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Una experiencia cinematográfica inigualable: Disfrutar de Kimetsu no Yaiba en la pantalla grande es una experiencia alucinante, especialmente gracias a la grandilocuencia visual y la calidad de animación que ofrece la película.
Momentos emocionantes y tronchantes: La película nos brinda tanto momentos emocionantes, especialmente en las secuencias de lucha, como secuencias humorísticas de lo más tronchantes.
Avance del arco del Entrenamiento de los Pilares: El primer episodio del nuevo arco sabe mantener el interés y ofrece varios momentos interesantes para la trama, dejando a los espectadores con ganas de más.
Lo que no me gustó:
Contraste de emociones: Si bien el final emocionante del arco anterior contrasta con un inicio más sosegado para el nuevo arco, esto puede generar cierto bajón emocional en los espectadores.
¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?
Recomendamos esta película a todos los fans de Kimetsu no Yaiba que deseen disfrutar de la serie en una experiencia cinematográfica inigualable. También es ideal para aquellos que disfrutan del anime de acción y buscan momentos tanto emocionantes como divertidos en la pantalla grande.
Una comedia para reflexionar sobre los vínculos de pareja.
Ana Karenina en Halloween, cuenta la historia de una pareja que hace dos años tuvieron un hijo y sus vidas cambiaron radicalmente. Una para bien, la otra para mal. La trama comienza cuando Inés y Lorenzo, que son los protagonistas de esta obra, llegan de una fiesta de disfraces bien entrada la madrugada. Lorenzo a la mañana siguiente tiene una entrevista para un programa de televisión con mucha audiencia y debe prepararse lo mejor posible, pero, algo sucedió en la fiesta que no lo deja concentrarse del todo y más viendo que Inés esta disfrazada de Ana Karenina.
¿Y por qué a Lorenzo le inquieta y molesta este hecho? Porque Inés tuvo que cancelar un importante contrato para protagonizar una serie basada en Ana Karenina por su embarazo y nacimiento del hijo, lo cual la llevo a no trabajar más por centrarse en el cuidado de este. A diferencia de Lorenzo que gracias al matrimonio y paternidad le favoreció para mejor y se hizo muy conocido y mantiene desde entonces una agenda política muy agitada.
En esta obra y lo que es muy interesante, es la manera en cómo se relata el hecho de tener un hijo y cómo la vivencia es totalmente diferente para la Madre como para el Padre. Ya que uno tuvo que resignar sus sueños y anhelos mientras que al otro no tuvo ningún inconveniente y en este ámbito la obra hace resaltar algunas preguntas que los espectadores se hacen mientras transcurre esta: ¿Cuál es la entrega en la maternidad y cuál es la de la paternidad? ¿Las madres tienen alguna posibilidad de volver a soñar y tener metas? ¿El padre da lo que se necesita o es solo una imagen de rigor? Al final la respuesta –por así decirlo- la tiene uno mismo al llegar al final de la obra.
Funciones: Todos los sábados 20hs. Teatro: El Camarín de las Musas. Escrita: Eva Halac. Dirigida: Eva Halac. Elenco: Federico Salles, Florencia Torrente. Fotografía: Guillermo Monteleone. Duración: 77minutos.
En los últimos 365 días hemos podido disfrutar de la vuelta al ruedo de las mayores estrellas del género fighting. Street Figther, Mortal Kombat y, ahora también, Tekken 8 forman parte de la trinidad del guantazo limpio. Si bien entregas anteriores de estas franquicias fueron menos efectivas a la hora de posicionar los juegos de peleas en el lugar que merecen, parece que esta nueva generación vino con las ideas más claras y con los deberes hecho.
La llegada de cada nuevo juego siempre auguraba la vuelta a la época de oro del fighting, escoltado por el nuevo rollback netcode, responsable de que las peleas online fluyan más y mejor que nunca. Con Tekken 8, la situación no ha hecho sino que mejorar. Llevo unos cuantos días abriéndome paso a puñetazo y patada limpias y sólo me nace decir que Tekken 8 es más brutal, fluido y disfrutable de lo que podía siquiera haberme planteado.
