Crítica: El poder del perro (The power of the dog)

The power of the dog (Jane Campion, 2021)


La grandiosa y legendaria Jane Campion regresa con un western lleno de capas y mensajes sobre la masculinidad.
The power of the dog es una película escrita y dirigida por Jane Campion, basada en la novela del mismo nombre de Thomas Savage. Está protagonizada por Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie y Frances Conroy.
Jane Campion nos ofrece un neo western que oscila por distintos géneros, desde el drama familiar y romántico y el thriller.
Ambientado en 1925 en Montana, los hermanos Phil y George Burkbank viven una vida acaudalada dueños de un rancho donde fabrican cueros.


Phil es un vaquero desaliñado, tosco, machista e iracundo pero carismático. George es tímido, cortes y prolijo. La relación entre ambos hermanos se ve comprometida cuando George se casa con una viuda que tiene un hijo poco masculino para los estándares del lugar, Phil hará la vida imposible a esta mujer.
Campion nos lleva a lo más íntimo de la vida del viejo oeste, su visión sobre la masculinidad opresiva y los sentimientos reprimidos es clara. Hay un tratamiento delicado a los perfiles de los personajes, una ambivalencia sutil pero que nos darán sorpresas.


Si bien para muchos el ritmo del filme podrá ser muy lento, se vuelve hipnótica desde el principio, la música la hará muy tensa junto a la fotografía que muestra desde las imponentes tomas del paisaje, lo gráfico y crudo de la matanza animal y el lenguaje visual de los personajes que dicen mucho por este medio.
Benedict Cumberbatch realiza su mejor interpretación en este personaje hostil pero reprimido, es irreconocible y convincente, el desarrollo del mismo hace entenderlo más y empatizar. Kristen Dunst por un lado es una gran acompañante de reparto con su papel de mujer oprimida y solitaria.


The power of the dog seguramente triunfará en la temporada de premios, especialmente a dirección y actuaciones. Es un deleite de inicio a fin y un sublime regreso de Jane Campion.

Por Sebastián Arismendi

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Calificación 9/10

Crítica: La Crónica Francesa

he french dispatch (Wes Anderson, 2021)
El carismático Wes Anderson regresa este año con su crónica francesa y su homenaje al mundo del periodismo.


La expectativa de este filme con un elenco numeroso de estrellas reconocidas no se hizo esperar desde los primeros avances.
The french dispatch o La crónica francesa es la reciente película de Wes Anderson la cual es escrita a 10 manos.


El filme se recrea en Francia dónde el departamento de un periódico francés llamado The french dispatch recoge historias de interés, a su vez otro diario pero de Kansas, realiza la última edición de este medio impreso.
La película está protagonizada por un reparto coral con Benicio del Toro, Adrien Brody,Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric, Stephen Park, Bill Murray y Owen Wilson. El elenco de reparto cuenta con algunos de los colaboradores recurrentes de Anderson, incluyendo a Liev Schreiber, Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, y Anjelica Huston.
Al tener un elenco tan variado el foco estará puesto solo sobre algunos, el resto dará cameos.
Estos tres cortometrajes unidos entre si mediante crónicas narradas en voz en off por uno de los protagonistas.


Los personajes tienen la carisma característica de la filmografía de Anderson. Inanimados pero entrañables en situaciones absurdas y coloridas.
Acá Anderson exprime todos sus recursos filmograficos, parece ser un recuento de todos sus trucos para mostrarlos a nuevos espectadores o estudiantes de cine. La narrativa es fluida y amena aunque se vuelve tediosa pues carece de ritmo. Muchos personajes aparecen porque sí y no tienen siquiera una introducción. La dirección y montaje son un gran plus, es un deleite todo el trabajo de escenografía, arte, fotografía y vestuario.


The french dispatch es una carta de amor al periodismo, así la describe su director y en efecto lo es, una oda a la labor periodística profesional y sería del siglo pasado. Es una película muy de Wes Anderson para Wes Anderson

Por Sebastián Arismendi

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Calificación 7/10

Crítica: La Niña Perdida (The Lost Daughter)


2022 arranca de buena manera con el estreno en Netflix del esperado debut de Maggie Gyllenhaal. Luego de su gran recibida en el festival de Venecia, la actriz y ahora cineasta nos da un interesante y prometedor camino en el mundo de la dirección.


