Reseña: La Suerte De La Fea

Por Victoria Seri

Maravillosa. Simplemente maravillosa. La Suerte de la fea es una historia deliciosa.

fb_img_15492588025562012569312650936724.jpg

El escenario es pequeño pero la actuación de Luciana Dulitzky es gigante. La obra está dirigida de excelente manera por Luciana Dulitzky. La actriz interpreta el texto del dramaturgo y director de teatro Mauricio Kartun a la perfección, entre paréntesis, una joyita también.

Una historia compleja que deja en evidencia los hábitos de consumos del siglo XX y también la cultura patriarcal de ese tiempo. Los hombres solían acceder a ver orquestas femeninas solamente de lindas mujeres quienes simulaban tocar los instrumentos. Mientras tanto debajo del escenario, en fosas, se encontraban las verdaderas músicas, las feas, las que verdaderamente contaban con el talento para ejecutar las piezas musicales.

Toda la puesta es impecable. El escenario y la escenografía sumergen al espectador en la época. Las luces juegan un papel importante ya que determinan los climas que se plantean en escena.

Musicalmente hablando, el violín que toca Fede Berthet supera todas las expectativas. Acompaña momentos específicos de la obra. Pone el justo énfasis en las escenas de un texto denunciante que nos hace cuestionar la belleza hegemónica, el éxito, el fracaso y el pensamiento aún vigente de que, si no se siguen determinados estándares, te tenes que esconder porque no servís para nada.

El espectáculo forma parte de una producción independiente, que ya tiene su tiempo en cartelera y se mantiene. Inicialmente estuvo en Timbre 4 y ahora se presenta en el teatro El Picadero los domingos a las 18 hs. Son 50 minutos de un relato contado de manera inigualable. Es simplemente imperdible.

Ficha artística-técnica

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actuación: Luciana Dulitzky

Dirección: Paula Ransenberg

Composición musical e intérprete en escena: Fede Berthet

Asistencia de dirección: Marcelo de León

Diseño de Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Realización escenográfica: Los Escudero

Realización  de vestuario: Lucina Tropini

Diseño de iluminación: Fernanda Balcells

Pelo: Granado

Fotos: Alejandro Ojeda, Sofía Montecchiari

Diseño gráfico: Zkysky

Repostería: Vilmanjar

Prensa: Simkin & Franco

Anuncios

Entrevista a Agustina Sario y Matthieu Perpoint: Dupla que estrenará la obra “4 Movimientos Para Una Sinfonia”

Agustuna Sario  y Mattieu Perpoint, una de las duplas artísticas más talentosas, estrena 4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA, su primer obra juntos. Los bailarines e intérpretes, con amplia trayectoria en compañías de danza nacionales e internacionales, sorprenden con un nuevo espectáculo en el que proponen un recorrido multidisciplinario que combina danza, música en vivo y artes visuales. Tuvimos el placer de hacerles unas preguntas para que nos cuenten un poco sobre el espectáculo que estrenará el 7 de marzo a las 20:30 hs en el Club Cultural Matienzo.

Agustina Sario y Matthieu Perpoint - ph Alex Robaina.jpg

1) ¿Cuál fue la motivación para hacer juntos este espéctaculo 4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA (4MPUS)?

Agustina Sario: Desde que llegamos a Buenos Aires continuamos la búsqueda artística colaborando con otros coreógrafos. Ya hace unos años empezamos a sentir las ganas de expresar lo propio, de desafiarnos más, de buscar la manera de trabajar con nuestras propias inquietudes.

Matthieu Perpoint: Especialmente en 4MPUS la búsqueda toma raíces en que estamos viviendo juntos desde hace 14 años y de alguna manera preparar una comida y preparar un espectáculo comenzaron a cruzarse, nutrirse, encontrar lo poético en lo cotidiano y lo que puede haber de cotidiano y no solemne en lo poético.

2) ¿Qué obejtivos persigue, como propuesta artística, en el terreno de la danza?

Matthieu Perpoint: Persigo algo del terreno poético que tengo adentro. Para mí lo que llamamos arte es el lugar más adecuado para compartir algo de lo humano. 

Agustina Sario: Yo diría que muchos! La danza es un terreno que me hace respirar, tener otra mirada, reciclar y poder expresar desde la escena. De alguna manera creo que movernos y crear desde el cuerpo tiene una complejidad y simplicidad a la vez, estamos cargando nuestro propio instrumento, nuestro violonchelo encima! Y queremos que suene auténtico, puro y sin artificios.

