Reseña: Devil

Por Sebastian Arismendi

El diablo en las acciones

Hasta que no vuelvan las tablas hay que conformarnos con el teatro por streaming, evento que es desolador pero es una experiencia interesante ya que combina la cinematografia con la dramaturgia, pudiendo ser en vivo o combinando aspectos audiovisuales.


Devil es la obra original de Florencia Naftulewicz, dirigida por Sergio Albornoz y con el reparto coral de Camila Falconi, María Viau, Florencia Tenaglia, Noelia Prieto, Facundo Gabriel Sánchez. 5 monólogos, 5 historias interconectadas, 5 mujeres y la carga de serlo en un mundo hostil.


En Devil nos encontramos con toda la puesta en escena teatral y dramaturgica, salvo que acá hay trabajo de edición y postproducción. Luces neon y música electrónica conforman la escencia de Devil. Personajes trastornados, historias de abuso, traumas de la infancia, sexo, violencia y recuerdos reprimidos son la base argumental de estos monólogos interconectados. El reparto coral lo hace a la altura a pesar de ser una experiencia más formato cortometraje que teatral, salvo por la composición del guión.
Un factor importante de Devil es que se dan libertades creativas que capaz en las tablas tienen limitaciones. Es que el teatro es abstracto y se debe trabajar con los pocos recursos que hay, en cambio en streaming todo es posible.


Devil se vuelve una experiencia sofocante, una pesadilla visual e interesante. Devil está disponible los domingos a las 21:30 por zoom por Alternativa Teatral.

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Reseña: Ciclos, una obra en bicicletas

Por Sebastián Arismendi

La vida rueda

En tiempos tan complicados el teatro se renueva y transforma para poder adaptarse, las tarimas deben salir a las calles y llegar a la gente de maneras seguras y diferentes.
He tenido la oportunidad de ver o más bien pedalear la obra “Ciclos”, original de Ariel Dabbah.


Ciclos es una experiencia que combina el microteatro con el paseo en bici, tarea que puede parecer ajena pues el andar en bicicleta siempre se asocia con deporte o con esparcimiento, pero acá es una buena y diferente mezcla.


Protagonizada boor Lula Ocampo, Mica Neve, Ayelen Pérez de Esta, Jessica Civorsi y Cony Fernández; se nos presentan 3 historias en formato microteatro dónde el escenario no es fijo sino se descubre a medida que se pedalea. Se pudiera describir cuáles son estas historias pero la mejor forma de descubrir ciclos es pedaleandola, pero sobretodo volviéndose a conectar con el teatro en tiempos no se sabe cuándo volverán las tablas en lugares cerrados.


Para ciclos es indispensable saber manejar bicicleta al menos un nivel básico, si no se tiene una se puede pedir las del gobierno de la ciudad bajando la app de ecobici del banco Itaú. Hay que tener precaución a la hora de cruzar, las actrices irán con micrófonos parlantes y atrás un equipo que estará atento en caso de algún incidente.
Ciclos está disponible solo por este jueves a las 17:30, luego volverá en septiembre con la llegada de la primavera, vayan a disfrutar esta única experiencia.

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Reseña: Así de simple

En las vísperas de las nuevas restricciones, el miércoles tuvimos el placer de asistir al teatro el picadero para ver la obra Así de simple. Justamente minutos antes de ingresar a la sala, es cuando se hablaban de los nuevos anuncios, que incluía el cierre de actividades culturales en espacios cerrados, así que fue la última obra presencial que pudo disfrutar su servidor. La obra nos trae a una pareja como protagonista, su amor y ruptura, y como se ve todo reflejado con las emociones representadas por actores. Se trata de una obra sensible, tierna y muy divertida.

