Crítica: La desaparición

Crítica de Malena Batista

Desde una profunda desesperación, este atípico thriller rumano nos cuenta la historia de Tudor (Bogdan Dumitrache) y Cristina (Iulia Lumânare), un matrimonio con dos hijos pequeños Maria e Ilie, hasta que un evento trágico de domingo, desencadenará una familia destrozada.

Una mañana en la ciudad de Bucarest, Tudor lleva a sus hijos a jugar al parque. Vemos una familia feliz, hasta que María desaparece cuando Tudor no está atento. Larga escena de los chicos jugando entre niños y juegos en un parque común y corriente, planos que parecen no terminar jamás, hacen sentir el film de Constantin Popescu, de como algo tan trágico puede ser algo cotidiano que asusta y desespera a uno como espectador. Es inimaginable lo que cada persona sería capaz de hacer en una situación así. El director, consciente de ello, no juzga a sus personajes. Solo muestra el accionar de los personajes y que cada espectador decida por sí mismo.

Sin sospechosos contundentes la búsqueda policial no avanza, y Tudor comienza a sospechar de todo lo que lo rodea, entrando en un torbellino en el que vemos como el personaje se va deteriorando tanto físicamente, y como actúa cada vez de manera más rara en la búsqueda de su hija que parece no llevarlo a ningún lado.

Una llamada misteriosa y una figura que lo es todavía más, vista en una foto de aquel día en el parque, establecen una atmósfera de thriller, pero Popescu no se contenta con crear un original film de género rumano, sino que sube la apuesta con una exploración psicológica del tema de la pérdida y sus profundos efectos en la comunicación entre los miembros de la familia. Sustentada por interpretaciones de primera, la película muestra con una apabullante eficacia cuánto se parece la vida en familia, algo que parece tan sólido y consolidado, como de un día para otro se puede venir todo abajo quedando Tudor aislado de todo en esta búsqueda sin resultados.

Los personajes secundarios son llevados al primer plano con habilidad para mostrar que es imposible empatizar desde afuera este cataclismo sentimental. ¿Cómo puede entender un desconocido el vacío que el incierto destino de Maria ha dejado en el seno de la familia, o la sensación de horror cuando empiezan a hablar de ella en pasado?

La única advertencia que quizás sea conveniente señalar, es la extensión de 152 minutos que dura la cinta, que no todo espectador está habituado a presenciar, pero, sí logra ese sentimiento de angustia que se vive a lo largo de toda la película.

Calificación: 8/10

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Crítica: Yo Sandro- La película (Miguel Mato)

Primer semana de mayo en los cines contaremos con la película documental sobre la vida del cantante Sandro (1945-2010) dirigido por Miguel Mato.

Es imposible en esta reseña desprenderme de las emociones, porque ver la película fue, el reencuentro con mi infancia. La documental imbuida de ternura y respeto, sobre la vida de un ser humano excepcional, arriba y debajo del escenario, cantante, cuyo nombre real fue Roberto Sanchez Ocampo. Sus padres quisieron anotarlo en el Registro Civil como Sandro, que significa Alejandro, en gitano, pero que no pudo ser, por no figurar ese nombre en el santoral.

Un film con la breve y oportuna aparición actoral de Carlos Portaluppi, Daniel Valenzuela, Celeste Gerez y Patricia Rojo abriendo el juego para una narración en primera persona, por el mismo Sandro. No pude evitar de pensar al finalizar la película, que seguramente sería la biografía autorizada que le hubiese gustado contar al propio Sandro, si hoy estuviese con nosotros.

Un cantante asimilado por su éxito con el de Elvis Presley. Apodado, “Sandro”, en sus inicios artísticos, “el Gitano” y luego “Sandro de América” y el “ídolo de América”, con una gran repercusión y llegada en todos los países de habla hispana. Quien vendió veintidós millones de discos, ganó un Grammy latino, once discos de oro, un poeta, un hombre que se hizo de abajo, de niño vivió en un conventillo de Valentín Alsina , fue el hombre que nunca lo mareo la fama, ni el éxito, ni el grito de las mujeres.