3) ¿Qué desafíos se plantean a nivel pareja artística y en esta puesta en particular sobre el escenario? 

Matthieu Perpoint: Particularmente en 4MPUS: estar en la escena como estamos en casa.

Agustina Sario: En cada puesta,  creación o investigación hay dos aristas, una lo que creemos que queremos hacer y otra lo que sale, lo que hacemos, que viene de un lugar no premeditado y responde a intereses más oscuros, más ocultos, inconscientes. De alguna manera el trabajo es actualizar nuestra mirada para aprenderlos y trabajar física, sonora, y plásticamente con ellos.    

En 4MPUS nos metemos en un terreno muy cercano, tomándonos a nosotros mismos como objetos de investigación. La creación tuvo muchas etapas lo que nos permitió meternos de a poco en lo genérico, sensual, brutal, cotidiano y poético.

Matthieu Perpoint: También en este trabajo recurrimos al video, creado por Joaquin Wall, como soporte expresivo para mostrar algo del orden de lo íntimo y sugerir un recorte en la mirada, una invitación al espectador a ver detalles.

En esta puesta en particular los vínculos con el equipo de trabajo se consolidaron. Con algunos ya veníamos juntos en las obras: “3 ideas idiotas” y “Solo nº 3”. Esto genera una sinergia muy rica en lo sonoro con Demián Velazco Rochwerger, en lo plástico con Leandro Egido y en la luz con Adrián Grimozzi.

4) ¿Qué diferencias encuentran entre la formación del bailarín local y la experiencia propia de ambos durante los años de estudio y formación en Francia? 

Matthieu Perpoint: Allá tuvimos suerte de girar mucho, quizá esto es una diferencia. También es más suave el proceso. Crear acá es más difícil. Por suerte tuvimos los espacios y la gente de las residencias para apoyarnos en Casa Sofía y Marte en Matienzo.

 

Agustina Sario: En Francia la infraestructura en danza es más fuerte y es verdad que eso da suavidad, contención. Nuestras condiciones de trabajo allá eran excelentes. Trabajamos en una compañía radicada en un Centro Coreográfico Nacional- CCN Rillieux. La-Pape- en Lyon con un contrato fijo. Bailábamos obras de repertorio con teatros repletos como May Be y otras en Festivales en donde el público gritaba tan irritado que tuvimos que parar el espectáculo, como Description d´un Combat en Impulstanz.  Allá un coreógrafo como Maguy Marin que trabaja en este contexto se mueve con una obra de los ’80 que genera un flujo de público increíble hasta obras que responden a deseos actuales y que no se crean para buscar consenso sino para expresar lo que ella siente hoy.

5) ¿Consideran que el baile es un lenguaje universal? 

Matthieu Perpoint: La música creo que sí. La danza viene después. 

Agustina Sario: ¿El cuerpo es Universal? El cuerpo está y los gestos que produce generan acuerdos, entendimientos, además de comunicar para expresar desacuerdos, eso es universal.

4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA- OK.JPG

4 MOVIMIENTOS PARA UNA SINFONIA| ESTRENO 7 DE MARZO, 20.30hs

Funciones: Jueves 7,14, 21 y 28 de Marzo, 20.30hs en Club Cultural Matienzo (Pringles 1249)

Sala Auditorio. Localidades $180 (descuento estudiantes y jubilados $150). Reserva en el teatro o www.alternativateatral.com

Reseña: Minas, de Diana Amiama.

Por Sebastián Sabio

Humor femenino y “otras cosas

La obra trata sobre tres amigas pasadas de los cuarenta que se reúnen y, ayudadas por los afectos del alcohol, van a revelar sus pensamientos y a decirse lo que nunca se dijeron abordando temas como la fidelidad, la sexualidad y la maternidad.

DSC_1482.jpg

Esta obra no cuenta con un nudo puntual, sino que crece a partir de pequeños conflictos que se van dando entre las protagonistas.

Se pueden ver dos personajes muy originales que hacen a la obra atractiva y entretenida. Sin embargo el personaje de Eugenia es un absoluto estereotipo. Sin embargo el contraste que se produce entre los dos primeros personajes y el tercero ayuda mucho al desarrollo.

Tanto al inicio como al final de la obra se usa un recurso audiovisual. Una proyección que muestra los tres diferentes caminos que viven las protagonistas. A pesar de ser un recurso original, realmente no le aporta nada a la obra y no queda muy en claro el objetivo de dicho recurso.  La obra puede disfrutarse los viernes a las 21hs en el teatro El Extranjero.