Seguramente muchos se acordarán del film de Pixar “Intensamente”, dónde las emociones eran representadas por unos seres que se encuentran en la cabeza de las personas. Bueno, aquí nos muestran un planteamiento parecido, estás emociones están llevada a cabo por otros dos actores que no son más que otra versión de los protagonistas. Clara y Joaquín es una pareja que acaba de separarse, a cada personaje, se le suman dos personas vestidas con la misma ropa, que representan una versión de cada uno de ellos. Una de ellas es la versión sensible, la que llora, ríe y se enamora con mucha intensidad, la otra versión es la racional , la que mira la situación con mayor escepticismo, que intenta usar la mente antes de dejarse llevar por el corazón. Estas dos versiones forman una persona, cada una choca a medida que las cosas suceden, compartiendo el proceso de enamoramiento, convivencia y separación. La obra es muy humana, es imposible que no podamos sentirnos identificados , porque aunque no tenemos a personitas al lado separándose por emociones, somos un conjunto de ellas, y nos lo muestran de una manera identificable y con mucho humor.

Si hay algo que hace funcionar la obra como es, es la labor que realizan cada uno de los actores. Cada personaje tiene una intención y un rol específico, pero también se tiene en cuenta que en realidad existen dos personas, Joaquín y Clara. Tenemos un excelente trabajo de coordinación, en la que estos seis personajes interactúan y todos forman parte de la historia de la pareja. La dirección de Sofía González Gil es notable, ya que traslada una puesta que parece simple , como el título de la obra, pero que denota profundidad a la hora de darle una personalidad a las emociones, todo ello acompañado de un gran trabajo actoral.

Así de simple es una de las obras más lindas que podrás ver cuándo regresen los teatros a Buenos Aires, esperamos que sea pronto, y que ellos estén más que listos para mostrar sus emociones, y obviamente, hacernos emocionar a nosotros.

Reseña: Zoraida: La reina del abasto

Por Sebastián Arismendi

Innovación teatral

En tiempos de pandemia el teatro se transforma para ofrecernos alternativas que van más allá de una sala, todo con la finalidad de sobrevivir en tiempos difíciles para la cultura y el arte independiente. He tenido la grata sorpresa de ver o más bien escuchar ”Zoraida, la Reina del Abasto”, obra escrita y dirigida por Mariano Stolkiner, con la voz de Zoraida Saldarriaga.

En las calles del Abasto, en pleno Buenos Aires, una inmigrante colombiana relata sus vivencias en el barrio que escogió para vivir. No fue una vida fácil, pues la inmigración colombiana está plasmada de 50 años de crisis política, armada y social, y al menos acá llevan más de 3 décadas establecidos. Volviendo al inicio de la reseña, ”Zoraida, la Reina del Abasto” es el primer capítulo de un audiodrama que nos lleva a recorrer y pasear por las calles de la zona porteña, mediante una guía que nos señala los lugares que Zoraida nos cuenta por medio de audífonos, salsa de fondo y edición de audio nivel podscast, esta propuesta teatral innova y sorprende pues es algo que jamás veríamos en una sala de teatro, lo cual nos formula la pregunta, ¿El teatro debe reducirse únicamente a una sala puede ser contado en toda la ciudad por diversos métodos? Yo creo que esta obra si responde la pregunta.

La historia de Zoraida puede ser la de cualquier inmigrante en Buenos Aires, cargada sufrimiento pero también esperanza por salir adelante, como espectadores auditivos empatizamos al escuchar su historia y ver los lugares donde ella estuvo, nos volvemos parte de ella. Zoraida, la Reina del Abasto está disponible los sábados a las 18 horas (puntual) en el teatro El Extranjero (Valentin Gomez 3380), aunque reiterando lo dicho, la historia no ocurre en el teatro sino en el barrio.

Reseña: Elizabeth I, el musical.

Denise Gonzalez Ferrario

En esta oportunidad te acompaño a conocer un poco del espectáculo Elizabeth I, el musical de Nicolás Pérez Costa. A grandes rasgos se puede ver un equipo de trabajo de excelencia en el resultado general, creo que este es un buen resumen de lo que se ve en el show.

Sobre la obra, podemos decir que tiene una estructura simple, entretenida y directa, con muchos momentos de humor y simpatía. Se basa en la leyenda de la muerte de la princesa Elizabeth I de Inglaterra (reina Isabel en castellano, también llamada por su pueblo “la reina virgen”), y transcurre durante el momento de asumir su rol como reina. Según el rumor, la princesa fallece en sus primeros años de vida y se selecciona a un niño para reemplazarla, quien crecerá con la educación pertinente para cubrir este puesto. Llegado el momento de coronarse, la reina debe encontrar un pretendiente dispuesto a compartir su secreto para desposarla y continuar con su legado real.