Tengamos en cuenta que Sandro es el autor intelectual de una revolución en su tiempo que provocó al género femenino. Logró que Doña Rosa adquiriese protagonismo, por el espacio de tiempo que durase un show, armase el club de fans por barrio y otras liberalidades más íntimas aún.

Para este film, Miguel Mato le llevo casi tres años de investigación, buceó con la autorización de la viuda, en la casa de Banfield, en la que encontró material fílmico grabado por el propio Sandro, y en Super 8 milimetros horas de filmación y fotos, regalos de sus fans. La documental cuenta con el recuerdo del cantante, el Puma Rodriguez.

Un hombre que nunca perdió la humildad, que no le dio tregua hasta el final a su enfermedad. Con una capacidad innata para la música. Cuenta que a los 18 años, pudo acceder a una guitarra rota, y siendo un autodidacta, aprendió a tocarla y con muchos meses de esfuerzo, pudo comprarse una. Tuvo la oportunidad de alternar en diferentes escenarios, ser aclamado, producto comercial altamente explotado, pero también un poeta, con canciones “Porque yo te amo”, “Rosa, Rosa”, “Penumbras”. Un hombre que dialogaba con su público en los recitales, que se puede ver en youtube, https://www.youtube.com/watch?v=IrkaphyHLmg, recordando el Sandro de América, con amor a sus abuelos y que con tanta emoción. como lo hace en los ultimos recitales, como él mismo dice: “30 años de magia” .

Si desean adentrarse más en la piel, en el Sandro, ser humano, quien se fue acercando cada vez más a su público para convertirse en un mito con la humildad de los grandes y recorrer su trayectoria artística escuchando canciones que llegan al corazón como “Las Manos de mi madre”, no duden en ir a verla, porque “los ojos no siempre ven, hay que buscar con el corazón” (Saint Supery)

Calificación: 9/10


FICHA ARTÍSTICA

Título original: Yo, Sandro – La película

Estreno: 05.2018

Clasificación: Apta para todo público

Actores: Carlos Portaluppi, Daniel Valenzuela, Celeste Gerez, Patricia Rojo

.Director: Miguel Mato

FICHA TÉCNICA

Asistente de Dirección: Eduardo Spagnuolo

Director de Fotografía : Ricardo de Angelis

Directora de Vestuario: Villariño Marcela

Directora de Arte: Ana María de Los Angeles Chacon

Director de Sonido: Gaspar Scheuer

Montaje: Emiliano Serra


Reseña por Diana Decunto

Reseña: Dos, una desconexión.

El viernes pasado a las 20:30 concurrí al teatro Método Kairos para ver la obra “Dos, una desconexión”, tres años en cartelera, con elenco renovado. Es la historia de una pareja llevada adelante por tres actrices encarnando un único personaje, una mujer, en los tres estadios del amor.

Primero: enamoramiento, pasión, necesidad y deseo de no estar sola,. Segundo: la crisis de pareja, tiempo donde se pone a prueba al amor y el tercer estadio la dejamos en el limbo para que la vayan a ver.

Claudia, una mujer en tres etapas muy marcadas, sufriendo en todas, con contradicciones y verdades haciéndole frente a Miguel y al amor. Con dos hombres encarnando a ese Miguel, en su “yo”, el verdadero, en las diferentes etapas de la relación.

Claudia y Miguel comparten y sufren de desconexión en la pareja, por la que irremediablemente todos, en algún momento, debimos transitar porque hace a nuestro crecimiento personal y a la madurez de las relaciones.

Me complace infinitamente cuando hago la reseña de obras que son realizadas por elencos jóvenes, con un alto grado de calidad y estética.

Guion teatral de Pablo Bellocchio, excelente la tarea de dirección, a cargo de Nicolás Salischiker. Con una misión complicada porque en esta obra la dificultad radica en coordinar al elenco actoral para lograr una puesta creíble, con tiempos exactos, pudiendo transmitir de un modo natural el mensaje, con sutiles toques de humor e ironía. Un equipo sólido en cuanto al trabajo grupal con la actriz Cecilia Marani, llevando con alto nivel su personaje y pasando a ser otra mujer en la piel de la actriz Florencia Rodriguez Zorrilla y la cual se amalgama con una tercer mujer encarnada por la actriz Catalina Motto. Sus partenaires con la misma intensidad y sintonía, el actor Eugenio Sauvage, en el rol de un Miguel del principio de la relación, tiernamente enamorado contrastando con un personaje que no se da cuenta de las cosas que le está pasando a su pareja, callando muchas veces para navegar aguas arriba en la ambivalencia, en una excelente personificación del actor Maximiliano Zago.

