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El género de autoayuda no es de mis favoritos, si bien hay millones de adeptos a libros que le digan que hacer y cómo sentirse, hay ciertas preguntas que se me escapan: ¿Se puede enseñar a querer?
No todo en la vida es tan profundo y más si nos vamos a los setentas (una de mis épocas favoritas de la historia reciente) donde la música de Julio Iglesias, El Puma y Juan Gabriel estaban en su clímax.
Una gris oficina de editorial de empleados con trajes de disco, están en urgencias pues su autor principal no puede escribir un libro de autoayuda sobre el amor, tienen 15 días para entregarlo sino se enfrentarán consecuencias, la esposa de este escritor hundido comienza a ser coautora, ambos comienzan a ver su visión del amor y la forma de reparar la relación.
Emilia Mazer, Fabio Di Tomasso, Gonzalo Urtizberea, Edda Bustamante y Esteban Prol forman parte del elenco de esta comedia romántica de Victor Winer (de él recomiendo también Los Soviets de San Antonio) y dirigida por Mariano Dossena.
La musa de Ataque 77 e icono de los 80’s Edda Bustamante está de vuelta en esta obra, con su belleza y carisma en un rol secundario, Emilia Mazer es el alma de la obra con su inocencia y romanticismo Los personajes debatirán sus posturas del amor en quince días mientras la música de Julio Iglesias y los Bee gees van sonando de fondo.
15 días para hablar de amor es una comedia amena, tierna y llena de color que se presenta en el Teatro Regina los viernes y sábados a las 21:30 y domingos a las 19:30 (Av. Santa Fe 1235)
Para los amantes de los JRPG, la saga Tales fue siempre un equivalente a patear fuerte al medio. En sus 25 años, han cargado a la industria con excelentes títulos, y desde siempre ponen la vara muy alta en el género. La apuesta más reciente de Bandai Namco es Tales of Arise, que busca pulir las imperfecciones de entregas anteriores y brindarnos una experiencia inolvidable.
La historia nos sitúa en Dahna, región que hace 300 años sufre la invasión de Rena. Este último, gracias a su poderoso ejército y tecnología avanzada, sume a la población a un nivel de esclavitud, con el fin de explotar los vastos recursos que poseen. A partir de este momento, la convivencia entre dahnanos y renanos se torna insostenible. Entre los miles de dahnanos oprimidos, surge un grupo revolucionario que tiene como objetivo poner fin a la tiranía renana. Dentro de ese grupo, se encuentra nuestro protagonista, Alphen, quien tiene una máscara de hierro y sufre de amnesia.A pesar de que la historia no reinventa la rueda, está muy bien narrada y la atención al detalle es lo que la destaca. Los problemas los encuentro en el desarrollo de los personajes.
Alphen es exageradamente sensible y sobreactuado. Su altruismo es tal que llega a molestar. Es un cliché con espada, que ya se vio en decenas de ocasiones. Shionne es una renana que, por motivos que averiguaremos con el correr de la historia, se unió a nuestro grupo de rebeldes y nos acompañará en el viaje. Es la típica coprotagonista femenina con actitud ruda, reacia a fraternizar con sus compañeros y que, a medida que avanzamos, comienza a sensibilizarse y a mostrar sus sentimientos. Con ellos dos como parámetro, qué se puede esperar de los demás. Luego tenemos a la chica dulce, al joven-adulto con ganas de volverse más fuerte, la mujer fuerte e independiente, y así. Sí tengo que decir que, a pesar de las personalidades aburridas que tienen, sus historias personales están bien contadas y logran hacer empatizar al jugador.
Al momento de pelear, poco hay para corregir. Sí, los combates son parecidos entre sí, pero la variedad en los personajes, en las armas y en los propios enemigos es tal, que nunca se vuelve repetitivo. Los tipos de golpes que usaremos se llaman “artes”, y deberemos configurarlos muy bien para lograr combos fructíferos. No bastará con spamear un botón, porque cada uno de estos artes consumirá energía y, si nos quedamos sin ella, sólo podremos dar ataques básicos que no hacen prácticamente daño. Al final del día, obtenemos un sistema de combate frenético, cargado de acción y muy entretenido.
