J.A. BAYONA DIRIGE LA SOCIEDAD DE LA NIEVE PARA NETFLIX

Sinopsis: En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida.

Director: J. A. Bayona (Lo imposible, El orfanato, Jurassic World: El reino caído). Reparto: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella, Tomas Wolf, Diego Ariel Vegezzi, Esteban Kukuriczka, Francisco Romero, Rafael Federman, Felipe González Otaño, Agustín Della Corte, Valentino Alonso, Simón Hempe, Fernando Contigiani García, Benjamín Segura, Jerónimo Bosia.Guionistas: JA Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego.Productores: Belén Atienza (Lo imposible, El orfanato) y Sandra Hermida (Lo imposible, Un monstruo viene a verme).

La película está basada en el libro La sociedad de la nieve de Pablo Vierci. El rodaje se llevará a cabo en Sierra Nevada (Andalucía), Montevideo (Uruguay) y en distintas localizaciones de los Andes (tanto en Chile como en Argentina) incluyendo El Valle de las Lágrimas, localización real donde sucedió la historia. De J.A Bayona: Fue durante el proceso de documentación para Lo imposible cuando descubrí La sociedad de la nieve, la fascinante crónica que Pablo Vierci hace de la tragedia de los Andes.

Más de diez años después, mi fascinación por la novela permanece intacta y estoy feliz de afrontar el reto que tengo por delante: contar uno de los acontecimientos más recordados del siglo XX, con toda la complejidad que implica un relato que da tanta relevancia a los supervivientes como a aquellos que jamás regresaron de la montaña. Además, lo encaro en español, al que regreso emocionado después de 14 años sin rodar en mi lengua, y con un plantel de jóvenes actores uruguayos y argentinos con los que estoy entusiasmado.

De Belén Atienza y Sandra Hermida: Después de años trabajando en el proyecto, estamos muy emocionados de arrancar el rodaje de La sociedad de la nieve. Queremos dar las gracias a Netflix por su decidido apoyo al proyecto, que se rodará íntegramente en español. También a Cetursa Sierra Nevada por su implicación brindándonos rodar en la estación de esquí durante la temporada de invierno y especialmente agradecer a los supervivientes y a los familiares de los fallecidos en la tragedia de los Andes, por su enorme generosidad al compartir con nosotros su historia.

Crítica: La casa de Gucci

Por Agustín Villegas



Ella no quiere Gucci ni Prada, Fendi ni Louis Vuitton 🎵🎵



Ridley Scott es la personificación del dicho «viejo, pero no obsoleto». A sus 84 años el cineasta conserva todas las cualidades que lo llevaron al podio de los grandes Podría decirse que es de esos, no solo directores cinematográficos, sino artistas a los que la edad no les quito la heterogeneidad a sus proyectos. La película se basa en la trágica historia real de la familia Gucci, foco infeccioso de traiciones, manipulaciones y hasta de asesinatos, todo a fin de controlar el imperio de la moda que fue (y es) la marca.

El reparto está mamadisimo de estrellas. Adam Driver nos prueba sus dotes camaleónicos en el rol de Maurizzio Gucci, un tímido abogado al que la codicia y hambre de ser un noble como su familia lo empieza a contagiar. La conversión del personaje no sería nada de no ser por Patrizia Reggani, interpretada por Lady Gaga. La elección de casting es una de las mejores que se hicieron, la cantautora cumple con todo lo que el personaje necesita para ser lo que es en pantalla, totalmente verosímil y el elemento mejor controlado de la película. Jeremy Irons y Al Pacino hacen de Rodolfo y Aldo Gucci, los patriarcas de la familia. Irons es siempre sinónimo de calidad, se sabe, es ir a lo seguro, pero con Al la cosa se puso inesperada. Tras unos pares de años de fracasos, al actor le costo volver. La maldición se le terminó con su paso victorioso como Jimmy Hoffa en EL IRLANDES de Martin Scorsese, el tipo volvió al ruedo y acá desborda el carisma que lo caracterizó por años. A pesar de la CLARA edad, el tipo se desenvuelve con excelencia haciendo de la parte comercial de la marca, el visionario que complemento la visión de Rodolfo y la llevo a lo largo del olaneta. Para completar tenemos a un locuaz Jared Leto haciendo de Paolo Gucci, la oveja torpe de la familia. Una interpretación que intenta representar el lado bizarro de la marca, funciona y el personaje es copado, pero desentona y distrae un poco con lo que la historia quiere contar. Noto que los directores le dan a Leto una libertad que no se le da a ningún otro actor, una libertad algo injustificada ya que rara vez sus decisiones interpretativas cumplen con lo necesario.