Cada jueguillo, tiene su librillo. Esta frase se ajusta con gran precisión al género de peleas. Si bien todo se basa en partirse la cara con el rival, la forma de hacerlo puede ser muy distinta de un título a otro. En un punto de la balanza, tendríamos a Super Smash Bros, apostando por hacer las cosas lo más sencillas posibles, ofreciendo un sistema fácil de entender, difícil de dominar. Tekken, posiblemente, se encontraría en el extremo opuesto. Cada personaje cuenta con tantos combos distintos que no abrumarse en un primer instante es ardua tarea. No obstante, esta complejidad ofrece a cambio una escena competitiva muy disfrutable, tanto de ver como de jugar.
Eso sí, para llegar a ese punto hace falta tiempo, mucho tiempo. Por ello, vamos a tomarnos las cosas paso a paso. Un buen punto de entrada a esta octava entrega de Tekken es su modo historia. Que movida. Creo que nunca terminé de entender la historia de Tekken, por lo que antes de comenzar con esta última, dediqué algo de tiempo a repasar todo lo vivido hasta ahora. Me sorprende gratamente como un juego de peleas puede combinar artes marciales, animales animatrónicos, demonios de otra dimensión y no sé cuántas guerras mundiales, mientras intenta mirarte a la cara seriamente, sin que se le escape la risa. Azazel ha vuelto, pero más allá de ser el villano principal, es su fuente de poder infernal lo que nos concierte. El padre de Jin Mishima quiere hacerse con su fuerza y tratar una vez más, de dominar el mundo y alzarse en la eterna guerra contra su hijo.
A lo largo de las cuatro o cinco horas que puede durar esta historia, nos acostumbramos a los controles, principalmente, de Jin. Algo muy útil, tanto para disfrutar de la narrativa sin complicarse mucho como para hacerse un pequeño esbozo de su set de movimientos es el nuevo esquema de combate simplifcado que ofrece el título, el cual siempre se encuentra disponible y permite acceder a una versión muy reducida del plantel de movimientos de cada luchador, lo que ayuda al jugador a familiarizarse con las bases de un personaje, pero castiga a causa de su reducida variedad. Dentro de un juego donde un combo puede llevarnos a pulsar diez botones en cuestión de dos frames, es imposible ofrecer la misma experiencia a través de cuatro comandos distintos.
Una vez completada la historia, decidí probar suerte en el modo online y, como no había duda, me hicieron tabaco. Me sentía poderoso, después de un par de horas con mi demoniaco protagonista y estaba dispuesto a probar mi habilidad con el mundo. Así pues, me enchufé a los combates online, modo simple activado y mi sonrisa e ilusión no tardaron mucho en borrarse. Efectivamente, un jugador ligeramente más experimentado tiene una gran ventaja frente a cualquiera que desee luchar con esta versión sin complicaciones.
Junto a esta adición, el combate también cuenta con un estilo refrescado gracias al sistema heat, una barra de calor que nos permite, una vez por ronda, convertir nuestros ataques en unos mucho más fuertes, frenéticos y listos para combinar con otros nuevos movimientos. Al recargarse al inicio de cada ronda, obliga al jugador a utilizarlo siempre que pueda y consigue que cada combate pueda cambiar de tornas de un momento para otro. Sumado a esto, el sistema de vida recuperable fuerza a los luchadores a adoptar medidas ofensivas ante la menor oportunidad.
Eso sí, la experiencia, más allá de los innumerables trompazos que recibí, fue cuanto menos excelente a nivel de fluidez. El sistema de matchmaking, lobbies funcionan estupendamente, y el roll-back netcode ayuda a que los retrasos entre jugadores y sus conexiones sean casi inexistentes, al menos en las partidas que he podido disfrutar. Tekken 8 es el primer título de la franquicia en utilizar Unreal Engine 5. Así pues, con esta nueva entrega Bandai Namco nos ofrece uno de los figthing games con mayor nivel de detalle, en texturas y animaciones. Cada puñetazo, patada o caída se siente más pesada que nunca, más imparable. No cabe duda de que esta década (que ya va casi por la mitad) terminará con los juegos de peleas coronando un nuevo olimpo. De momento, lo mejor que podemos hacer es esperar echando unas peleítas.
¿Cuánto de uno mismo somos a partir de los traumas vividos?
¿Terminamos de conocer a las personas que nos rodean?
¿Qué es eso de tu relación que nunca pudiste sacar a la luz para hablarlo?