El apartado artístico es precioso. A pesar de que no se trata de un mundo abierto, los entornos por los que el jugador se mueve son “semiabiertos”, y no hay rincón que no esté cargado de detalles. Esto se replica en los personajes y en los enemigos, que tienen diseños muy bien trabajados. La banda sonora, otro punto altísimo que musicaliza la aventura de manera sublime.La Ultimate Edition, además del juego base, nos incluye una gran cantidad de skins para nuestros personajes, objetos de mejora que nos ayudarán en la aventura y nos permitirán levelear más rápido y, en pocas palabras, una gran ayuda extra, que se hace más evidente en las primeras horas de juego. Esto es cosa de cada jugador, pero ya de por sí estamos ante un juego base de 60 dólares. Y por esta edición nos piden 110 (¡!). Personalmente, no creo que valga la pena los 50 dólares extra que nos piden por lo que finalmente nos dan.
Para aquellos que se lo preguntan, la pantalla de créditos la veremos no antes de las 40 horas de juego. Y si queremos abarcar todo lo que el juego nos ofrece, llegaremos a las 70. Y qué rápido que se pasan. Tales of Arise es un viaje que no queremos que termine. Con sus falencias, es un título cargado de acción, muy entretenido y que nos logra contar una historia atrapante. No puedo hacer más que recomendarlo, tanto para los fanáticos del género, como para quienes se quieran iniciar.
El equipo de The Sixth Hammer nos ha permitido acceder de forma adelantada a la demo extendida de Moo Lander, un título en el que encarnamos al último superviviente de una peculiar civilización, que utiliza la leche de las vacas de Marte para dotar de energía a sus aparatos tecnológicos, como por ejemplo la propia nave en la que nos desplazamos.
No hace falta jugar mucho para notar las influencias de este título. De forma destacable, este juego se ha inspirado en la famosa saga de metroidvanias de Ori (Ori and the Blind Forest y Ori and the Will of the Wisps). En el momento en el que intentas emular un concepto conocido y querido, te acercas a parte del público que ha disfrutado de ello, pero es un arma de doble filo ya que a partir de ese instante se esperará de tu producto un nivel de calidad igual o superior al del título emulado. Y es aquí donde radica el principal problema de Moo Lander, que es un quiero y no puedo. Hay un buen nicho de mercado para nuevas aventuras metroidvanias, pero el público habitual ha disfrutado del excelente control de pequeño caballero hueco en Hollow Knight o del deslumbrante apartado visual del anteriormente citado Ori, entre otros.
En mis primeros minutos en la demo, me sentí bien recibido por el diseño artístico de los fondos del juego, pero rápidamente me desencanté al ver en movimiento los elementos artísticos del primer plano, que dejan bastante que desear. De hecho, este apartado artístico brilla todavía menos en los menús del juego, que parecen pedir a gritos un lavado de cara completo. Tan impactante fue esa primera imagen que pocos minutos después me sorprendí por el hecho de que el juego está doblado. El equipo de doblaje trabaja, al menos en la demo, en las voces de los dos protagonistas, nuestro extraterrestrial amigo y la inteligencia artificial de su nave. Este es quizás el punto más fuerte del título, las conversaciones entre estos dos personajes son cuanto menos graciosas, y en más de un momento cuestionan la propia seriedad del juego, cosa que le sienta realmente bien.
Un gran problema de este título es que la mecánica principal, volar con la nave, no es nada satisfactoria. Podremos movernos en todas direcciones atravesando el mapa, pero el diseño de nivel parece pensado para una nave que pueda controlar su inclinación, cosa que (al menos en la demo) no es posible. De forma habitual te quedarás atrapado contra elementos dañinos, desembocando en una espiral de recibir daños, siendo posible recibir daño letal en cuestión de instantes, muriendo sin llegar a entender que es lo que ha pasado.
