Crítica: El Kiosco

Por Candela Otero 

En su primera experiencia como director, Pablo González Pérez nos trae un film que llega a las salas tras poca difusión, y que, a priori, no promete mucho, pero resulta ser un gran
trabajo, que deja conforme al espectador.

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En esta oportunidad, Pablo Echarri, de gran trabajo, encarna a un “típico” hombre de clase media: Ya ha formado una familia, trabaja en una oficina, no está a gusto con su empleo y siente que allí está perdiendo el tiempo. Por lo que, acepta el retiro voluntario que ofrece su
empresa, y compra el kiosco de barrio al que tanto iba durante su niñez, del cual guarda hermosos recuerdos. Pero las cosas se complican cuando se anuncia la construcción de un
viaducto en esa calle, hecho que aislará al kiosco de los autos y los colectivos, y le quitará a los clientes.

 
Además de Echarri, se destaca en su actuación Rolly Serrano, quien interpreta a un pizzero muy ocurrente, quien busca todos los medios posibles para resolver el tema del viaducto, y
otorga la mayor cuota de humor al film.
La película cuenta con un guión firme, que no deja cabos sueltos, y que sabe enfrentar al personaje principal a un fuerte conflicto, que necesita resolución inmediata: Las deudas son cada vez mayores, la casa está hipotecada y al kiosco no ingresa dinero.

 
Desde la dirección, sorprenden algunos planos aéreos donde se aprecia la magnitud de los edificios y las autopistas de Buenos Aires. El montaje y el sonido hacen un gran trabajo.
Prolija en todos sus aspectos, alterna momentos cómicos con otros dramáticos, y presenta un fuerte tono de melancolía, visiblemente en el personaje de Echarri.

 
No pasan de largo los comentarios de la situación socio-económica crítica que atraviesa el país: la radio informa que el dólar no hace más que subir, las empresas ofrecen retiros voluntarios, y hay reiterados comentarios sobre que no es un buen momento para dejar el trabajo y aportar por un emprendimiento como el kiosco.

 

Con una creativa resolución, y un buen trabajo de todas sus partes, se logra una buena película, de carácter muy actual, que le genera una identificación al espectador, y llega para ser vista en el momento justo.

 

Calificación: 7/10

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Crítica: El Kiosco

Por Pedro López

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía en esta película Mariano, personaje protagónico interpretado por Pablo Echarri. Una comedia que nos enseña a mantener nuestros valores en momentos de crisis. 

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Harto de su trabajo en una oficina, Mariano  decide darle un giro a su vida. Tras aceptar un retiro voluntario, invierte el dinero obtenido y todos sus ahorros en la compra del kiosco de Don Irriaga, un lugar repleto de buenos recuerdos en el barrio de su niñez.

Poco tiempo después, descubre que la calle sobre la que está ubicado su flamante kiosco será próximamente cerrada al tránsito para hacer un viaducto, obra que dejará a su emprendimiento completamente aislado.

Condenado a una ruina inminente, Mariano tiene los días contados para hacer “algo” que los salve, a él y a su familia, antes de que la calle quede clausurada. Para eso, deberá confrontar con la adversidad, con sus afectos y, sobre todo, consigo mismo.

Un guión bien logrado se conforma de escenas bien logradas y es claro que esta película tiene algunas, como así también tiene algunas situaciones cómicas, alguna que otra buena toma, y algunos estupendos actores. Pero decir que esta película es buena es omitir muchísimos detalles, ya que “El kiosco”, película dirigida y escrita por Pablo Perez Gonzalez, también nos deja situaciones cómicas genéricas y un guión que falla rotundamente sobre el final, pues no posee un arco dramático. Una de cal y otra de arena. En fin, una película zafable y costumbrista. No corre muchos riesgos y cumple, al igual que muchas otras, con la simple función de entretener.

También existen cuestiones que debo comentar acerca del bagaje cultural que se inserta y se distribuye a través de este medio de comunicación masivo. Esta película no es solo una comedia costumbrista; sino que también exhibe los valores clásicos del estereotipo argentino clase media, respetando los intereses neoliberales vigentes.

Me explico.

¿Recuerdan cuando dije “que no posee un arco dramático”? Bueno, en general las películas tienen personajes que pueden poseer o no un arco dramático. Algo que el protagonista debe cambiar de sí mismo o debe enterarse para poder resolver el conflicto, y así completar su objetivo. Cuando el personaje principal no tiene un arco dramático, (quiere decir que mantiene sus valores iniciales en toda la historia) lo que adquiere un arco dramático es su entorno, ósea los personajes secundarios. Entonces la historia trata de cómo ese entorno modificado ayuda al protagonista a conseguir su objetivo.

