Crítica: Tebas Land

“EDIPO:- ¿Qué mueve esta reunión?
¿A qué esas suplicantes disposiciones?
Postrados en tierra, con ramos de oliva…¿Qué es?
Aquí estoy. Soy Edipo. Todo el mundo celebra su gloria…”

En un principio fue Malvinas. Asunto espinoso, laberíntico si los hay para nosotros. Pero no, no. Luego: un parricidio. Y el mito de Edipo que todo lo sobrevuela. Y la narración mamushkeana del teatro dentro del teatro, y un demiurgo-narrador
que ordena el sentido, dejando la piel en su acto de creación, a imagen y
semejanza. Y algún código kafkiano. Y Passolini, el corpus temático, estético de su obra y su espantosa muerte. Y también está el básquet, que estructura los actos, y la cárcel, para vigilar y castigar, y la piedad…

Tebas Land nos habla de todo esto.
Lautaro, director de teatro, presenta al público su propuesta: la historia de Martín, encarcelado por asesinar a su padre, de múltiples cortes con un tenedor, en una explosión de violencia descontrolada. Convoca a Gerardo por medio de una
audición, para que represente a Martín, y visita regularmente al convicto para conocerlo y saber el más allá de lo que dicen los expedientes. En estos encuentros, se produce una transformación en Lautaro, en Martín, y en el proyecto. Aparecen sus pasiones, sus miedos, aquello que los alegra, sus puntos
débiles, lo que aman. Descubrimos en Martín, en su experiencia lacerante de vida, escondido bajo su torpeza y limitaciones, a una criatura dolida, cuyos acontecimientos como un río, lo empujan a orillas indignas a lo humano. Y que aún estira su mano en un gesto de compasión, en una suerte de grito desesperado: “Aquí estoy, este soy! En esto me convirtieron!”

¿Cómo se cuenta una historia de tal crueldad? ¿Cómo se narra la humillación, el embrutecimiento sistemático, la explosión de sangre, el tabú? ¿Cómo se muestra un detalle de redención enmarcado por el horror? Tebas Land nos habla de todo esto. Teatro dentro del teatro. Y un gesto de piedad.

Las actuaciones de Lautaro Perotti, como el creador sensible y comprometido, y Gerardo Otero, en el doble papel del parricida encarcelado y su álter ego, el actor que lo representa, excelentes ambos. Entran y salen con suficiencia de los diferentes dispositivos narrativos.

El espacio escénico, dividido entre la cancha de básquet en el presidio (espacio de encierro de Martín) y la mesa de trabajo, con pizarra y elementos audiovisuales (espacio creativo de Lautaro), organizan el relato, le asignan sentido de clase (como es la mirada del mundo de cada uno) y son muy apropiados para el lucimiento del trabajo actoral. La escenografía es de Gonzalo Córdoba Estévez. La iluminación de Ricardo Sica guía el relato con sutilezas.

Corina Fiorillo dirige un inquietante texto del uruguayo Sergio Blanco, con
suficiencia, con creatividad, con belleza. Excelente dirección.
Un espectáculo para disfrutar y conmoverse.

Ficha artística-técnica:

Texto: Sergio Blanco

Actúan: Gerardo OteroLautaro Perotti

Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación: Ricardo Sica

Asistencia de dirección: María García De Oteyza

Fotografía: Fabián Pol

Prensa: Marisol Cambre

Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak

Dirección: Corina Fiorillo

DÍAS Y HORARIOS DE FUNCIONES

Viernes 27 de octubre, 20 h

Viernes 3, 10 y 17/11, 20 h

Sábado 18/11, 20.15 h

Viernes 24 y sábado 25/11, 21 h

TIMBRe4 | México 3554 | 4932.4395 | CABA

Localidades: $250 | Entradas a través de www.timbre4.com:

A. R. Belano

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Crítica: Trágica y moderna

El tema de las relaciones y el sexo , es algo que siempre va mutando con el tiempo. En estos tiempos, es muy importante el uso de la tecnología como forma de comunicación y/o conexión, algo de lo que está obra tiene presente , aunque no lo toma como eje principal. Una mujer se niega a tener sexo , quizá para evitar lo efímero , y de ese modo no se puede quitar de la cabeza a alguien con el que aún tiene algo pendiente.