Minas.JPG

Ficha artístico técnica:

Autora: Diana Amiama

Actúan: Silvia Hilario (Yiya),Milagros Gallo (Eugenia),Andrea Jaet (Adelita)

Asesoramiento en Vestuario: Alejandra Soto /  Diseño Musical y Sonoro: Cecilia Candia /

Diseño de Iluminación: Malena Miramontes Boim / Videoarte: Silvia Maldini /

Asesoramiento coreográfico: Lucía Khabie / Asesoramiento en maquillaje: Fernanda Loscalzo / Actrices en video: Lucía Khabie, Mile Muscia y Valentina Veronese

Asistencia de Dirección: Valentina Veronese / Diseño gráfico: Malena Candia /

Redes: Martina Mouro / Fotografía: Florencia Bauzada / Hernán Nuñez / Prensa & difusión:

Simkin & Franco.

Dirección: Ana Alvarado

Minas cuenta con el apoyo de ProTeatro del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Reseña: Piso 35, de Analía Mayta

Por Victoria Seri

El 8/2 se estrenó la segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

 

Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

 

Actores:

 

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

 

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

PISO 35 - A baja.jpg

Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

 

Actores:

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

Reseña: Diciembre, de Mariana Armelin y Diego Leske

La puesta teatral Diciembre, llegó para quedarse, a Nün Teatro Bar, los viernes a las 20:30 hs.

Esta historia se la podría imaginar, a pocos días del 25 de diciembre, en medio, de una térmica rondando en los 40 grados, las compras navideñas, los reclamos en las calles. Teatralmente, Diciembre, brilla con luz propia en el escenario, colgada como regalito del amigo invisible en cualquier arbolito cambiario de la city porteña.

Con dramaturgia de Diego Leske y Mariana Armelin, ponen en el tapete, las miserias de esos personajes siniestros de una cueva cambiaria, que lo único que saben es especular, con un kilometraje importante pedaleando en la bicicleta financiera. El personaje turbio que solo piensa en la oportunidad, con plata mal habida, excelentemente recreado por el mismo Diego Leske. Quien en el escenario lo comparte junto a la actriz Florencia Sacchi, que personifica y se destaca por lograr mostrar la otra cara de la moneda.A una muchacha, venida de la provincia de Corrientes, con acento guaraní, secretaria del malandra financiero y testigo de este ambiente contaminado. Es buena, pero la necesidad es la que la ha llevado en ese antro de corrupción. Hay un tercero en discordia, encarnado por el joven actor Matías Corradino, con un personaje creible, muy logrado.

En la historia, este tercer personaje, con una mente privilegiada, con la capacidad de armar modelos matemáticos aplicando la fórmula matemática de la serie de Fibonacci,es inocente, no sabe que es usado e indirectamente es el culpable de las manifestaciones que se escuchan desde la calle.

No vamos a contarles más, dirección de Diego Leske, una propuesta blindada en todos los sentidos, un elenco maravilloso, que aceptó el desafío de apostar a una puesta poco convencional en cuanto a la temática e inclusive en el desenlace. Un guión sólido con un mensaje claro, mostrando la frialdad numérica con que operan estos ladrones de guantes blanco, desde lujosas oficinas y de generaciones que le van sucediendo, inmersos en la especulación.

La recomendamos, porque la obra propone intentar llegar a Enero, con muchos billetes de por medio y plagado de desafíos. El público será testigo por las pruebas que cruzarán donde nada es como parece ser. Quiero rescatar la frase de la cartelera sobre la obra “en medio del derrumbe, un amor improbable”.


Diana Decunto
anahidec5@gmail.com

Reseña: Andrés Ini presenta “Lo que se me canta”

Por Victoria Seri

“Lo que se me canta” se presenta en el teatro Maipo los viernes y sábados a las 21.30 hs. Es un espectáculo divertido, en el que se tocan temas de actualidad y también tiene música en vivo. Es ideal para distraerse y relajarse después de la semana laboral.

DSC_1554B.jpg

La sala Maipo Kabaret es una sala un poco más pequeña que la principal y está ubicada en el segundo piso del edificio teatral. Lo que tiene de atractivo el lugar es que su estructura es parecida a la de un café concert. Se puede comer y beber mientras se disfruta de la función.

Andrés Ini, no Andrés Iniesta, como repite en el show varias veces, pide a su público que para que lo recomendemos de boca en boca, solo recordemos que la diferencia entre Ini e Iniesta es ésta.