Todos los viernes a las 20:30, este sólido equipo de trabajo logra demostrar el mérito de superar la desconexión. Ellos los invitan a ver una propuesta diferente, la cual seguramente al finalizar la obra, los llevará a la reflexión y a pasar un agradable momento de viernes, destinada a aquellos que buscan desconectarse para alivianar el peso de los problemas diarios que nos han tocado en suerte.


Ficha técnico artística
Dramaturgia:Pablo Bellocchio
Actúan:Cecilia Marani, Catalina Motto, Florencia Rodriguez Zorrilla, Eugenio Sauvage, Maximiliano Zago
Vestuario:A&m Realizaciones
Escenografía:A&m Realizaciones
Diseño de luces:Lucas García, Franco Vega Valiente
Fotografía:Alejandro Chen
Diseño gráfico:Rodrigo Bianco
Asistencia de dirección:Greta Comisso
Producción:Lascia Colectivo De Trabajo
Dirección:Nicolás Salischiker
Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
Viernes – 20:30 hs
EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4831-9663
Web: http://www.elmetodokairos.com.ar


Reseña Diana Decunto

Review: Batman Ninja

Review de Agustín Villegas

No se que estoy viendo pero no puedo parar…

Warner Animation utiliza a la Batfamilia para hacer un cargado homenaje a la cultura japonesa que, intentando abarcar demasiados elementos, se convierte en un viaje ácido repleto de colores, mechas, ninjas y samurais.

El guión va al grano de una forma más que rápida. Durante un enfrentamiento entre Batman y el villano Gorila Grood por el destino de Gotham City ambos personajes terminan viajando en el espacio – tiempo a la Japón feudal, en donde el caballero de la noche se encontrará con que sus aliados y sus enemigos corrieron su mismo destino. Una historia que no se preocupa mucho en ser excelente pero si en regalarnos un espectacular viaje audiovisual con el animé como estandarte estético.

La elección de hacer un film de Batman desarrollado por artistas japoneses era un WIN WIN para todos los fans. Los diseños que Takashi Okazaki, creador de ‘AFRO SAMURAI’, creo para el proyecto nos compraron desde el primer vistazo. La animación es el punto fuerte de la idea, el anime siempre fue un medio espectacular (pero poco utilizado) para retratar al detective murciélago de DC Comics ya que permitía ver su catálogo de habilidades de una forma certera.

Si a ésto le sumamos un escenario tan bello como la antigua Japón feudal podemos pensar que estamos ante el proyecto definitivo del personaje, pero si bien estamos ante un concepto creativo y diferente, el desarrollo se ve afectado por la necesidad de meter demasiadas locuras en la historia. La idea de fusionar tantos conceptos con un laburo artístico tan groso nos lleva a quedar inevitablemente hipnotizados con la película; pero el tercer acto se vuelve tan bizarro que genera hasta cierta risa. Tenemos un gran arco argumental para El Joker y Harley Quinn que se ve totalmente arruinado por el plot twist final, un plot twist afectado por demasiadas idas y venidas que se tornaron densos en los últimos minutos.

La selección de villanos fue completa, lo cual le saca sentido a la historia. La casualidad es aceptable siempre y cuando se utilicé bien y en éste caso funciona solo para darnos diseños alternativos y robots gigantes que le hacen honor a la cultura del animé pero no al argumento del film en sí. El desarrollo de los personajes secundarios no es la gran cosa, están para colaborar en el viaje de Batman por un mundo que lo hace cuestionarse quien es el sin su tecnología. Éste punto no es algo menor, ya que su planteamiento es realista con respecto al punto que se encuentra el personaje hoy en día. Me gusto ver a un Bruce Wayne mas risueño y no tan angustiado, capaz de bromear con Alfred y hasta de alabarle sus dotes culinarios.