Avanzando un poco en la demo se desbloquea el sistema de combate, con un cañón de leche inicial bastante desastroso. Conforme avances en el título desbloquearás puntos de habilidad para desbloquear nuevas habilidades. Muchas no estaban disponibles en esta versión pero si era posible desbloquear una espada de leche (si, sé que suena raro) que es de lejos, un arma mucho más poderosa que la pistola inicial. A partir de ese momento el título se volvió mucho más satisfactorio porque pasas a convertirte en una maquina de destrucción, que no se tiene que preocupar de enemigos ni de obstáculos (realmente, no creo que convertirte en el dios de la destrucción en el minuto 10 sea la solución, pero es mejor que pulsar el botón de disparo 50 veces por cada enemigo).
Si bien este combate queda así “solucionado”, el juego presenta un combate no letal contra las vacas del planeta, para dejarlas inconscientes y poder abducirlas. Este combate necesita urgentemente un cambio. El arma inicial no letal es lenta y poco precisa y las vacas son absurdamente fuertes y rápidas. La pelea contra el jefe equino me consumió el mismo tiempo que el resto de la demo, y ha sido probablemente uno de los encuentros menos satisfactorios con un boss que he tenido en toda mi vida como jugador.
Como conclusión, la idea que presenta el título es original, pero se requiere una gran cantidad de trabajo para conseguir darle a Moo Lander una imagen superior a la de cualquier juego gratuito clónico de móvil. Ahora mismo, está muy lejos de ser La Leche.
En el Teatro Animal, de estilo rústico, rediseñado a partir de la estructura de una casa antigua en un rincón de Almagro, se presenta una vez cada algún tiempo la obra Bocetos. Ambiente muy tranquilo, con oferta de tragos y porciones de pizza entre otras consumiciones, nos reciben a los asistentes en el patio pintoresco que precede a la sala. Con todos los protocolos correspondientes, nos ubican antes de que comience la función, distribuyéndonos en las sillas que están estratégicamente repartidas en torno al escenario.
Cuatro actrices, tres de ellas representando las obras de arte vivas en un museo peculiar en que los personajes despiertan para contar su historia. La participación de la presentadora funciona como hilo conductor a través del resto de las intervenciones, con una interacción directa al público. Con momentos filosóficos y delirantes, nos guía para enfrentarnos a las intérpretes. Los monólogos de cada una van desde lo humorístico y bizarro hasta el drama profundo.
Se percibe, desde mi punto de vista, una gran creatividad detrás de cada narración, con propuestas, ideas y exploraciones corporales y verbales auténticas y muy particulares de cada una de las actrices, además del divertido final en el que las cuatro se unen para una misma puesta en escena de cierre.
Además del sonido y luces elegidos adecuadamente a cada momento, quiero destacar sobre todo el maquillaje y vestuarios que facilitan al espectador conectar con la invitación a la experiencia. La duración de la obra personalmente me resultó perfecta para lo que implica.
Puedo decir muy segura que se trata de una obra divertida, interesante y medida justamente para el entretenimiento de cualquier tipo de espectador. Conocer las obras artísticas es un plus para comprender el origen de los relatos. Para finalizar, recomiendo y me entusiasmo con el anuncio de una nueva función de Bocetos el día 16 de octubre a las 20 horas, esta vez con la renovación de los monólogos.
El viernes me traje un helecho del trabajo, con entusiasmo lo colgué en el patio interno de casa. Lo que nunca pude haber imaginado es que esta planta podría ser milagrosa, todo esto luego de ver la obra ELHECHO.
Siguiendo con la retrospectiva de la actriz, autora, directora teatral Mariana Chaud (de la cual hice reseña de Ubú Patagónico, obra que pertenece a esta retrospectiva), ELHECHO es una de las puestas en escena más originales, absurdas y divertidas que he visto.