A nivel narrativo la tragedia que cuentan está construida con excelencia. Todo está armado para que el final sea lo que en un principio se nos adelanto, es como Gucci a lo Shakespeare. Lo visual acompaña a la historia muy bien, remarcando la personalidad de cada uno con detalles sutiles muy bien puestos por el señor Scott. Por ejemplo, siempre que alguien llega a la mansión de Rodolfo Gucci (Irons) el plano es el mismo, vemos al personaje ser recibido a traves de un ventanal y de fondo se visualiza el mismo juego de jardín ubicado de la misma forma, simbolizando lo conservador del personaje. Se puede percibir como en un principio intentaron fichar a Scorsese para la película, el ritmo tiene mucho de su cine e intenta recrear el tono del cineasta para contar la historia. La puesta en escena es buena, no MARAVILLOSA, pero buena. Muestra el mundo de la moda de forma realista y, como nos tiene acostumbrados Ridley Scott, la película parece filmada en la época en la que nos situa el tema en cuestión.

House of Gucci es una película funcional y hecha con buena visión. Si bien la historia y la dirección de la trama se torna algo desprolija en ciertos momentos, el resultado final es un cine de calidad que deja de lado agendas políticas y modas actuales para enfocarse en contar una historia con todos los elementos que eran necesarios para retratar el caso.

Calificación 8/10

Crítica: Tick, Tick, Boom!

Tick, tick, boom! (Lin Manuel Miranda, 2021)
El boricua Lin Manuel Miranda posee una prolífica carrera en teatro musical y composición, esto le ha válido premios Tony y reconocimientos, además de componer canciones para películas y actuar en ellas, en Tick, tick, boom! Toma las batutas de dirección para su primer largo, su proyecto más personal.

Es un drama musical estadounidense dirigido por Lin-Manuel Miranda en su debut como director, a partir de un guión de Steven Levenson, basado en el musical semiautobiográfico del mismo nombre de Jonathan Larson. La película está protagonizada por Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesús, Joshua Henry, Judith Light y Vanessa Hudgens.

Un seguro y energético Andrew Garfield aparece y consume toda la pantalla con su representación de Jonathan Larson, es esta energía y sus dotes musicales que desconocíamos, más la empatía de la historia en general, lo que hace una de sus mejores actuaciones.


Tick, tick Boom! Cuenta la historia de un aspirante a compositor y director de teatro musical en Nueva York, luego de muchos años queriendo estrenar el musical que más le ha costado, su cumpleaños 30 se acerca, así como también la presión social y personal por tener una carrera estable y enfrentar la adultez. En medio sus relaciones interpersonales se ven afectadas por su obsesión a estrenar este musical, además en 1990 estaba en auge la pandemia del VIH.


Tick, tick, boom! Tiene la intensidad y emotividad necesaria para atrapar al público desde el minuto cero, sus canciones son totalmente pegadizas y saben llegar. Garfield se roba la pantalla pero cada personaje tiene su minuto de brillo, acá vemos el acompañamiento de la recordada Vanessa Hudgens y su hermosa voz.

Tick, tick, boom! Utiliza el recurso de falso documental, drama musical y recreación del musical anónimo de Broadway. La prematura muerte de Jonathan Larson es homenajeada por su mayor admirador, Lin Manuel Miranda.
Es un musical que vale la pena y destaca entre los varios que se estrenan por año.


Recomiendo pues toca temas que cualquier joven ha enfrentado, la empatía por la historia se siente de inicio a fin.
En Netflix.


