Reseña: Lápices, un musical con memoria

Debo confesar que tenía muchas ganas de ver Lápices, un musical con memoria. El primer motivo claramente es por lo representativa que es su historia, y por otro lado, es un recuerdo que tengo como parte de un trabajo de actuación en la facultad . Quería ver cómo se representaba este relato tan conocido con el añadido musical, que simplemente le otorga otra mirada a los hechos. Si, se trata de una obra que nos invita a reflexionar y a hacer memoria, además es un musical completo y muy bien ejecutado.

La Plata, 1976. Mientras la Argentina es azotada por una fuerte crisis económica y política, un grupo de estudiantes secundarios se embarcarán en la tarea de luchar por una sociedad más justa.

En medio de protestas, actos relámpagos, reuniones de la UES (Unión de Estudiantes Secundarios), ollas populares y peñas, Pablo conoce a Claudia. Una historia de amor, sueños y rock en épocas de represión, secuestros y terror. Una dictadura que intentará aniquilar el espíritu revolucionario de los jóvenes. Una generación militante que se aferrará a sus ideales con uñas y dientes.

Estamos en el año 1976 , un grupo de estudiantes salen en protesta en reclamo de la implementación del boleto estudiantil. Bajo el nombre de lo que se conoce como “La noche de los lápices “, tuvo como consecuencia los atroces actos de tortura y desaparición que han marcado nuestra historia en la última dictadura militar. Si bien tanto el público como los personajes son conscientes de lo que sucede en el contexto social y político , la historia comienza de forma alegre y esperanzadora. Los chicos saben que el país pasa por una situación compleja , por eso deciden salir a la calle tanto para luchar por sus derechos como hacer algo por los que menos tienen. De ese modo el primer tramo resulta “alegre” , ocupa el espacio para conocer a los personajes , saber lo que ellos sienten y conocerlos como personas antes que suceda lo trágico. El segundo tramo es más bien dramático por completo , si bien el inminente peligro se encuentra desde un principio , este es en el momento donde los jóvenes sólo están para luchar por su supervivencia. Es un momento en el que ellos buscan pensar en los que más aman, en creer que hay una salida. Su mensaje deja claro muchos sólo han encontrado esa salida de una sola manera, con la memoria.

Vale destacar el trabajo actoral , en el que vemos la inocencia de algunos jóvenes que deciden hacer algo por el otro, aunque el miedo haya estado impuesto en la sociedad. Las voces sirven para acompañar el relato, con elementos típicos de la comedia musical , pero ejecutado sin llegar a saturar este recurso para darle importancia a la escencia del relato. Tanto para los actores como para el equipo creativo resulta un compromiso importante mostrar esta historia , hacerlo un musical ofreciéndole el respeto que necesita al ser algo tan sensible para muchos hasta hoy en día . Los actores se desenvuelven con soltura , entienden perfectamente el peso que conlleva ser parte de la historia y del recuerdo de todos los presentes.

Siempre se agradece la presencia de músicos en vivo, situados por encima de la escenografía, componen la melodía que acompaña al relato. Algunas canciones de nuestro rock nacional se cuelan para denotar el sentido que aquellas letras reflejan, los personajes ocupan la libertad que la música les otorga y dan su más sensible testimonio con ella. La ambientación es más que correcta, recorre los espacios escolares (donde la lucha comienza) hasta la oscuridad que representan los centros clandestinos de detención, donde ellos llegaron a vivir el infierno de la tortura y la desaparición .

Hacia el final, aprovechando el momento de reflexión que la obra nos brindan , el equipo hace alusión al caso de Santiago Maldonado. Aquellas palabras resultan necesarias , sabiendo el tema que la obra toca y que dicho hecho nos hace pensar en lo ocurrido años atrás.

Lápices, un musical con memoria es una nueva forma de recordar aquella historia que ha quedado en el recuerdo de muchos. Es una obra musical con todos los ingredientes , ya que no falta el humor , las coreografías y la música que caracterizan al género . El peso dramático es tratado con mucho respeto e invita a la reflexión , aunque sin olvidarse de brindar un buen espectáculo.