Un helecho comienza a filosofar sobre su vida y las personas que lo rodean, estático un lugar donde poca luz le llega, dentro de una iglesia donde un sacerdote pierde la cordura e intenta comprobar la existencia científica de Dios, una mujer sumamente inocente y utilizada por todos los personajes, descubrirá los secretos milagrosos de este helecho. Al menos esta es la trama de la obra de dentro de una obra.
Ximena Banús, Santiago Gobernori, Walter Jakob, Laura López Moyano, Lalo Rotavería forman parte de esta alocada trama donde un grupo de actores ensaya una pésima obra que posiblemente jamás se monte, mediante musicales, momentos irrisorios, ridículos y exagerados, la cuarta pared no se rompe del todo aunque tiene la tentativa de hacerlo.
La escenografía de Ariel Vaccaro es meticulosa al recrear esta sala de estar eclesiástica. La música original de Gabriel Barredo junto a la coreografía de Luciana Acuña aporta el clímax de la obra y levanta el júbilo de los espectadores. Elhecho es una obra popular muy amena, la retrospectiva de Mariana Chaud es original, experimental y desafiante, se vuelve un teatro anti teatro donde lo absurdo, lo sin sentido y lo ridículo cobran forma. Esta obra seguramente hará que veas a tu helecho de forma distinta.
Elhecho está disponible de jueves a domingo a las 20 horas en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715 al lado del Ecoparque) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Next Stage da un paso más y nos trae un genial hack’n’slash.
Es fascinante ver cómo estudios pequeños consiguen construir un mundo así de interesante y lanzarlo al combate contra los grandes del género.
Age y su destino
Como suele pasar en este tipo de juegos cuando provienen de estudios pequeños, la historia se queda como algo totalmente secundario que sirve simplemente para ir presentándonos enemigos y habilidades nuevas.
Age lucha contra el tiempo pues al iniciar el juego se nos informará de que nos quedan 7 días de vida. Así, nuestro protagonista se lanza a la aventura en busca de un artefacto que evitará la extinción humana y, por supuesto, su muerte.
Pero no estamos solos en esta hazaña, nos acompaña un robotito llamado Helvis que, aunque no nos ayuda demasiado, sí cuenta con ciertas habilidades que nos vendrán muy bien. Ciertamente este aspecto unido al mundo postapocalíptico en el que nos encontramos me recordó a Nier: Autómata, aunque guardando las distancias.
Combate frenético
Si destaca por algo Ultra Age es sin duda alguna por su combate. Un abanico de combos se entrelaza con la variedad de armas de que dispone Age, nuestro protagonista, para fundirse en un combate exquisito.
Las armas consisten en diferentes espadas creadas con cristales que conseguimos por el mundo y que contendrán unas habilidades diferentes que serán el counter perfecto para unos u otros enemigos.
Es cierto que me pareció algo escaso el número de combos disponible, pero según avanzas en el juego y manejas varias armas contra los enemigos te das cuenta de que las peleas serán lo mejor de todo el juego.
La jugabilidad es este aspecto es muy fluida y da como resultado un combate frenético, aunque permitiendo en todo momento saber qué estamos haciendo e incluso realizar cambios de enfoque en mitad de un ataque mientras saltamos sobre nuestro enemigo. Una auténtica pasada.
Armas y habilidades
Aunque no suele ser del todo habitual (o solía) tener un sistema de desarrollo de personaje en este género, aquí lo han introducido de manera más o menos aceptable.
Podemos mejorar las armas, a Helvis o a nuestro personaje. Podremos mejorar el daño que hace cada arma o según qué ataques mientras que también tendremos la posibilidad de mejorar las cuatro habilidades de Helvis.
No hay mucho que mejorar a pesar de tener varias armas con diferentes habilidades. Echo de menos una evolución real del personaje que nos indique que vamos por el buen camino leveando de forma que podremos hacer frente a lo que se nos viene sin problema.