The lost daughter es una película escrita y dirigida por Maggie Gyllenhaal, basada en la novela del mismo nombre de Elena Ferrante. Olivia Collman, Dakota Johnson y Jessie Buckley protagonizan esta historia de mujeres.
Tanto la novela, la dirección, los personajes y toda la trama tiene un enfoque muy femenino pero también rompe con el binarismo de un tema que por cultura, las mujeres deben afrontar y responsabilizar: la maternidad.
La historia nos ubica en una isla del archipiélago griego, una profesora universitaria se va sola de vacaciones. En la playa observa a una madre con su hija, luego de que la hija de esta se pierda, la mujer comenzará a revivir recuerdos de su propia maternidad.


Olivia Collman nuevamente nos regala una interpretación para aplaudir de pie. Este papel le cae cómo anillo al dedo por la complejidad y el tratamiento que Maggie Gyllenhaal le otorga.
Gylenhall adapta la novela además de dirigirla así que opta por ofrecernos una historia intrigante, seductora y conmovedora, la misma viene a barrer los conceptos de buena o mala madre. El filme coge un ritmo de thriller psicológico que la hace más atrapante aunque en el fondo es un drama muy profundo sobre las relaciones madres e hijos.


Dakota Johnson está estupenda pero quién se roba el rol secundario es sin duda Jessie Bucley (conocida por el filme Estoy pensando en dejarlo).
The lost daughter nos confunde, nos deja envolver con esa atmósfera pesada veraniega dónde se rompe con lo que es moral y culturalmente aceptado, dónde la sororidad está a flor de piel pero con espinas peligrosas. Maggie Gyllenhaal elabora un debut prolijo y seguro estaremos esperando más de ella.

Calificación 8.5/10

Crítica: Being The Ricardos


Este año vuelven dos estrellas fuertes y recargadas para la competencia en los Globo de Oro, BAFTA y Óscar: Nicole Kidman y Javier Bardem. Ambos interpretan a la pareja icónica de la televisión estadounidense de los 50’s: Lucille Ball y Desi Arnaz, protagonistas del show ‘I love Lucy’.


Aaron Sorkin vuelve un año después de su éxito en El juicio de los 7 de Chicago, esta vez opta por un estilo menos frenético elocuente y se va más por el drama. sobre la actriz, pionera de la televisión, Lucille Ball (1911-1989). La historia se desarrolla durante una semana concreta de la producción de la exitosa serie de la época ‘I Love Lucy’ cuando Lucy y su marido, Desi Arnaz, se enfrentan a una crisis que podría terminar con sus carreras y también con su matrimonio.
Nicole Kidman fue muy criticada por el maquillaje para poder parecer a Lucille, habiendo actrices parecidas a Lucy, sin embargo Aaron Sorkin tomó una buena decisión. Si ven videos de Ball en Youtube, podrán ver qué Kidman captó toda su esencia sin imitarla.
Javier Bardem como Desi Arnaz tiene todo el carisma necesario, Arnaz fue una estrella cubana que supo enamorar al público estadounidense en pleno climax de la guerra fría.


Dentro del elenco está JK Simmons y Nina Adriana que lo hacen muy bien como los coprotagonistas del show. Sorkin intenta meter tres conflictos que sobrepasan a la protagonista, esto hace que el filme se vuelva muy tenso y no de respiro siendo el último acto que termina de forma abrupta.


El metraje a pesar de ser extenso no aburre además, esta mezcla de falso documental más dramatismo y representaciones del show original la hacen interesante y más realista.
Kidman hace uno de sus mejores papeles, con fuerza y dejando a lado su rol de mujer fría que lleva casi dos décadas haciendo. Acá se ven más matices y eso se agradece.