FICHA TÉCNICA

Actúan

Camila Giudice, Ignacio Bernardez, Anibal Ortega, Carolina Gestoso, Antonio Franze, Bianca Gereinstein, Julián Mercado, Octavio Cristaldo, Sofia Forte, Claudia Racconto, Antonella Valese, Franco Veneziano, Santiago Banegas, Julián Gianetti, Julio Kandel, Bruno Olivieri, Ramiro Iglesias, Carolina Silva Martin, Ana Laura Virgo, Camila Rosenfeld, Sergio Martinez, y Tamara Zezulie.

 

Músicos

Martin Kanashiro, Felipe Arenas, Lucio Nicolás Hortas, Leandro Nahuel Santángelo

Duración 95 minutos

Fotografía: Ailén Ciordia

Realización Audiovisual Glenfada Films

Diseño Gráfica Wilfredo Parra

 

Diseño y Realización de vestuario

Wilfredo Parra

Diseño y Realización de Escenografía

Wilfredo Parra

Dirección Vocal Ariel Madrides

Coch Actoral Micaela Narodowski

Producción Ejecutiva Luciana Cuenca

Libro, Dirección y Coreografía

Maria Sol Cardozo y Paula Grosse

ESTRENO SÁBADO 16 DE SEPTIEMBRE- 20HRS

DOMINGO 17, 24, 1 Y 8 DE OCTUBRE – 20HRS

SARMIENTO 2037 (CABA)

Daniel Alvarez

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Crítica: Zama, de Lucrecia Martel

Hace poco la directora que nos trajo esta película declaró que no hay que filmar tanto, que no tiene tanto para decir. Creo que fue una de las mejores cosas que escuche decir con respecto al cine, y algo que muchos realizadores deberían aprender ¿No es preferible tardar 10 años en filmar una gran película antes que estrenar anualmente clichés de 24 fotogramas por segundo que no dicen absolutamente nada?

Don Diego de Zama es un hombre al que todo se le escapa de las manos (luego se podrá entrever que sus manos no eran necesarias). Un héroe casi idiota como el quijote. Ya el primer plano de esta película nos entrega una breve lectura de cuál es su situación. Un hombre que se encuentra en stand by, en un entorno político poco acogedor, donde no tiene mucho para hacer, y anhelando una autorización que le permita volver con su familia, que cada vez se dilata mas.

Preocuparse por la historia en este caso, es un falso problema. Como los impresionistas, la directora nos transmite el sentir con respecto a una historia. ¿Cómo es posible que una película nos haga oler?

El universo en el que nos introduce Martel es bellísimo. Cada plano es visualmente adictivo, generando la necesidad de recorrerlos constantemente de un lado para el otro, mientras que los colores de la película son propios de Gauguin. También se debe mencionar el gran diseño sonoro, propio de todas las películas de Martel, tanto el sonido diegetico como no diegetico parece conjugar de la misma manera con el ambiente latinoamericano del siglo 18 y con la situación del protagonista.

El hispano-mexicano Daniel Gimenez Cacho se destaca en el papel de Zama, y el resto de los actores tampoco se queda atrás. La tardía aparición del personaje de Matheus Nachtergaele aporta una cuota de locura y cambia el sentido del relato.

Sin dudas, todos los problemas que esta película trajo, tanto en el rodaje como en post producción, valen la pena al ver el enorme resultado final. Zama sigue consolidando a Lucrecia Martel como una de las directoras más interesantes de este siglo. Es imposible mantenerse indistinto ante sus personajes oníricos, ante la pulsión sexual siempre latente en mundos nefastos. No sabemos por ahora con que otro proyecto nos va a sorprender la directora, ni cuando lo hara, pero de seguro que los cinéfilos la seguiremos esperando con ansias.

David Ainstein

Crítica: No te olvides de mí

Década infame en la Argentina (los años ´30). Mateo, preso por anarquista, sale de la cárcel en busca de sus ex compañeros, y de “El Rey”, su gallo de riña, único medio de sustento y de independencia.

En esa búsqueda encuentra su viejo camión y con él recorre pueblos del interior de Buenos Aires: Trenque Lauquen, Guaminí, Tres Arroyos, Villarino, etc.y su camino se cruza con el de Aurelia, joven campesina y su hermanito, Carmelo, ambos en viaje hacia unas salinas donde estaría su padre, que los abandonó
hace tiempo ya. Los tres viajan atraídos por una quimera (darle un sentido al sinsentido de la vida) y ese viaje es más un tiempo de conocimiento que un espacio a transitar. Mateo se siente atraído por la joven Aurelia, y ésta primero
desconfía y luego observa al maduro anarquista con otros ojos. Carmelo, en tanto, comparte códigos de masculinidad con Mateo, propios de un padre o hermano fraternal y protector.