La trama trae el debate actual de identidad de género, inserto en un momento de la historia en que no había lugar para tal conversación. Desde mi punto de vista se aborda con la simplicidad adecuada y apoyado en elementos artísticos llevaderos y amigables. En varios momentos surge la protesta del hombre que ocupa el lugar de la reina sobre su necesidad de ser quien quiere ser, mostrarse al mundo y ser libre. También se refleja el cómo la imagen que construyeron sobre él afecta incluso a las personas que conocen su secreto, que a estas alturas ya no pueden verlo como un hombre. Se torna interesante y, lo más importante, siembra en el espectador preguntas y planteos sobre la cuestión.

En cuanto a los intérpretes, el nivel de talento y calidad es alto. Los actores son histriónicos, los papeles están muy bien marcados y vocalmente se destacan sin duda. Utilizan el recurso de desdoblarse -la aparición de un mismo actor en diferentes papeles- obviando el hecho para impactar cómicamente, lo que se logra exitosamente.

La música de Pablo Flores Torres hace a la obra cobrar una marca propia. Se perciben canciones variadas, con influencias de distintos géneros musicales, lo que llama la atención del público y lo transporta a sensaciones y momentos particulares, desde lo profundo y emotivo hasta lo rítmicamente excitante.

La iluminación en el Teatro Regina es, como siempre, fabulosa y acompaña fielmente a la puesta en escena. La escenografía la describo muy sobria y concreta, se ajusta adecuadamente a todas las escenas. Los vestuarios de Fernanda Pérez Delgado envuelven a los personajes con la precisión de la época, especialmente a la Reina. Impactan y demuestran la calidad de su trabajo como diseñadora. Destaco los colores utilizados en cada ocasión, pensados para hacer brillar a los intérpretes.En conclusión, un show entretenido para todo público, tanto para fanáticos del musical como para espectadores que no asisten al teatro con frecuencia. Entretenimiento asegurado, una moraleja emotiva y talento de sobra a cada segundo, montado en un espacio que cuenta con todas las medidas de higiene necesarias para cuidarnos en el contexto actual.


Reseña: Sueño de una noche de verano

Por Sebastián Arismendi

Soliloquios veraniegos

De común conocimiento, esta noche de jueves es la última de teatro al menos por este mes (esperamos que así sea), la manera de cerrar con broche de oro y lleno de optimismo fue haber visto la adaptación de Greta Riso del clásico de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano (1595).


El teatro Espacio Callejón en Almagro, asume la tarea de montar este clásico que ganó 3 estrellas de Mar en el festival de Teatro en Mar de Plata este año. Con un despliegue actoral de 10 actores, cambios de vestuario y de personajes, está comedia Shakespeariana cargada de dobles sentido, orinismo, excentricidad, lujuria y divertidos momentos nos deja un buen sabor de boca y mejillas hinchadas por tanto reír.


Néstor González, Andrea Riaño, Hilario Quinteros, Sebastián Fraternali, Henry Beliera, Abby Forte, Pedro Ballesteros, Jorge Requesens, Manu Alma Peon, Clarita Campos, Leandro Guerra y Magalí Mendes son los encargados de darle fuerza e intensidad a los soliloquios Shakespearianos así como también dinamismo y sincronía al ser una obra de tantos actores en un espacio reducido, contando su duración (2 horas), que gracias al talento de estos chicos y la ágil dirección se hace un rato ameno.


Para quienes no conozcan la obra, una breve premisa sería: En la ciudad de Atenas dos amantes se desean, ella tiene un pretendiente que quiere casarla a la fuerza, una chica del pueblo envidia a esta por ser deseada y porque su amado se fija en su amiga, sintiéndose menospreciada. No es hasta que unas criaturas mitológicas intervienen y mediante hechizos invierten la situación y se vuelve una locura para todos los personajes ya que los hechizos rebotan entre sí.