Él es comediante, actor, cantante y licenciado, entre otras tantas cosas y nos entretiene en “Lo que se me canta”, una mezcla de stand up y musical. Es inevitable la risa porque el show logra que te sientas identificado con las situaciones que presenta y las cosas de las que habla. Y ahí está la cuestión: encuentra en lo cotidiano, en lo naturalizado una forma de canalizar esas experiencias en entretenimiento. También realiza un análisis sobre nuestra coyuntura, que provoca risas y distención con la ayuda de la participación del público.

Adicionalmente, incorpora la música, elemento muy importante en el unipersonal. Al artista Ini lo acompaña otro artista, el músico y compositor, Daniel Pragier. Toca el piano y es cómplice/espectador durante el espectáculo.

Definitivamente es super recomendable esta propuesta, una hora y veinte de pura alegría y distención.

 

 

Ficha Técnica:

Autor e intérprete: Andrés Ini

Dirección Musical y piano: Daniel Pragier

Coordinación de producción: Romina Rodríguez Acha

Asistencia general: Agustín Belloli

Colaborador artístico: Santiago Leiro

Vestuario: Le Bon Marche

Prensa: Duche&Zárate

Web: www.andresini.com.ar

Funciones: Viernes y sábados a las 21.30hs

Localidades: $ 400.- En venta por www.Plateanet.com

Boletería: Lunes a lunes de 10 a 20 horas / 5352-8384

Maipo Kabaret – Esmeralda 443 – CABA

Reseña: Madre coraje

“Madre Coraje” es una obra de teatro del gran Bertolt Brecht que fue escrita en 1939, y que aún sigue teniendo vigencia en nuestros tiempos. Si bien no estamos viviendo ninguna guerra como las de antes, los temas que abarca esta obra pueden ser trasladados a nuestro cotidiano, sorprendiendo así al espectador, quien encuentra en esta pieza teatral un reflejo de lo que es el ser humano.

FB_IMG_1549419414618.jpg

Esta versión del reconocido director José María Muscari se presenta este año en su segunda temporada. Luego de haber pasado por el Teatro San Martín, el carromato de Madre Coraje desembarca en la bella sala del Teatro Regina para seguir demostrando que es una excelente opción para disfrutar de un gran clásico mundial. Una versión que no presenta apagones, pero sí, en su lugar, un estilo musical con un juego de luces que transforman esta obra en una pieza con una característica muy Muscari y que llama la atención. Con los mismos personajes como narradores, y movimientos corporales que acompañan al delicado texto de Brecht, demuestran la sublime dirección actoral que lleva adelante su director.

Claro está que no hay otra actriz para representar a Madre Coraje, porque Claudia Lapacó es inmensa y es la única que puede llevar adelante un personaje con estas características. Durante una hora y cuarto no sale del escenario, brindando al público una clase magistral de actuación, con pequeños gestos faciales que demuestran una composición exquisita de esta mujer, cuyo único objetivo es sacar rédito de sus objetos en venta en medio de la guerra.

Acompañada por un elenco de notables actores y actrices, Iride Mockert merece una especial atención. Representa a la hija de Madre Coraje, a quien la guerra le quitó sus cuerdas vocales, y su actuación es eximia. En teatro, dicen, la voz y la palabra es lo que salva al actor, por lo que hay que indagar mucho en lo que se expresa con los movimientos, e Iride deja su cuerpo y alma para llevar adelante a este personaje que representa la esperanza en tanto caos. No es nada fácil transmitir lo que transmite Mockert, por lo cual queremos felicitarla frente a su brillante trabajo. Por otro lado, Silvina Bosco, como la cocinera, Esteban Pérez y Martín Slipak, como hijo mayor e hijo menor, también tienen su destaque y llevan adelante sus personajes de manera espléndida.

“Madre Coraje” muestra las consecuencias de la guerra, o mejor dicho, las consecuencias de la avaricia y la ambición. También nos muestra cómo el ser humano, en tiempos de crisis, vuela por conveniencia. Cuando creemos que la paz es el objetivo mayor -una utopía-, para muchas personas la guerra es la que ofrece más dinero y un pan sobre la mesa. Es por eso el espectador se encuentra en esa disyuntiva, y así como Madre Coraje no aprende su lección, quedando sola en el mundo, el espectador es quien tiene la función de entender, aprender y reflexionar sobre las decisiones humanas.