Being The Ricardos es un buen homenaje a este legendario show estadounidense, del cuál Wandavision tomó referencia para sus primeros capítulos. Aunque se queda corta, Sorkin relaja tanto palabrerío y decide dar espacio al drama y no tanto a la charla.

Por Sebastian Arismendi

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Calificación: 8/10

Crítica: Harry Potter 20 Aniversario: Regreso a Hogwarts


La nostalgia es el principal motor de venta de Hollywood actualmente. Los clásicos de los 90 y 2000’s están volviendo en forma de reboots, secuelas o reuniones. Para el último caso se trata de un programa especial donde el elenco de alguna saga o serie se reúne para compartir vivencias de los rodajes y demás. El enfoque es remover la fibra de aquellos adultos de 30 40 años que vieron estas producciones cuando eran chicos. Los resultados si conmueven, efectivamente, ¿A veces son necesarias?, Digo por las secuelas de sagas que ya habían cerrado y reboots.


Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se unen al cineasta Chris Columbus y a otros queridos miembros del reparto de las ocho películas de Harry Potter en su viaje de regreso a Hogwarts por primera vez para celebrar el aniversario de la primera película de la franquicia, Harry Potter y la piedra filosofal, que se estrenó hace 20 años.


Warner se encarga de reunir a estos actores que ahora son adultos, varios decidieron dejar la actuación y otros siguen con decisión de continuarla. El ver a las grandes estrellas británicas aportar sus experiencias de rodaje y la gratitud de haber pertenecido a una octalogia de películas que marcaron a una generación, también es destacable.


No todo es comentarios de los actores, los directores y productores cuentan sus experiencias, así como también parte del equipo principal. Las tomas fuera de cámara y de los casting nos abre más la cabeza sobre cómo fue elaborar tal producción.


Conmueve ver el paso del tiempo en los actores, especialmente los de avanzada edad, también recordar que grandes figuras de Harry Potter ya no están como Alan Rickman.
Se esperaba controvencia con la aparición de JK Rowling pero por suerte no fue así. Al menos los fans juzgaron a la autora más no su obra. Recordemos que la escritora es abiertamente transfobica.


Harry Potter: regreso a Hogwarts toca la fibra de los fans acérrimos e interesa aquellos que vieron las películas durante o después que salieron.
Se nota que todo este especial fue guionado en muchas partes por lo que pierde naturalidad, aún así se agradece haber removido la nostalgia.

Recomendación de Sebastián Arismendi

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Calificación 8/10

Crítica: King’s Man: El Origen

Por Agustín Villegas

La clase de historia mas cool que se puede pedir…



La franquicia KINGSMAN amasó una cantidad de seguidores sorprendente, todo gracias a su humor ágil, personajes copados y secuencias de acción de alta calidad. Basada en el cómic de Mark Millar las primeras dos entregas exageran el concepto de AGENTE SECRETO sacando a relucir todos los elementos vistos en James Bond, como los gadgets flasheros o el arte de la seducción pero con anabólicos, al punto de ser una sátira sutil con un guión sólido y creativo. Las primeras dos entregas de la franquicia central tenían como protagonistas a Taaron Egerton, Colin Firth y Mark Strong, quienes se tomaron la idea muy en serio y dieron unas interpretaciones magistrales que dejaron a la franquicia en una posición envidiable. El estudio vio que, a pesar de que la segunda entrega subtitulada ‘THE GOLDEN CIRCLE’ no tuvo el mismo impacto que la primera, el universo de espías que planteaba Mark Millar y el cineasta Matthew Vaughn era lo suficientemente rentable como para contarnos, en una precuela, el origen de la agencia británica a la que tanta mitología se le había dado. Aca entra KING’S MAN: EL ORIGEN, una tercera película de la franquicia pero situada en la primera guerra mundial, con un nuevo reparto pero con Vaughn regresando como director.