En esta película el entorno no cambia al igual que su personaje protagónico, entonces ¿cómo se resuelve el conflicto? Bueno lo voy a decir sin más vueltas: SOLO. El conflicto se resuelve solo. Y esto es, además de un enorme error del guionista, una forma de inculcar cultura. “Todo se va a resolver” “Vamos a estar bien” “Tranquilo todo se va a arreglar”.

Creo que lo lindo en las historias es ver la transformación del personaje, ver cómo este sortea los obstáculos y cumple su objetivo. Es motivador ver cómo alguien no se rinde hasta conseguir lo que quiere o hasta entender que en verdad lo que quiere es otra cosa. Lo motivante no son estos finales “esperanzadores” donde el conflicto se resuelve gracias a alguna mano invisible. De hecho es todo lo opuesto, es desmotivante

La esperanza no reside en confiar que el destino pueda acomodar tu camino hacia la felicidad, sino en que uno mismo o un colectivo de gente pueda lograr un objetivo más allá de los obstáculos que encuentre. Reside en creer al menos que nosotros podemos llegar a ser dueños de nuestro futuro y de nuestro destino.

La esperanza reside en la lucha, en el conflicto y sobre todo en vencerlo. Esa es la enorme diferencia entre un final feliz y un final “esperanzador”.

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía Mariano protagonista de esta película. Una comedia que nos podría haber enseñado a mantener nuestros valores en momentos de crisis, pero optó por un básico y rotundo final “esperanzador”

Calificación: 5/10 

Crítica: La Sanadora

LA SANADORA  | La Guérisseuse (Largos Árabes) Un film de MOHAMED ZINEDDAINE (2018) MARRUECOS, ITALIA, CATAR, ficción, dialecto marroquí – Función: Miércoles 27/3 EL CULTURAL SAN MARTÍN – SALA 1 / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Si tienes interés de salirte del circuito cinematográfico comercial, el Festival Internacional de Cine Latino Árabe aterriza en su octava edición.  El año pasado, la organización fue galardonada por la UNESCO y considerada como una de las 100 instituciones más influyentes en el mundo árabe por el Arab Cinema Magacine en el marco del 71º Festival Internacional de Cine de Cannes.

En forma anticipada pude ver “LA SANADORA”, una película hablada en dialecto marroquí que podría considerarse -de manera transversal- dentro del cine social, más que nada porque se muestra a los personajes como “a la suerte de Dios”.

Su protagonista, un joven que vive en las afueras de un estanco minero, intenta aprender a leer y escribir, y su madre adoptiva, la curandera del pueblo, busca proteger su lugar de privilegio a través de las leyes del oscurantismo.  Paralelamente, un ladrón de poca monta, sufre una enfermedad en la piel y termina visitándola. Entre ellos, se traza una fina línea que delimita aún más el destino opresivo.

Calificación: 3/10.

* SEDES: 

– Complejo Bajo Plaza – CCGSM  (Sarmiento 1551): Valor de las entradas: General  $ 70 – Jubilados y Estudiantes $ 40.

– Alianza Francesa  (Córdoba 946): Entrada Gratuita.

– Sala Leonardo Favio – Biblioteca del Congreso de la Nación (Alsina 1835): Entrada Gratuita.

PROGRAMACIÓN:  http://www.cinefertil.org/latinarab/index.php/programacion/

Análisis: Rico para PS4

Por Jorge Marchisio
En una ciudad consumida por las bandas criminales, las fuerzas de seguridad deciden aplicar la ley Rico, y con eso, exterminar a todos los maleantes. Hoy nos toca hablar de Rico, un juego de acción en primera persona, hecho con la técnica de cell sheadding, que, si bien es divertido, nos deja una sensación de que podría haber sido mucho mejor de lo que tenemos entre manos.

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Lo primero que notamos es lo desaprovechado que esta el cell sheadding. Dicha técnica es la cual logra que los juegos se vean como caricaturas; y que, por lo general, es utilizada en games que exageran las acciones, llevando todo a un nivel de violencia y ridiculez extrema. Esto, por desgracia, no pasa en Rico.
Pese a esto, si tenemos que decir que el juego es bastante divertido, y las escenas de acción son casi continuas. Bajo la mecánica de entrar a cuartos y tener que despejarlos para poder seguir avanzando antes de que lleguen refuerzos, los tiroteos son constantes.