Ellos iban a coger y no lo hicieron.
Entonces esa fué la última noche que se vieron.
Pero ella olvidó un pantalón en la casa de él.
Dos años después, lo soño.
Y ahora lo quiere recuperar.
Al pantalón.
Y a él también.

Nuestra protagonista ha pasado saliendo con una persona durante tres meses , la cuestión es que jamás tuvieron sexo , ya que ella se sentía inhibida cada vez que llegaba a a observar el miembro masculino. Después de un tiempo todo acabó , aunque ella no ha superado a esta persona , por lo que decide volver a visitarlo para recuperar un pantalón que dejó la última vez que se vieron. Así mismo conocemos los sueños y frustraciones de esta chica , transmitidos hacia las personas más cercanas: su psicóloga (y madre) , su mejor amiga y su compañera de obra teatral. Todas ellas tienen algo para contar sobre su vida sexual y amorosa , conectánsose también de alguna forma con la historia principal.

La historia resulta entretenida desde la propuesta relajada y fresca que propone. Es un relato de amores en tiempos modernos , con algunas exageraciones quizá, pero no muy alejado realmente de lo que pasa con muchas personas al relacionarse con otras. La comedia está presente , con logradas situaciones en el que se trasluce las distintas ideas que uno tiene sobre la vida sexual , tanto lo bueno como lo malo de ello.

Los personajes se encuentras muy bien interpretados gracias a una dirección precisa y organizada. Los personajes más bien están medidos , sumidos en sus propias problemáticas y con personalidades definidas. La comicidad de los actores hace que la obra pueda avanzar sin inconvenientes , donde hacia el final te encuentras con lo inesperado , aunque presente desde su inicio.

Trágica y moderna es una muy buena opción para divertirse con historias sobre relaciones y sexualidad , que se acercan mucho a lo que vivimos en la realidad actual. Buenas actuaciones y una interesante dirección de Fabio Golpe , nos brindan una comedia hilarante hecha para relajarse y disfrutar. Lamentable ha sido la última función de la obra , pero existe la posibilidad que regrese con otra temporada. A tener en cuenta.

FICHA TÉCNICA
-Libro FABIO GOLPE

-Dirección FABIO GOLPE

-Elenco FLORENCIA QUINTANA, FEDERICO CASTELLÓN ARRIETA, CAROLINA BERGALLÓ, VERONICA LORINCZ

, LIDIA DE GONZALO

-Fotografía DAVID ROSSO

-Diseño Gráfico GASTON MARTINO

-Escenografía LUCHO LOMASTRO

-Vestuario FEDERICO CASTELLÓN ARRIETA

-Asistencia de Dirección LUCIANA SCHMIT

-Asistencia y Producción SEBASTIAN KARGDORIAN

Daniel Alvarez

Reseña: Tiro al blanco, de Israel Horovitz

Es invierno, una pareja en un parque de diversiones dispara compulsivamente a un oso mecánico. Para ganar tendrán que darle 10 veces en el blanco.
Totalmente enceguecido por el juego y el afán de ganar, el hombre arma estrategias, da cuenta de sus proezas, hace alarde de su virilidad, se queja, insulta y culpa violentamente a su mujer. Ella, atormentada por pensamientos intrusos parece interrogarse sobre el sentido de sus vidas, cualquier intento de reconstruir su pasado y de construir sentido fracasa.

La autoria de la obra es de Israel Horovitz. Quien ha escrito otras obras como El primero, Acróbatas, Rayuela y Sins Of the Mother.

La actriz Diana Cortajerena excelente interpretación en un papel difícil porque lleva todo el peso del personaje femenino. Interpreta una mujer desequilibrada, marginal que atraviesa momentos de lucidez, logra componer el personaje de una mujer abandonada, desvalorizada por su pareja interpretada por el actor Luciano Rosini.