Esta obra nos adentra al mundo de Shakespeare sin la necesidad de aburrirnos ya que la comedia es su fuerte, especialmente la de las insinuaciones sexuales y deseos, sin embargo no pierde el espíritu del autor inglés con esos soliloquios tan entregados y personajes excéntricos.
Cuando vuelva el teatro la podrán ver en Espacio Callejón (Humahuaca 3759) los jueves a las 20:30.

Deseo y espero que la situación mejore para seguir teniendo cultura segura y de calidad.

Reseña: Es lo que es

Por Sebastián Arismendi

Esto es lo que hay

De común conocimiento ya sabemos lo que está pasando en el país y en el mundo con la pandemia, no hay que explicar cuando, cómo y porqué, lo que si da curiosidad son las situaciones que se vivieron en el confinamiento, además de las negativas, seguramente hay muchas divertidas (no todo este mundo es caos y destrucción como los medios hacen ver). Algún antecedente artístico de esto es la película antológica Homemade, serie de cortometrajes de distintos directores sobre cómo se veía el confinamiento y ahora puedo señalar a esta divertida comedia que recién vi en el espacio cultural NoAvestruz en Palermo.


Es lo que es, es una comedia escrita y dirigida por Juan Washington y Felice Astorga, la misma es protagonizada por Marisa Picollo y Mariel Beninca, junto al reparto de Ricardo Schneider. La obra narra las vivencias de una nieta que pasa un estricto aislamiento con su abuela para poder cuidarla, a medida que convivan sucederán situaciones tan cotidianas y tan reales que seguramente a todos nos habrá pasado en este encierro.
La obra tiene una puesta en escena muy peculiar ya que vemos a los personajes separados por formas geométricas colometricas que hacen ilusión a algún cuadro de arte conceptual moderno, además la musicalización evoca a las bandas sonora de los juegos de Atari y los vestuarios hacen contraste con estas formas, las actrices irán contando sus vivencias diarias de una manera muy divertida, utilizando la mímica y la libre interpretación para describir acciones. Hay una carga ligera de nostalgia, especialmente en el personaje de la abuela, que además se vuelve el más entrañable de todos.


Es lo que es, una propuesta fresca, divertida e ingeniosa del teatro under, que si bien toca un tema que nos agobia a todos, nos hace reír y desconectarnos por un rato.
Disponible en el teatro NoAvestruz en Palermo Hollywood (Humboldt 1857) los domingos a las 19.
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Reseña: El reñidero

Por Sebastián Arismendi

Olor a sangre

Hace un siglo atrás la sociedad era más violenta de lo que es hoy, se regia la norma del más fuerte o el más guapo, por lo que la ley y autoridad se ausentaban en los duelos por poder y hombría. No podemos imaginarnos con exactitud cómo debía ser vivir en Buenos Aires de 1905, especialmente en Palermo, que en su momento no era un barrio lleno de pubs y boliches cómo lo es hoy, sino un lugar marginal y peligroso.


Sergio de Cecco en 1962 trajo la aclamada obra El reñidero, esta a su vez es la interpretación criolla porteña y post colonial de la tragedia de Griega de Electra de Sófocles y el clásico de Shakespeare Hamlet. Sus personajes están encerrados en un reñidero, una pelea de gallos sangrienta para ver quién tiene más poder. Sacando sus deseos impuros y vengativos.
El baño de sangre ya estaba desde hace tiempo y no es hasta el asesinato de Pancho Morales, uno de los hombres más respetados de Palermo que comienza. Su hija Helena, siente deseos por su padre y celos de su madre, su hermano Orestes debe vengar la muerte de su padre o dejarse influenciar por su madre.
Antonio Leiva nos trae esta maravillosa adaptación, su magistral dirección en el emblemático teatro Empire, todo esto con un alto elenco comprometido para recrear esta tragedia porteña de inicio de siglo: Yamila Gallion, Javier Salas, Tamara Cynthia Paganini, Omar Ponti, Juan Pablo Rebuffi, Hermes Molaro, Juan Carlos Uccello, Rocio Belén Moragues y un coro interpretado por Rocío Belén Moragues, Érica Ruiz, Enzo Abel Dupre Cristian Emmanuel Frenczel. Además de las potentes actuaciones, otro factor destacado es la impecable escenografía que aboca dos escenarios entre sí: el velorio y el reñidero dónde fungen todas las desgracias.


