Crítica: Traslasierra

Por Bruno Glas

Lo mínimo prescindible

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Una de las principales discusiones que, dentro de la crítica, suscitó el cine nacional hacia mediados de la década anterior, tenía que ver con la tendencia minimalista por la que apostaban muchos de los filmes del momento. El llamado “Nuevo Cine Argentino”, surgido en la década del noventa, hace rato ya se había consolidado. Los directores de esta camada tenían en su haber más de tres películas, y era posible asociar su nombre a caracteres determinados de su cine. Caetano, Trapero, Martel, Burman, Alonso y la lista sigue: cada uno de ellos había afianzado ya un estilo propio, asociado a una mirada sobre el mundo. Pero ocurre que el cine argentino de la década siguiente se mostraba imbuido de una cierta apatía. A diferencia de la corriente anterior, no había personajes delineados con particularidades, con rasgos definidos; se los veía abúlicos, desganados. Las intenciones de contar, de narrar de forma clásica, también parecían haber sido desplazadas. Se veía más bien el intento por construir ciertos climas, pero esta decisión terminaba por llevar el relato hacia una suerte de abismo nadista. El universo de estas películas desembocaba, entonces, en una especie de apatía y desidia vital. Claro que después llegaría “Historias extraordinarias” y este panorama volaría por los aires, pero esa es otra historia.
Todo esto viene a propósito de “Traslasierra”. Es que la película de Juan Pablo Sasiaín apela al minimalismo como fondo, contando una historia simple. Es cierto que logra construir personajes definidos, pero en su decisión de narrar con una distancia prudente termina por diluir cualquier conflicto. La trama sigue a Martín, interpretado por el mismo director, un artista joven que, junto a su novia, vuelve a la casa de su padre ubicada en las Sierras. Allí se encuentra con Coqui, una amiga de la infancia, que es ahora madre soltera, y por la que Martín aún tiene cierta atracción. Descubrirá que la hija de su amiga bien podría ser la suya. Al mismo tiempo recibe la noticia de que su actual pareja está embarazada, y sabe que su padre se halla en los últimos momentos de su vida.
Hay un acierto por parte del director, y es el de manejar las situaciones que rodean al protagonista con discreción, evitando cualquier sobresalto o dramatismo exagerado . Esto se muestra en la puesta de cámara: por ejemplo, en los momentos donde Martín y su novia están juntos en la cocina. Ella ya intuye que él siente algo por Coqui. Vemos muy poco de ambos: un plano escorzo que muestra apenas una parte del rostro del protagonista que le pregunta qué le sucede, mientras que ella permanece desenfocada. Esta escena por sí sola basta para mostrar la tensión que se percibe entre los dos. Lo mismo en la cena entre los tres personajes, cuando la incomodidad aparece siempre a través de lo que nunca se dice, pero se puede intuir perfectamente. Ahora bien: así como el tono bajo, contenido, resulta muy adecuado en estos momentos, también termina por anquilosar a la mayor parte de la película. Es que el desarrollo minimalista no parece otorgarle a la película mayor vuelo. Los miedos de Martín frente a los diversos problemas que lo atraviesan se exhiben casi siempre mediante diálogos que muy poco aportan (ver, sino, las múltiples conversaciones con su padre). Más tarde, cuando se termina por cerrar el vínculo de Martín con Coqui, comprendemos que ha llegado demasiado tarde: muy poco es lo que el filme mostró entre ambos como para que aquella escena tenga algún peso dramático. Y en la búsqueda de “Traslasierra” de narrar una historia chiquita, despojada, termina por quedarse en la superficie.

Calificación:  5/10

Reseña: Mamushka

Por Candela Otero

En un instante pasa la vida, la vida en un instante pasa.

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Una comedia que, a simple vista, cuenta la historia de una familia que se descontrola cuando se pierde una mamushka heredada de mucho valor, pero en realidad, busca contar algo más y aprovecha el género de la comedia para dar un interesante mensaje.

El elenco, encabezado por Flavia Palmiero, está integrado por adultos y jóvenes (entre los cuales está también la escritora de la obra, Natalia Filgueiras), quienes sorprenden con sólidas interpretaciones, y componen personajes muy diversos que llenan de elementos la historia.