Es invierno, la pareja de esta mujer se obsesiona por disparar a un oso mecánico.

Al comienzo de la obra el actor Javier Marra nos lleva a esa atmosfera de kermesse o parque de diversión realizando actos circenses

Hay algunas escenas un tanto fuertes, no diferente a lo que pueda mostrar el cine. La puesta de la obra es hasta el 24/11/2017, los viernes a las 22:30 en el PATIO DE ACTORES (Lerma 568).

La autoria de la obra es de Israel Horovitz. Quien ha escrito otras obras como El primero, Acróbatas, Rayuela y Sins Of the Mother.

La actriz Diana Cortajerena excelente interpretación en un papel difícil porque lleva todo el peso del personaje femenino. Interpreta una mujer desequilibrada, marginal que atraviesa momentos de lucidez, logra componer el personaje de una mujer abandonada, desvalorizada por su pareja interpretada por el actor Luciano Rosini.

Es invierno, la pareja de esta mujer se obsesiona por disparar a un oso mecánico.

Al comienzo de la obra el actor Javier Marra nos lleva a esa atmosfera de kermesse o parque de diversión realizando actos circenses

Hay algunas escenas un tanto fuertes, no diferente a lo que pueda mostrar el cine. La puesta de la obra es hasta el 24/11/2017, los viernes a las 22:30 en el PATIO DE ACTORES (Lerma 568).

Actúan: Diana Cortajerena / Javier Marra / Luciano Rosini
Música en vivo: Álvaro Porto
Escenografía: Ana Repetto
Vestuario: Rocío López / Luciano Rosini
Diseño de luces: Marco Álvarez
Fotografía: Fedro Fotos
Dirección: Claire Salabelle

Funciones viernes 22:00hs Oct/Nov.
Reservas en la boletería del teatro
Lerma 568 / 4772-9732 o por Alternativa teatral
Entradas desde $150(con descuento) / $200 (general)

Crítica: Paraíso, de Andréi Konchalovsky

Los tiempos son los de la Segunda Guerra mundial. El lugar es Francia.
Jules es un policía francés, colaboracionista. Olga es una aristócrata rusa, miembro de la resistencia francesa, arrestada por la policía en tiempos de la ocupación nazi, por ocultar a dos niños judíos.

Helmut, un noble alemán, es un
oficial de las SS por convicción, en la creencia de que esa es la mejor idea
para su amada Alemania.
Olga es interrogada por el policía Jules, con maneras amables debido al rango social de la detenida, pero dejando entrever el tipo de interrogatorio bestial al cual se expone si no habla, en sí, si no delata. Olga se niega a hacerlo y es enviada a los campos de concentración. Allí Helmut, a cargo del control del
campo de concentración, reconoce en ella a una mujer culta que conoció años atrás, en circunstancias de juego festivo y que flirteó con ella. Trata de
ayudarla, de hacer más llevadero su pesar, la convierte en su amante. Y Olga intuye una ínfima posibilidad de huír, o solamente es la fuga instintiva del horror, de la animalidad despiadada en la cual está sumergida.

Ésta historia, la de la degradación del holocausto, está mixturada con
entrevistas individuales a cada uno de los tres protagonistas, mirando a cámara cuentan su historia (o lo que ellos creen es su historia, o lo que pueden soportar como su historia. Acaso lo que uno cuenta, así sea una historia graciosa, ¿No habla de su moral?). Estas entrevistas parecen estar en otro tiempo, en otro espacio, son contundentes y accionan como contrapunto narrativo de la historia principal.

Andrei Konchalovsky (ruso, director de “Siberiada” – una joya-, “Tío Vania”.
“Escape en tren”, entre otras), filmó esta película en un aséptico blanco y
negro, con formato 4:3, lo que le quita espectacularidad y le suma una postura de mayor objetividad. Como si la cámara, omnisciente, no juzgara ninguna acción: ni la miseria humana, ni su altruismo. Pareciera decirnos que en cada uno de nosotros anida lo monstruoso y lo sublime, que en las situaciones límite se expresarán, intempestivamente.

