La historia:

Kaitlin, es una documentalista norteamericana que llega a la “republica” de Córdoba, como dice el cartel en el aeropuerto, para realizar un documental que descifre “el secreto de la felicidad cordobesa”. 

Para lograrlo cuenta con cuenta con la ayuda de un renombrado sociólogo local, o eso le dijo, llamado Eddie, que en realidad es un kiosquero que en la pandemia creo un perfil de Instagram (@cordobeces) donde sube divertidos ejemplos de la vida en Córdoba. ¿Podrá este particular dúo terminar el documental y descubrir el secreto de la felicidad cordobesa?  Habrá que verla para enterarse aunque seguramente esté involucrado el Ferneten el asunto. Lo demás lo analizamos debajo.

 

¿Qué me gustó?

La película logra capturar la esencia del humor y el corazón cordobés.

Es un experimento colectivo desde su origen con un proyecto de crowdfunding, hasta su realización donde muchos pusieron su granito de arena, hasta lo que vemos en pantalla con una serie de videos virales.

 

¿Qué no me gustó?

El conflicto principal es algo flojo, entendemos que sirve como excusa para unir todo lo que la peli muestra, pero se podía trabajar un poco más para que resulte más orgánico

 

¿A quién recomiendo esta peli?

Es una linda película para viajar un ratito a las sierras y disfrutar de ese humor y esa filosofía que tanto caracteriza a esta provincia. Las risas y algo de emoción están garantizadas.

 

Calificación: 7/10

Duración: 90 minutos

Estrena el 15 de octubre en cines.

Crítica: El corazón de la bestia

Hoy toca hablar de una película un poco diferente. Y no porque estemos ante cine experimental o proveniente de un país exótico (de hecho es bastante mainstream). Sino porque lo que se nos cuenta, siempre termina siendo interesante de ver en la gran pantalla, en especial si sienten empatía por los animales. Veamos de qué trata El corazón de la bestia.

Todo se centra en James Belmont, un ex veterano de guerra quien junto a su perro (también veterano que tiene una prótesis en una patita) se encuentran de aventura por las montañas de Alaska. En pleno vuelo en su aeroplano, sufre un infarto, lo cual desencadena en un accidente, lo cual deja a ambos varados en medio de la nada. Ahora deberán usar la experiencia de ambos para lograr llegar a la civilización.

Antes de continuar, vale aclarar que no estamos ante una historia basada en hechos reales. O al menos, El corazón de la bestia nunca se encarga de mostrarnos una pantalla con texto explicando que esto sí pasó. Solo se nos dice lo importante que se volvieron los perros entrenados en las invasiones que hace Estados Unidos, salvando miles de vidas por año.

Y en ese sentido la película no va a jugar con nosotros en ningún momento, ya que desde el inicio, nos muestra el destino de los personajes, siendo que toda la historia es un gran flashback. De todas formas la trama está lo bastante bien llevada como para manipularnos emocionalmente y hacer que si tenemos un mínimo de emociones, sacarnos algunas lágrimas.

Como pueden suponer, estamos ante esas historias de pocos personajes, más precisamente, Brad Pitt y el perro. En ese sentido, Pitt vuelve a mostrar que tiene química con los caninos; eso se ve en pantalla, ya que la conexión entre ambos es palpable. Eso sí, no siempre veremos a Odin (el perrito) de forma física, sino que varias veces está hecho en cgi, y se nota. Pero eso no es lo peor.

Si, el cgi se nota bastante, sobre todo con el perro y algún que otro animal que se hace presente. Lo mismo aplica a los fondos, que es más que obvio ver que no todo se filmó en paisajes naturales. Pero lo peor de todo para mí, son los errores de continuidad; en especial con lo referente a la ropa de Brad Pitt. Y es que la misma aparece y desaparece de un plano al otro, haciéndonos pensar que no trabajaron con un continuista.

El corazón de la bestia es una buena película, que recurre a la clásica historia de hombre y animal frente a la naturaleza. Como dije, va a depender de que tanto conecten con ambos para que la disfruten/lloren en la escasa hora y cuarenta que dura. Eso sí, después denles un fuerte abrazo a sus mascotas.