La película sondea en la profundidad de estos tres personajes. sus fortalezas y debilidades, y lo hace poniendo el foco en los pequeños detalles.
Leonardo Sbaraglia compone a un hombre que empieza de nuevo, que intenta reconstruirse como puede, como sabe, como le sale. Que aún en la derrota, resguarda su ternura y su calidez. Cumelen Sanz, como la ensimismada Aurelia, de gestualidad mesurada, de ojos bellamente expresivos. Santiago Saranite, como Carmelo: una revelación el chico.

Fernanda Ramondo, en su ópera prima, maneja con criterio los recursos narrativos de esta suerte de road-movie de tiernos perdedores. Construye bien los climas y las peripecias, y sabe definir en acciones mínimas a sus personajes.
Relata de manera precisa. Interesante film.

Guión y Dirección: Fernanda Ramondo
Fotografía: Lucio Bonelli
Sonido: Catriel Vildasola
Edición: Ariel Frajnd
Elenco: Leonardo Sbaraglia, Cumelen Sanz, Santiago Saranite

A.R Belano

Sobre Mirjana y los que la rodean

Un tranquilo domingo en el horario en el que uno (Al menos en mi caso) suele aprovechar el día para la siesta he visto la obra Sobre Mirjana y los que la rodean, y debo aclarar que no se trata de ningún infantil. María Onetto encabeza un inquietante drama sobre la vida de una mujer y la gente que está su alrededor, mostrando con la relación entre todos forman una historia única y atrapante .

Se trata de un episodio en la vida de Mirjana, personaje central de la pieza. Dicho episodio comienza el día que la protagonista recibe la visita de su madre. Pareciera que esta visita operase como la lente de aumento que le permitirá a Mirjana revisar todas las circunstancias que atraviesan su vida. Circunstancias encarnadas en una cantidad de seres que la rodean y determinan su actual condición. Presa de aquellos que la determinan debe afrontar las decisiones que la vida le invita a tomar.

Mirjana es nuestra protagonista , o mejor dicho, la persona en la que se centran todas las historias. Ella es una mujer que tiene que lidiar con muchas cosas, como la crianza de su hija, la complicada relación con su madre, su jefe, entre otros. Si bien el eje principal de esta puesta es el personaje que interpreta María Onetto, todas aquellas personas que comparten una relación con Mirjana tienen su espacio para poder contar lo que les sucede y que sienten al respecto. No existe una línea argumental definida, tampoco un espacio concreto donde suceden los hechos , cada personaje ocupa un lugar en el espacio y desde allí interactúan con los demás , casi sin salir del lugar que se les ha asignado. Las historias avanzan y el drama de Mirjana también, mezclado los problemas del pasado con los del presente , hasta llegar a un clímax donde la protagonista debe usar el poder de la decisión para dar un vuelco en su vida y en la de los demás.

María Onetto es Mirjana, su actuación es más que impecable , en ella vemos el rostro de una persona que debe cargar con el drama de la gente que se encuentra a su alrededor. Los demás actores en escena cumplen su rol de manera eficaz , también debido a la excelente y cuidadosa dirección de Guillermo Cacace. Todos los personajes tienen su espacio para expresar lo que sienten , y de ese modo funcionan como un complemento en aquella única historia que nos regalan.

Sobre Mirjana y los que la rodean es una obra que merece ser vista, su atípico horario es provechoso para que el público pueda elegirla entre otras propuestas. Sobresaliente interpretación de María Onetto , en una historia inquietante que gira en torno a una mujer que debe enfrentar a sus problemas y la repercusión que tiene sobre los demás. Una puesta peculiar y sobre todo ,muy interesante.

Elenco: María Onetto; Gabo Correa;
Lide Uranga; Flor Dyszel; Mauricio Minetti, Marcela Guerty;
Fernando Contigiani García y Agustina Groba.

