Reseña: Sueño de una noche de verano

Por Sebastián Arismendi

Soliloquios veraniegos

De común conocimiento, esta noche de jueves es la última de teatro al menos por este mes (esperamos que así sea), la manera de cerrar con broche de oro y lleno de optimismo fue haber visto la adaptación de Greta Riso del clásico de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano (1595).


El teatro Espacio Callejón en Almagro, asume la tarea de montar este clásico que ganó 3 estrellas de Mar en el festival de Teatro en Mar de Plata este año. Con un despliegue actoral de 10 actores, cambios de vestuario y de personajes, está comedia Shakespeariana cargada de dobles sentido, orinismo, excentricidad, lujuria y divertidos momentos nos deja un buen sabor de boca y mejillas hinchadas por tanto reír.


Néstor González, Andrea Riaño, Hilario Quinteros, Sebastián Fraternali, Henry Beliera, Abby Forte, Pedro Ballesteros, Jorge Requesens, Manu Alma Peon, Clarita Campos, Leandro Guerra y Magalí Mendes son los encargados de darle fuerza e intensidad a los soliloquios Shakespearianos así como también dinamismo y sincronía al ser una obra de tantos actores en un espacio reducido, contando su duración (2 horas), que gracias al talento de estos chicos y la ágil dirección se hace un rato ameno.


Para quienes no conozcan la obra, una breve premisa sería: En la ciudad de Atenas dos amantes se desean, ella tiene un pretendiente que quiere casarla a la fuerza, una chica del pueblo envidia a esta por ser deseada y porque su amado se fija en su amiga, sintiéndose menospreciada. No es hasta que unas criaturas mitológicas intervienen y mediante hechizos invierten la situación y se vuelve una locura para todos los personajes ya que los hechizos rebotan entre sí.


Esta obra nos adentra al mundo de Shakespeare sin la necesidad de aburrirnos ya que la comedia es su fuerte, especialmente la de las insinuaciones sexuales y deseos, sin embargo no pierde el espíritu del autor inglés con esos soliloquios tan entregados y personajes excéntricos.
Cuando vuelva el teatro la podrán ver en Espacio Callejón (Humahuaca 3759) los jueves a las 20:30.

Deseo y espero que la situación mejore para seguir teniendo cultura segura y de calidad.

Reseña: Es lo que es

Por Sebastián Arismendi

Esto es lo que hay

De común conocimiento ya sabemos lo que está pasando en el país y en el mundo con la pandemia, no hay que explicar cuando, cómo y porqué, lo que si da curiosidad son las situaciones que se vivieron en el confinamiento, además de las negativas, seguramente hay muchas divertidas (no todo este mundo es caos y destrucción como los medios hacen ver). Algún antecedente artístico de esto es la película antológica Homemade, serie de cortometrajes de distintos directores sobre cómo se veía el confinamiento y ahora puedo señalar a esta divertida comedia que recién vi en el espacio cultural NoAvestruz en Palermo.


Es lo que es, es una comedia escrita y dirigida por Juan Washington y Felice Astorga, la misma es protagonizada por Marisa Picollo y Mariel Beninca, junto al reparto de Ricardo Schneider. La obra narra las vivencias de una nieta que pasa un estricto aislamiento con su abuela para poder cuidarla, a medida que convivan sucederán situaciones tan cotidianas y tan reales que seguramente a todos nos habrá pasado en este encierro.
La obra tiene una puesta en escena muy peculiar ya que vemos a los personajes separados por formas geométricas colometricas que hacen ilusión a algún cuadro de arte conceptual moderno, además la musicalización evoca a las bandas sonora de los juegos de Atari y los vestuarios hacen contraste con estas formas, las actrices irán contando sus vivencias diarias de una manera muy divertida, utilizando la mímica y la libre interpretación para describir acciones. Hay una carga ligera de nostalgia, especialmente en el personaje de la abuela, que además se vuelve el más entrañable de todos.


Es lo que es, una propuesta fresca, divertida e ingeniosa del teatro under, que si bien toca un tema que nos agobia a todos, nos hace reír y desconectarnos por un rato.
Disponible en el teatro NoAvestruz en Palermo Hollywood (Humboldt 1857) los domingos a las 19.
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Reseña: El reñidero

Por Sebastián Arismendi

Olor a sangre

Hace un siglo atrás la sociedad era más violenta de lo que es hoy, se regia la norma del más fuerte o el más guapo, por lo que la ley y autoridad se ausentaban en los duelos por poder y hombría. No podemos imaginarnos con exactitud cómo debía ser vivir en Buenos Aires de 1905, especialmente en Palermo, que en su momento no era un barrio lleno de pubs y boliches cómo lo es hoy, sino un lugar marginal y peligroso.