Las actuaciones de los tres protagonistas son extraordinarias. La medida exacta de carnadura y distanciamiento actoral. La fotografía de Aleksandr Simonov expresa con precisión estética lo que se narra.

Película áspera, dura, con la impronta de un documental, ambiciosa, no
concesiva. ¿Acaso se cuenta una tontería como cientos que se exponen? Pues, tiene la medida de lo que se cuenta, cuando el mundo enloqueció.

Dirección: Andréi Konchalovsky
Fotografía: Aleksandr Simonov
Música: Sergei Shustitskiy
Elenco: Yuliya Vysotskaya, Philippe Duquesne, Peter Kurth

A. R. Belano

Reseña: Brochero, de Joaquin Stringa

Este musical cubrió cuatro sábados de octubre en su tercer temporada estando Mariano Taccagni nominado al mejor actor musical OFF (Premios Hugo al teatro Musical 2017) y Ariel Juin a Mejor Coreografía (Premios ACE 2017).

Es una obra, apta para toda la familia, escrita por Joaquin Stringa, quien también actúa en el rol de Manuel, un joven periodista algo engreído que llega a Villa del Tránsito, una zona perdida en Traslasierra ( Córdoba), quien dice “Querer contar la historia que nadie conoce del Cura Brochero”.

Éste es el puntapié inicial, para desarrollar una historia que se vale del recurso de la comedia musical, amalgamándose música original de Maxi Larghi, Hernán Matorra con una precisa coreografía de Ariel Juin, junto a una escenografía apropiada para ponernos en situación y un coro potente logrando en conjunto un producto autóctono de mucha belleza y ternura.

Mariano Taccagni hace del Cura Brochero, un actor altamente compenetrado con su personaje, tanto como Joaquin Stringa. El Cura Brochero se divierte junto al público evadiendo las preguntas del periodista cuando lo interroga sobre su fama de curar el alma a asesinos y ladrones.

La dirección es de Ricardo Bangueses quien logró poner once actores en escena, lo cual estamos poco acostumbrados a ver en Buenos Aires. Tiene el toque femenino de Florencia Fernández, Ángeles Rossi quienes se han ocupado de la dirección artística de la obra.

Tuve la oportunidad de presenciar la última función de despedida de este año. Fue muy emocionante, es un elenco con integrantes muy jóvenes. Mariano Taccagni contó cuando el elenco viajó a Villa del Cura Brochero a conocer el lugar y eso les abrió nuevas puertas para transmitir con mayor sentimiento el mensaje de la obra.

Deseamos que este género se repita. Esperamos que la compañía vuelvan el año que viene. En medio de los aplausos fluyó la calidez humana de todo el elenco. El espectador disfrutó mucho de ese final porque se puso en evidencia, mientras aplaudíamos, la empatía del elenco, el orgullo y felicidad con que realizan la obra.

El público disfrutó de una historia que llega al corazón y seguramente a muchos de nosotros le despertó el bichito de la curiosidad sobre ¿quién fue el Cura Brochero?

Dramaturgia: Joaquín Stringa

Música Original: Maxi Larghi y Hernán Matorra

ELENCO: Mariano Taccagni – Joaquin Stringa – Nico Leguizamon – Matias Ignacio Acosta – Marina Gaud Arena – Leandro Anríquez – Natalia Mouras – Luciana Sapia – Franco Zamorano – Vero Pacenza

Músicos: Gastón Matorra / Guitarra – Eze Quinteiro / Percusión

Coreografías: Ariel Juin

Asistencia de Dirección: Deby Tescione

Producción Ejecutiva: Germán Martins

Diseño Gráfico: Emiliano Páez

Fotografía Puli Bechech y Fiorella Romay

Prensa: Belen Badia

Dirección General Ricardo Bangueses

Diana Decunto

Crítica: Coronado de gloria

Historias cruzadas sobre la letra y música del himno nacional argentino.