Asistencia de dirección: Julián Castro
Diseño de vestuario: Magda Banach
Diseño de escenografía: Félix Padrón
Diseño de iluminación: David Seldes
Música original: Patricia Casares
Coach vocal: Sofía Agüero
Fotografía: Alejandra Lopez
Diseño gráfico: Diego Heras
Prensa y difusión: SMW
Asistente de producción: Ailin Ponce Campos
Producción ejecutiva: Romina Chepe

Funciones: Sábado y domingo 15:30 hs

Teatro: Picadero – Pje. Enrique S. Discépolo 1857
Localidades $ 380.- en venta en boletería del teatro o por plateanet.com

Daniel Alvarez

Reseña: Solo llamé para decirte que te amo

Patricia vive con sus hijos mellizos, su madre, su hermana y la novia de uno de los hijos. Ella lleva la casa adelante. Hoy recibirá un llamado que cambiará su vida y la enfrentará a su familia para siempre. Es domingo a la tarde, Patricia está sentada en su comedor, antiguo, el mismo desde que iba al colegio. De repente suena el teléfono, y es Kiko, un amor de su adolescencia que ha vuelto de México en una visita corta, pero quiere verla, y pasará esa misma tarde a compartir unos mates con ella. Patricia se encuentra muy emocionada por este encuentro, aunque sabe que le será difícil un encuentro tranquilo ya que su casa es un caos. Ella es docente, madre mellizos ya grandes y haraganes, quienes en vez de aportar al hogar, por lo contrario, le gastan todo su dinero. También conviven en la misma casa su hermana Maricel, una gruñona quién se cree dueña de la verdad, y lo único que hace vender productos por catálogo, que nunca le terminan de pagar. La abuela, una mujer completamente desubicada para su edad, y también con Camila, que es la novia de uno los chicos. Pese a todo esto, Patricia organiza la casa, y les pide ayuda para cambiar su aspecto descuidado y pasar una linda tarde junto a ese viejo amor, quien será un disparador para que tome decisiones drásticas y evalúe si continuar con su triste presente. Sólo llamé para decirte amo, es una obra con dramaturgia y dirección de Nelson Valente, creada en la 1° edición de “El 25 va a tu casa” ciclo producido en 2016 por el Centro Cultural 25 de Mayo, a través de una convocatoria abierta, se seleccionaron ocho casas de vecinos de Villa Urquiza,quienes abrieron las puertas de su hogar para “dar sala” a las funciones de vecinos de una obra diseñada especialmente para adaptarse a domicilios particulares, quienes pudieron ser anfitriones por un día de una experiencia teatral que transformó la percepción de su propio hogar. En el marco de este proyecto, Valente creó en 12 intensos ensayos, esta obra, capaz de adaptarse a diversas arquitecturas de las casas elegidas. Una obra que demuestra lo cotidiano de una familia, que con un humor efectivo, logra trasladar al espectador a ese viejo living, y tomar posición en cuanto a cada personaje. Es muy fácil reconocer la desdicha de Patricia, de sentirse parte de ese mundo. Un elenco en el que se destacan todas las actuaciones, con una naturalidad que nos hace participe de las acciones, con diálogos claros, todas las conversaciones de estos personajes tienen un sentido que hacen a la historia y al comportamiento de cada uno. Valente una vez más, elige la familia como eje principal de las obras, la violencia naturalizada en los hogares, la mezquindad y el egoísmo de los personajes se viven a flor de piel enuna obra conmovedora.

Colección de imagenes, de Gonzalo Pedraza

El proyecto de Gonzalo Pedraza, es muy abarcador tanto como nos den las ganas de pensar, pero nos plantea las preguntas de siempre. Si pensamos en términos podemos escribir: identidad, contextos, transición histórica, historia del arte, rol, público,ensamble, conceptos que podemos enlazar en una propuesta contemporánea.¿ Pero que es lo que hace merecedor de atención al proyecto de Pedraza? A partir de la pregunta “¿Qué ves cuando ves?”

Gonzalo propuso a 1000 jóvenes de colegios públicos y privados a darnos su visión del mundo a través de una foto, algo así como lo que hace el iraní Reza con sus alumnos de fotografía que jamás vieron una cámara, pero al revés, con jóvenes de la era del smartphone.

Su trabajo remite a las experiencias como curador que desarrolla en otros proyectos y su formación en historia del arte. Pone en eje el concepto de gabinete tomado de las primeras
colecciones europeas de fines del siglo XV donde en los gabinetes de colecciones naturales como trofeos o tesoros comenzó a verse, obras de arte. Esta es una de las muestras que hace con este proyecto, fuera de Chile, su país natal.