A principios del siglo XX un grupo de tiranos reunidos en una mesa larga y sombría planean un golpe que llevará al mundo a una de sus guerras mas oscuras y violentas. En respuesta el duque de Oxford (Ralph Fiennes) lleva a cabo un contraataque facilitado gracias a una red de empleados domésticos de la alta sociedad que, gracias a su afán de parar la oreja, mantienen al tanto a nuestro protagonista permitiéndole adelantarse en su misión de prevenir o … Spoilers? … Terminar la primera guerra mundial. En el elenco de personajes tenemos al hijo del Duque, Conrad Oxford (Harris Dickinson), un joven obsesionado con ir al frente de batalla, el mayordomo experto en combate Shola (Djimon Hounsou) y la ama de llaves experta en tiro Polly (Gemma Artenton). Del lado de los antagonistas solo les mencionaré a dos para evitar entrar en spoilers, tenemos al siempre genial Rhys Ifans como el enigmático monje Gregori Rasputin y Valerie Pachner como la bailarina y espía Mata Hari.

Así como las primeras dos películas son una sátira de James Bond y todo lo que este relacionado al espionaje moderno éste film se centra mas en hacer, con la misma sutileza, lo mismo pero con el género bélico. La versión de la primera guerra mundial que vemos en la historia es sumamente didáctica, cualquier persona que sale de ver el film va a querer adentrarse mas en el conflicto bélico gracias a como los guionistas lo presentaron, y ésto no es poca cosa, que el espectador quiera informarse gracias a una película habla maravillas del proyecto en sí. La historia nivela el drama, la comedia y la acción de una forma brillantemente equilibrada, dándole a la franquicia una inesperada complejidad que tiene como motor una historia de paternidad hermosa, liderada por uno de mis actores favoritos Ralph Fiennes.

Otra de las cosas piolas de la película es que se lleva bien con todos los tonos a los que quieren llegar, cuando hay humor es buena con eso, lo mismo con el drama, ésta es una historia cargada con tragedia, y mecha con unas formas muy graciosas de contar la historia. La ridiculización de la rivalidad familiar entre los primos hermanos Guillermo II, Nicolas II y Jorge V es hilarante, toma mucho de como BASTARDOS SIN GLORIA caricaturizo a personajes de la segunda guerra mundial.

Espero que el público le de una oportunidad a THE KING’S MAN y asi evitar que sea aplastada por NO WAY HOME o MATRIX … Estamos ante un PELICULON que recomiendo sin pensar dos veces.

Calificación 8/10

Crítica: No miren arriba

Don’t look up (Adam Mckay, 2021, Netflix)

Otro de los estrenos más esperados del año es Don’t look up. De la mano de Netflix y su aparatoso motor de publicidad y más contando con este poderoso elenco, llega de una las sátiras más arriesgadas de los últimos tiempos. Su eslogan es: Basadas en hechos verdaderos que no aún ocurrido aún. En parte es así pero el filme puedes amarlo u odiarlo, la crítica y el público se van a dividir al verla.



Escrita, producida y dirigida por Adam McKay. La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como dos astrónomos de bajo nivel que intentan, a través de un recorrido por los medios, advertir a la humanidad sobre un asteroide que destruirá la Tierra. Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett y Meryl Streep completan el reparto.

Don’t Look Up es un filme de dos horas que no es la comedia parodia como nos tenían acostumbrados a comienzos del 2000 con las sagas de Scary Movie y otras, es una sátira por lo que el estilo de humor es afilado, ácido, cínico, algo déspota y bien en la cara.

Generalmente la sátira suele causar más polémica pues se usan chistes aplicados a la realidad pero con un sentido del humor delicado e inteligente. Lo que la verdad te puede ofender, a mí me puede dar gracia (o no).

Mckay con su frenético montaje y sagaz guión nos lleva al mundo actual en el que vivimos en una especie de idiocracia. Las redes sociales, los políticos, las conspiraciones, la economía, los influencers y los medios capaz no han vuelto algo idiotas y no hace falta una película que nos lo recuerde, solo hacer un repaso en las redes sociales y medios para ver cómo reaccionamos ante cualquier noticia global.