Y es que este es un gran problema que veo pues la curva de dificultad es ridículamente extraña. Habrá ocasiones en las que los enemigos menores nos resulten un paseo y otras en las que nos cueste muchísimo avanzar si no estamos hechos a este género.
Además, destaco de manera negativa lo dispersos que están los puntos de control en el juego que harán que se alargue de manera innecesaria por la obligatoriedad de repetir zonas para volver al punto donde morimos.
Un gran mundo completamente vacío
Otro punto negativo del juego es que, aunque se ve bien, no llega a hacerle frente a los juegos con los que comparte espacio en el mercado. Si a esto le sumamos que no aporta nada nuevo en cuanto a los escenarios o los enemigos, tenemos un juego que se nos queda justo en lo que para mí es uno de los grandes apartados.
Un mundo postapocalíptico que como digo recuerda a Nier: Autómata, pero sin llegar a hacernos sentir ese desagarro sumamos poca variedad en los enemigos consistiendo en un puñado de robots y bestias cuadrúpedas que nos atacan sin ton ni son. Destacar aquí que, si bien la BSO no es nada del otro mundo, sí destaca en los combates con temas bastante movidos que despuntan frente a la tranquilidad del resto del juego. Y sí, hablo de tranquilidad puesto que a pesar de ser un mundo que aparentemente se ve bastante grande, está completamente vacío. Avanzamos por un pasillo para llegar a una zona más amplia donde no siempre habrá algo que explorar o matar
Conclusiones
Ultra Age es una grata sorpresa proveniente de un pequeño estudio. Teniendo eso en cuenta es un juego muy recomendable, pero debemos ser conscientes de que no tenemos ante nosotros un Devil May Cry o el nuevo Bayonetta. Es un juego justito que creo que debería haber salido a un precio reducido para poder competir de algún modo con los pesos pesados del género. Su escasa duración y variedad hacen que al final te deje un sabor algo amargo a pesar de que como digo el combate termina por ser exquisito (que realmente es lo interesante en estos juegos).
No obstante, y aunque queda un largo recorrido que llevar a cabo para poder estar a la altura de sus compañeros, Ultra Age me ha resultado interesante y divertido.
12 años después del lanzamiento de uno de los juegos más populares del mundo, League of Legends, Riot Games se prepara para lanzar Arcane, su primera serie de animación basada en el universo de Runaterra, que llegará el próximo 7 de noviembre a Netflix.
Arcane está distribuida en tres actos de tres capítulos cada uno. Los tres primeros episodios centrados en los inicios de las dos hermanas protagonistas, Vi y Jinx, se estrenarán el 7 de noviembre. El segundo acto estará disponible una semana después, el 13 de noviembre, mientras que el tercero se podrá ver a partir del 20 de noviembre.
Basada en el universo de League of Legends, Arcane profundiza en la delicada balanza que existe entre la rica ciudad de Piltover y el sórdido distrito de Zaun. Conocida en Runaterra como la “ciudad del progreso”, muchas mentes brillantes llaman a esta ciudad hogar. Sin embargo, la creación de hextech, la forma con la que cualquiera puede controlar la energía mágica, pone en riesgo este equilibrio.
Aunque Arcane cuenta el pasado de los campeones de League of Legends, la serie se ha creado para que pueda ser independiente, con un mundo complejo repleto de decisiones morales, una animación increíble y una historia de lo más interesante.
“Cuando iniciamos la producción de Arcane, sabíamos que teníamos algo muy especial con la historia de Jinx y Vi entre manos. Queríamos explorar la idea de hasta dónde somos capaces de llegar por la familia, los valores a los que renunciaríamos y el conflicto interno que nos supondría. La historia, combinada con un estilo artístico pintado a mano y la sutil animación de los personajes que creamos en colaboración con Fortiche, proporcionará a los jugadores una primera impresión del mundo de League of Legends con todo lujo de detalles”, afirma Christian Linke, cocreador de Arcane.