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Calificación 8.5/10

Crítica: Ghostbusters: El Legado

Por Agustín Villegas

Alto ahre…



La GHOSTBUSTER es una película que revisito muy frecuentemente. Me parece una película divertida y creativa pero que no es la joya de la corona que los fans dibujan. En lo que a mí respecta, la secuela y el reboot de 2016 (‘LAS CAZAFANTASMAS’) están al mismo nivel que la primera, es más, el producto que mas disfrute de la marca son las series animadas. Ahora nos llega está continuación de la original, enmarcada dentro del neo genero de revivals de sagas clásicas que apuntan a la nostalgia (o nostalgia inducida, algún dia les hablare de ésto) del espectador, una nueva ola madre de bodrios como la trilogia de secuelas de Star Wars o la nueva 3 de TERMINATOR. Por lo general estas secuelas/remakes/spin-offs suelen errarle fiero, intentan hacer algo nuevo pero a la vez nostálgico y queda un bodrio que no entienden ni ellos, pero con GHOSTBUSTERS: AFTERLIFE se encontro un balance perfecto, pasen al consultorio y les cuento…

Dirige y coescribe Jason Reitman, el mismísimo hijo de Ivan Reitman, productor y escritor de la película que comenzo con éste fenómeno. En éste caso el hijo le hace honor al padre, haciendo la que es probablemente el revival mas completito y satisfactorio de todos los vistos hasta ahora. Se respeta a los personajes originales sin abusarse de las referencias y se le da un abrazo fuerte y emotivo al difunto Harold Raimis. La historia está contada con un ritmo muy ochentero, pero no ochentero tipo la primera, sino que ochentero en su simpleza, hasta me atrevo a decir que es la mejor película del subgenero NIÑOS EN UN PUEBLO HACIENDO LOCURAS de los últimos tiempos. Se siente la aventura y el misterio, el cual sirve para darle al universo una identidad mitologíca propia.

La historia sigue a los hermanitos Splencer (Mckenna Grace y Finn Wolfhard), nietos de Eagon, una niña genio y un intento de rebelde, quienes se mudan junto a su madre (Carrie Coon) a la antigua granja de su abuelo quien era considerado un demente por los lugareños del pueblo cercano. Los pibitos encontrarán allá su identidad sacando a relucir los genes de su abuelo.
Hago un párate en mí intento de sinopsis para mencionar que la decisión de usar a los familiares del personaje del personaje que interpretó el difunto Raimis fue la decisión PERFECTA. Ésto hizo que los guionistas usen la ausencia del actor (y ENCIMA cocreador de la franquicia junto al también actor Dan Aykroyd) como motor narrativo, generando en los personajes un misterio a resolver en base al personaje.
Sigo con la historia. En el pueblo, la nena, Phoebe Spencer, une fuerzas con su maestro de primaria, interpretado por el hilarante Paul Rudd, para investigar unos misteriosos sismos que habrían llevado a Eagon a ese lugar. En su nuevo team de niños ghostbusters tenemos a Podcast (Logan Kim) y Lucky Domingo (Celeste O’Connor), personajes que solo existen para hacer una rima narrativa y visual con los originales, ya que la película se la roba Grace con su carismática inexpresividad intencional.

Los efectos especiales son brillantes, lo mismo con la fotografía, la se amolda a los tiempos con unos planos muy bien formados que complementan un BEST OF BOTH WORLDS entre el cine ochentero pochoclo y el cine blockbuster actual. El team no es tan único como el original, pero cumplen su función y todo el viaje hasta el final boss (el cual fue una sorpresa MUY grata, hasta para mí, que no pierdo la cabeza por esta saga) se torna creíble y no es una sucesión de eventos random sin justificación (*EJEM* estarwarssieteochonueve *EJEM*).

Un defecto es que me hubiese gustado mas fantasmas caricaturescos como los de la original, hay unos pares pero en su mayoria son copy paste de los antes vistos. Se pudo haber agregado personajes creativos, como los vistos en la de 2016, sin haberse ido de la onda moderna y diferente que querían plasmar. No obstante, el producto esta tan bien encaminado que puedo perdonar ésto.

Recomendada con ganas.

Calificación 8/10

Crítica: Lamb

Lamb (Valdimar Jóhannsson, 2021, Islandia)

El cine islandés está repuntando. Esta industria es pequeña y poco reconocida pero se está asociando con Suecia, su país más cercano, para poder producir películas interesantes, con una impronta folklórica estupenda.



Lamb es el primer largometraje de Valdimar Jóhannsson, escrito por Sjón, protagonizado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason.

Para contar una premisa, es similar a relatar el tráiler el cual delata muchas cosas: Una pareja sin hijos que vive en una zona rural a kilómetros de la capital, adopta a un cordero antropomorfizado, esta bendición para ellos terminará siendo su condena a medida que pase el tiempo.