Esta obra de teatro gira alrededor de dos personajes reales de la historia argentina: Vicente López y Planes, autor de la letra del Himno Nacional Argentino y Blas Parera, célebre por ser el autor musical.


La obra de teatro de Mariano Cossa nos lleva a reflexionar sobre cuanto ignoramos de la historia argentina y percatarnos de cuanto nos fue ocultado por el sistema educativo.

La historia comienza contando sobre Blas Parera quien en realidad se llamaba Blas Perera Morat de origen catalán nacido en Murcia. Quien por el momento político y económico que atravesaba nuestro país decide regresar a España dejando atrás en el recuerdo el haber sido el compositor que puso a disposición su arte para crear la música del Himno Nacional Argentino.

Los personajes encarnados por los actores Juan Manuel Correa (Blas Parera) y secundados por los actores Jorge García Marino, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino logran en el público un muy alto grado de credibilidad.

Es una obra donde afloran pasiones y miedos de los protagonistas, no hay que olvidar el contexto complicado en que vivió el país en la época de la Asamblea General Constituyente de 1813.

La dirección teatral de Daniel Marcove ha logrado llevar la obra teatral a una sintonía especial usando como marco la música y la letra del Himno Nacional Argentino.

Es interesante el planteo del personaje de Blas Parera acerca de su creación. Sus discusiones y enfrentamientos con Vicente López y Planes quien se había propuesto crear un himno cantado a lo largo y a lo ancho de las Provincias Unidas del Río de la Plata a ser usado en el campo de batalla como el arma más letal para combatir al realista y enfervorizar al criollo.

Además de los excelentes diálogos entre Blas y Vicente Lopez contando con magníficas interpretaciones, asimismo, hay dos personajes más en la obra, con excelente calidad actoral quienes se cruzan en la vida de Blas para atemperar la presión existente en el entorno permitiendo que el protagonista holgadamente entre y salga del conflicto, presionando para que el personaje principal reniegue de su identidad y de sus actos.

No se la pierdan. Podrán conocer el desenlance sobre Blas Parera o mejor dicho Blas Perera Morat, si puede o no, regresar a su tierra natal en España.

Ficha artístico técnica:

Elenco: Jorge García Marino, Juan Manuel Correa, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino.

Músico en escena: Mariano Cossa y Christian de Miguel

Escenografía y vestuario: Paula Molina/ Diseño de luces: Miguel Morales/ Fotografía: Gianni Mestichelli/ Diseño Gráfico: EN diseño/ Prensa y difusión: Simkin y Franco/Producción Ejecutiva: Pablo Silva /Producción Asociada: Claudio Meilan / Asistencia de dirección: Christian De Miguel /

Dirección: Daniel Marcove

Funciones: jueves 20 hs

Teatro: Del Pueblo

Dirección: Av Roque Saenz Peña 943

Entradas: $200 Entrada General. $170 Estudiantes y Jubilados

Informes: 4326-3606

Diana Decunto

Crítica: Mamá está más chiquita

“Clara, ¿te diste cuenta? ¡Mamá está más chiquita!”.¿Y si Diego tiene razón? ¿Y si Rita se está empequeñeciendo y pronto va a desaparecer? Cuando el diálogo franco es temido, el juego parece ser la forma más viable de enfrentar ciertas verdades.

