Crítica: Dumbo

Por Agustín Villegas

Cómo entrenar a tu elefante…

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El estilo denso en personalidad propia de Tim Burton lo traiciona. Una visión tan potente se ve claramente fuera de lugar cuando se está haciendo un proyecto sin las ganas necesarias. Disney llamo al cineasta y le encargaron una remake live action de la película animada sobre el elefantito volador con extra Burton para llevar. La producción penso que la idea de intentar entrarnos por el lado de la nostalgia iba a funcionar, pensaron que trayendo actores que hayan aparecido en antiguas películas del director iba a bastar para que la idea nos compre. Ver a Micheal Keaton laburar de nuevo con Danny DeVito es algo increíble, pero la película tiene tan poco espíritu que éste épico reencuentro se me hizo totalmente carente de sabor. Hasta Danny Elfman vuelve a trabajar con Burton en “DUMBO”, haciendo una banda sonora de gran calidad que aún así no salva la película de ser un bodrio.

La historia sigue a dos nenes que, junto a su padre lisiado (Colin Farrell), se hacen cargo de un elefantito recien nacido. Éste nace con unas orejas enormes que le permiten levantar vuelo, habilidad que usará para traer fortuna a Don Medici (Danny DeVito) y también para poder rescatar a su madre. El exito de Dumbo es tan grande que un empresario (Micheal Keaton) decidirá ir a echarle un vistazo al elefantito volador.

No les voy a mentir, solo recuerdo los nombres de dos o tres personajes de la historia. No voy a googlear porque eso sería hacer trampa, si no puedo recordar el nombre de un personaje de una película quiere decir que ese personaje no fue lo suficientemente y esto es una de las excesivas deficiencias de este mal llamado remake.

La emotividad y el surrealismo de la version original de 41′ es sustituido por una historia dramática sobre dos niños que, tras perder a su madre, se encuentran con que su padre vuelve de la guerra sin un brazo. En el medio tenemos a DeVito haciendo un personaje copypasteado de “THE BIG FISH” quien se ve tentado por un multimillonario (Micheal Keaton) a tomar una gran oferta por un elefantito volador que anda dando vueltas por algún lugar recondito de la trama. El pobre elefante se pierde en una historia que se enfoca en cuestiones que la verdad no nos importan, queríamos ver a Dumbo haciendo pelotudeces para encontrar a su mamá, no un drama familiar incitador al suicidio.

La música de Danny Elfman es hermosa en la película, pero no deja de ser parte de esta sopa de Tim Burton que lanzo Disney. El diseño de Dumbo es tierno, pero se lo nota muy fuera de lugar junto a los actores en carne y hueso.

Definitivamente DUMBO no era una película para volver a ser hecha en acción real. No obstante le sigo teniendo fe a proyectos como “Aladdin” o “El Rey León”, este tropezón se veía venir de tan lejos … pero confieso que quería estar equivocado.

Dejenla pasar que se vienen buenas películas y el cine está muy caro.

Calificación 5/10 

Reseña: Chin-Gu Containers

Por Daniel Alvarez 

El estreno de Chingu Containers empezó despertando polémica a través de las redes sociales. Cómo promoción de esta nueva experiencia, se había lanzado en un portal inmobiliario reconocido, que parte del Konex se encontraba en alquiler. Esta noticia no tardó mucho en causar revuelo en Twitter con el hashtag #KonexEnAlquiler, pero no era lo que parecía, ya que se trata de una experiencia de teatro inmersivo que parte de una premisa bastante interesante.

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Aparentemente una empresa llamada Chingu Containers ha alquilado parte de las instalaciones de ciudad cultural Konex, y en los horarios que la empresa no funciona, la señorita Chin Gu subalquila los contenedores vacíos ubicados en el lugar para organizar actividades clandestinas de dudosa legalidad. Es así como inicia está propuesta de teatro inmersivo que propone tres tipos de encuentros.

Una vez ingresa el público en la función, todo puede resultar bastante confuso. Estamos en una especie de galpón, encerrados y fuera de conexión con el exterior. Allí aparecen un serie de trabajadores, algo alterados y en movimiento, todo por la aparición de la señorita Chin Gu. Luego de eso, separan al público según el tipo de entrada con la que cuentan, ya que actualmente existen tres experiencias distintas para que la gente se introduzca en estas actividades de dudosa legalidad. Las experiencias disponibles son: El Club, La Graduación y La Paciente

Nosotros tuvimos el placer de experimentar  La paciente, y su premisa es la siguiente.