Sergio de Cecco en 1962 trajo la aclamada obra El reñidero, esta a su vez es la interpretación criolla porteña y post colonial de la tragedia de Griega de Electra de Sófocles y el clásico de Shakespeare Hamlet. Sus personajes están encerrados en un reñidero, una pelea de gallos sangrienta para ver quién tiene más poder. Sacando sus deseos impuros y vengativos.
El baño de sangre ya estaba desde hace tiempo y no es hasta el asesinato de Pancho Morales, uno de los hombres más respetados de Palermo que comienza. Su hija Helena, siente deseos por su padre y celos de su madre, su hermano Orestes debe vengar la muerte de su padre o dejarse influenciar por su madre.
Antonio Leiva nos trae esta maravillosa adaptación, su magistral dirección en el emblemático teatro Empire, todo esto con un alto elenco comprometido para recrear esta tragedia porteña de inicio de siglo: Yamila Gallion, Javier Salas, Tamara Cynthia Paganini, Omar Ponti, Juan Pablo Rebuffi, Hermes Molaro, Juan Carlos Uccello, Rocio Belén Moragues y un coro interpretado por Rocío Belén Moragues, Érica Ruiz, Enzo Abel Dupre Cristian Emmanuel Frenczel. Además de las potentes actuaciones, otro factor destacado es la impecable escenografía que aboca dos escenarios entre sí: el velorio y el reñidero dónde fungen todas las desgracias.


Hay una enorme carga de lunfardo de inicio de siglo pasado, así como referencias a obras literarias de Marechal, puede que sea una obra compleja y pesada para quien quiera ver una opción divertida de teatro sabatino, pero sin dudas el despliegue actoral y de dirección hace que valga la pena, nos adentra dentro de un clásico argentino y a su vez si nos gusta, podamos indagar más en el teatro griego y otras obras clásicas si no tenemos mucho conocimiento de ellas.


El reñidero está disponible todos los sábados de abril a las 21 horas en fabuloso teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934) en la zona de congreso.

Reseña: DOS/Un elogio escénico para el amor

Por Sebastián Arismendi

¿Qué es el amor?

La pregunta que todo filósofo, poeta o artista se hace. Responderla sería hacernos más preguntas y creo que la respuesta al sentimiento más profundo que siente el humano ademas del odio, nos llevaría al punto de inicio. Dos “Un elogio escénico para el amor”, es una obra escrita y actuada por Diego Starosta y dirigida por Sebastián Ricci, un monólogo que se presenta en el acogedor teatro Payró en la zona de retiro.


Starosta nos regala una frenética y apasionada interpretación o más bien dos, acá realiza dos personajes, una especie de maestro y su pupilo, el primero quiere desarrollar un proyecto para darnos la respuesta del amor y el segundo lo ayuda pero también pone en duda sus planteamientos. El autor pone el cuerpo y la voz para ambos caracteres, luego vendrá una lluvia de pensamientos filosóficos sostenidos e una sola base: Explicar el concepto del amor, todo según según la visión del filósofo francés Alain Badiou.
Starosta explora el significado del amor según la política, la religión, la ciencia, la poesía y el arte, siendo el último el peso principal, ¿Amor al arte?, ¿El arte es una expresión de amor?


Mediante mimicas, desmontaje del escenario, piruetas y debates se da un monólogo rico en ideas pero que también nos hace replantear nuestra idea del amor y el arte. Es una buena propuesta de teatro under para disfrutar los viernes a las 21 horas en el teatro Payró (San Martin 766)

Reseña: Petróleo

Por Sebastián Arismendi

Masculinidades profundas

La industria petrolera suele estar dominada por hombres, son ambientes hostiles para expresiones de género que no sea masculinas estándar, el estereotipo de obrero petrolero/ construcción es muy marcado, quien se sale de eso puede que sea juzgado o no.