Viernes, sábados y domingos a las 20hs son los días para disfrutar en el Teatro Regina de este clásico de Brecht bajo la dirección de José María Muscari.

 

Reseña: La suerte de la fea

De Mauricio Kartun, con la actuación de Luciana Dulitzky y dirección de Paula Ransenberg, estrena temporada 2019 en el Teatro Picadero con funciones los días domingos a las 18 hs., la obra teatral La suerte de la fea.

La pieza ya tiene tres años en cartelera, con excelentes devoluciones por parte de la crítica especializada.

La obra ambientada a comienzos de siglo, es un unipersonal, que representa un verdadero desafío para un artista, donde el espacio físico reducido, donde la actriz Luciana Dulitzky se desenvuelve, logra simbolizar lo que la vida significa en el personaje de esta mujer, aprisionada, bastardeada, por la incomprensión de un machismo, donde la sumisión, aún hoy es moneda corriente de ser padecida por el género femenino. La historia narra como una violista toca en lugares donde es despreciada por el sexo opuesto, donde el único y peor de los pecados que esta mujer arrastra es la vergüenza de ser fea. Los patrones de los lugares donde trabaja para ganarse la vida, no son capaces, de diferenciar una violista de una violinista y como carece de los atributos de belleza es confinada al foso, para que interprete las piezas musicales, mientras que una figurante, joven y hermosa hace que toca. Ese foso simboliza, la oscuridad, la soledad, la represión sexual a la que está sometida.

En el avance del parlamento, a la fea, le surge la chance de tocar, de lucirse como intérprete musical, de lograr fama, pero esa mujer sueña, y resulta excelente el desempeño de la actriz para lograr el clima dramático adecuado donde esa luz de esperanza es la ventana que le ofrece la oportunidad de ser igual al resto de las mujeres. En este caso, la esperanza no es lo último que se agota, una brisa con facilidad la apagará provocando la resignación porque la única suerte de la fea, es ser confinada y escondida. “No sirve”.

En escena hay un gramofono y Kartun, no sólo lo usa como objeto formando parte del material escénico, sino que además nos aggiorna sobre lo que debe haber sido el efecto de poder grabar la voz humana y ser reproducida. Me hizo reflexionar sobre la revolución tecnológica que debe haber producida en ese momento.

No vamos a contar más, para que ustedes personalmente, se enteren en que forma la afecta el gramófono en la vida de esta mártir.

Una obra que tienen muchos puntos en común con el Cyrano de Bergerac, cuyas diferencias son, en nuestro caso, el dolor es padecido por una mujer y tiene el inconfundible estilo de Kartun, en cuanto al humor y cinismo.

Para el público que lea esta nota, y que pertenezca a mi equipo, el de los que desconocemos la diferencia entre violinista y violista, les comento que la viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los graves y medios del violoncello y los agudos del violín. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. Al intérprete de este instrumento se lo denomina «viola» (también «violista», si bien esta última forma no está en el Diccionario de la Real Academia Española.

Les recomiendo que no se pierdan la oportunidad de ver esta pieza teatral. Serán testigos de los padecimientos de una mujer que reclamará arriba del escenario por su suerte. Pero les puedo asegurar que el púbico tiene todas las de ganar, al presenciar un espectáculo de calidad.


Ficha técnica

Mauricio Kartun / Dramaturgia
Luciana Dulitzky / Actriz
Paula Ransenberg /Dirección
Fede Berthet / Composición Musical e intérprete en escena
Marcelo de León / Asistente de dirección
Alejandro Mateo / Diseño de escenografía y vestuario
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Granado / Pelo
Alejandro Ojeda / Fotos
ZkySky / Diseño Gráfico
Marisol Cambre / Prensa y difusión
Vilmanjar / Repostería

Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com

Reseña: Así de simple

Por Yamila Juan

Si en esta época, caracterizada por vínculos tan espontáneos, frágiles y poco duraderos como burbujas, se sufre por amor, entonces aún hay esperanzas. En este sentido, “Así de simple” da cuenta de que el amor no se ha perdido del todo.

1549213353375_image0033776412359418643068.jpg

Joaquín llora. Su hombre emocional y su hombre racional, también. Lo hace porque no encuentra palabras que expresar y con el llanto logra apagar el diálogo interno. En ocasiones como esa, nadie puede expresar mejor lo que pasa por dentro que una canción vieja y melodramática. Suena “Ella ya me olvidó” de fondo. Y ahí justo una llamada alerta a Joaquín y a sus voces: Clara toca el timbre. Se apaga la música, no se le puede mostrar debilidad.