Lamb es una película fría pero enigmática, estas dos características están muy presentes en el cine nórdico también las personalidades distantes e inexpresivas. Este filme tiene una belleza rara. Los sucesos son extraños pero causan mucha intriga, también un horror psicológico que llena de tensión y misterio. Noomi Rapace es quien nos deleita en este filme hablando en islandés, su perfomance es sereno pero también calculador.

Lamb se vuelve onírica y fantasiosa pero en justa medida, si bien el resultado final nos deja con más preguntas que respuestas pues toda la trama es absolutamente intrigante, es una experiencia única que seguro nos hará mirar con terror a los corderos. Por cierto, el póster oficial es similar a la foto promocional de The Silence of the Lambs con Jodie Foster cargando un cordero.

Calificación 8/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Instagram: cachalote94

Crítica: Eternals

Es una realidad que cuando llegó la oportunidad de ver la nueva película de Marvel, ya había caído el bombardeo de malas críticas luego de su pase en Estados Unidos. En mi caso, me sucede que cuando pasa algo de esto, si bien las expectativas bajan, trato de hacer oídos sordos a lo que dicen. Así que fui a ver Eternals sin importar sus malas críticas, porque era un film que me interesaba mucho ver, y si, puedo decir que es una película bastante regular pero no es un desastre, aquel desastre que pintaron.

Algo está sucediendo en Marvel, y es que tienen que presentar nuevos personajes para la fase siguiente en su universo cinematográfico. En este caso, los nuevos personajes no son tan populares como los Avengers en su primera presentación, es por ese motivo, que deben centrarse más en los orígenes y desarrollo de personajes. Los eternals siempre estuvieron, pero bajo las sombras porque tenían una misión específica que cumplir. Si, es una realidad que en sus más de dos horas y media se duración, la primera mitad es para conocer a los personajes y sobre cómo es su universo. Eso es algo muy bueno, pero también hay que reconocer que es una presentación bastante aburrida. Aburrida porque trata de mostrar una mirada diferente de contar una historia de superhéroes, pero que a su vez quiere mantener el humor característico de Marvel, y que en su mayoría, hay exceso de chistes sin mucha gracia. En tanto metraje, los personajes tampoco están muy bien explorados, sobre todo aquellos importantes como Thena y unos villanos que quedan relegados a nada, aunque es obvio que hay algo más grande de trasfondo. Una vez que se desata el conflicto principal, la película repunta y mucho, dejando algo interesante sobre que ver en el futuro.

Eternals tiene sus estrellas, y si, habia expectativas en ver qué daban al film personajes como los interpretados por Salma Hayek o Angelina Jolie, sus personajes funcionan muy bien , aunque su desarrollo no están tan explorados. En cuanto a los demás Eternals, existe una buen manejo en cuanto a la relación entre ellos y lo que depara el futuro con los personajes.

Un tema del cual se habló también en el film, fue sobre su elemento inclusivo. A decir verdad no es algo criticable , ni siquiera se trata de la inclusión forzada que suele tener Disney. Hay una pequeña trama de los personajes, que trata una relación con alguien de su mismo sexo, y si bien es un pequeño añadido en el metraje, no es algo que irrumpe en el argumento, al contrario, son algunos momentos agradables que sucede en el film y no molesta en absoluto con la trama principal. El casting también está bien, aunque no tenga el mejor desarrollo de los personajes. Los problemas de eternals son otros, en la narrativa de los orígenes del personaje , y en no saber cómo dar algo diferente pero seguir siendo Marvel.

Para no ser tan crítico con la película, está tiene una segunda mitad que es fantástica a comparación con lo visto anteriormente. Y si, nos deja un buen saber de boca si hablamos del futuro, no solo de los personajes, sino de su universo. Eternals es una película que tiene muchos fallos, con unas más de horas y media que son irregulares pero que tiene mucho potencial, porque la realidad es que vale la pena seguir viendo más de ello, aunque con ciertos cambios.

Calificación 6/10

Crítica: El rescate, el día de la redención.

El rescate: El día de la redención es un film que nos relata la historia de un marine estadounidense que sufre el secuestro de su esposa en Argelia, por lo que debe salir hacia su rescate mientras sufre estrés post traumático debido a una misión casi suicida en Siria. Vamos a la realidad, la película en su premisa es bastante correcta, aunque para ir adelantando, cae en los chichés de este tipo de films, el supuesto patriotismo, la caricatura de los terroristas, sumado a una historia desarrollada de forma superficial.