May December (o Secretos de un escándalo por su título en español) es un peliculón, inicio así para dejarlo en claro ya que me llevé una muy grata sorpresa porque pese a que me habían comentado que era una buena película, fui a al cine sabiendo poco más que la premisa y recomiendo verla sin saber nada, o lo menos posible.
Dirigida impecablemente por Todd Haynes. Protagonizada por las estelares Natalie Portman y Julianne Moore en los papeles de Elizabeth y Gracie respectivamente pero además tenemos a Charles Melton interpretando excelentemente a Joe, el marido de Gracie. El film nos pone en la perspectiva de Elizabeth una actriz que está pronta a rodar una película sobre la historia de ese matrimonio que tiene la particularidad de ser un caso muy famoso porque al conocerse Gracie tenía 36 años y Joe sólo 13. Cuando se descubrió la relación Gracie fue presa por ser una delincuente sexual y tuvo su primer hija con Joe desde la cárcel. Pero los hechos nos sitúan más de 20 años después de ese momento. Gracie y Joe están casados y siguen en pareja desde entonces, tienen 3 hijos que ya son mayores y están por ingresar a la universidad.
Elizabeth quiere pasar unos días junto a Gracie y su familia para poder conocerla y así poder crear el personaje que tiene que interpretar sobre ella en el film, hace un estudio profundo de personaje donde poco a poco busca mimetizarse con ella, le pide que le muestre cómo Gracie se maquilla y con qué productos, conoce a uno de los hijos de su antiguo matrimonio y a su ex esposo quien fue engañado con un preadolescente de 13 años. Así, poco a poco Elizabeth se va adueñando de la historia de Gracie para hacerla propia y no sólo su historia sino también su psiquis, lo que la hace ser la persona que es, intenta comprender por qué decide lo que decide y qué es lo que siente por eso que vivió y sigue viviendo.
En los primeros minutos de este drama el director lo plantea con unos tonos de comedia negra por el tópico principal y como lo aborda. Al principio tiene 3 o 4 chistes que funcionaron perfectamente en mí, que te muestran lo absurdo, la banalidad con la que los protagonistas afrontan la realidad de sus vidas ocultando muy profundo esos pecados, dolores y traumas que no quieren dejar salir porque saben que los romperá. Tras unos minutos los chistes se diluyen, y nos adentramos en la perspectiva íntima de víctima-victimario que por momentos creemos que es uno y por momentos nos hacen creer que es otro, lográndolo espléndidamente.
Con el avance de la trama esos tonos de comedia empiezan a desdibujarse y lo gracioso ya no está explícito en el diálogo sino en la mirada que el director le da a la obra, la crítica al morbo y cómo se lo alimenta para los ojos de la sociedad, la crítica a cómo Hollywood se adueña de historias de vidas para hacer películas y seguir alimentando ese morbo amarillista para hacer plata. Cómo en todo momento Elizabeth intenta ser amable y no sofocante pero en realidad está escarbando en el pasado e interior de esas personas mucho más de lo que debería. ¿Qué tan necesario es el estudio de su personaje si puede que nunca lo llegue a entender? ¿Al terminar su estudio sobre Gracie la termina entendiendo o se siente más perdida que antes de conocerla?
Buen guion, una historia compleja y complicada de abordar, muy buena dirección por Haynes. Excelentes pero excelentes interpretaciones de las protagonistas, ambas brillan durante toda la película pero la escena de Elizabeth en el teatro de la escuela de Mary (hija de Gracie y Joe) y delante de todos sus compañeros es brillante, el manejo de la interpretación y la tensión apoyada en el silencio, Natalie Portman una absoluta REINA y necesitaría mayúsculas más grandes para describirla a ella en esa escena. Hay un plano mirando a cámara (de esos que los Oscar aman) de un íntimo ensayo de Elizabeth metiéndose en el papel de Gracie que podría haberse robado la película con la interpretación pero lamentablemente esa escena no me cautivó como me hubiera gustado y aunque no es para nada grave siento que la película tiene una o dos escenas que aunque no parecen subrayadas sí las siento algo marcadas en lo que es una estructura de guion para avanzar en las subtramas.