La instalación se propone como una gran galería de imágenes de los jóvenes participantes de la propuesta donde bajo el ejercicio que propone, hay que escoger y disponer en el fondo de la sala, una colección personal. Tu propio gabinete. Una especie de curaduría que abarca a todos los públicos. Es importante como se pone en disyuntiva el papel de curador, el público (con amplia concurrencia de familias y adolescentes), los fundamentos de las selecciones, y el enfrentamiento de los jóvenes a la selección limitada de imágenes en forma material, que pueden tocar y transportar, para muchos de los jóvenes, la primera foto impresa que ven en su vida. Personalmenteel último de los puntos me interesó mucho, y entendemos es el esqueleto de la propuesta de Gonzalo. Nos pregunta, nos plantea, cual es nuestra forma de captar una imagen, de hacer una selección, en este presente que vivimos hastiados en lo visual. Como lo hacen ellos, los adolescentes que ya nacieron en esta cultura visual y forma parte de sus identidades, sus perfiles virtuales, su vida cotidiana y como se gesta este proceso en su interior.

Un momento para jugar, experimentar y ver nuestras construcciones culturales transformarse. La exposición está montada en la sala Cronopios del centro Cultural Recoleta desde el 7 de Septiembre y se puede ver de Martes a Viernes, de 13:30 a 22 hs. La entrada es gratuita.

Alejandro Giusto

Por ese palpitar. Gitano por gitano

Con gran placer se ha podido asistir a una de las pocas funciones de “POR ESE PALPITAR. GITANO POR GITANO”, el cual le rinde tributo a mítico SANDRO con sus mejores temas en flamenco, maravillándonos de maneras que solo puedes
entenderlo si lo ves y eres uno de los que han amado y siguen amando a el gitano.

Por ese palpitar. Gitano por gitano” es un verdadero pacto de sangre, donde se entrecruzará lo mejor del repertorio de Sandro con la incomparable voz flamenca de Baldomero Cádiz, y promete hacer vibrar a los admiradores de ambos artistas.

“Por ese palpitar” es un musical que conjuga la atracción que tenía la vida artística de Sandro por los gitanos, su forma de vivir, su música y su arte.

“POR ESE PALPITAR. GITANO POR GITANO”, es un pacto verdadero donde se mostrar á el mejor repertorio de Sandro con la actuación del artista y su increíble voz flamenca de Baldomero Cadiz y el acompañamiento de una experimentada banda musical, coros, voces solistas y bailarines de gran excelencia, en cada presentación se tendrá a uno diferente.

Desde que comienza con la primera canción a la voz de Baldomero Cadiz, uno de los más importantes artistas de flamenco, solo puedes quedar encantado acompañado de aquellas letras que escuchábamos en la época de mayor esplendor del artista ,cosa que la audiencia ya se sabían cada una de las letras de sus canciones.

Se nos contaba también cuando muchos de los artistas que se encontraban, sobre su experiencia cuando conocieron a Sandro, de su vida artística por los gitanos, su forma de vivir, su música y su arte. Y como algunos llegaron a poder a participar en el escenario junto a él, donde fue un personaje signo de admiración y ejemplo.

ELENCO:

CANTAOR: BALDOMERO CADIZ

BANDA MUSICAL:

PIANO: HERNAN MALAGOLI

TECLADOS: ANIBAL COLI

BAJO: DANIEL MILCIADES LOPEZ

CAJON Y VOZ: EUGENIO ROMERO

VOZ SOLISTA Y COROS: PAMELA TELLO

VOZ SOLISTA Y COROS: GABRIEL ESPOSITO

BAILARINES SOLISTAS INVITADOS:

YANINA MARTINEZ

GASTON STAZZONE

MONICA ROMERO

DARIO OLIVA

SILVANA PERDOMO

YAMIL RABAJ

VESTUARIO: PABLO BONET

ILUMINACION: PACO URDIALES

PRENSA: ALEJANDRO VEROUTIS

PRODUCCION: ESPECTACULOS GALLO

DIRECCION DE PRODUCCION:ALEJANDRO VEROUTIS – RICARDO GALLO

IDEA, LIBRO Y DIRECCION GENERAL:JORGE MAZZINI

ESTRENO: MIERCOLES 13 DE SEPTIEMBRE

20:30 HORAS

ÚNICAS 5 FUNCIONES

MIERCOLES 13 – 20 – 27 DE SEPTIEMBRE

MIERCOLES 4 – 11 DE OCTUBRE

20:30 horas

Mauricio González

Reseña : Radagast

El día viernes 15 de septiembre tuvimos el placer de asistir a la función de Radagast en el teatro Metropolitan Sura. Ha sido una función especial ya que se trataba del día del cumpleaños del mago y comediante Agustín Aristaran . Todos los espectadores nos encontrábamos con bonetes y bolsitas con golosinas como en cualquier fiesta de cumpleaños (de niños claramente). De este modo comenzamos a disfrutar de una función muy divertida , algo que el comediante siempre nos suele regalar.

Un show desopilante que genera asombro, tensión, complicidad y carcajadas a través de rutinas inverosímiles y disparatadas. En Radagast se unen el absurdo, lo contingente y el desparpajo. Un show de nivel internacional cuya calidad artística y técnica permiten al público una experiencia fascinante y única.

El público se acomoda en la sala, antes se ello se les entrega el programa de mano que incluye un troquelado con cartas en la que se encuentra la imagen de nuestro querido personaje al que estamos por ver, algo que será de importancia para más adelante. Radagast entra en escena y nos marca el comienzo de su show con un número musical en honor al rey León. Dicho número hecho obviamente de manera cómica , pero denotando la importancia que tiene dicha película en la vida del artista.

A través de un monólogo , nos hacen recordar que la factoría Disney ha marcado toda una generación, o más bien dicho que las creaciones del señor Walter Disney (Como suele mencionarlo ) es quien realmente ha jugado con la mente de muchos jóvenes ahora ya adultos, no deja a pensar sobre que sería de nuestras vidas si los descongelaran..

La magia y el humor siempre están en sintonía , es algo que Radagast sabe combinar perfectamente, además de parodiar la relación entre ambas profesiones. Sin duda uno de los mejores momentos de la noche ha sido la presentación de un gurú y mentalista que invita al público al escenario para demostrar su talento de forma sorprendente . La participación con la gente es constante y es algo que logra acercar al espectador con el artista , haciendo de este un show íntimo a pesar de estar en uno de los teatros más comerciales de la calle corrientes.

El espectáculo finaliza recordando los inicios de Agustín , cuando mostraba su talento como artista callejero. Resulta un final hasta emotivo , aunque trate de no mostrarlo de esa forma.

Radagast es un espectáculo que vale la pena ir a ver, se nota claramente el éxito que tiene en el teatro Metropolitan Sura se debe a la conexión que crea junto al público y la versatilidad que tiene el artista para brindar su humor. Ideal para terminar la semana con muchas risas.

Viernes 0:30 hs

Teatro Metropolitan Sura

Entradas por boletería o Plateanet https://www.plateanet.com/Obras/radagast_

Daniel Alvarez

Crítica: It (2017)

It es una novela de terror publicada en 1986 por el escritor estadounidense Stephen King. Cuenta la historia de un grupo de niños que son aterrorizados por un malvado monstruo al que llaman “Eso”, que es capaz de cambiar de forma, alimentándose del miedo que produce en sus víctimas.

Son los años 80 en el pequeño pueblo de Derry, en el estado de Maine. En
él vive un grupo de siete niños conocidos como ‘El club de los perdedores’, quienes suelen ser blanco fácil los matones de la escuela. La vida de estos siete chicos dará un giro inesperado cuando, durante las vacaciones de verano, una oleada de extrañas muertes provoquen el pánico y el terror entre los habitantes del lugar. Uniendo sus fuerzas, el grupo de amigos deciden buscar al asesino. Entonces descubrirán que los crímenes fueron cometidos por una entidad maligna: un sádico payaso llamado Pennywise, un personaje que data de varios siglos atrás con gran historial de violencia. ¿Serán capaces de luchar contra este engendro de apetito insaciable que se alimenta del miedo de los niños?