Cuando un profesional quiere ayudar a su paciente, ya probó todo lo imaginable y nada funcionó, se empiezan a considerar alternativas poco convencionales y arriesgadas, pero la desesperación es una mala consejera. El doctor Heredia pide a sus colegas que lo acompañen a salvar a una persona. O quizás a toda la humanidad. Está propuesta nos convierte a todos en terapeutas, con guardapolvo puesto, entramos en el container para intentar hacer funcionar el tratamiento con esta peculiar paciente. De este modo el espectador tiene que encontrar la manera de ganarse la confianza de la paciente, donde en esta ocasión tuvimos que cantar, bailar y hacer todo lo posible para que ella responda. En este juego con el público, hay que reconocer el buen trabajo actoral tanto del doctor como de la paciente, ya que se encuentran obligados a trabajar con la improvisación, debido a la interacción con la gente y las distintas respuestas que puedan tener.

Chin Gu Containers es una propuesta alternativa, interesante por su premisa y que obliga al espectador ser participativo en esta experiencia clandestina. Podemos destacar el trabajo de todos los que forman parte de este espectáculo, ya que han logrado brindar algo inmersivo y a su vez muy entretenido. Y como plus, al final podremos tomar una copa de vino o champagne y sacarnos una foto con los integrantes de esta más que interesante experiencia.

Funciones:

  • 28, 29 y 30 de marzo. 4, 5 y 6 de abril.
  • Entradas: $500
  • Sala Galería
  • No es recomendable para menores de 14 años (solo podrán ingresar acompañados por un adulto responsable)
  • No se suspende por lluvia

Ciudad Cultural Konex

Crítica: Mi mascota es un león

MI MASCOTA ES UN LEÓN (Mia et le lion blanc) Director: Gilles de Maistre / Origen: Francia, Sudáfrica, Alemania. Reparto: Mélanie Laurent, Daniah de Villiers, Langley Kirkwood, Ryan McLennan. Distribuidora: Energía Entusiasta / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Funciones Viernes 29/3 y Lunes 01/04 a las 20hs / Sábado 30/03 y Martes 02/04 a las 17:50 en el CINEMARK PALERMO

Programación: http://www.cine-frances.com/programacion.html

En su onceavo año, el ciclo de estrenos de cine Francés que se presenta del 28 de marzo al 3 de abril en el Cinemark Palermo, tuvo la apertura de prensa con Mi mascota es un león.

Lamentablemente, para quien está acostumbrado a ver cine francés del bueno, esta presentación no fue una decisión inteligente.  Traducida enteramente al español y a partir de la cantidad de niños que fueron invitados a la función, me atrevo a decir que el hecho de que los protagonistas sean una niña y un león, no es garantía de que sea un relato infantil.

Desde mi punto de vista, es todo lo contrario; en varias oportunidades, sentí una tremenda aprensión y miedo en que el león atacase a la niña, y quienes se encargan de enfatizar ese terror fue la propia familia.  En tal caso, hay situaciones de ataque que son bastantes crudas.

No hay mucho que decir sobre la trama, que no lo diga el título. Una niña intenta salvar a su mejor amigo, un león, en este caso de la matanza que aún hoy es un comercio en África.  Es destacable que hayan pasado tres años para rodarla con el objeto de ver el paso del tiempo en los niños.

Calificación: 4/10.

Crítica: El Kiosco

EL KIOSKO (Argentina) con Pablo Echarri, Georgina Barbarossa, Mario Alarcón, Roly Serrano – Guión y Dirección: Pablo Gonzalo Pérez / Estreno en Argentina: 28 de MARZO 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

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El Kiosko es una película sin grandes pretensiones que construye un relato honesto sobre una sociedad egoísta que no sólo piensa en sí misma, sino que es un instrumento en donde la mayoría son títeres o esclavos de esa divergencia.

Con actuaciones secundarias muy sólidas, donde los personajes crean un ambiente que distiende y hace reír con poco de manera efectiva, esta película Argentina se puede jactar de ser un producto localista hasta en su manera de solucionar los conflictos, ésa pequeña fisura donde podemos ver al autor.