La historia arranca bastante bien aunque no ofrezca algo nuevo, el protagonista vuelve a casa luego de una misión y empieza a sentir problemas en su cabeza por lo que sucedió antes de su regreso. En ese momento las cosas llegan a seguir su curso de igual manera, su esposa tiene la oportunidad de encabezar una expedición a Marruecos, y a pesas de que su pareja lidia con sus propios problema, alienta para que ella cumpla con su trabajo. El viaje ocurre de forma adecuada, hasta que «accidentalmente» cruzan la frontera hacia Argelia, dónde todos los asistentes de la expedición son secuestrados. El marine se entera, y obviamente va hacia esos lados a tratar de encontrar una solución, que siempre será volver a las armas. Luego de eso, que está muy bien presentado, se desarrolla todo de forma demasiado vaga, el protagonista al parecer era un experto en todo , que lo conocían todos y por dicho motivo , tenía todo el poder para llevar a cabo el rescate por si solo. El secuestro fue una trampa pero nunca se sabe porque fue así, ni si quiera se sabe cuál es la motivación de los terroristas, mostrado como unos seres brutos que actúan por puro impulso , que para algunas cosas son unos novatos, y para otras, pueden contra cualquier inteligencia.

No hay obligación de pedir verosimilitud cuando el trayecto está bien narrado, pero el film termina yendo por lo fácil, cuando en un principio venía muy bien encaminado. En cuanto a las actuaciones , Gary Douran está bastante bien, aunque en el guión no llegan a definir que tipo de soldado es, y sus problemas de estrés post trauma quedan perdido en algunos flashbacks que no encuentra resolución. El resto es más que una caricatura, por no mencionar a Andy García, quien parece que cobró cheque para filmar todas sus escenas en un par de horas.

Podemos notar también la falta de presupuesto, si bien a veces se las pueden ingeniar para que el film no resulte dañado por este motivo, se nota la ausencia de locaciones donde se lleva a cabo la acción, hasta quizá la falta de extras, dónde los enemigos parecen ser no más de ocho o diez personas, pero luego van sumando a otros para poder mantener una duración razonable de acción y disparos.

El rescate: el día de la redención es una película que lamentablemente no funciona, arranca bien a pesar de no contar con una premisa original pero luego cae en clichés y vacíos argumentales que no tienen solución. Se trata de uno de esos filmes, que sin ser un total desastre, en otra época habría caído directamente a vídeo, o en la época actual, derechito al streaming.

Calificación 4.5/10

Festival Asterisco: El pan nuestro de cada día

El pan  nuestro de cada día (F.W Murnau, 1930)


Uno de los precursores del expresionismo alemán fue F.W. Murnau que, en la década  de los 20 había triunfado con filmes como Nosferatu y Amanecer. Su llegada a Hollywood al igual que gran parte de la línea de directores expresionistas, supuso entrar a grandes productoras, en este caso la de WIlliam Fox. Al no tener 100 % de libertad creativa, se alejó de su estilo original y se fue hacia el realismo, tal es el caso de »El pan de nuestro día», primer filme sonoro de Murnau y también su último antes de fallecer.


El film, realizado en 1930, cuenta la historia de un amor comprometido por las circunstancias y una oposición entre el campo y la ciudad, con un padre que somete a su tiranía patriarcal. Charles Farrell, Mary Duncan, David Torrence y Edith Yorke son parte del elenco de este filme ambientado en un campo de trigo, donde una joven de ciudad debe enfrentar al machismo y a su suegro, todo esto en una época y en un contexto socio geográfico donde la mujer tenía poca voz.


La historia de »El pan de nuestro día» es simple, el filme cobra fuerza en su segundo acto cuando la protagonista conoce a sus suegros, la tensión aumenta así como el conflicto que comienza a cocinarse bien. El manejo de cámara de Murnau es espléndido, fue uno de los precursores del traveling, a su vez la fotografía es impecable. La referencia del trigo y del pan como alimento, fuente de trabajo y opresión es clara. Los prejuicios, la tiranía, la reivindicación, el perdón y el bajar el orgullo son partes de las fases que enfrenta el villano.