Antes de comentar la obra mamá está más chiquita , quiero hacer unas acotaciones previas. La primera es que antes de saber sobre ella , su nombre me hacía pensar en algo infantil o familiar , que si bien esta apreciación es errónea , tiene la escencia de un cuento infantil y pone a la familia como eje principal de la historia. Otra cuestión que ha pasado por mi cabeza antes de ver la obra , es que he recibido muchos comentarios sobre el espectáculo y me he quedado con uno en particular: alguien había hecho un análisis comparándola con el musical Casi normales , diciendo que claramente no se trata de una versión local sino más bien que comparte muchos aspectos, cada una con sus respectivas historias. Es cierto que el musical mencionado es mi favorito y por eso me ha sonado bastante oír eso, así que rescato la opinión ya que tienen cosas comparables. Ambos son musicales en la que intervienen pocos actores , es decir una historia de personajes , se centran en la familia , su música acompaña al texto de forma armoniosa y sin saturarse, y por sobre todo , la carga dramática en ambas es bastante particular. Sí, mamá está más chiquita es una obra original , cómica y a la vez muy emotiva.

En cuanto a su historia es necesario saber qué es una obra sobre la familia , las emociones de cada uno de sus integrantes y el cómo ser capaz de afrontar las adversidades , visto desde la fantasía y el drama real. Vemos dos realidades en esta historia , la de Rita , quien está cursando una enfermedad que la está debilitando progresivamente, y la de Diego , quien cree que su madre se está encogiendo a raíz de una maldición. La fantasía y la realidad son historias de un mismo conflicto , los personaje debe afrontar los problemas que surgen por eso cada uno de ellos los enfrenta de la forma que le es posible. La disfuncionalidad de una familia es la que se vé requebrajada ¿Qué más puede llegar a suceder en alguien que ya le han pasado muchas cosas ? ¿Existe alguna escapatoria a aquellos problemas que no puedes controlar ? Los personajes intentan escapar de sus males , el tema es que por el bien del otro (La familia) , resulta necesario aceptar algunas cosas y tomar el timón para cuidar de ellos.

La obra cuenta con pocos actores para centrarse en los personajes del núcleo familiar , aunque existan personajes externos necesarios para desarrollar la historia. Generalmente un adolescente suele apoyarse en otro como escapatoria , por ello la historia de Clara y Germán , que su plan de irse juntos se ven frustrados por la enfermedad se madre. Así como también la intervención de la mujer que será la compañía de los chicos cuando lo peor esté por suceder. Si , el trabajo actoral está muy bien estructurado de parte de todos sus intérpretes, aunque el peso de la obra se encuentra concentrado en los integrantes de la familia, quienes muestran perfectamente su propio drama y en conjunto. Quizá uno de los papeles más complejos es el que interpreta Tomás Wicz , que compone a un joven que es distinto , no se dice muy bien que es lo que le sucede , sino más bien se le muestra como un chico con su imaginación e inocencia , pero aún así siendo consciente de las problemáticas del resto de las personas “normales” por así decirlo. Quizá gran parte de la historia gira en torno en lo que pasa por el , ya que su madre es el único sostén de un hijo que necesita apoyo y compañía, y el problema de la hija que se siente olvidada y obligada a estar relegada a un segundo plano en relación a su hermano. Algo ajeno a los problemas típicos hace que todo tomé un vuelco y dónde la toma de decisiones resulta vital para mantener el equilibrio en la vida de uno y de sus seres queridos. Felicitaciones a todo el equipo por lo que se ha logrado mostrar en escena.

Algo que caracteriza a esta obra , es el contenido musical que propone, permitiendo que la trama avance y que se conozca la escencia de los personajes. La música está a cargo de Juan Pablo Schapira , brindando más que bellas melodías y que sirve en conjunto al texto de Ignacio Olivera para brindar una historia redonda y emotiva.

Mamá está más chiquita es una obra imperdible , una de las más notorias que se encuentran actualmente en cartel. Si, es un musical y seguramente que los amantes del género quedarán más encantados , pero también su historia permite acercar y conmover al público ajeno al género. Es un cuento que invita al público a divertirse y emocionarse a la vez .