Por otro lado, y -desde mi punto de vista- el protagonista, interpretado por Pablo Echarri, sigue una dirección bajo el libreto que desnuda una violencia ante lo que le sucede, que impide cierta compatibilidad con el género, como la necesaria complicidad con el espectador.  Este gusto amargo se soluciona con una trama que habla de los valores, tema principal de la película y que es eficaz en el momento de hablar de un problema social en el que el protagonista se encuentra inmerso, y donde –el salir- lo convertiría en un perdedor ante la gran mayoría, y del cual el espectador está implicado.

Calificación: 6/10.

Reseña: Petróleo

Por Agustín Arosa 

Petróleo es un éxito, así dicho sin rodeos, así sonando con la sorpresiva inmediatez de un ¡eureka!, ¡caso cerrado!, ¡último momento!, y comenzar por una suerte de conclusión tiene mucho sentido: sus efectos no pueden esperar.

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La quinta obra del grupo “Piel de Lava”, reestrenada en esta ocasión en el Teatro San Martín, viene a mantener e incluso innovar la intensidad creativa y espectacular de la trayectoria grupal que Carricajo, Correa, Gamboa y Paredes han cultivado. En ella, 3 trabajadores petroleros verán transformada su rutina (y algo más) por la llegada de un cuarto, suscitando de este modo las más interesantes situaciones.

Usted dirá que argumentos así sobran; yo diré esto: petróleo es un éxito, y es justo decir por qué. Uno, deben resaltarse las formas de organización y realización al interior de “Piel de Lava” caracterizadas por relaciones horizontales donde los roles se habitan y no se perpetúan, dando como resultado un teatro de experiencia total, recorrido por todas sus esquinas. Dos, el tratamiento de la forma y las actuaciones son admirables en su producción de texturas, todo allí es un suceso provocador e interesante. Tres, la pieza no es indiferente a las tensiones de su tiempo y halla en el género y su construcción un material que le da vida. Ahora bien, por supuesto que las formas de organización horizontales en la construcción teatral no son nuevas, como tampoco es un asombro que las mismas alimenten o se reflejen en la estética de la pieza o se comprometan socialmente; lo invaluable de petróleo es otra historia: su potencia política y dramática, para la política y para el drama.

En medio de lúcidos y necesarios debates en torno al género, la obra de “Piel de Lava” viene a mostrarnos no una respuesta, sino una alternativa concreta a la pregunta sobre la problemática construcción de masculinidad. Ni reflejar, ni aludir, ni dejarse afectar, ni portar la voz de su tiempo, ni todo ese blablá al que una y otra vez se busca reducir la participación política del teatro, sino a proponer entre tantas preguntas, a decirnos “aquí hemos construido con herramienta marginal porque lo demuestra con hechos, para colmo, dramáticos. Y por medio de este acto militante del que la coyuntura se enriquece, también el teatro agradece, porque se ha desplazado la pregunta del “qué” al “cómo”. Entonces, cuando al experimentar “Petróleo” preferimos preguntar cómo lo lograron en vez de qué quisieron decir, las políticas grupales, sus procedimientos, dejan de ser la cocina o el dato de color y su visibilización es ya la obra. El resultado es el mismo procedimiento político como criatura viva.

Experimentar petróleo es más que una sugerencia, debiera ser al menos un compromiso, en esta obra un grupo de mujeres en vez de esperar todas las preguntas han elegido un hacer impostergable. Tan impostergable como la lúdica de un ejercicio teatral. Así es la conclusión: sus afectos no pueden esperar.

Las funciones se ofrecerán de miércoles a domingos a las 20.30 hs, hasta el domingo 31 de marzo.
Platea: $280. Día popular (miércoles y jueves): $140.
Duración (aproximada): 80 minutos.

Crítica: Vox Lux

Por María Luz Stella

Un día me dijeron que para que un guión cinematográfico funcione no puede faltarle “sexo, drogas y rock & roll”, ingredientes que tiene la historia de Celeste (interpretada por Raffey Cassidy en su adolescencia y Natalie Portman a sus 30 años) y en la cual están muy bien articulados – sin ser exaltados pero manteniéndonos expectantes – en la creación de una estrella de la industria discográfica. Sin necesidad de recurrir a imágenes explícitas y con la utilización de varias elipsis importantes (ya que el film recorre más de 15 años), el director logra plasmar la vida desenfrenada de una joven adolescente que de un día para el otro se encuentra camino a la fama. Una vida desenfrenada que deja ver el trauma, que esconde los motivos reales por los cuales ella llegó a ese lugar y el por qué eligió dedicarse a la música pop.