Con una puesta en escena totalmente sobria (el único elemento del decorado es un sillón), integra momentos cómicos con simpáticas coreografías, que cuentan con música original muy bien realizada. Es interesante el uso del espacio, los pasillos se vuelven una extensión del escenario y muchas de las escenas transcurren allí.

 

Más allá de la risa, la obra parece decirnos que mientras pasamos nuestro tiempo enfocados en cosas de poca importancia, descuidamos los vínculos familiares y los aspectos verdaderamente importantes. Y sin que nos demos cuenta, la vida se nos pasa. Al menos, así le ocurre a la madre de esta familia, quien está enfocada en encontrar esa mamushka y no da cuenta de qué le está sucediendo a su marido o a sus hijos.

 

Ficha técnica

Elenco: Flavia Palmiero, Natalia Figueiras, Emiliano Figueredo, Ricardo Larrama, Thomas Lepera, Milagros Masini, Christian Sancho, Marcelo Serre y Goly Turilli.

 

Guión: Natalia Filgueiras

 

Dirección: Alejandra Rubio

 

Miércoles a las 21 hs. en el teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524)

Entradas por Plateanet o en la boletería.

Reseña: Una vez en la vida

La semana pasada tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra “Una vez en la vida”, una puesta teatral que está basada en la película irlandesa llamada Once. Tenemos como a protagonista a un músico callejero irlandés y una inmigrante checa, en la que juntos colabora en un número que canciones que reflejan su floreciente amor.

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Si hay algo que trasluce en esta puesta en escena es su música, pero que no resulta solo un añadido para complementar con la historia, sino más bien es el elemento que pone a todos sus personajes en escena haciendo lo que mejor hacen. Eliseo Barrionuevo y Paula Reca demuestran una química y carisma que los hacen únicos en esta propuesta, acompañada por una narrativa enternecedora. La música es lo que llega a unir a estos personajes, pero hay más allá de ello, ya que tienen muchas cosas para contar de sus vidas, y que logran expresarse a través de las canciones y melodias que muestran en escena. La obra cuenta también con un humor particular, aunque existe un drama (El mismísimo amor), el relato resulta festivo en todo su transcurso, algo que sabe manejar con buen ritmo y sin perder el hilo de la historia. La obra cuenta con la presencia de guitarristas, violinistas, pianistas, acordeonistas, entre otros. Que como dato particular, son los mismos personajes que irrumpen en escena, donde tenemos talentos como Santiago Otero Ramos, Federico Coates, Mariela Passeri, María Armellin, entre otros artistas.

La sala del Metropolitan Sura aporta el espacio que se encuentra muy bien aprovechado, tanto por el elenco como por la escenografía, que si bien representan locaciones en Irlanda, los escenarios elegidos resultan más bien universales. Por el lado musical no hay mucho más que decir sobre la excelencia que brinda en ese aspecto. Las melodías son acordes al espíritu que la obra nos deja, hablándonos sobre los sueños, la alegría y el amor.

Una vez en la vida es una obra enternecedora, que merece ser vista como algo más que una adaptación musical. Paula Reca y Eliseo Barrionuevo nos dejan unos personajes muy carismáticos y divertidos, motivos por los cuales resulta muy fácil encariñarnos con ellos. Con una historia simple, pero emotiva, la obra también resulta muy atractiva en lo musical, aprovechando el talento de cada uno de sus intérpretes. Les recomendamos que vayan a ver esta tierna historia, ya que les dejará una sonrisa al terminar de verla.