Mckay elige el finde del mundo y su visión de cómo lo enfrentaríamos, la cual es absurda, déspota, directa pero nada escapada de la realidad.
Dicaprio y Lawrence interpretan a estos científicos que intentarán todo para que los políticos, los medios y la gente se den cuenta de la gravedad del asunto. Streep por un lado hace una especie de Trump mujer con su movimiento negacionista.

Todos los eventos y críticas que hace están pasando y elegir no verlo es parte de la intención de la película: ¿Qué tanto aceptamos la realidad?

La película crítica de forma salvaje al gobierno estadounidense, los influencers, medios de comunicación y la gente en general, pero también se crítica a si misma. Parte de la comedia es primero reírse de uno mismo para comenzar con los demás.

No es una película fácil y seguro no gustará a mucha gente pero el mensaje que deja es fuerte y hasta desolador. ¿En qué nos estamos convirtiendo cómo sociedad?
Don’t look up en particular me ha gustado pero entiendo a quien no le vaya a gustar, así como lo hacen filmes como Borat, el filme va a dividir y capaz eso es lo interesante.

Calificación: 8/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Matrix Resurrecciones




Otra secuela horrible, como corresponde.

Sabíamos que esto algún día pasaría, de alguna forma u otra se las iban a ingeniar para resucitar la saga THE MATRIX. La primera película de la franquicia es una joya que supo fusionar conceptos previamente vistos y presentárselos al publico mainstream, de hecho, fue el primer producto para «gente grande» que me morfe de pequeñito y que me llevo a considerar el cine como una forma de vida. Ahora tenemos éste revival, que cuenta con un porcentaje de regresos bastante alto, no tenemos a Laurense Fishbourne pero tenemos a un harapiento Keanu Reeves y a una Carrie Anne Moss que parece sacada de una publicidad de maduras calientes a kilometros de usted. Lana Wachowski, una de las directoras de la original, regresa también para coescribir y dirigir éste nuevo capítulo que, sin intención de sonar goma, admito que es innecesario, pero ¿Es esto un problema? RELOADED y REVOLUTIONS ya eran al pedo, dejaban en claro que la idea estaba planteada para UNA PELÍCULA, por ende sí, un concepto tan rico como el que crearon las Wachowski merecía ser tratado con mucho cuidado en vez de convertirse en una saga de acción pochoclera.



Thomas Anderson (Keanu Reeves), ahora un trastornado programador conocido por crear la exitosa trilogía de videojuegos MATRIX, empieza a cuestionarse su realidad cuando una serie de eventos podrían estarle dando a entender que los hechos de su obra pudieron haber sido reales y que toda su vida es una simulación creada para hacerlo olvidar que él es Neo, el único y verdadero elegido.

El concepto dicho como se los digo suena muy interesante, y lo es durante la primera mitad de la película, cuando se perciben dejos de originalidad cargados de comentarios meta que funcionan de crítica para la industria creativa contemporánea, ya que uno de los problemas del primer acto es que Thomas, quien sufre de «trastornos mentales», tiene un brote cuando le exigen que continúe la trilogía MATRIX, un comentario muy acertado e interesante. A esto se le suma la aparición de Tiffany (Carrie Anne Moss), una mujer casada con hijos a la que conoce en un bar y parece tener una conexión implacable, y de un nuevo Morfeo (Yahya Abdul-Mateen II), quien ahora es un programa de computadora basado en el original, interpretado en su momento por Laurence Fishbourne. La primera mitad de la película cuenta con unas elecciones visuales copadas, si se hubiesen limitado en jugar con la flasheada de QUÉ ES REAL? y con la historia de amor entre Anderson y Tiffany pudimos haber tenido una reinvención de MATRIX que se acople con la actualidad, pero no, en cierto punto todo lo interesante se va al pasto y caemos en el terreno de lo genérico.