Por el lado de Gracie, tenemos a Moore que camina sobre la cornisa con su personaje, nunca estamos del todo seguros si ella es completamente una victimaria o también una víctima. Tiene una escena donde me dan ganas de comprarle todos los pasteles que tenga, el peso del dolor de esas lágrimas literalmente lo podemos sentir. Y por último pero no menos importante tenemos a Charles Melton en el papel de Joe, que para mí es la gran sorpresa de esta película porque lo que hace es excelso, tiene una tan pulida como profunda construcción de su personaje una sutil pero precisa forma de retratar a un niño que sufrió un abuso del que cree estar de acuerdo y desde entonces vive encerrado en el cuerpo de lo que ahora es un adulto de casi 40 años. Tiene momentos claves donde expone vulnerabilidad y nos revela a ese adolescente perdido asomándose a la superficie de lo que ahora es ese adulto.
Está muy pero muy bien dirigida, Haynes decide encuadrar de una forma algo particular a los personajes, los planos y contraplanos tienen una puesta diferente a lo que tradicionalmente vemos, cuando nos muestra un plano en una conversación donde está casi cantado dónde estaría plantada la cámara para el siguiente Haynes nos sorprende plantándola en un lugar que no es lo habitual, no utiliza el montaje como lo más clásico y de manual, y es algo que lo distingue dándole un aura enigmática y un tono específico a la película que le suma muchísimo. Y que está tan bien realizado que no llega a ser incómodo o molesto como algunos directores torpemente quieren lograr sino que lo hace excelentemente.
Me encantó el cierre que le da el director a la obra, por un momento tuve miedo de que se convierta en una de esas películas que parecen tener dos escenas finales. Pero por suerte no. Las escenas finales funcionan incluso mejor que el resto de la cinta, que también son muy buenas pero en especial esas últimas dos escenas impactan de la forma que tienen que impactar porque explotan en un tono perfecto por cómo fue construida la tensión en toda la película. Te dan ganas de seguir viendo y aplaudir en el primer segundo que vemos el nombre del director en los créditos finales. Muy recomendada.
Calificación 8.5/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Reseña por Santiago Merlini Duración: 103 minutos Dirección y Guión: Tim Brown
¿Qué se van a encontrar cuando vean The Retirement Plan?
Se van a encontrar con una comedia de acción con notables altibajos, más bajos que altos, que depende de la presencia escénica y carisma de su protagonista, el inoxidable Nicolás Cage, para mantener al público en su Butaca. En materia actoral también podemos destacar a Ron Pearlman como un matón simpático que desarrolla una relación paternal con la pequeña nieta de Cage, la cual tiene secuestrada.
Trama Pero demos 1 paso para atrás, hablemos de la trama. En Miami Ashley y Jimmy, una pareja de jóvenes padres en apuros, roban un pendrive con información comprometida a un matón local con la esperanza de que la venta de este dispositivo signifique su salvación monetaria. La pareja acuerda desaparecer, resolviendo que el único escondite posible son las paradisíacas Islas Caimán, en las que vive el Padre de Ashley (Nicolas Cage) el cual ella no ve desde hace más de 20 años. Pero como siempre las cosas se complican y solo la hija de la pareja logra abordar el avión hacia las Caimán mientras que Ashley y Jimmy son capturados por la organización criminal. Luego de un interrogatorio, los matones descubren el paradero de la niña y en consecuencia del Pendrive. Ahí es cuando comienza la acción.
La película de ahí en adelante se convierte en un juego de gato y ratón donde los matones van en busca del personaje de Cage.
El guión rápidamente se vuelve repetitivo, abusando de recursos como el cambio de ciudades y la presentación de nuevos personajes para darle ritmo a la narrativa. Lo mejor que tiene para ofrecernos es un Cage en un rol de abuelo asesino que se encarga de matones torpes que intentan matarlo mientras que al mismo tiempo busca recuperar el tiempo perdido con su hija y recomponer su relación.
Es una producción destinada a fans del actor que puedan disfrutar comedias de acción sin demasiadas pretensiones ni cargadas de originalidad en sus planteos. Aun así, la película es disfrutable debido a su acción constante y a su tono satírico acerca del mundo del crimen.
Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones acerca de ella. Saludos.
Duración: 1 temporada de 7 episodios de menos de menos de media hora de duración.
Ted volvió, pero esta vez no en forma de fichas sino de serie de streaming. Esta vez exploramos la relación del osito de peluche que cobró vida, Ted, con su dueño, John, cuando él iba a la secundaria durante los años noventas, porque según el creador, nos moríamos de ganas de ver esta parte de sus vidas.