· ELENCO ·
Eliseo Barrionuevo – Él
Paula Reca – Ella
Roberto Catarineu – Padre
Santiago Otero Ramos – Banquero
Mariela Passeri   – Barushka
Federico Yernazian – Billy
María Armellín – Reza
Federico Coates – Svec
Máximo Meyer – Andrej
Violeta Videla – Ex-novia
Nicolás Muñoz – Eamon
Mariano Cantarini – Emcce
Mariana Carnovali – Maja

· FICHA TECNICA ·
Director general  Julio Panno 
Dirección Musical  Tomas Mayer-Wolf
Director Vocal Sebastián Mazzoni
Traducción y Adaptación Lily Ann Martin y Pablo del Campo
Coreografía Verónica Pecollo
Diseño de Escenografía Santiago Fernandez 
Diseño Vestuario Ana Florencia Blejer
Diseño Luces Leonardo Muñoz y Julio Panno
Diseño de Peinado Daniel Laurito
Diseño de Maquillaje Carolina Pesce
Fotografía Nacho Lunadei
Prensa y Difusión WE Prensa
Comunicación Digital @Bushicontenidos
Contenido e Ideas DEL CAMPO GLOBAL
Dirección de Arte y Diseño Gráfico Mery Pastore Camino
Colaboración creativa Guido Balzaretti 
oordinadora Escenotécnica Micaela Monti
Producción Ejecutiva  Roro Pellegrini

Produccion General
JULIETA KALIK 

FUNCIONES 
Viernes a Domingos

LOCALIDADES $950, $800 y $600 PESOS

Reseña: Lo quiero ya

*GANADOR PREMIO HUGO a MEJOR MUSICAL OFF* (2017-2018)

*GANADOR PREMIO HUGO a MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF* (2017-2018)


En el Galpón de Guevara, los domingos, 19 hs, destinado a los ansiosos, a los que dicen «Lo quiero ya», pero también serán bienvenidos quienes creen que miran del lado de enfrente, los que no creen que están inmersos en la vorágine diaria.

Es una hermosa comedia musical, muy fresca, con impetús juveniles, con una impecable coreografía, una excelente puesta, donde se habla de este mundo moderno que nos toca transitar. La obra deja al desnudo el mensaje de una sociedad que quiere tenerlo, a veces, no importa qué, pero si ya.

Una musical acorde al relato, hay dinámica, fluye en el escenario, el libro de Marcelo Caballero y Martin Goldber, saben marcar los paréntesis, hace una foto donde logra congelar el momento de caos para llevar a la reflexión y se vuelve a sumergir en el vértigo que nos consume.

El mundo visto como una gran cadena, donde cada uno de nosotros es la pieza de un engranaje, que por suerte, lejos, está de ser perfecto. La música y letras, con canciones muy pegadizas, son de Juan Pablo Schapira, que junto a la coreografía de Marina Paz, logran en escena, un engranaje que funciona a las mil maravillas, gracias a la dirección musical de Juan Pablo Schapira y la dirección de actores de Martín Goldber.

La obra trata de la relación de como varios personajes, se cruzan en diferentes momentos y por razones distintas. Por ejemplo dos amigas que se reencuentran en un casting, una queda seleccionada y la otra no. Y a su vez, el director del casting, se engancha con la que ganó y la invita a salir. Esos dos personajes más adelante se terminarán cruzando con el Mago Iván, que ambiciona la fama, pero ameniza fiestitas de niños de 3 años y le pagan muy mal. A eso, está la cajera que trabaja en el peaje y que tiene algunos problemitas, los cuales no serán menores a la médica, que toma pastillas para poder dormir, para poder estar despierta, y la pareja que todo el tiempo se está peleando, pero si le preguntan como están, mientras miran sus celulares, dicen que todo bien, o una profesora de gimnasia, en búsqueda sentimental.

Realmente, como espectador, se encontrará con un musical, para tararear las canciones, para reflexionar, el inminente lunes que está por llegar, cuán lejos está de la historia que se está contando, y al finalizar promete nuestro caluroso aplauso por el excelente momento que nos hizo sentir.

Desde Butaca, les aconsejamos que bajen la ansiedad y que el próximo domingo, les despierte las ganas de Lo quiero ya.