Ficha artística-técnica:

Elenco: Rita: Déborah Turza, Diego: Tomás Wicz, Clara: Paloma Sirvén, Germán: Juan Manuel Barrera Hernández, Alicia: Ana Padilla, Cover Clara: Julia Tozzi

Libro y letras: Ignacio Olivera

Música y letras: Juan Pablo Schapira

Dirección: Andie Say

Dirección musical: Juan Pablo Schapira

Músicos: Martín Rodríguez, Matías Menarguez, Juan Pablo Schapira, Juani Unzurrunzaga

Asistencia de dirección: Laura Eslava

Asistencia de escenario: María Candelaria Olivera, Augusto Moreno

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Lucila Rojo, Gastón Segalini

Diseño de luces: Caio Senicato, Samir Carrillo

Maquillaje: Betsabé Solange

Asesor coreográfico: Diego Bros

Diseño gráfico: Martín Bayne

Fotografías: Juan Ignacio Coda

Producción: Valeria Di Toto

Teatro La Comedia – Rodríguez Peña 1062 – CABA | 4815-5665 | info@lacomedia.com.ar

Funciones: Martes 21.0o hs.

Localidades: $ 180

Daniel Alvarez .

https://www.plateanet.com/Obras/mama-esta-mas-chiquita

Gran estreno de la serie McGyver, hoy por Universal Channel

Hoy, a las 22, Universal Channel estrenará para toda Latinoamérica “MacGyver”, un drama de acción basado en la exitosa serie clásica de los años ochenta. La historia narra las aventuras del joven Angus “MacGyver” (Lucas Till), quien crea una organización clandestina dentro del gobierno de los Estados Unidos para resolver misiones imposibles y salvar vidas.

Armado con un extraordinario talento para solucionar problemas no convencionales y vastos conocimientos científicos, además de su infaltable goma de mascar, y bajo la tutela del Departamento de Servicios Externos, MacGyver asumió la responsabilidad de enfrentar misiones de alto riesgo para salvar al mundo.

Para más detalles acerca del gran estreno de “MacGyver” el jueves, 26 de octubre a las 22:00 hs visita www.universalchannel.com

Reseña: Siempre hay que irse alguna vez de alguna parte.

MEMORIAL DE UN TIEMPO EN FUGA

Dos amigos, ya próximos a su sexta década, tienen la idea entusiasta de hacer un documental de su pueblo, aquel del cual partieron hacia las luces de la gran ciudad, hace ya muchos años. Los acompañan sus actuales parejas, ajenas al lugar, por ende al proyecto, por lo que terminan siendo apoyo logístico, ácidas comentaristas, transporte de víveres ó palos en la rueda, según las circunstancias.

Ya nada queda en pié de aquel pueblito tantas veces visitado en sus memorias. Ni la escuela que los juntó, ni la librería, ni el banco de la plaza, ni el cementerio. Ni siquiera sus casas, donde se criaron y soñaron, son lo que eran. Comentaristas de lo que fué y ya no está, continúan con la filmación de la nada, el documental es el registro de un páramo comentado, hasta que una falla mecánica en el auto los obliga, varados, a pasar la noche fría en el pueblo
fantasma.

¿Cómo se hace para apresar el pasado? Por qué los recuerdos son como relámpagos que reaparecen sin ser convocados y así como vinieron, ¿Se van?
Por qué ese lugar, aquella situación, esas palabras, aquel aroma, que fueran fundacionales en la épica de mi vida, las observo hoy y ya no son ni la sombra de lo que fueron. El tiempo es como un tifón arrasador que todo lo destruye, lo
construye, lo resignifica…

El relato, tal olas memoriosas, cuenta los conflictos de los personajes con el
tiempo y sus recuerdos, en clave de comedia dramática. La escenografía, despojada, de un blanco imponente que envuelve el espacio escénico, nos remite a que todo puede ser posible, aún aquello inasible ya.

Las actuaciones de Roberto Castro, Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile y
Gabriela Izcovich, son muy buenas y se convierten en el dispositivo adecuado para albergar lo lábil del relato, ora melancólico, ora de graciosa ternura.

La iluminación es funcional a la historia. El texto y la dirección de Gabriela Izcovich es simple en su propuesta e imbricado en su construcción. Necesita de
actores con mucho oficio, y los tiene.