La historia: Ted, con la voz de Seth Mac Farlane (el creador de este personaje y Padre de familia), es un osito de peluche que cobra vida a partir de un deseo que pide su dueño John, interpretado esta vez por Max Burkholder, porque no tenía amigos. Claro que, lo que al principio es un verdadero milagro y transforma a Ted en una estrella de la TV y el cine, pronto deja de tener relevancia y vuelve a vivir en el anonimato, en el cuarto de su joven dueño. Aburrido en su casa durante el día mientras los demás integrantes de la familia trabajan o estudian, hace de las suyas y finalmente el padre de la familia, Matty, decide que debe ir a la escuela con John. A la misma clase y año exactamente que su dueño, nada de empezar de cero en un curso más bajo, todo por el bien de la trama.
El osito se da cuenta que, tal como le había dicho su dueño, la secundaria era una pésima experiencia (él usa otras palabras) y empieza a idear planes para que lo expulsen de allí y pueda volver a ver sus programas matutinos, pero la tarea no será nada fácil porque la directora está completamente decidida en que siga estudiando allí. Por supuesto que buscando ese objetivo, él y John, se meterán en un montón de problemas involucrando también a su problemática prima, interpretada por Giorgia Whigham, que vive con ellos circunstancialmente.
¿Qué me gustó? Las clásicas conversaciones “fumancheras” de los personajes principales siguen estando intactas y siendo muy divertidas, sus reflexiones sobre la vida, los videojuegos y las películas de la época son lo mejor que tenía la peli y por consecuencia la serie. Lamentablemente dependen mucho de esto y es posible que a medida que pasen los episodios se vuelvan algo repetitivas.
¿Qué no me gusto? El enfoque principal para mi está equivocado. Salteamos rápidamente la parte en la que Ted era una estrella famosa y su caída en desgracia, y pasamos directamente al momento en que ya es una persona (u osito de peluche) común y comparte habitación con John, que tiene los típicos y estereotipados problemas que ya vimos mil veces de un adolescente que va al secundario: Es bullineado por otros compañeros y no puede lograr decirle algo coherente a la chica que le gusta. Lo que hace que los argumentos y las historias que surgen a partir de eso sean bastante predecibles. Creo que si se hubiesen enfocado en el momento de la caída de la fama de Ted y como John vive ese momento donde su amigo no tiene tiempo para él para dedicarse a intentar remontar su carrera hubiese sido muchísimo más interesante y un poco menos visto que lo que propone la serie.
¿Aporta algo nuevo al género? No hay una gran innovación en este tipo de sit com familiar, incluso en algunos puntos como las historias y la profundidad de los personajes es un paso hacia atrás. Lo verdaderamente innovador es la incorporación de un personaje animado con la misma calidad que tenía en las películas. Esto es un punto a favor y fundamental para que tanto las pelis como la serie puedan co-existir en el mismo universo sin que nos haga ruido.
¿A quién recomiendo ir a ver esta serie? Por supuesto a todos los fanáticos de Ted y también de las otras creaciones de Seth Mac Farlane como por ejemplo Padre de familia, esta serie sigue es mismo esquema de mantener una historia principal simple para poder agregar todos los chistes y ocurrencias posibles en el medio. Además con el aditivo de estar habituada en los 90, donde tienen bastante material para apelar a la nostalgia y a la crítica irónica a la vida de aquel tiempo que hoy recordamos con tanto cariño los que tuvimos la suerte de vivirla.
Los primeros capítulos ya están disponibles en Universal+ y los nuevos episodios se estrenan cada viernes.
Calificación: 6/10
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Cae la Noche Tropical es una obra que transcurre en la ciudad de Río de Janeiro y tiene como protagonistas a dos hermanas de 80 años.
La historia tiene como escenario la casa de Luci y cuenta el día a día de estás dos hermanas, las cuales se interesan por la vida de la vecina que es psicóloga y sus historias amorosas, que las hace recordar y reír, olvidarse un poco de los que ya no están y el futuro de sus hijos que están viviendo lejos. La obra destaca por el realismo de sus personajes, como en lo que sucede, la casa que habitan, vestuarios y peinados y la excelente recreación de las situaciones cotidianas de la vida de dos ancianas.
«Cae la noche tropical» es una obra que transmite muchas emociones y conecta desde algún lugar con cada persona que la vea.