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En cuanto a lo visual, se utilizan recursos poco habituales en el cine tradicional. Como ser el uso de un formato 4:3, presente en dos oportunidades: en primer lugar, para la introducción que ilustra la vida de Celeste de pequeña haciendo referencia a un formato en desuso como lo es el VHS y, en segundo lugar, en una secuencia de la gira donde ya está consagrada como estrella. Ambos momentos ni siquiera son flashbacks cómo podría de esperarse para el cambio de formato de panorámico a 4:3 como justificación dramática.

Otra característica particular es la decisión de realizar una iluminación que se acerca a la realidad y que se aleja a lo que acostumbramos a ver en las pantallas. Esto podemos identificarlo en la primera escena donde Celeste canta, en el recital de rock donde conoce al futuro padre de su hija y en su show/escena final. En la primera, la protagonista se encuentra cantando por primera vez mientras la iluminan los flashes de las fotografías que le toman. En las otras dos escenas que suceden sobre los escenarios, las luces de colores y estroboscópicas invaden el cuadro reventando la imagen creando así un efecto realista de lo que se experimenta al estar realmente en un espectáculo.

 

“¡Estoy harta de que me traten como si no fuera una persona!”

 

La vida de Celeste quedó pausada con el suceso trágico que la marcó desde el principio (que de hecho es un tanto curioso como el inicio de esta película se asemeja a un final) y que la volcó al mundo de la música donde pasó a convertirse en un producto. Ésta idea se resalta con la utilización de la misma canción tanto para iniciar su carrera como para marcar su renacer, diciéndonos sutilmente que sigue siendo la misma persona más allá de todas las fortalezas que haya tenido que construir para sobrevivir dentro de la industria.

Dirigida por Brady Corbet y producida por Natalie Portman y Jude Law, este film independiente (lo que puede explicar la libertad de poder tomar ciertas decisiones a nivel formal), podrá verse próximamente en las pantallas argentinas en el marco del BAFICI.

 

Funciones:

  • Miércoles 10 de abril, Cine Gaumont 1, 22:40h
  • Sábado 13 de abril, Multiplex Belgrano 2, 23:45h

 

Calificación 9/10

Reseña: Nüremberg

Por Pedro López

Nüremberg” es un diálogo apabullante con la mente de un skinhead momentos antes de cometer un atentado. Su pasado, su ideología, sus recuerdos se entremezclan en un unipersonal en donde el cuerpo y el odio son protagonistas.

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De la manera más cruda asistimos a observar lo irracional y horrífico del nazismo, sin dejar de la lado lo personal y privado de la vida de este muchacho capaz de sacrificar su cuerpo para mantener su dogma y su sangre.

El odio circula y se esparce con facilidad. Los límites desaparecer en el fervor, y la carne iracunda resiste hasta que se estrella contra la devoción absoluta. ¿Cuánto es capaz de sacrificar uno por defender un dogma? ¿Cuántos de nosotros defendemos algo con la más ávida irracionalidad?

Una crítica que nos penetra en su revuelta violencia, y nos invita a pensar si en verdad no han quedado vestigios de aquellas estructuras irracionales. Aquellas estructuras repletas de emociones que rastrean un enemigo en común, un dogma distinto, y depositan en aquello todos sus rencores, alimentándose de la propaganda que hierve la sangre y divide a la humanidad.

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Sanguinetti

Actúan: Mateo Chiarino

Vestuario: Nicolás Nanni

Diseño De Objetos Lumínicos: Claudio Del Bianco, Nicolás Nanni

Música original: Tomás Carnelli

Diseño gráfico: Pablo Vega

Asistencia de dirección: Agustín García

Prensa: Cecilia Cósero

Producción: Cecilia Cósero

Dirección: Pablo Finamore

Duración: 55 minutos

Estreno: sábado 2 de marzo, 20 hs.
Funciones: sábados 20 hs. (Hasta el 27 de abril)
LugarTeatro El Ópalo (Junín 380, CABA)
Entrada: a la gorra
Teléfono: 4951-3392
Duración: 60 min.
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Crítica: Las Dos Reinas

Por Macarena Maidana

Las Dos Reinas (Mary Queen of Scots, 2018) es una película de drama histórico dirigida por Josie Rourke. Basada en el libro de John Guy llamado “Queen of Scots: The True Life of Mary Stuart”. Con un gran reparto actoral entre los cuales se encuentran Saoirse Ronan, Margot Robbie, Guy Pearce, Gemma Chan, Jack Lowden y David Tennant, entre otros; Rourke nos trae un repaso  desde el punto de vista de cada una de las responsables de dicho evento histórico.