Calificación 7/10

Crítica: Digger

Por @cronicadeunavidacualquiera

 

Habrá que ver hasta dónde queremos escavar.

 

La historia:

Digger es un poderoso petrolero que debe enfrentarse a una catástrofe global que es consecuencia de sus propias acciones. Rápidamente debe dar explicaciones al presidente de los Estados Unidos y su sequito y buscar en conjunto una solución para todo esto, o al menos no quedar pegados a este desastre.

¿Podrá este viejo magnate salvar la situación o al menos salvarse él mismo?, habrá que verla para enterarse. ¿Aprenderemos algo de todo esto? Eso sólo el tiempo lo dirá, lo demás lo analizamos debajo.  

 

¿Qué me gustó?

Tom Cruise brilla en un personaje hecho a su medida.

Es interesante el tema que aborda, de la manera que lo hace y la forma que utiliza que deja lugar para a la discusión. 

Visualmente es interesante también,  en una película tan hablada eso se agradece.

 

¿Qué no me gustó?

Cuando Hollywood baja línea sobre la contaminación o la riqueza desmedida siempre me hace algo de ruido porque calculo que las estrellas van a seguir usando sus jets privados igual. De todas maneras la película tambiénaborda eso incorporándolo a la discusión, pero esta ambivalencia de estar un poco de los dos lados del mostrador hace que termine perdiendo algo de fuerza el mensaje.

Hay un giro que resinifica la película que, aunque a mí me pareció acertado, quizás no deje contento a todo el mundo.

 

¿A quién recomiendo esta peli?

A los que les gusta la parodia política, en este caso muy actual, esta peli es para ustedes. Podemos encontrarelementos que nos hacen acordar desde el Ciudadano Kane (1941) pasando por Birdman (2014), No mires arriba (2021) y hasta a Synecdoque, New York (2008)

 

 

Calificación: 8/10

Duración: 128 minutos

Estrena el 1 de octubre en cines.

CINE | Llega la cuarta edición de FIC.UBA

– La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.

Durante ocho días, el FIC.UBA reunirá cine argentino e internacional, competencias, estrenos, retrospectivas, homenajes, focos, encuentros y actividades de formación, con una programación que busca fortalecer el vínculo entre la Universidad, la comunidad audiovisual y el público. Todas las actividades serán con entrada libre y gratuita.

Grandes figuras del cine argentino e internacional

La película de apertura de esta nueva edición del FIC.UBA será La libertad doble, de Lisandro Alonso. La secuela de La libertad -una de las películas claves del Nuevo Cine Argentino y ópera prima del director- también está protagonizada por el hachero Misael Saavedra y filmada en el ámbito rural. La misma se proyectará el miércoles 30 de septiembre en el Cine Cosmos, mientras que su director ofrecerá un seminario el jueves 1 de octubre a las 15:30 h en el Aula Magna de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA).

Además, Lita Stantic (directora y productora de títulos fundamentales de nuestro cine como Camila, de María Luisa Bemberg; La ciénaga, de Lucrecia Martel; Mundo Grúa, de Pablo Trapero y Un oso rojo, de Adrián Caetano, entre otros); y el multipremiado director de fotografía Félix “Chango” Monti(reconocido por sus trabajos en La historia oficial, de Luis Puenzo; El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella; y El exilio de Gardel, de Pino Solanas, entre otros títulos) recibirán el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires. La ceremonia tendrá lugar el jueves 1 de octubre.

Dentro del ámbito internacional, será homenajeado el cineasta francés Léos Carax, creador de títulos como Los amantes del Pont Neuf; Pola X; Holy Motors, y ganador del premio al mejor director en el Festival de Cannes por su trabajo en Annette. Invitado a Buenos Aires durante esta edición, participará de un encuentro con el público el lunes 5 de octubre a las 19:30 h.

Entre sus destacados de programación, el Festival ofrecerá un foco dedicado al célebre maestro japonés Yasujirō Ozu que incluirá la proyección de títulos como Buenos días; El sabor del sake; El sabor del té verde con arroz; Hierbas flotantes; y Primavera temprana. 