“BATMAN NINJA” es un proyecto aceptable y recomendable siempre y cuando no se busque una historia pretenciosa. La idea es perderse en los colores y diseños que este gran equipo nos brinda en este surrealista proyecto, y con respecto a la queja de “PERO BATMAN ESTA USANDO UNA ARMADURA SAMURAI, ¿¿¿¿POR QUÉ CARAJO LE DICEN NINJA?????” les adelanto que no va a haber una explicación certera … pero si son fans del murciélago (o murciélago) no van a acordarse de éste traspié…

Calificación 7/10

Crítica: Las estrellas de cine nunca mueren

Crítica de Fernando Benitez

Este largometrage de Gloria Grahame (Annette Bening), una veterana actríz, con un pasado de diva lleno de fama y glamour, pero también con huecos oscuros, transcurre en dos tiempos diferentes en su mayor tiempo en Gran Bretaña, pero tambien en Los Angeles y Nueva York. Cuando en el mundo del teatro y cine para una mujer madura deja de ser “la chica bonita” y donde cuesta mas conseguir un buen papel, conoce a Peter Turner (Jamie Bell), un joven poco experimentado entrando al mundo artístico y a las tablas, y la otra parte, años después de la separación amorosa de ambos.

El trabajo de Paul McGuigan como director de este trabajo, quiere mostrar una actríz con sus momentos esplendorosos que tuvo en su vida, pero mas en detalle, su decadencia. Por otra parte tambien el amor que encontró con un joven muchos años menor que ella y los conflictos y virtudes que podría haber en una pareja distante en el sentido de los años. Egoísmo, errores, mentiras aparecen en esta película, en donde esto íltimo podría ser por una buena causa depende el punto de vista.
Bella Turner (Julie walters), hace de la madre de Peter, quien juega un papel importante, trabajaron juntos en la famosa pelicula Billy Elliot, ella en el papel de maestra y el de bailarín. Debemos suponer que conectarse no debio ser problema entre ellos para hacer de madre e hijo respectivamente.

Para terminar es una buena película ambientada en los 70 con un buen guión, mostrando un amor, capas para algunos inaceptables, pero para otros lo ven como felicidad donde los años no tienen nada que ver

Calificación 7/10

  • Actores:Jamie Bell, Annette Bening
  • Director:Paul McGuigan
  • Fecha de estreno: 26 de Abril de 2018

Reseña: Los cartoneros de la diosa Caissa

Entre una montaña de cartón, que luego será dinero aunque venga en tamaño hormiguero, dos laburantes de una moderna carrera, juegan al ajedrez. Un trabajo tan aceptado, tan naturalizado que dejó de ser un escape para convertirse en algo autóctono, lamentablemente.Y no me refiero a dos ingenieros, a dos conductores ni a dos maestros, me refiero a dos que no llegaron. A la primera graduación de Cartoneros Marginalizados por el Mundo.

El marginal parece violento y así reacciona, y se lo juzga por el ahora y no por el mar en donde nadó y nadó tanto para llegar a un carrito clasificador. ¿Cuál es la parte violenta? Mientras los violentos 1 se conectan con ellos mismos, a la fuerza de un tablero de ajedrez, tan pensado y estudiado, los violentos 2 ,estudiosos de carreras cortas, suben de a 6 escalones y abren un medio de comunicación. Lapidando cualquier lucha.

El deseo de una familia soñada, se ve opacado por la nube del afuera. No falta el amor, no faltan las ganas, falta que los de afuera sepan que acá hay también un adentro digno. La nube recorre las calles y sabe hasta dónde llega la tormenta. Pero cuando la tormenta es solo el comienzo, ahí si que nadie sabe que se puede llevar el temporal. Andrés y Camilo son el grito inaudible de años de exclusión, y por lo que parece en esta obra, lo serán por mucho tiempo más.

“¿Hace cuanto no nos podemos sentar a tomar un puto café?”

Patear el tablero cada tanto, pero no vivir de rebotes, nunca se sabe hasta donde puede llegar la pelota.

Los Cartoneros de la diosa Caissa, es el sacudón necesario para los tiempos que corren. Fue Victorio Veronesse un visionario del hoy o ¿Seremos todos cómplices de que las trabas sigan siendo las mismas?