Nota: el monólogo de Marcelo Bucossi haciendo referencia al tiempo como
caníbal, sencillamente exquisito.

FICHA TÉCNICA:

Con: Marcelo Bucossi, Roberto Castro, Mercedes Fraile, Gabriela Izcovich
Dramaturgia y dirección: Gabriela Izcovich
Luces: Ricardo Sica
Música original: Lucas Fridman
Asistencia de dirección y producción ejecutiva: Marco Riccobene
Prensa: TEHAGOLAPRENSA
Duración: 60 minutos

Teatro: NoAvestruz – Humboldt 1857. Palermo.
Funciones: sábados a las 22.30 hs.
Entrada: $200 (estudiantes y jubilados $150)
Reservas: /www.alternativateatral.com
Informes: 4777-6956 ó por mail areservas@noavestruz.com.ar

A. R. BELANO

Crítica: Trasbordada

Trasbordada es la historia real de Sabrina, una joven profesional en busca de un amor para toda la vida. En su doble rol de autora y actriz, nos cuenta de una manera muy divertida los avatares de su vida amorosa, y este doble rol se evidencia en el cambio de registro, ya que ella misma va actuando las escenas como la Sabrina que alguna vez fue, alternando con la Sabrina que es, que en retrospectiva reflexiona sobre sus elecciones.

En un formato muy original, nuestra protagonista nos va relatando un viaje metafórico por todos los países que visitó en esa búsqueda del amor, cada uno de los cuales tiene características muy definidas, que se traducen en un tipo de hombre. Estos “tipos” tan hilarantemente retratados por Federico Mini, también director de la pieza, podrían parecer exagerados si no fuera porque los conocemos.

Sabrina se ve envuelta en las situaciones más ridículas que, como dice la frase, son situaciones de la realidad que claramente superan la ficción, dato que resulta de gran
importancia para la autora ya que lo aclara tanto la voz en off antes de que comience la obra como ella misma al final. Quizás esto se deba a que increíblemente, transitando el siglo XXI y todo, aún existen mandatos para las mujeres y hace falta recordar que estas cosas son reales, no existen
sólo en las novelas románticas. Recibite, casate, formá una familia, en ese orden y sin saltear ningún paso. Son obligaciones implícitas que toda mujer debe cumplir para sentirse
completa, como si lo que una deseara hacer de su vida no fuera válido, o suficiente.

Quizás por eso también fue que Sabrina, cuando frenó a pensar qué quería y decidió que estaba bien comenzar por contar esto que le había pasado, decidió hacerlo de esta forma, como una comedia, a través del humor. Porque burlarse de uno mismo ayuda a exorcizar la culpa de no haberse dado cuenta a tiempo, de no haberse permitido a uno mismo seguir el deseo, cuestionar lo impuesto. O burlarse de la sociedad en la que uno vive ayuda a tolerar
esos resabios tradicionalistas, a llamar la atención sobre ellos de forma distendida para que podamos después reflexionar y, quizás, hasta cambiar el mundo en el que vivimos.

En resumen: un tema vigente, una autora valiente, cuatro actores muy graciosos, cuatro países por conocer (que vas a reconocer), un gran plan (pareja friendly) para reírnos de
nosotras mismas.

FICHA TECNICA:

Autora: Sabrina Mateos.

Dirección y puesta en escena: Federico Mini.

Elenco: Sabrina Mateos, Federico Mini, Ada García, Ariel Cuño.

Asistencia de dirección y stage: Ariel Cuño, Joaquín Junco.

Fotografia: Jorge Tieghi.

Diseño grafico: Exequiel Abreu.

Luces y sonido: Mariano Alvarez.

Produccion ejecutiva: Sabrina Mateos.

Produccion general: Sabrina Mateos, Federico Mini.

Desde el 22 de octubre, todos los domingos a las 20hs., en el Espacio Colette, Paseo la Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A., Argentina.

*Reservas: 011 6320-5300. Costo de entrada: $200 (Jubilados y estudiantes $150).

Sol Grünschläger