Viniendo de un país petrolero sé cómo se maneja la industria y los asuntos internos, y al ver la obra del grupo piel de lava me pregunté si dentro de los trailers y en confidencialidad esta coraza de masculinidad vernácula puede romperse.
Petróleo es una obra del grupo lava, estas escriben, dirigen y actúan la misma, acá se meten en la piel de obreros petroleros en un pozo de fracking en Vaca muerta, con jornadas de 7×14 dónde se trabajan 12 horas por dos semanas y luego se libra una semana, 4 compañeros de planta comparten una noche de mucho frío, confidencialidades, humor y camaradería.


Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes interpretan a estos personajes, aunque Laura Fernández aparece como escritora y directora junto a ellas. El ensamble luce genial en esta obra de 100 minutos, sin haber leído la ficha entera puedes no notar que son mujeres interpretando a hombres. Acá se explora el rol de género desde una perspectiva no femenina sino de masculinidad libre, no condicionada a ser estrictamente hostil, todo esto lleva a reflexionar sobre que rol de género tenemos en la sociedad: el que queremos o el que nos imponen.


Hay muchos chistes acá generalmente del orden escatológico, algunos no se puedan entender por diferencia cultural y capaz la extensión de la obra pueda ser un factor en contra, es entretenida y se pasa un rato ameno para una noche de miércoles porteña. Petróleo está disponible por los miércoles restantes de abril a las 20:15 hs en el Teatro Metropolitan Sura (Corrientes 1343)

Reseña: Esto es tan sólo la mitad de todo aquello que me contaste

Por Sebastián Arismendi

El café del velorio

Cuando hay un velorio además de llantos hay revelaciones, también situaciones absurdas que dan una cara tragicómica de una situación penosa. En cada evento familiar cómo este, el café o un té de manzanilla son necesarios para agasajar a los invitados, pero qué pasa si los familiares no conocen del todo la vida de quién falleció y sobretodo, poco se conocen entre ellos mismos.


Esto es tan sólo la mitad de todo aquello que me contaste es una obra original de Pablo Bellocchio, dirigida por Gastón Cocchiarale y con un elenco joven coral integrado por Sebastián Bauza, Sebastián Sinnott, Malena López, Bianca Vicario, Tamara Liberati, Brenda Bonotto, Matías Leites y Tomas Pinto Kramer.


“Una casa. Dos cuartos separados. Un velorio. Dos familias. Un mismo padre” es la premisa que nos ofrece esta tragicomedia estrenada en el Método Kairos en Palermo.
La audacia de la misma radica en las dos visiones de ambas familias y el tiempo que toma para mostrar a casa personaje. Acá nos encontraremos con gran cantidad de reproches, revelaciones, chicanas y verdades que saldrán en un momento tan delicado como la muerte de un padre, pero también un retrato familiar muy realista en la cual nos podemos identificar, con situaciones sinceras, irónicas, inverosímiles pero bien plasmadas.


La obra recuerda mucho a Esperando a la carroza ya que es el mismo contexto: pelea familiar en un velorio, sin embargo acá no está Mama Cora ni algún quilombo por quién se lleva la urna, acá están las dos visiones de las dos familias que solo una pared separa y que en la obra misma podemos conocerlas sin necesidad de quedarnos con muchas preguntas.
La dirección de actores es completaria y la escenografía de los dos espacios es impecable.


Sin duda una buena dirección de Gastón Cocchiarale y porqué no, una excelente idea para salida teatral dominical.
Disponible domingos a las 20:30 en el método Kairos (El Salvador 4530)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: ¿Cuántas son muchas?

Por Sebastián Arismendi

La estadística no suficiente

Hace un mes vi el documental mexicano Las tres muertes de Marisela Escobedo, largometraje que me dejó atónito pues refleja la realidad no solo de un país, sino de un mundo lleno de violencia, donde las mujeres corren mucho más riesgos. Marisela Escobedo fue asesinada frente la gobernación de Chihuahua luego de 2 años de intensa campaña en busca de justicia por el femicidio de su hija.


Hoy pude ver la obra “¿Cuántas son muchas?” Dirgida por Valeria Lorca, siendo una adaptación del libro de Humberto Robles, el cual narra los femicidios en Ciudad de Juárez, Estado de Chihuahua.
Lorca asume el desafío de mostrarnos una obra musical e interpretativa sobre una problemática que hoy día persiste. 5 actores:4 mujeres y un hombre, todos de distintas edades y contextos dramatizan testimonios de familiares y víctimas, especialmente en lo último se enfoca más en el momento previo a la tragedia, siendo los que enfrentan el duelo los que tienen voz para pedir justicia.