FIC.UBA hará un homenaje especial a Lucas Vignale, el director argentino de 28 años fallecido de manera inesperada en junio pasado que realizó proyectos para artistas como Bizarrap, Duki, Nicki Nicole, Milo J, J Balvin, Trueno, Nathy Peluso y Wos, y cuya película póstuma El tren fluvial -codirigida con Lorenzo Ferro- tuvo su premiere mundial durante la última edición de La Berlinale.

Por su parte, la sección Panorama Internacional del FIC.UBA reunirá las producciones más recientes de directores consagrados y figuras fundamentales de la cinematografía mundial. Este año se destacan: Imperium, el nuevo trabajo de Sergei Loznitsa —figura central del cine contemporáneo distinguido con el Doctorado Honoris Causa por la UBA-; Tierra de mi padre, del cineasta polaco ganador de un Oscar Paweł Pawlikowski; Le Journal d’une femme de chambre, una producción franco-rumana del prestigioso realizador Radu Jude; Red Rocks, del francés Bruno Dumont; y Testa o croce?, la nueva película de Matteo Zoppis y Alessio Rigo de Righi que incluye en su elenco al argentino Peter Lanzani.

FIC.UBA y Disney: dos becas para impulsar nuevos talentos audiovisuales

Como parte de su apuesta por la formación y el desarrollo profesional de las nuevas generaciones de realizadores, el FIC.UBA presenta, a partir de su acuerdo con Disney, dos becas destinadas a estudiantes de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la FADU-UBA. Se trata de un aporte económico destinado a acompañar el desarrollo profesional y la producción de nuevos proyectos audiovisuales.

Crítica: Resident Evil: Noche Cero

Por Jorge Marchisio

Las adaptaciones de videojuegos siguen y siguen, y esta vez tenemos una bastante polémica. Y es que la suerte de Resident Evil y en la gran pantalla es bastante nula, con una saga protagonizada por un personaje que ni existía en las consolas y que se contradecía entrega a entrega; y un paso que trató ser fiel pero extremadamente barata. Ahora, de la mano de Zach Cregger, nos llega Resident Evil: Noche Cero. Veamos que nos dieron.

Alejándonos de los juegos, vamos a conocer a Bryan, un repartidor de Uber que debe llevar un paquete médico a Racoon City. En pleno viaje de noche y con una tremenda tormenta de nieve, sufre un accidente con una extraña mujer y un policía local; lo que lo lleva a refugiarse en una granja para posteriormente llegar a Racoon City. Todo en pleno brote viral.

Como bien dije justo arriba, de entrada, se nos dijo que esta adaptación se iba a alejar bastante a lo visto en la saga de Capcom, con Creggerasegurando que su historia solo iba a pasar en el universo Resident Evil, pero sin la aparición de sus personajes o situaciones típicas y en ese sentido cumplieron; así que técnicamente, no estamos ante una adaptación al 100% ¿Pero, y la película es buena?

Si, pero a secas. La dirección de Cregger es buena, y nos da toda esa sensación de un pueblo que se está yendo al tacho por algo que se salió de control. Pero es que también hay una sobredosis de jumpscares que hace acordar a las peores entregas de El Conjuro. Y eso no es lo peor.

En la escasa hora y media que dura Resident Evil: Noche Cero, vamos a tener una sobredosis de chistes que a veces llega a cansar. Si, el protagonista es carismático, y Austin Abrams (el actor principal) tiene buen timming para la comedia; que se potencia cuando aparece Paul Walter Houser. Pero es que en cada escena veremos un gag, que rompe con la atmósfera de terror que se nos plantea.

Resident Evil: Hora Cero falla por todos lados si la tomamos como una adaptación literal de los videojuegos (de hecho, se asemeja más a los Left 4 Dead). Pero si la tomamos solo como una película de zombies (¿son zombies?), funciona por todos lados.