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Eso sí, tenemos que hablar del control. El sistema de apuntado es uno de los peores que este redactor vio en bastante tiempo. El stick derecho es ultra sensible al mínimo roce, haciendo que nos maten varias veces hasta que nos resignemos a entrar al sistema de Ajustes, y calibrar la reacción de la mira (en un 20% incluso a veces se veía rápida). Así que, en este sentido, les rogamos que hagan el tutorial así no tiran el joystick contra la televisión.
También como negativo podemos decir que el juego no ofrece mucho más de lo dicho un poco más arriba. Solo es romper puertas, limpiar habitaciones plagadas de criminales, y avanzar para repetir la acción. Con la variante de que se nos da la opción de que podamos ocultarnos detrás de objetos para disparar, o entrar en plan kamikaze disparando a todo lo que se mueva, a riesgo de que nos hagan un headshot.
Rico termina siendo un juego bastante promedio.

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No es aburrido, pero tampoco innova y desaprovecha algunos apartados en los que podría haber dado un pequeño salto de calidad. Ideal para jugar uno o dos días, pero no mucho más.

Lo mejor: la acción continua, lindo apartado visual

 

Lo peor: repetitivo, desaprovecha el motor grafico

 

Calificación: 6/10

 

Trailer:

 

Crítica: Un ladrón con estilo

UN LADRÓN CON ESTILO (The Old Man & The Gun) Un film de David Lowery / La película con la que se retira de la actuación el icónico Robert Redford. Con Sissy Spacek, Cassey Affleck, Danny Glover y Tom Waits. Basada en una historia real reportada por David Grann en el New Yorker en 2003 (al pié, link al artículo) / Fecha de estreno en Argentina: 21 de Marzo. / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Robert Redford dijo que sería su última aparición, y encontró un relato que habla por sí mismo, sobre cómo se ha tomado su trabajo y un homenaje a las películas de antaño.  Basado en una historia real, su personaje es un viejo ladrón de bancos que roba con cierta amabilidad y quien logró escaparse 18 veces de prisión. Un evidente trazo de aquellas películas, muchas de las cuales rodó con su amigo Paul Newman.  

Aquí, te encontrarás con una las escenas más románticas del cine de los últimos tiempos, la que comparte con Sissy Spacek; como también, una de los momentos de mayor reflexión –acompañado con Casey Affleck- cuando policía y ladrón se encuentran cara a cara, y ambos entienden que no se trata de perder o ganar, se trata de tener la oportunidad de hacer un papel en la vida que te mantenga vivo.

Las líneas de diálogo lo dicen todo: “Se ha pasado la vida entre rejas.  Salvo cuando se escapaba”. “Debería haberse retirado hace tiempo.” “Bueno… cuando encuentras algo que te apasiona…”.  “Una vez estaba con él y le dije: -Tiene que haber otra forma de ganarse la vida. Y él miró y me contestó: -No se trata de hablar de cómo ganarse la vida, sino te trata de vivir.”

Ó… “Siempre que cierro la puerta, pienso, ¿será la última vez que pueda hacer lo que fuera que estaba haciendo?” / “¿Sabes lo que hago?, saltar por la ventana.”

Calificación: 9/10.

Acceso al artículo en donde se basó la película: ACÁ

Crítica: Nosotros

Por Agustín Villegas

Sacando al espectador de su zona de confort…

La cantidad de inversión que Universal le está poniendo encima al marketing de éste proyecto me genera esperanza por el alcance y el futuro del cine de autor. Pensar en que una película tan creativa y distinta va a llegar al espectador común me alegra debido al aporte que ésta puede brindarle a una persona que, al estar acostumbrada al cine de genero, puede acercarlo a un estilo que cada vez se aloja más en servicios de streaming y no tanto en las salas de cine convencionales. El punto al que intento llegar es que la rueda funciona de una forma perfecta. El espectador conoce un estilo diferente, éste le vuela la cabeza y por ende comienza a buscar más proyectos similares para ampliar un poco su espectro. Esto deriva a que los estudios tomen más riesgos y más artistas puedan contar con la libertad de hacer películas con un sello mucho mas personal.