A partir de la segunda mitad empiezan a errarle. El guión juega con nosotros de una forma bastante tramposa, hacen una crítica a la manipulación mediante la nostalgia, usando LITERALMENTE escenas de la película original como motor para convencer a Thomas de que es Neo, con flashbacks o diálogos replicados. El nuevo Morfeo es un desperdicio actoral, ya que el tipo pone lo mejor de el y cuando está haciendo una reinterpretación copada del personaje suelta un chiste referencial que queda mas fuera de lugar Ésto me lleva a otro comentario ¿Se acuerdan de los comentarios religiosos y filosóficos de la saga? Bueno, acá desaparecen, no vaya a ser cosa que ofendan a alguien, ahora eso es sustituido por una cantidad excesiva de humor Marvel, porque había que ir a lo seguro. La historia esta contada desde el punto de vista de Bugs (Jessica Henwick) una nueva heroína a la que menciono recién ahora porque no recordé su existencia hasta éste punto de la reseña, un personaje que ejerce lo que a mí me gusta llamar «el efecto Rey Skywalker», que consiste en un personaje malo pero interpretado por un actor carismático.

A nivel visual pasa lo mismo que con la historia, el principio es interesante y despues cae en terrenos genéricos dignos de Dominic Toretto. Ésto representa un problema mayúsculo ya que podremos tener mil temas en contra de las dos secuelas de THE MATRIX, pero no se puede negar que las escenas de acción la rompían, tenían unos laburos que iban mas allá de buena coreografías, sino que los movimientos de cámara complementaban los característicos efectos especiales de la saga. La actuación de Keanu Reeves es lamentable, todo lo que dice parecen eslogans depresivos, ni siquiera su look estuvo a la altura, pareciendo un viaje ácido de John Wick. Carrie Anne Moss es la única actriz de la trilogía original que vuelve para darle clase al film, con una interpretación llena de carácter que se adecua al surrealismo del universo.

THE MATRIX: RESURRECTIONS es una síntesis de lo que fue la trilogía original, una idea que empezó siendo interesante y que con el tiempo paso a ser cualquier cosa. El error fue el enfoque, querer hacer de ésto una secuela de las originales cuando tenían la posibilidad de contar con otra de las encarnaciones del elegido o, mejor aún, una MATRIX en donde las primeras tres trilogías sean realmente una ficción. Una oportunidad desaprovechada, por mí parte me voy a volver a ver ANIMATRIX para sacarme el mal sabor de boca.

Calificación 4.5/10

Crítica: Spider-Man: Sin camino a casa



Campaña de marketing nivel Dios.



Es probable que la tercera parte de la nueva saga del arácnido sea el boom mas grande de la era pandemia. Lo sorprendente de ésto es la forma en la que la película se promociono, bah, la forma en la que, justamente, NO se promociono. La campana publicitaria estuvo lisa y llanamente construida por los fanáticos, con sus teorías, sus memes y sus espectativas, la promoción del film se construyó sóla. No soy gran fan de las dos películas individuales previas (HOMECOMING y FAR FROM HOME), tienen ciertos enfoques creativos, como los team up comiqueros con otros personajes del MCU (Tony Stark en la primera y Nick Fury en la segunda) o el carisma tontolon de Tom Holland como Peter Parker, pero el apartado visual, la carencia de drama y los personajes secundarios tiraban para abajo mis ganas de seguir con ésta saga. También tengo en cuenta que tuvimos en la década del 2000 la trilogía SPIDER-MAN del maestro Sam Raimi, la cual nos dejo la vara muy alta con respecto a lo que podemos esperar del personaje en el ámbito del séptimo arte. Con unos villanos, lineas y planos memorables se convirtió en un hito, un clásico moderno. Posterior a esto tuvimos las de AMAZING SPIDER-MAN dirigidas por Marc Webb, reinterpretación que paso media desapercibida al punto de ni siquiera haber concretado una trilogía. La calidad fue buena y Andrew Garfield es probablemente el actor mas carismático que haya encarnado al trepamuros, pero eso no basto y todo el universo que pleaneaba Sony, titular de los derechos cinematográficos del amigable vecino, se vino abajo cuando Disney negoció con la empresa un trato que prendió fuego años de memes centrados en Spidey excluido de los Avengers, presentando una nueva encarnación del héroe en CAPTAIN AMERICA: CIVIL WAR. Y como si ésto fuera poco se mandaron la galardonada SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE, centrada en Miles Morales, el sucesor de Peter Parker. En ésta se exploro el concepto de multiverso arácnido, que ya venía agarrando fuerza desde hace algunos años gracias a videojuegos y arcos comiqueros.