A los jugadores les sonarán varios personajes de Arcane, como Jinx, Vi, Jayce y Caitlyn, y descubrirán los sucesos que los llevaron a convertirse en los emblemáticos personajes que conocemos hoy día conforme avanzan sus historias. Además, también conocerán a otros personajes nuevos, como Vander y Silco, ciudadanos de Zaun, que tendrán un papel muy importante a la hora de darle forma a este mundo cambiante.
“Arcane cuenta una historia sobre la dualidad. Los personajes se dividirán en dos mitades de una ciudad con valores y oportunidades que, a pesar de ser opuestos, se complementan entre sí. Cada bando tiene sus cosas buenas y malas. Es posible que seáis los héroes de vuestra historia, pero los villanos de la historia de otra persona”, explica Alex Yee, cocreador de Arcane.
Los campeones que aparecen en Arcane son aquellos que han enamorado a los jugadores en los títulos de Riot durante estos años. Les resultarán familiares a los jugadores, pero tendrán ciertas diferencias al ser adaptados al formato de una serie de televisión.
La serie explorará los extremos a los que llegarán los personajes cuando la familia y la tradición se enfrenten a sus principios y creencias. Sus problemas personales influyen como jamás habrían imaginado en el mundo en el que viven y dan forma al futuro de las ciudades hermanas.
“Los jugadores de todo el mundo aman League of Legends y su universo. Su pasión es lo que nos inspira a crear nuevo contenido sobre Runaterra. El lanzamiento de Arcane marca el comienzo del siguiente capítulo de Riot y estamos deseando que los jugadores vean lo que tenemos preparado en diferentes juegos, contenido multimedia y deportes”, destaca Nicolo Laurent, CEO de Riot Games. “Queremos que los jugadores sean el centro de esta increíble experiencia de lanzamiento. Worlds y Arcane se combinarán en una celebración global, de espíritu competitivo, entretenimiento y comunidad. Pensad en ello como un increíble fin de semana para los jugadores”.
A principios de esta semana, Riot anunció los actores de doblaje a nivel mundial para Arcane. Aquí se pueden ver algunas de las voces en inglés:
No son pocos los videojuegos que nos plantean mundos alternativos, donde la magia, o el estilo steampunk se hace presente. Pero al menos quien les habla, casi no recuerda uno donde el azar y los dados sean claves para la trama; sin estar hablando de algo relacionado a un casino o similares. Así que prepárense para nuestra review de Lost in random.
El juego nos transporta a un mundo donde todo se rige por la ludopatía. Viviendo en un enorme reino, cada estado representa una de las caras de un dado; con sus habitantes y conflictos acorde a ese número. Nosotros somos una chica llamada Par, que ve como su hermana llamada Impar, es elegida por la Reina para vivir en el mayor y supuesto mejor de los estados. Pero Par sospecha que algo no anda bien, y decide embarcarse en la misión de rescatarla.
Pese a que estamos ante una producción independiente, el juego se siente bastante arriesgado. Esto se nota, sobre todo, en cómo se ve el mundo donde transcurre nuestra historia. Y es que pareciera que Tim Burton estuvo a cargo del diseño de arte de cada uno de lo estados donde nos moveremos. Si bien en los lugareños no se puso tanta imaginación, en los decorados y los personajes claves de la trama, podríamos decir que estamos ante un cruce entre Alicia en el país de las maravillas con Coraline.
Pero las particularidades no terminan ahí; ya que, para poder avanzar en el juego, tendremos que ir formando un maso de cartas que será clave en varios momentos, así como también, deberemos aprender las reglas de un juego de dados; llevando al máximo el espíritu de ludopatía que nos presenta Lost in random. Aunque si vale aclarar que una vez que le agarramos el chiste a esta mecánica, puede tornarse bastante monótona.
Pero esto no le resta merito a un juego que tampoco pretender ser la renovación de su medio. Viniendo de un estudio independiente, lo logrado a nivel artístico por Lost in random, debería conseguirle alguna nominación en este apartado en las próximas premiaciones a videojuegos.