Un gran elenco que tienen como soporte escénico las fantásticas actuaciones de Fabián Guzmán e Ignacio D’Onofrio. Para aprender, además de ir a la escuela, también hay que ir al teatro.

Laura Lasalvia

Elenco (Por orden de aparición)

Nacho D’Onofrio —- Andrés
Fabian Guzman —- Camilo
Jaz Szmetan —- Tina
Fran Jalil —- Varangul.

Dirección

Jaz Mendi

Estreno Domingo 15 de Abril a las 19:30 en el @teatro.el.cubo (Zelaya 3053)
(Todos los domingos de Abril y Mayo)

VALOR ENTRADA:
$180-

Reservas a teatrojaquemate@gmail.com

Reseña: Linda de día

Al entrar en la sala, muchos espejos, aparatos y accesorios para hacer gimnasia, todos rosas. Podríamos pensar que entramos en el mundo de Barbie Gimnasta, pero no. Cuatro chicas se presentan ante el público en simultáneo, girando como locas, mezclando la ficción con lo autobiográfico, pista de que lo que vamos a ver tiene mucho de la vida “real”.

A continuación, el cuento sin acabar: tratar de entender qué es ser mujer. O, mejor dicho, que NO es ser mujer. Dietas varias, tips de depilación y otros lugares comunes se van sucediendo en los discursos de estas actrices, intercalados con letras robóticas de publicidades, de ese mundo ficticio donde se construye el concepto ficticio de ser mujer.

Aborto, maternidad, competencia, profesión: temas prohibidos, conflictos que hacen saltar todas las contradicciones que tenemos por ser hijas del patriarcado, “a lo mejor el mundo es contradictorio”. Y todo esto acompañado de un lenguaje corporal frenético, ¿será que llevamos grabada la contradicción entre el cuerpo y el discurso?

“Linda de día” es una obra actual y necesaria, que nos deja con la pregunta planteada: si no podemos poner nuestra esperanza más que en nosotras mismas, ¿cómo hacemos para cambiar el mundo?

Ficha artístico técnica:

Actúan: Agustina Pons, Camila Hierro, María Victoria Pierre, Virginia Flammini

Diseño de escenografía y vestuario: Paula Picciani / Coreografía: Agustina Pons/

Diseño de luces: David Páez / Producción: Linda de día / Fotografía: Paula Picciani/

Diseño gráfico: Luciano Insolia/ Prensa y Difusión:Simkin& Franco / Asistencia de dirección:Jazmín Gamalero Rosas / Colaboración en Dirección:María Viau.& Franco / Asistencia de dirección:Jazmín Gamalero Rosas / Colaboración en Dirección:María Viau.

Dramaturgia: David Páez / Dirección y puesta en escena: David Páez

Agradecimientos: Ariel Pérez de María, Julieta Moras, Maximiliano Méndez, Maximiliano Forbice, Quique Pierre, Espacio Tromvarte.

Funciones: viernes 21 hs

Teatro: Espacio Tromvarte

Direccion: pasaje Santa Rosa 5164

Precio de entrada: $200 / Estudiantes y jubilados: $150

Reservas:tromvarte@gmail.com o al Tel. (011) 2132-9657Tel. (011) 2132-9657

O por www.alternativateatral.com

Trailer: https://youtu.be/BiHGBMrrND0

Sol Grunschlager

Reseña: ¿Quién es Jey Mammon?

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la función de ¿Quién es Jey Mammon?, Un unipersonal donde el comediante que le da nombre a su espectáculo nos invita a divertirnos con sus más excéntricos personajes. La música es también una compañía que junto al humor de sus personajes , permite al espectador distenderse en una noche (muy tarde) de teatro.

El mismo Jey hace gala de su propio show que comienza casi a la medianoche , tarde para algunos y temprano para aquellos que piensan seguir la noche del viernes. De este modo el actor nos presenta a una serie de personajes un tanto peculiares, que van desde un locutor de radio , un cura cordobés y su personaje más reconocido: Estelita. Así todos estos series tienen su momento en escena mediante pequeños skecths , en los que cada uno se maneja con un humor particular y bien logrados en su interpretación. Para tener una conexión entre todas las historias el mismo Jey se sale de personaje , para hablar un poco de su vida y también hablar con el público, haciendo que la función sea interactiva con la gente que está ahí presente.