Ficha técnico artística
Autoría: Marcelo Caballero, Martín Goldber

Elenco:
Alejo Antonelli
Karina Barda
Vicky Condomí
Federico Fedele
Lucien Gilabert
Julieta Rapetta
Juan Pablo Schapira
Estefanía Alati
Victoria Caceres
Macarena Forrester
Andrés Passeri
Lala Rossi
Nacho Zabala
Nahuel Quimey
Músicos:
Pablo Barone, Franco De Paoli, Gabriel Mathus, Juan Pablo Schapira
Vestuario:
Marcelo Caballero, Marina Paiz
Escenografía y diseño:
Vanessa Giraldo
Diseño de Luces
Marcelo Caballero
Director musical / Música y letras de canciones / letras de musicales / arreglos vocales
Juan Pablo Schapira
Stage Manager: Emiliana Di Pasquo, Luciana Lippi

Producción ejecutiva: Rosario Irusta

Dirección Coreográfica: Marina Paiz

Dirección general / diseño de imagen / puesta en escena / de actores
Marcelo Caballero

Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Antes, acerca de la infancia y la memoria

Por Pedro López

“Método, Método, ¿qué quieres de mí? Sabes que comí el fruto del inconsciente.”

                                                            Jules Laforgue

“Antes” pone en escena estas 3 piezas coreográficas donde prima el teatro de objetos y las artes visuales.

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Es una trilogía de la compañía Cuerpoequipaje dirigida por Tatiana Sandoval, docente de dirección escénica en el departamento de dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes. En sus palabras: “Antes  está inspirada en la ensoñación poética propia de la infancia. Junto a este valioso equipo de artistas, pienso el escenario como poesía visual”

El diseño de vestuario y los objetos que se utilizan son maravillosos y en verdad un verdadero acierto. Hay una enorme propuesta de acciones e imágenes que mutan a lo largo de la obra transformándola en un viaje que nos lleva a algún lugar sin nombre. Pero, a veces esto deviene en capricho más que en un proceso,  donde se profundiza cada propuesta hasta verse transformada orgánicamente. Aun así no hay que dejar de verla ya que no deja de ser única, inspiradora y muy vanguardista.

 

17h Parte l CONCIERTO PARA EQUIPAJE, 2015 (Homenaje a Tadeusz Kantor)

Pieza coreográfica para una mujer multiplicada, tres cajas y un violín.

Un poderoso territorio de fuerzas habita el escenario. Fuerzas anteriores a la palabra. Evocación y memoria rota. Surrealismo contemporáneo

17.20h Parte ll ÁFRICA, sueño de un viaje olvidado, 2016

Pieza coreográfica para performers, objetos y máscaras.

Caía en un pozo, como Alicia. Al llegar en ese territorio ancestral, me perdía, me transformaba, era otra. Vuelvo por la huella de un viaje olvidado.

Intervalo

 

18h Parte lll LACASA, 2017

Pieza coreográfica para cuatro mujeres, objetos y video.

Lo doméstico se trastoca. Las mujeres son ahora funámbulas. Casa amaneciendo en estado salvaje.

6 ÚNICAS FUNCIONES

Cuándo: los domingos 21 y 28 de abril y los domingos 5, 12, 19 y 26 de mayo a las 17 hs

Dónde: Teatro Payró

Dirección: San Martín 766

Entradas: $300/ Estud y Jub $250

Promoción: gremios, instituciones 2 x $400

Informes: 4312-5922

Duración total de la trilogía: 110 minutos con intervalo

Reservas por:http://www.teatropayro.com.ar/

Crítica: Blanca, de Natalia Villamil

Por Pedro López

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Blanca, una mujer con costumbres pueblerinas, visita a su hermana Elena y a su novio Enzo, un hombre rústico, machista y violento. Juntos viven con la Negra, el dueño de la casa, en el conurbano bonaerense. Blanca decide quedarse durante un período indefinido a vivir con su hermana tras haber sido suspendida en su trabajo. En este momento Blanca le cuenta sobre la pérdida de una antigua propiedad de la familia. Esto levanta sospechas en Enzo, quien decide investigar más acerca del escabroso pasado de Blanca y creará conflictos en la joven pareja, especialmente entre Blanca y Enzo. Ella poco a poco dejará mostrar su estado mental y físico nada saludable.
Enmarcada en la violencia de género en mundo marginal y violento dentro y fuera de las paredes de durlock Natalia Villamil nos trae una versión inspirada libremente de un clásico del teatro contemporáneo norteamericano.
La puesta en escena se compone de cuatro paredes a media altura formando un rectángulo que se ilumina por dentro, y una plataforma fuera de ellas donde suena la música en vivo.