Hay una enorme carga de lunfardo de inicio de siglo pasado, así como referencias a obras literarias de Marechal, puede que sea una obra compleja y pesada para quien quiera ver una opción divertida de teatro sabatino, pero sin dudas el despliegue actoral y de dirección hace que valga la pena, nos adentra dentro de un clásico argentino y a su vez si nos gusta, podamos indagar más en el teatro griego y otras obras clásicas si no tenemos mucho conocimiento de ellas.


El reñidero está disponible todos los sábados de abril a las 21 horas en fabuloso teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934) en la zona de congreso.

Reseña: DOS/Un elogio escénico para el amor

Por Sebastián Arismendi

¿Qué es el amor?

La pregunta que todo filósofo, poeta o artista se hace. Responderla sería hacernos más preguntas y creo que la respuesta al sentimiento más profundo que siente el humano ademas del odio, nos llevaría al punto de inicio. Dos “Un elogio escénico para el amor”, es una obra escrita y actuada por Diego Starosta y dirigida por Sebastián Ricci, un monólogo que se presenta en el acogedor teatro Payró en la zona de retiro.


Starosta nos regala una frenética y apasionada interpretación o más bien dos, acá realiza dos personajes, una especie de maestro y su pupilo, el primero quiere desarrollar un proyecto para darnos la respuesta del amor y el segundo lo ayuda pero también pone en duda sus planteamientos. El autor pone el cuerpo y la voz para ambos caracteres, luego vendrá una lluvia de pensamientos filosóficos sostenidos e una sola base: Explicar el concepto del amor, todo según según la visión del filósofo francés Alain Badiou.
Starosta explora el significado del amor según la política, la religión, la ciencia, la poesía y el arte, siendo el último el peso principal, ¿Amor al arte?, ¿El arte es una expresión de amor?


Mediante mimicas, desmontaje del escenario, piruetas y debates se da un monólogo rico en ideas pero que también nos hace replantear nuestra idea del amor y el arte. Es una buena propuesta de teatro under para disfrutar los viernes a las 21 horas en el teatro Payró (San Martin 766)

Reseña: Petróleo

Por Sebastián Arismendi

Masculinidades profundas

La industria petrolera suele estar dominada por hombres, son ambientes hostiles para expresiones de género que no sea masculinas estándar, el estereotipo de obrero petrolero/ construcción es muy marcado, quien se sale de eso puede que sea juzgado o no.


Viniendo de un país petrolero sé cómo se maneja la industria y los asuntos internos, y al ver la obra del grupo piel de lava me pregunté si dentro de los trailers y en confidencialidad esta coraza de masculinidad vernácula puede romperse.
Petróleo es una obra del grupo lava, estas escriben, dirigen y actúan la misma, acá se meten en la piel de obreros petroleros en un pozo de fracking en Vaca muerta, con jornadas de 7×14 dónde se trabajan 12 horas por dos semanas y luego se libra una semana, 4 compañeros de planta comparten una noche de mucho frío, confidencialidades, humor y camaradería.


Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes interpretan a estos personajes, aunque Laura Fernández aparece como escritora y directora junto a ellas. El ensamble luce genial en esta obra de 100 minutos, sin haber leído la ficha entera puedes no notar que son mujeres interpretando a hombres. Acá se explora el rol de género desde una perspectiva no femenina sino de masculinidad libre, no condicionada a ser estrictamente hostil, todo esto lleva a reflexionar sobre que rol de género tenemos en la sociedad: el que queremos o el que nos imponen.


Hay muchos chistes acá generalmente del orden escatológico, algunos no se puedan entender por diferencia cultural y capaz la extensión de la obra pueda ser un factor en contra, es entretenida y se pasa un rato ameno para una noche de miércoles porteña. Petróleo está disponible por los miércoles restantes de abril a las 20:15 hs en el Teatro Metropolitan Sura (Corrientes 1343)