El manejo de luces es sublime, siendo el rojo el color más concretado en el escenario, los actores realizan cambios de vestuario fugaces entre acto y acto, y es aquí donde señalo que posee la estructura de un musical, ya que mediante la danza interpretativa, lenguaje corporal y canciones, los personajes dan vida a las que se fueron, manteniendo su voz en alto con la finalidad de que la ley y autoridades tomen cartas en el asunto.


Hay una frase que rescato de la obra: “El gobernador de Juárez dijo que 69 femicidios no son una cifra”.
¿Entonces cuántas mujeres más deben morir?, ¿Cuál debe ser la estadística suficiente?. Si bien la obra es ambientada en Mexico, es una realidad muy latente en Latinoamérica, aunque algunos países posean tasas mas altas de femicidios que otros, ¿Cuántas son muchas y cuántas son suficientes?
No más.


El mensaje que deja la obra es contundente, se destaca la dirección de Lorca y las versátiles interpretaciones actorales que en sincronía cumplen la meta de ser audaces y complementarios para poder realizar distintos papeles a la vez en escenas diferentes entre sí.


La obra se iba a estrenar el 19 de marzo de 2020, por conocimiento común no se pudo. Hoy 19 de marzo de 2021 está disponible los viernes restantes del mes y de todo marzo a las 21 horas en el piso 4 del Centro Teatral San Martín sobre la calle Corrientes.

Reseña: Te quiero, sos perfecto, cambiá

Por Daniel Alvarez

La obra Te quiero, sos perfecto, cambiá es un musical en el que nos presentan diversas situaciones de pareja desde una perspectiva cómica y musical, a través de sketchs interpretado por cuatro talentosos actores. Si, no nos olvidemos de los músicos en vivo, que acompañan a un espectáculo sumamente entretenido.

Te quiero, sos perfecto cambiá es una obra basado en un musical del off de Broadway, adaptado por Gonzalo Demaria para su versión en Buenos Aires en la reapertura de teatros con protocolos. A través de varios sketchs, este musical nos va contando diversas situaciones que van desde las primeras citas, noviazgos, vida de casados, de padres, hasta llegar a las relaciones en la vejez. Si bien cada una de las historias son independientes una de la otra, siguen una línea de progreso para contar todas las etapas de la vida en cuanto a las relaciones humanas. Cada sketchs cuenta con su dosis de humor, parodiando situaciones reales en las que muchos se pueden identificar, sin olvidarse del componente musical que acompaña con letras y melodías a todas las historias. Es verdad que algunas situaciones son mejores que otras, también depende de la identificación del público con ellas, pero en términos generales mantienen un ritmo muy dinámico, son entretenidas y denotan creatividad en sus representaciones.

Los actores en escena son los que ayudan considerablemente a que nos mantengamos entretenidos con cada historia y la gran cantidad de personajes interpretados. Laura Oliva, Florencia Otero, Roberto Peloni y Agustín Sullivan son los encargados de entrar y salir de escena, cambiar de vestuarios y personajes constantemente, todo con agilidad e histrionismo. No hay que olvidarse de los músicos en escena, con Gaspar Scabuzzo en el piano y Valeria Matsuda en el violín, que además de encargarse de la musicalización del espectáculo, cuentan con algunas participaciones en lo narrativo de la obra.

La dirección está a cargo de Ricky Pashkus, que ha sabido poner a estos cuatro artistas a hacer de todo en escena, logrando que casa uno destaque en determinados momentos , tanto en lo cómico como en lo musical. La escenografía está bien utilizada, manejando la creatividad en los cambios de ambiente de cada sketchs, en conjunto con un atractivo diseño de luces.

Te quiero, sos perfecto, cambiá es una obra simple, que lo que busca es que logremos divertirnos con cada una de sus historias, aunque al final guarde un pequeño lugar para la reflexión. Los sketchs son muy entretenidos gracias a la labor de sus actores, que dan todo de si para destacar en cada uno de sus personajes. Puede que la cantidad de situaciones sean bastantes y se siente un poco larga la historia, pero no sé asusten, porque en ningún momento decae. El show logra que podamos terminar la función con una sonrisa.