7.5/10
Lo mejor: el apartado visual, interesante dinámica entre cartas y dados…
Lo peor: … que por desgracia se puede tornarse repetitiva.
No hay etapa más documentada que la adolescencia. Son toneladas de series, libros y películas que nos muestran el duro paso de la niñez a la adultez.Si bien muchas son representaciones idílicas, descontextualizadas y pop; hay muchos directores que desafían esta norma y nos muestran relatos más intimistas.
Si he de contar las representaciones realistas (que yo considero) sobre la adolescencia, lo cierto es que mis recuerdos siempre remiten al cine estadounidense, incluso estando en Buenos Aires solo podría pensar en dramas que ocurren acá. Karnawal nos lleva al norte en Jujuy, donde el Malambo es uno de los protagonistas. Cabra (Martin Lopez Lacci) es un adolescente metido en problemas cuya única convicción es competir y llegar al festival nacional de Malambo. En un entorno familiar difícil y en un ambiente polvoriento en la puna, este personaje usará el zapateo para escapar de su realidad, no obstante la llegada de su padre biológico (el gran Alfredo Castro) redefinirá las cosas.
Karnawal juega entre el drama familiar, el thriller y el drama de superación, en instantes es tensa y en otros se vuelve encantadora a medias, hay una fuerza increíble que transmite Lopez Nacci en sus escenas en solitario durante el baile, también cierta inocencia con la relación que establece su personaje con el de Alfredo Castro.
El personaje de Castro en este filme la hace remarcable, la ambivalencia entre la protección y violencia que ejerce, destaca un carácter con un destino ya marcado y que no puede formar parte del presente de Cabra. La relación entre ambos no existe pero se intenta reconstruir, el reflejo padre- hijo se vuelve difuso. Karnawal también es un road movie pues varias de las aventuras ocurren en las carreteras jujeñas. La representación del carnaval juyeño- boliviano la hace interesante pues le agrega color a una historia que no se define del todo en su estilo.
Juan Pablo Félix es el director y guionista de esta obra, su visión nos hace entrar en una atmósfera donde el polvo, el calor y las noches carnavalescas pero sombrías envuelven a estos personajes. El diálogo es preciso y no da muchas resoluciones a la trama pues el objetivo es llegar hacia el cometido del protagonista, así que los trasfondos quedarán a cargo de nosotros.
Karnawal estrena este 23 de septiembre en Argentina.
La carrera de Clint sigue en auge. A el no lo detiene la pandemia, ni la competencia, ni sus 91 años. El tipo no solo protagoniza éste hermoso viaje de autodescubrimiento, sino que también lo dirige!
La historia sigue a Mike Milo (Eastwood), un duro ranchero y domador de caballos que se encuentra en el ocaso de su vida. Tras ser despedido por su edad y su áspera actitud este macho cabrio accede a ayudar a un amigo de guita a traer de México a su conflictivo hijo Rafa, interpretado brillantemente por Eduardo Minet. En el viaje, nuestro heroe, va descubriendo que nunca es tarde para volver a vivir.
Basada en la novela homónima de N. Richard Nash la película se pensó en un principio para que Arnold Schwarzenegger la protagonice, pero el plan se vino abajo y llamaron a Clint, el macho definitivo, para que se haga con el rol principal de ésta idea que le viene al actor como anillo al dedo teniendo en cuenta los paralelismos entre la vida del protagonista y la carrera del interprete/director.
La película se la roba Eduardo Minet como Rafa, haciendo de contrapeso con Mike Miko. Me parece muy copado ver a Clint actuar y dirigir a tan alta edad, si bien su edad se nota y hasta tuvo que tenerse en cuenta en las escenas agitadas de la película, el tipo se sigue viendo convincente en camara.
CRY MACHO es una película que intenta dar un mensaje optimista, sin pinchar donde duele.
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