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Después de enviudar a los 18 años, Mary Stuart (interpretada por Saoirse Ronan) Reina de Francia y heredera del trono de Escocia, regresa a su tierra natal para reclamar su trono. En el otro lado de la isla británica se encuentra la poderosa Reina Elizabeth (interpretada por Margot Robbie), prima de Mary.

La sola existencia de Mary pone en riesgo la soberanía de Elizabeth. Traiciones, rebeliones y conspiraciones forman parte de la turbulenta relación de estas dos regentes que cambió la historia.

Las Dos Reinas se convierte en espectacular repaso de historia europea, con algunas libertades por parte de Josie Rourke,  donde (una vez más) Saoirse Ronan destaca en un drama de época y Margot Robbie sorprende en el papel de Isabel I, el guion de Beau Willimon ( House of Cards) encaja perfecto en este presente femenino que estamos viviendo y vemos a María Estuardo por primera vez como una joven Reina rozando el papel de heroína pero logra que también entendamos a Isabel desde su posición en Inglaterra.

Ambas mujeres se ven rodeadas de los clásicos clichés de la época que van desde traiciones, fanáticos religiosos, confabulaciones políticas, etc, pero nunca se torna aburrido el relato gracias a debido a la gran actuación que proponen tanto Ronan como Robbie.

Lamentablemente pasó casi sin pena ni gloria en USA al estrenarse el mismo día que La Favorita, con la cual perdió la pulseada ante la inevitable comparación  pero logró dos nominaciones a los premios de la Academia en los rubros donde más destaca Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería.

Si bien no quedará en la memoria de muchos, es una obra sobresaliente que no le queda nada grande la potente historia que carga, punto para la Rourke y una prueba más de que Saoirse Ronan sigue trepando alto en la industria.


Calificación: 7/10

Crítica: La Rebelión

LA REBELIÓN (Captive State) con John Goodman, Ashton Sanders, Vera Farmiga, entre otros. – Guión: Erica Beeney, Rupert Wyatt – Dirigida: Rupert Wyatt. / Distribuye: @diamondfilmsarg / Estreno en Argentina: 28 de MARZO 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

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La Rebelión presenta a la humanidad sumida -hace diez años- en un mundo liderado por extraterrestres, quienes son como una especie de ser humano delgado de tres metros y una combinación de puerco espín, además de otras mascotas que rondan por la tierra, y que lamentablemente son poco aprovechados como un factor emocional dentro de las tramas.

Supuestamente la llegada de estos seres ha solucionado el problema de la pobreza y los crímenes, esto último porque la tecnología que estos bichos poseen es súper-recontra avanzada.  En fin… algunos rebeldes que se oponen a estar bajo la tutela de los súper poderosos alienígenos, quienes además hablan un idioma que sólo algunas traductoras saben entender, son quienes dan el título a esta película.

Se podría decir que es una suerte de ciencia ficción y espionaje, pero sumamente predecible y que invitan desde la primera secuencia a momentos de interesante acción que nunca llegan, lo que se quedan en una especie de mezcolanza para televisión que diluye la trama con tantos personajes.

Calificación: 4/10.

Discovery y Motorola presentan un especial que desafía a tres personas a “Vivir desconectadas” durante dos días .

Discovery y Motorola presentan un programa especial en el cual tres personas abandonan sus smartphones y cualquier tipo de conexión a Internet durante dos días para mostrar cómo reaccionan mientras intentan resolver de manera analógica todo tipo de situaciones que surgen en su rutina diaria. Con el aporte de los neurocientíficos Andrés Rieznik y María Eugenia López, THE DISCONNECTED CHALLENGE BY MOTOROLA estrena el 27 de marzo a las 23.40 hs., por la pantalla de Discovery Channel.