Tengo la teoría de que las primeras dos películas de la época Holland fueron flojas intencionalmente, todo a fin de que la tercera genere en los fanáticos una cálida experiencia basada en expectativas bajas. Les confieso que vi NO WAY HOME con mucho cuidado, teniendo en cuenta esto que les menciono a fin de no caer en la trampa de la nostalgia inducida. El hype en masa es peligroso, llevó a gente decir que el Thanos de Infinity War es una adaptación leal a los cómics y a afirmar que es una de las mejores películas de la historia y la mejor del subgenero de superhéroes (el podio, en lo que a mí respecta, lo tiene, justamente, SPIDER-MAN 2 de Sam Raimi), no obstante puedo afirmar que la película que protagoniza ésta reseña es un fan service benigno y amoroso hacía el fandom del cabeza de red. No obstante les aviso que es un homenaje para los seguidores del personaje en el ámbitos cinematográfico, ya que de los cómics solo hayamos destellos y ni siquiera destellos basados en obras que ni siquiera fueron bien recibidas en su momento.

La historia sigue a Peter Parker (Tom Holland) siendo perseguido tras haber sido expuesto por Mysterio al final de la película anterior, quien falsificó pruebas en contra del arácnido haciéndolo quedar como un asesino despiadado. Ahora todo el planeta sabe que él es Spider-Man, generando en él mismo y en sus amigos, MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) una ecatombe personal que lleva a nuestro héroe a pedirle al hechiero supremo Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que genere un hechizo capaz de devolverlo al anonimato, pero claro que las cosas salen para el traste y los enemigos de otros Spider-Men del multiverso caen en el MCU a hacer estragos.

Es muy difícil saber que es lo que ustedes consideran spoilers y que no. El hecho de que me cueste hablar de la película porque TODO es spoiler habla del contenido vacío de la misma. Hablando de los aspectos técnicos, como lo visual o lo artístico la película evoluciona mucho con respecto a sus predecesoras. Tenemos escenas muy bien logradas, con planos secuencias de mucha calidad y los personajes secundarios por primera vez se lucen, se sienten reales. A nivel actoral a todos se los nota mucho mas preparados y la película en sí se siente mucho mas seria, la primera mitad es muy Marvel Studios, mientras que la segunda tiene una onda mas Sony permitiendo al director Jon Watts llevar a los Protagonistas a situaciones de extrema oscuridad. Sigo sorprendido con la crudeza y dramatismo de algunas escenas, en mas de una vez sentí nudo en la garganta y todo en momentos que tienen como centrales a Tom Holland o a la Tia Milf, digo May, de Marisa Tomei. La justificación de porque los villanos del universo Raimi y el universo Webb caen al MCU es poco sólida, se entiende, pero hasta ahí, aunque la realidad es que no importa, el fan service de la película tiene como motor explorar lo que significa ser SPIDER-MAN, siendo pieza clave en la evolución del personaje. Me voy a limitar a hablar de Alfred Molina, Willem Dafoe y Jaime Foxx, quienes son los únicos actores oficialmente blanqueados. Me frustró un poco ver al Doc Ock rejuvenecido por CGI, un actor como Molina tendría que haber tenido su rostro real luciendose como el interprete de teatro puro que es, esa onda gráficos de Playstation 4 me distrajeron bastante, pero la presencia del personaje en escena no pasa de moda y, a pesar de no ser NI AHÍ lo que fue en su momento, se sigue sintiendo real. Foxx se redime como Max Dillon, A.K.A Electro, quien tuvo un paso bastante errante en THE AMAZING SPIDER-MAN 2, permitiendole acá ser el alivio cómico de los villanos multidimensionales alcanzando la redención que tanto quería el actor. Ahora quiero hablar de Willem Dafoe, la verdadera estrella de la película. El actor es un caso muy raro, ya que queda desnucado con el universo planteado por ser DEMASIADO BUENO, su actuación es terrorífica, da lo mejor que puede y se le nota disfrute en volver a ser Norman Osborn y su alter ego El Duende Verde. El personaje no se adapta a la moda family friendly de Disney, es literalmente el villano mas violento que vimos en mucho tiempo. Sus motivaciones son pura maldad, las gesticulaciónes del actor dejan en claro que no necesita máscara ni prótesis para ser el único Duende Verde del cine.