Si bien cada uno de los personajes están bien logrados , el momento cumbre de la noche es la aparición de Estelita , donde agarra el micrófono , sale del escenario y empieza a molestar al público. Utilizo la palabra “molestar” debido a que este personajes , empieza a interactuar con el público sin pelos en la lengua, utilizando ese momento para hablar de sexo , intimidades y cosas incómodas para el entrevistado. Puede resultar incómodo que esta “diva” se te acerque , pero debido a su frescura será imposible no reírte con ella, aunque sea de vos mismo.

Al final el espectáculo hace una conexión entre lo que es el artista como persona y aquella relación que guarda con sus personajes. Dando a entender de qué ellos son parte de el, de su personalidad, más allá de que esté actuando para un público. Y así se cierra una noche agradable y muy entretenida.

Funciones: Viernes 23:30 hs

Teatro Ludé (Montevideo 842)

Entradas por Plateanet

Reseña: Edipo Rey

Edipo Rey” (Sófocles 496/406 aC.) es una de las tragedias griegas fundantes del teatro occidental. Citada en la “Poética” de Aristóteles; en “El nacimiento de la tragedia” de Nietzsche; analizada por S. Freud y con cientos de versiones, desde Pasolini a Stravinsky, de Cocteau a The Doors. Sin la menor de las dudas y con potencia insoslayable (por sutil y por profano), atraviesa el núcleo de
nuestra cultura como pocas producciones del hombre hayan podido hacerlo.

Lo que se cuenta es lo siguiente: Layo, rey de Tebas, consulta al oráculo de Delfos (hoy sería un terapeuta, un asesor de inversiones, un sacerdote, todo eso junto) y éste le vaticina que sería asesinado por su propio hijo. Cuando Yocasta, su mujer, da a luz a su primogénito, Layo ordena atar los piés del niño y arrojarlo al monte Citerón a que espere su destino, el único posible, su triste final.

Ese niño se llamaba Edipo.

Pero el esclavo que lo trasladó se apiada del niño y lo entrega a un pastor de otra tierra, y éste lo da a los reyes de Corinto que no podían tener descendencia, que lo crían como un príncipe. Una vez ya un hombre, escucha un chisme, una infidencia, y decide consultar al oráculo sobre su origen. El oráculo le brinda una cruel respuesta: que mataría a su padre y desposaría a su madre. Horrorizado por tal posibilidad, Edipo huye de Corinto para escapar a tal destino expuesto, una fuga desesperada hacia adelante, a la construcción de su destino, a su tiempo y a su historia, en sus piés, en su voluntad, en su espada. hasta que, en un cruce de caminos…

Edipo era feliz cuando más ciego de su origen era. Y cuando vió todo, fué infeliz. Cruel y bella metáfora, que nos habla de lo divino, de lo profano, de mariposas volando hacia el sol, de la arrogancia del conocimiento, de la brutalidad de la ignorancia, del hombre. Y del destino.
La puesta en escena propuesta por Jorge Vitti es despojada: telas a fondo de escena como columnas y una pequeña banqueta escalonada que hace las veces de púlpito. El tratamiento de la luz acompaña el criterio de la puesta, con puntuaciones que permiten clarificar el relato, que en su manifestación en conjunto tiende al ascetismo. El coro es expresado mediante música de rap y el vestuario, contemporáneo. La adaptación del texto, acerca su estilo al decir de hoy y aporta a la idea general de la puesta.

Las actuaciones, siendo correctas, no alcanzan puntos más altos, debido al
planteo de distanciamiento propuesto para la proyección del discurso escénico. Lo que permite que el espectador observe el mecanismo, sin involucrarse completamente. Una dosificación más meticulosa de éste dispositivo podría realzar aún más el trabajo del elenco. Hablamos de sutilezas, por supuesto, ya que la obra de Sófocles es un Everest, cuyas alturas pueden marear y perder el sentido del destino: de tan claro que se ve, puede emborrachar la mirada. Un texto para aventureros.

La propuesta es digna de ser acompañada.