Clara entra seguida de sus voces. Una decidida a no volver, que sin embargo está ahí, y una desmayada de ganas de quedarse.

Los dos están frente a frente después de haber vivido una historia juntos, con muchas cosas por decirse. Pero lo que logran articular suena a poco, a frases repetidas de otras separaciones, a balbuceos indecisos. Y es que la palabra en voz alta intenta resumir, a veces, un debate imposible de conciliar entre las antípodas que nos constituyen, las mismas que hablan a gritos cuando nadie nos oye.

A partir de esa escena inicial en un departamento (escenográficamente bien armado) que recrea la despedida de una pareja, se cuenta cómo fue el comienzo, el apogeo y el desenlace de la relación desde las voces con las que luchan o concuerdan los protagonistas, no solo para entender al otro sino a ellos mismos.

“Así de simple” es, en principio, una obra para pensar en las complejidades de la comunicación humana, en la influencia de los YO que nos subyacen; y después, una obra para reír o conmoverse.

La idea del desdoblamiento de los personajes principales es original y da para explotarla mucho más aún, dotando quizás de mayor dinamismo y diferenciación a los discursos racionales y emocionales, ya que el conflicto de toda la obra gira en torno a esa tensión. Es también una de las mayores virtudes del guión que, a través de los actores, logra desde el inicio la complicidad con el espectador, puesto que tiene acceso a lo que piensan los protagonistas sin presenciar el recurso consabido del monólogo.

TODOS LOS MIÉRCOLES 21 HS

TEATRO PICADERO – PASAJE SANTOS DISCÉPOLO 1857

Entradas a la venta en boletería del teatro o por Plateantet

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Fotografía: Guido Wain

Comunicación y prensa: Varas Otero

Asistencia de dirección: Manuela González Gil

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

Reseña: Otra vez papá! Después de los 50…

Bajo  la dirección de Manuel González Gil, en el Multiteatro Comafi, una comedia deliciosa, con lo mejor que se pueda contar para compartir la experiencia de volver  a repetir la aventura de ser padre a los 50 años y de la mano de Manuel Wirzt.

FB_IMG_1549034514135

Es una historia narrada, teatralizada, padecida y saboreada por Manuel, junto a la actriz Fabiola Yañez. El libro de Daniel Dátola, cubre las etapas de la paternidad  y comienza contando las experiencias de un hombre que superó los 40, dio vuelta la página con algún divorcio en la mochila y vuelve al ruedo.

Y en ese inicio, en un estilo de comicidad se resalta la  llegada de nuevos desafíos, como el volver a enamorarse. Y la cosa sigue porque este hombre feliz junto a su media naranja, nos mostrarán el camino a recorrer durante la dulce espera y la historia arranca cuando reciben la feliz noticia que serán padres dentro de 9 meses.

Acá al guionista se le abre un mundo, para retrotraerse a otras épocas y compararla con el  mundo actual basado en el merchandaising de productos para lactantes y mujeres embarazadas o resaltar las modas sociales, como el baby shower,

El texto es simple, apela al buen gusto, a un Manuel que pone lo mejor, que humaniza las cuestiones, las lleva por el camino de la risa sin transgresiones.

En esta temporada 2019, a la que Carlos Rotemberg ha bautizado Contracorriente, por ser un río  en declive, acompañado de resultados económicos que hacen rafting, el contar con obras como Otra vez papá, después de los 50…son el ejemplo que mientras la balsa  siga a flote es porque estamos vivos y así como dice Manuel, esperar un hijo y compartir la vida con ellos, es un milagro. Me permito agregar, no bajar los brazos y remar  en contracorriente, también.

Ficha técnica

Manuel Wirtz Protagónico

Fabiola Yañez Artista invitada

Daniel Dátola Autor

Emiliano Dátola Asistente de dirección

Gonzalo Alcaraz Asistente de Producción

Fernando Chamot Prensa y Comunicación

Daniel Feijoo Escenografía

Diego Benvenuto Realizador

Agostina Zappa Vestuarista

Guillermo Flores Salinas Sonido

Sabrina D’Amico Diseño gráfico

Marina Vaintrob Redes Sociales

Chris Dátola Producción comercial

Horarios: mié jue vie 21:00. sáb 20:30. sáb 22:30. dom 20:30.

 

Diana Decunto Reseña

Consignas.de.radio@gmail.com