Si, de todos modos hay problemas. La primera mitad de la película se siente perezosa a nivel narrarivo. Si bien la dirección de Jon Watts resulto ser inesperadamente genial la forma en la que la historia se cuenta se pierde en lo ilógico, desaprovechando posibilidades infinitas de ver a Spiderman en situaciones nuevas. Una película sobre Peter Parker siendo acusado de asesinato hubiese sido mas que suficiente para brindarle al personaje una evolución solida, pero el estudio decidió en volcarse a la nueva amiga de Hollywood, la nostalgia. La segunda mitad toma mucha mas forma, se vuelve oscura y los recursos utilizados, como mencione mas arriba, se alinean con la construcción del protagonista y, por primera vez en la franquicia Holland, se siente que el pibe que no es el mismo.

SPIDER-MAN: NO WAY HOME es una carta de amor tóxico y manipulador para los fans, una carta redactada muy bien y con muchos dibujitos de colores … Una carta de amor llena de recuerdos alterados y flasheadas megalomaniacas de las cuales atesoraria con mucho afecto.

Crítica: Causalidad

Considero que el mayor desafío para un director es hacer toda su película en un plano secuencia. Estos resultan un ardúo trabajo de ingeniería y coordinación donde el guión debe someterse a las limitaciones de la fotografía, por lo que no se pueden establecer pasos en el tiempo ni trasladarse a otra ciudad, todo esto involucra también a los actores quienes deben ensayar tal y cual estuviesen en una obra de teatro sin los entreactos dramaturgos.



El plano secuencia es lo llamativo de la nueva película de Who la cual Juana Viale y Laura Novoa protagonizan junto a Pablo Mónaco, Esteban Bigliardi, María Soldi, Fabián Arenillas, Camila Peralta, Ariel Gigena, Ernesto Mischel, Marcos Woinski, Agustina Rudi, Gabriela Lerner, y Joselo Bella en el reparto.

»Este atrapante thriller cuenta la historia de Claudia (Juana Viale), quien se presenta en un bar para conocer a Luis (Pablo Mónaco), un médico que la contactó a través de una aplicación de citas. Claudia no se imagina lo que el destino le tiene preparado. Un secuestro que termina con una muerte inevitable, pero a la vez impredecible. Una historia de venganza, suspenso, y giros sorprendentes hasta el último segundo, narrada en un único plano secuencia». Es cómo Who describe su película.

Causalidad es un thriller indescifrable pues no hay pistas narrativas al suceder todo en tiempo real, no se sabe muy bien cuál será el desenlace o porqué, el hecho de que haya sido un plano secuencia sin cortes (reiterando este aspecto), lo hace destacable y aplaudible para poder coordinar la trama en una sola toma.

La historia de Causalidad no es nueva ni tampoco impactante. La cámara en mano tiende a marear y se pierde la estética que pudo tener al no acondicionar mejor la iluminación, paleta de colores y focos. La historia coge fuerza ya hacia mitad cuando ya sabemos hacia dónde se dirige, aunque el giro de tuerca del final no se espera, no convence en la ejecución del mismo.

Las actuaciones de Causalidad no son perfectas, pudo ser mejor el trabajo actoral sin embargo el esfuerzo de someterse a rodar dos horas de película en una toma, contando que si hay un error se debe grabar todo de vuelta, destaca las interpretaciones.

Causalidad es un thriller eficiente pero no sorprendente que se sostiene con los pocos recursos que tiene para contar una historia en una toma.

Calificación 6.5/10


Disponible en Amazon Prime.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Instagram: cachalote94