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El programa, de media hora de duración, sigue durante dos días a Macarena, una bailarina argentina; Gema, una wedding planner mexicana; y Víctor, un estudiante de Publicidad brasileño. A medida que pasan las horas, el comportamiento de los personajes cambia y descubren cómo hoy los dispositivos inteligentes se han convertido en una herramienta muy útil para desempeñarse tanto laboral como socialmente, y empiezan a experimentar qué relación tienen con sus dispositivos. El desafío surgió como parte de la campaña Phone-Life Balance de Motorola. “Como creadores del primer teléfono móvil de la historia, nos sentimos responsables de analizar el impacto de esta tecnología de rápida evolución, sin que se convierta en el centro de nuestras vidas. Un concepto que patentamos, y al que denominamos Phone Life Balance, y sobre el que seguiremos hablando para encontrar un mejor equilibrio entre el uso del teléfono móvil y la vida personal”, comenta Valeria Fernández, gerente de marketing de Motorola Argentina.

“Algo que nos pasa a todos con el celular es que hemos dejado de ejercitar partes del cerebro que antes utilizábamos más frecuentemente, que tienen que ver con, por ejemplo, la orientación espacial y la navegación en el espacio”, comenta Andrés Rieznik, doctor en Física y neurocientífico, quien a lo largo del programa aporta conceptos y conclusiones que ayudan a comprender las reacciones de los participantes durante su período de desconexión. “Hay muchas cosas que actualmente no podemos hacer sin nuestros celulares, pero este experimento social también demuestra que el hecho de estar un tiempo desconectados de estos dispositivos nos permite reconectarnos con nuestro entorno y con las personas que nos rodean. La cuestión es llegar a un punto de equilibrio para no alejarnos de los beneficios que brinda el contacto interpersonal”, completa Rieznik.

The Disconnected Challenge

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Macarena Fuentes es una bailarina argentina de 30 años, quien confiesa utilizar “bastante” su celular. Ella toma clases de danza, suele juntarse con amigos, le gusta salir a correr y comer afuera. Utiliza su celular como despertador, para escuchar música, para orientarse en la calle, como agenda, como entretenimiento y para informarse sobre futuros castings. Durante este experimento deberá emplear todas sus habilidades para prescindir de esta herramienta y cumplir con sus tareas diarias con éxito.

Gema Kareh es una wedding planner mexicana de 49 años muy meticulosa, quien manifiesta “no poder vivir sin el celular” por ser su principal herramienta de trabajo. Concertar reuniones con las novias que la contratan, hacer compras, solicitar y compartir presupuestos, trasladarse por la ciudad, son algunas de las actividades que tendrá que resolver durante dos días sin su gran aliado ni cualquier otro dispositivo conectado a Internet.

Víctor Selqueira Santos es el más joven de los participantes de este especial. Con solo 20 años, no sabe lo que es vivir sin conexión a Internet. Este estudiante de Publicidad brasileño utiliza el teléfono celular durante todo el día para su trabajo en una productora audiovisual, para estudiar y para mantenerse en contacto con sus amigos. Sólo deja de usarlo cuando practica surf, yoga y juega al fútbol. A través de esta experiencia de desconexión, Víctor se cuestionará el hecho de depender en exceso del teléfono celular y comprenderá el valor del contacto personal con quienes lo rodean.  

Para lanzar la campaña Phone Life Balance, Motorola realizó en 2018 un estudio global en colaboración con la doctora Nancy Etcoff, una prestigiosa experta en el Comportamiento Mente-Cerebro, y especialista sobre la Ciencia de la Felicidad en la Universidad de Harvard. El estudio, publicado por la reconocida empresa de investigación independiente Ipsos, analizó los comportamientos y hábitos de uso del teléfono en diferentes generaciones para comprender el impacto de los smartphones en nuestras relaciones con uno mismo, los demás y el entorno físico y social.  El estudio reveló que muchos usuarios anteponen el uso del teléfono móvil a las relaciones con sus seres queridos; y que más de la mitad admite la necesidad de alcanzar un equilibrio en ese aspecto y piden ayuda para lograrlo.

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Cada día, los smartphones cambian la forma en que las personas viven. Permiten realizar transacciones bancarias, compras online, estudiar, consultar al médico, comunicarse con otras personas a la distancia y también iniciar nuevas relaciones. Pero al mismo tiempo que estos dispositivos acercan a quienes están lejos, a veces apartan a las personas más cercanas. A través historias reales y la opinión de expertos, THE DISCONNECTED CHALLENGE BY MOTOROLA invita a reflexionar para encontrar un mejor balance y disfrutar tanto de la vida real y las relaciones interpersonales como también las ventajas de estar conectado digitalmente.