Funciones: viernes y sábados, 21 hs. (Hasta el 11 de mayo)
Lugar: Centro Cultural San Martín, Sala 3 (Sarmiento 1551, CABA)
Entrada: $250 | jubilados: $200 / www.tuentrada.com
Informes: 4374-1251/59 (int. boletería 2241)
Duración: 90 min.
FB: Blanca
IG: Blanca
Ficha técnica
Dramaturgia: Natalia Villamil
Elenco: Monina Bonelli, Leticia Torres, Mariano Sayavedra, Marcelo Pozzi y Héctor Bordoni
Diseño espacial: Gonzalo Córdova
Dirección musical y música original: Julián Rodríguez Rona
Vestuario: Gustavo Alderette
Iluminación: Gonzalo Córdova
Coreografía: Josefina Gorostiza
Fotografía: Laura Castro
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Natalia Gauna
Asistente de dirección: Zoilo Garcés
Dirección: Cintia Miraglia

Crítica: La maldición de la llorona

Por Agustín Villegas

Si queres llorar, llora!

Mientras Marvel triunfa con su universo cinematográfico (y otros fracasan intentando imitarlo) en las tinieblas se viene formando otra mega saga de varias franquicias de terror que, calladita y en silencio, se hizo con las salas de cine presentando más de un éxito. A éste gran proyecto me gusta llamarlo CONJURINGVERSE, aunque su nombre real es THE CONJURING UNIVERSE, ya que todos los films que integran el paquete derivan de las geniales dos entregas de los films de James Wan. Tuvimos ‘ANNABELLE’ (1, 2 y una 3 en desarrollo con cameos de Los Warren), ‘LA MONJA’ (1 y una futura 2) y, en desarrollo, otro spin-off centrado en ‘EL HOMBRE TORCIDO’. Pero hoy nos toca hablar de “La Maldición de La Llorona”, una nueva versión de la popular leyenda mexicana que tanto aterra a la cultura latina hace más de una generación.

El mito en si esta adaptado de una forma respetuosa, la calidad de la película es bastante solida. El director Micheal Chaves, un joven discípulo del maestro James Wan, no impone un estilo personal muy marcado, pero su simulación del trabajo de su maestro hace que el proyecto nos haga pegar unos sustos bastante grosos. Además el universo se ve más enriquecido con apariciones de algunos personajes vistos en otros films, que sin entrar en spoilers, les aconsejo que vean ‘ANABELLE’ para saber de que hablo.

La historia sigue a ANNA (Linda Cardellini), una trabajadora social que, en un intento de salvar dos niños, se ve agarrada de los pelos por la maldición de La Llorona. Ahora debe proteger a sus propios hijos de éste espíritu maligno que busca llevarse pal otro lado a sus hijos de una forma horrorosa.

Lo mejor de ‘THE CONJURING’ y sus hijas … o sobrinas fue que la historia se situó en otra época, lo cual genera una atmósfera mucho mas personal y atrapante para el publico. En éste film se repite esa fórmula, llevandonos a los 70′, una epoca muy rica y diversa para introducirnos una leyenda universal y atemporal como la que le da el nombre a la película. Si bien las actuaciones no son para nada sobresalientes la puesta en escena es una de las mejores del Conjuringverse, siendo posiblemente la mejor despues de la segunda entrega de la saga madre.

La historia tiene unos pares de cliches muy marcados, el tipico detonante (la parte del guión en la que se adelanta el primer punto de giro) de una persona metiendose hasta los huevos en un quilombo sobrenatural solo para ayudar, erroneamente, a otra que estaba siendo protegida. Los sustos son solidos y creativos, pero se cae bastante en el susto repentino facilongo al que nos tiene acostumbrado nuestro Hollywood tóxico que tanto amamos y odiamos.

Si son consumidores de cine de terror pueden pasar un buen rato con La Llorona, de lo contrarío mejor guarden ganitas para la tercera entrega de THE CONJURING, la cual estará dirigida por el pibe que se encargo de éste proyecto. Esas dos entregas son buenas en terminos generales, no solo para los estándares del cine de terror (los cuales, con todo respeto al que le gusta, suelen ser bastante bajos) sino para el cine en general.

Calificación 6/10