Antes de hablar del talento de Jordan Peele hay que darle crédito a Blumhouse productions, una productora que vive demostrando que apuesta a un cine de primera linea. En su impecable curriculum tenemos películas como ‘SPLIT’, ‘THE PURGE’, ‘GET OUT’ (la cual va a ser mencionada en ésta reseña), ‘WHIPLASH’ y la reciente ‘BLACKKKLANSMAN’. En su historial tiene tres nominaciones al Oscar y un oceano de halagos por parte de los cinefilos experimentados. Ahora hablemos un poquitito de Jordan Peele, productor, director y escritor de ‘US’, quien conquisto a la crítica especializada con la ingeniosa ‘GET OUT’. Antes de ésto algunos lo conociamos por su gran show de comedia ‘KEY & PEELE’, el cual protagoniza junto al crack Keegan Micheal-Key. Ambos pasaron un ratito por la primera temporada de la serie “FARGO” (recomendadisima por cierto), basada en la película de Los Hermanos Coen, en donde interpretan a dos extravagantes agentes del FBI quienes buscan solucionar con urgencia una cagada grande que se mandaron durante la investigación de un sindicato criminal. Con éste nuevo proyecto confirmamos que Peele llego a Hollywood para quedarse, y en un cine repleto de monotonía y bajada de linea carente de sutileza la llegada de un tipo así siempre es algo positivo para el arte en general.

La historia sigue a una familia que, en sus vacaciones, es acosada por doppelgangers diabólicos de ellos mismos. Lupita Nyongo, Winston Duke y Elisabeth Moss protagonizan éste surrealista film.

La escasez de información en la sinopsis es intencional, los proyectos como éstos es mejor ir a verlos con poco conocimiento de la trama en la cabeza. El genero de la película es una cuestión muy dificultosa de abordar. No estamos ante una película que de MIEDO constantemente, la fortaleza de la idea se encuentra más que nada en el suspenso y en la incertidumbre de la situación que esta familia vive. El mensaje de la película va a ser muy subjetivo para cada uno de ustedes, si ‘GET OUT’ buscaba transmitir la falsa aceptación de la comunidad blanca hacia los afroamericanos entonces podemos decir que ‘US’ va mas allá criticando a la sociedad en general. La idea se dedica a hablarnos de miedo a lo externo y del consumismo excesivo de la sociedad occidental. En la review de ‘CAPITANA MARVEL’ les mencione que uno como crítico debe alejarse de la ideología y enfocarse en como ésta es aplicada en una obra. En éste caso el mensaje esta plasmado de formas tan sutiles y abiertas a la heterogeneidad de interpretaciones que se me es imposible no aplaudirla. En un mundo en donde los mensajes son metidos a la fuerza resulta fresco que alguien se digne a tocar temas desde un punto de vista tan delicioso.

La película es estéticamente increíble. Los dobles malvados tienen un estilo visual que no solo es reconocible, sino que es atractivo a la vista y contrasta perfecto con la prolijidad y la pulcritud de la versión original de ésta familia afroamericana moderna. El hecho de que los monstruos sean las mismas personas a las que queremos ver salir de esa situación es una maravilla que sale de todo patrón que establece el cine de horror. Además hay que agregar que la comedia está presente de una forma muy inteligente, lo que hace de este proyecto digno de piropearle algo que yo AMO ver en las películas y series que consumo … la imposibilidad de encasillarla en un genero especifico, ya que mezcla de todo un poco.

Mí única critica negativa es que por momentos la película se torna demasiado surrealista, bordeando lo exagerado, pero SIEMPRE encuentra la forma de volver a la ruta sin desbarrancar.

“US” es una película que TIENE que verse por el bien del cine y por lo excelente de su planteo. Las actuaciones son una joya y, en aspectos técnicos, no falla absolutamente NADA.

Calificación 9/10

Crítica: La guarida del lobo

Por Sebastián Sabio

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Con unos paisajes extraordinarios provenientes de Tierra del Fuego, este filme cuenta la historia de un hombre de la ciudad que quiere aprender a conducir un trineo tirado por perros. Lo más destacable del filme son las tomas y encuadres, producto de la acogedora choza que toman como locación y, principalmente, los increíbles bosques del sur patagónico argentino debido a que ni las actuaciones de Gaston Pauls, Jose Luis Gioia y Victor Laplace ni el guión son algo memorable. Pauls realiza otro personaje similar a todos los demás que interpretó a lo largo de su carrera y los otros dos actores no terminan de convencer. El guion se vuelve obvio por momentos y peca de intelectualoide pero no logra engañar a muchos. Con un final poco creíble por el transcurrir de los hechos y a la vez no del todo claro (culpa compartida por actores, director y guionista) la película deja al espectador con dudas sobre lo que acaba de ver y preguntándose “por qué” repetidas veces.

Calificación: 5/10