Dirigida por el argentino Andrés Muschetti (director de “Mama”) quién logró hacer a la perfección una nueva versión de este clásico del terror ,
respetando gran parte de la trama del libro original, logra atrapar al
espectador desde el primer minuto. Con un casting impecable, y la
destacable actuación de Bill Skarsgård, también se sobresalen el pequeño Finn Wolfhard que lo podemos reconocer por su papel en Stranger Things, y Sophia Lillis, quién dará que hablar. Muschetti contó en la conferencia de prensa, que quiso que se notara la relación de unión de los chicos, y para eso hicieron varios encuentros antes de filmar, como talleres de natación, bicicleta y tenían prohibido el uso de celulares, para que logren hablar más, conocerse y entablar una amistad, la cuál se nota en el film.

La película consigue tener puntos de humor, realmente graciosos, de
tensión y terror. Como sabemos, habrá una segunda parte de la historia, contada con los protagonistas ya de adultos, ya que esta primera parte, sólo cuenta la historia de los chicos, cuando en el libro es un flash back con la adultez.

Si bien la trama es de terror, la película tiene valores y demuestra lo
esencial del libro, que es la amistad de un grupo de chicos marginados que
cada uno tiene una carga personal, pero cuando están juntos se olvidan de eso.

TITULO ORIGINAL: It (2017)

ACTORES: Finn Wolfhard, Will Poulter.

ACTORES SECUNDARIOS: Jackson Robert Scott, Bill Skarsgård, Megan Charpentier, Jaeden Lieberher, Javier Botet.

GENERO: Terror, Drama.

DIRECCION: Andrés Muschietti.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 135 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 16 años

ESTRENO EN BUENOS AIRES: 21 de Septiembre de 2017

Crítica: Una Fuga de agua

Esos charcos que están aunque deje de llover, aunque pasen días y el asfalto se seque, aunque pasen días y no haya ni una garúa, en pleno verano, sequía, el charco siempre está. Una fuga de agua, explica Sergio. No es un charco, es una fuga de agua.

Cuatro hermanos distanciados, que han elegido caminos muy distintos en sus vidas adultas, se reencuentran en una situación familiar trágica y sensible: la madre, enferma, puede morir en cualquier momento; la hermana, rica, quiere comprarles su parte de la casa de la infancia. Las
relaciones entre hermanos son de lo más ambiguas, sobre todo cuando se trata de cuatro hermanos y especialmente cuando esos cuatro hermanos son tan distintos. Las situaciones límite suelen probar la fortaleza de los vínculos, pero también ponen a prueba la memoria. El pasado se vuelve subjetivo cuando se ponen en juego los diversos puntos de vista, un mismo recuerdo puede
ser muy distinto según quien lo cuente. La reconstrucción de la figura materna llegando a su momento de finitud se vuelve una ardua tarea, porque en esa reconstrucción se exponen las culpas, las penas, las presencias y las ausencias que cada hijo vivió. La fuga de agua que allí está, aunque haya pasado tiempo y aunque se hayan mudado lejos unos de otros, allí seguirá también
después de la muerte del ser amado.

“Una fuga de agua” es la ópera prima, muy bien lograda, de Gota, autor y director español que se formó con Javier Daulte y eso queda en evidencia en el texto. La temática de las relaciones humanas es recurrente en la primera dramaturgia de Daulte y tratar este tema desde la comedia
para descomprimir y exponer los conflictos es su modus operandis.

Creo personalmente que en el
nivel de la dirección de actores faltó explotar un poco más la comicidad, caricaturizar un poco más estos personajes con gran potencial, incluir algunos gags que corten en seco el clima dramático y nos permitan reírnos de nosotros mismos. Porque en definitiva es eso lo que vamos a buscar al teatro, al menos a veces.

Por eso al ingresar a la sala, vemos en el suelo un pequeño sillón
miniatura iluminado con un foco cenital y luego al sentarnos en la butaca vemos en el escenario
un sillón similar en escala real, como si el director estuviera tratando de decirnos que lo que vemos allí es una escala micro de lo que pasa afuera, en la vida real. Y es ahí donde se presenta el valor terapéutico del teatro. Freudianamente hablando.

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces: Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Prensa: Duche&Zárate / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Funciones: Viernes a las 20 hs.

Entrada General $ 200.- / Descuentos Est. Jub. $ 160.-

Reservas: Alternativa Teatral

Facebook:https://www.facebook.com/fugadeagua/

Espacio Callejón Humahuaca 3759 – C.A.B.A.

Sol Grunschlager