Ficha Técnica
Elenco:
Fabian Vena: Edipo
Natalia Lobo:  Yocasta
Alfredo Castellani: Creonte
Willy Lemos: Tiresias
Juan Carlos Ricci: Mensajero de Corinto
Cutuli: Criado de Layo
Gus Bassani: Corifeo
Alejandro Gallo Gosende: Mensajero de la casa  
Coro Municipal de Camara Ernesto Storani de Lujan con la dirección de Santiago Rosso
Voz de rap:  Inti Rap
Producción Ejecutiva: Fiorella Camji
Asist. Producción: Fiorela Gianuzi
Prensa: Tommy Pashkus Agencia
Fotografía :Guido Adler
Comunicación visual CCC : Claudio Medin
Diseño de vestuario: Natalia Queirolo
Diseño de sonido : Gerardo Boglioli
Diseño de iluminación: Gonzalo Córdova
Asistente de Dirección:  Fiorella Camji
Versión y Dirección : Jorge Vitti
Funciones: Viernes y sábados – 22:30hs
Centro Cultural de la Cooperación, Sala Solidaridad (Av. Corrientes 1543).
Entradas: Desde $300



A.R. Belano

 

Reseña: Alfaguarra, de Tadeo Pettinari

Reseña de Magalí Onetto

Zona sur, Banfield. Un premio de literatura: El famoso “Alfaguarra de novela”. Tres escritoras planean una venganza contra su amiga y colega “Betinita”, la flamante ganadora del premio. ¿Quién diría que la ambición por el éxito puede llevar a circunstancias límites que uno jamás se hubiese imaginado? ¿O, en su defecto, a los momentos más bizarros y desopilantes?

Todos los viernes a las 23 en el Teatro Bar Nün, Villa Crespo, un elenco de cuatro talentosas actrices traen a la vida –de la manera más cómica- a este grupo de mujeres novelistas que desean a toda costa el reconocimiento literario que una de ellas consiguió. Por eso, Samantita, Sarita y Selvita organizan una celebración a Betinita, la ganadora del premio “Alfaguarra de novela”. Pero la envidia puede más: aquellas tres que no lograron el éxito, tienen preparado un plan siniestro para Betinita. En un escenario simple, con sólo una mesa y un sillón, suceden situaciones descabelladas que dejan al desnudo los celos, las frustraciones, las ambiciones, los miedos, las inseguridades, los secretos, los prejuicios y los deseos. Un camino que nadie podría predecir apenas empieza la obra, pero que todos al salir del teatro, se verán reflejados de alguna manera.

El minimalismo de la puesta en escena, el particular vestuario, la música -poca, pero en los momentos más oportunos-, y la acertadísima iluminación presente en las situaciones más dramáticas, realza las geniales actuaciones de las artistas, cada una con un papel bien definido: Samantita, la jefa del grupo; Sarita, la sumisa; Selvita, la lujuriosa al estilo “livin’ la vida loca“; y Betinita, quien ostenta sus riquezas por haber ganado el prestigioso premio.

La obra escrita por Tadeo Pettinari y dirigida por Emanuel D’Aloisio, sabe ir por lugares poco comunes. Esta comedia negra no sólo es creativa en sus diálogos, sino que la comedia visual funciona igual de cómico. Además, entre tantos finales inesperados en el mundo del cine, tv y teatro, Alfaguarra sorprende a cada paso. ¿De qué manera Sandro y la biblia podrían aparecer en el mismo escenario?

La única manera de descubrirlo, es tomarse un viernes a la noche para disfrutar del buen teatro independiente y de esta perlita en la que, cualquier semejanza con la realidad, no es pura coincidencia.

Ficha técnica

Elenco: Marisa Vernik, Lorena Rovatti, Paula Rubinsztein y Noemí Susana Ron Dramaturgia: Tadeo Pettinari

Adaptación y dirección: Emanuel D’Aloisio

Asistencia de dirección: Elle Verlicht

Escenografía: Daniela Draiye

Vestuario: Leonela Camizasca

Diseño de luces: Lautaro Pane

Diseño gráfico: Pulpografía

Fotografía: Elle Verlicht

NÜN TEATRO BAR: Juan Ramirez de Velazco 419, CABA
Funciones: viernes 23hs
Entradas: $250 / estudiantes y jubilados: $200 / Promo 2x$350

Reservas por Alternativa Teatral