La comedia musical está protagonizada por Laura Oliva, Flor Otero, Roberto Peloni y Agustín Sullivan.

Con Dirección General de Ricky Pashkus

Una Producción General de Rimas Producciones

Teatro Astral (Avenida Corrientes 1639, CABA)

Funciones: Miércoles a las 21 hs. Jueves a las 21 hs.

Sábados a las 19.30 hs.

Entradas a la venta en boletería o por Plateanet.

Reseña: Suyay

Por Sebastián Arismendi

La espera de la siesta

El teatro under no muere, se transforma y en tiempos de Covid-19 sigue presente y quiere seguir. El espacio cultural Moscú en Villa Crespo nos recibe con una foto de Anton Chéjov canchero en la entrada y con el monólogo dominical de Pilar Ruiz: Suyay.

Agustina Groba interpreta a la Gringa, Gringuita, Grin-ga, cómo suele este personaje separar en sílabas las palabras nuevas que descubre. Calor intenso, una finca y la espera de la lluvia para levantar la cosecha, algún paisaje del norte Argentino y una amistad pre-adolescente llena de ilusiones e inocencia.

Pilar Ruiz en su texto nos muestra cómo las diferencias de clase son definidas y establecidas para los adultos pero insignificantes para los más chicos, que las barreras lingüísticas pueden ser derrumbadas cuando hay vínculos de por medio y que la amistad suele ser un sentimiento intenso cuando se es más joven y se sufre igual que el amor.

En 50 minutos se desarrolla esta obra cuyo escenario simula ser un quincho, con cuadrados de paja y sillas reposeras, al entrar ya vemos a la actriz en espera de que todos los espectadores entren, el protocolo de distancia social e higiene se cumple para ser un teatro pequeño, una vez todo listo Agustina Groba nos regala un perfomance explosivo, inocente y tierno, estando en ella la niña y la ilusión.

Las funciones de Suyay son los domingos las 20:30 en el acogedor espacio cultural Moscú en Villa Crespo (Juan Ramírez Velasco 535)

Les escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Bergman & Liv. Correspondencia Amorosa

Por Sebastián Arismendi

Cartas escandinavas

Para conocedores del séptimo arte, especialmente aquellos que van más allá de Hollywood y se dirigen hacia los directores más influyentes del siglo XX del mundo en general, seguro conocerán a Ingmar Bergman, el director sueco que causó sensaciones y toneladas de premios durante 4 décadas con sus películas. Bergman en 1966 contrata a Liv Ullmann, una joven actriz noruega de teatro para que debute en su película de thriller psicológico Persona, rodada en la isla Fårö, cuando se conocen comenzará entre ellos un romance tan apasionado, que incluso llevandose 20 años de diferencia entre si y con matrimonios ya establecidos, la relación será tan avasallante que a pesar de que la convivencia solo fue por un lustro, Liv fue la eterna musa y confidente de Bergman durante una docena de filmes. De igual modo no hay que ser cinefilo para poder empatizar con la obra que escribe Lázaro Droznes, el cual dramatiza cartas que Bergman y Ullmann se escribieron y da rienda libre a su imaginario para recrear esta maravilla epistolar con la dirección de Leonor Manso y las interpretaciones de Ingrid Pelicori como Liv y Osmar Núñez como Bergman.


Todo este contexto anécdotico de la historia cine que mencioné al principio es narrado por la voz en off de Leonor Manso al principio de la obra, con fotos de los personajes reales, así nos adentramos en la historia.


La escenografía es simple y la luz del escenario no cambia, ambos actores comienzan no una lectura epistolar sino una explosión de sentimientos, reproches, ira y pasiones al momento de dramatizar las mismas, mientras uno escribe el otro a la distancia escucha. Durante el rodaje de una pelicula es común que se formen romances entre actores con sus directores o entre cualquier integrante del equipo, estas historias van más allá de la ficción y quedan para siempre en la historia del cine.


La dirección de actores que da Manso es sencilla pero contundente para que Pelicori y Núñez expresen el contenido de estas cartas y depositen las emociones en el público que también será parte de esta historia de amor que capaz nos parecerá ajena, pero seguramente como espectadores estaremos también en el contenido de esas cartas escandinavas con nuestras propias historias.

Bergman y Liv estará disponible por 6 funciones más los viernes y sábados a las 20:30 en el Centro cultural 25 de mayo en Villa Urquiza (Triunvirato 4444)