Este filme fue exhibido en el VIII festival Asterisco en el CCK el domingo  31 de octubre, para ello se reprodujo en un proyector de celuloide de cintas de rollo,su versión muda original, acompañada por banda sonora en vivo a cargo de 107 Faunos y Niño Elefante. (Se encuentra en Youtube, la recomiendo)
Más información sobre la programación del festival la pueden encontrar en https://festivalasterisco.com.ar/ El festival termina el 7 de noviembre.


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Lo Inevitable

Lo inevitable  (Fercks Castellani, 2021, Argentina)


El cine de terror está muy ligado con lo religioso, especialmente lo cristiano. El subgénero de posesiones está muy presente hoy en día con  la saga del Conjuro de James Wan o cualquier otro refrito que sale dos veces al año. Se relaciona al fanatismo religioso y de la fe dentro del terror pues se habla de portales, los mismos son el paso entre el más allá o el infierno con el plano material, así como también el enlace para poder contar historias.


»Una familia se refugia en una antigua casa de campo las últimas horas antes del anunciado juicio final. Pero la aparición inesperada de un intruso, que dice ser un salvador, pone en riesgo su fe y su destino.» Es la sinopsis de la nueva película escrita y dirigida por Fercks Castellani.

Luciano Cáceres, Juana Viale, Daryna Butryk y Javier Godino encabezan el elenco de este  filme donde los recursos son aprovechados, el  90 % de la película ocurre en una casa donde esta familia debe tomar una decisión en esta especie de apocalipsis que anuncia la radio. La fotografía de Eduardo Pinto es un gran acierto, le da un enfoque sofocante, lúgubre y onírico, parece haber salido de una pesadilla esos tonos opacos y negruzcos. La música de Nicolás Iaconis IV nos adentra más dentro de esta historia que resulta asfixiante, así como el manejo del sonido detallista.


El problema con Lo Inevitable cae en su guión, que si bien como dije anteriormente, aprovecha los pocos recursos para contar una historia decente, las lagunas argumentales son tantas que pueden ahogar  a los espectadores. Los personajes no son proactivos y se limitan a lo que tienen, les falta chispa y dinamismo. El final si es inesperado y un  30 % convincente. Si bien no es una excelente ni mala película, puede ser el inicio de un resultado mejor en caso de que Castellani decida involucrarse más dentro del cine de terror.

Calificación 6/10

Lo inevitable está disponible en cines en Buenos Aires a partir de este jueves 28 de octubre.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Crítica: Ron Da Error

Por Agustín Villegas



Black Mirror for kids…

Cero espectativas al entrar, la animación era genérica y el trailer se veía fofo y carente de personalidad. Era ese típico proyecto animado que pasa sin pena ni gloria, pero al terminar me quede sorprendido … No SUPER SORPRENDIDO, pero algo de buen humor. RON DA ERROR es una de las primeras películas de FOX tras la compra de Disney, por lo que el enfoque que se le de a éste proyecto era crucial para determinar que tanto la empresa del ratón pasivo agresivo se iba a meter en sus ideas. Aparentemente se les dejo trabajar con cierta libertad creativa y sello personal, quiero creer que ésto se mantendrá así y no es que hubo poco tiempo para infiltrarse.



La historia sigue a Barney, un pibe que quiere sumarse a la corriente de la moda adquiriendo un robotito que básicamente es un celular capaz de tener movimientos propios. Al adquirirlo se aviva de que el modelo que le llego está fallado, y en su falla, se encuentra una humanidad que inesperadamente complementara al muchacho en cuestión.

La animación es el punto flojo, no por sus detalles sino por la carencia de innovación. Los diseños de los personajes podrían ser mejor, son personajes que se vieron en repetidas ocasiones en otros proyectos. No obstante la historia y el mensaje que intenta dar es coherente y, con un final arriesgado, nos brindan una lección que para los niños internautas puede ser muy valiosa.

Henry Jackman compone una carismática banda sonora que acompaña muy correctamente el tono familiar de la película. Todos los personajes cuentan con un momento propio y la relación HOMBRE MAQUINA (for kids) esta plasmada dignamente.

RON DA ERROR funciona para chicos y quizas para algunos adultos que todavía se enganchen con proyectos animados. Ojala Disney continúe dandole rienda suelta tanto a los animadores como a los cineastas de cine carne y hueso.

Calificación 7/10