 

Calificación 7/10

Crítica: Hechizo de amor: La magia continúa

Por @cronicadeunavidacualquiera

La historia:

Luego de enterrar a su segundo esposo, Sally (Sandra Bullock), decide alejarse de la magia y también a sus dos jóvenes hijas pensando en la maldición que pesa sobre su familia donde los enamorados de las mujeres Owensmueren. Aun así su hermana Gillian, Nicole Kidman, no aprueba la decisión.  

Los años pasan y las chicas crecen y lo inevitable sucede, una de ellas se enamora y su novio tiene un accidente y queda en coma. Sally y Gillian deben decirles la verdad sobre su familia lo que las chicas no toman a bien, especialmente Kylie que va a Inglaterra a investigar sobre los orígenes de su familia sin saber todos los peligros a los que se expondrá allí. ¿Podrá Sally y Gillian salvar a Kylie? Habrá que verla para enterarse, si esta película nos hechizará o no lo vemos debajo. 

 

¿Qué me gustó?

El carisma entre Sandra Bullock y Nicole Kidman sigue ahí. Esa relación es lo mejor que aporta la peli  

El humor que usan para cortar un poco el drama funciona, aunque a veces parece forzado y le quita dramatismo a algunas situaciones

 

¿Qué no me gustó?

Hay demasiadas «casualidades» en cuanto a las cosas que pasan en la peli y no se entiende bien porque pasan en ese momento, salvo por conveniencias del guion. 

Tampoco se entiende porqué,  sabiendo que la maldición existe y lo que provoca, no se les aviso a las chicas o se tomó algún tipo de precaución. 

 

Comentario aparte y probablemente poco apropiado, pero no entiendo cuál es el problema con que la mujer envejezca, las dos protagonistas están irreconocibles por sus cirugías lo que afecta su expresión.

 

¿A quién recomiendo esta peli?

Si te gusto la primer parte, seguramente disfrutes esta. Si no viste la anterior, aunque hay una explicación al principio,  te recomiendo ver la primera parte y después si te gusta mucho podes darle una chance a esta entrega.

 

Calificación: 7/10

Duración: 110 minutos

Estrena el 10 de septiembre en cines.

Crítica: La guerra de los últimos

Por @cronicadeunavidacualquiera

A veces lo que tanto buscamos es lo que tenemos más cerca.

 

La historia:

Hig, Jacob Elordi, es uno de los pocos sobrevivientes de un virus que aniquilo a la mayor parte de la humanidad(¿les suena?). Vive en un aeródromo junto a Bangley, JoshBrolin, donde tienen todo lo que necesitan y viven tranquilos salvo por algún eventual ataque de carroñeros errantes.

Pero en uno de sus vuelos junto con su perro Jasper, Jacob recibe una transmisión por radio de un lugar que parece habitado y mucho más organizado. Pese a los comentarios de Bangley decide ir a explorar. ¿Encontrará el protagonista la nueva vida que busca o sólo encontrará decepción? Habrá que verla para enterarse, en principio seguramente se encontrará con los otros dos actores que aparecen en el poster. Abajo analizamos si vale la pena verla.  

 

¿Qué me gustó?

Las escenas en la soledad que muestran este mundo despoblado son en lo que la película se destaca. Despuéscuando quieren mostrar otras realidades es donde esta construcción se desmorona.

El perro Jasper claramente es el personaje más entrañable, aunque Bangley, interpretado por Josh Brolin, que funciona como figura paterna y la interpretación de Margaret Qualley están muy bien también. 

 

¿Qué no me gustó?

Los otros grupos de sobrevivientes parecen caricaturas que se quedan a mitad de camino entre una crítica social (como podría suceder con la saga de la noche de los muertos vivos de George A. Romero) y algo más absurdo o rozando lo cómico.

La peli no aporta nada nuevo al subgénero apocalíptico. Especialmente la primera parte tiene innegables similitudes con Soy leyenda (2007).

 

¿A quién recomiendo esta peli?

A los fans de las películas que muestran un mundo post apocalíptico, especialmente si te gustaron Soy Leyenda (2007) o Tierra de los muertos (2005) esta te puede interesar, claro que no está a la altura de estas dos entregas

 

Calificación: 7/10

Duración: 118 minutos

Estrena el 27 de agosto en cines.