FICHA TÉCNICA:
Autor: Manuel Puig
Versión escénica: Santiago Loza, Pablo Messiez
Nidia: Leonor Manso Luci: Ingrid Pelicori Silvia: Eugenia Guerty
Producción Ejecutiva y artística: Alejandra García
Dirección de reposición: Leonor Manso
Dirección: Pablo Messiez
Voces en Off Ñato Javier Rodríguez Cano Comisario de abordo Lalo Rotavería
Colaboración artística: Patricio Binaghi
Preparación física: Lucas Condró Música original: Carmen Baliero Diseño de iluminación: Rodolfo Eversdijk Diseño de vestuario: Renata Schussheim Diseño de escenografía: Mariana Tirantte
Stage Manager: Fernanda Machado
Asistencia de Producción: Claudia Quinteros
Prensa: Natalia Bocca
Domingos a las 20:00 hs.
Teatro Astros
Av. Corrientes 746. CABA
Entrada: $9.000 en boletería del teatro o por Entrada Uno
La nueva incursión de Sony en el universo Spider-Man, «Madame Web», ha generado más controversia de la esperada. Aunque algunos críticos han arremetido contra la película, argumentando que no cumple con las expectativas del legendario legado del Spider-verso, una mirada más profunda revela una historia que podría haber brillado con una mejor estrategia de marketing y una gestión más sólida de las expectativas del público.
¿Qué me gustó?
Una de las representaciones más notables es la caracterización de Cassandra Webb, la protagonista, que destaca por su independencia y complejidad.
¿Qué no me gustó?
La interpretación de Dakota Johnson ha sido objeto de críticas, al igual que la estética de la película, que algunos consideran reminiscente de producciones de serie B de la década de 2000. Además, la falta de cohesión en la trama y la ausencia de desarrollo satisfactorio de ciertos personajes han llevado a una experiencia cinematográfica decepcionante para algunos espectadores.
¿Aporta algo nuevo al género?
Si bien la película ofrece una visión única del universo Spider-Man, su comercialización como parte del universo Spider-Man de Sony ha generado confusión y expectativas poco realistas. Aunque tiene momentos interesantes, su falta de cohesión y su incapacidad para cumplir con las expectativas del público podrían llevar a una revisión profunda de la estrategia de Sony en futuras entregas del Spider-verso.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
La recomendaría a los fanáticos del universo Spider-Man, especialmente aquellos interesados en explorar personajes menos conocidos. Sin embargo, quienes busquen una película centrada en la acción y los elementos tradicionales de los superhéroes podrían no encontrarla satisfactoria.
La avenida Corrientes se vistió de gala para recibir a Frank Sinatra, Louis Amstrong, Fitzgerald y al jazz newyorkino de la década de los cuarenta y cincuenta en It Happen to be.
El Teatro El Nacional fue el lugar elegido para que el público porteño y visitantes, pudieran disfrutar de este único show el cual promete llevarnos 80 años atrás en la historia, especialmente a la pujante ciudad de Nueva York y la época del Hollywood dorado.
Iván Papetti, de tan solo veinte años, es el encargado de dar voz a los grandes clásicos de Sinatra, Fitzgerald, Basie & Armstrong. Su amplio registro vocal y una voz madura para su edad, hacen de Papetti una joven promesa dentro del área musical de Buenos Aires. El joven oriundo de zona oeste fue finalista en el concurso La Voz Argentina 2022, al encontrar su estilo, no cabe duda que será una gran estrella del Jazz y Blues.
En el show hay dos grandes cantantes que acompañan a Papetti, ambas vestidas de la belle époque, Steffania Uttaro y Mumi Pearson. Con tonos de voz que contrastan, ambas supieron estar a la altura para ser la contraparte femenina del show.
CR Big Band fue la encargada de armonizar el evento. Este grupo de Jazz and Blues está vigente desde los años noventa. A ritmo y dirección de su baterista lograron hacer mover al público del Teatro Nacional.
Los bailarines Vicente Manzoni, Federica Wankiewicz y Lara Attia tuvieron apariciones performáticas durante el recital, el trío supo cómo encarnar los bailes de Hollywood y sus grandes musicales, interpretando pasos de ballet, contemporáneo y swing. Joel Villagra y Florencia Battista son productores, directores, músicos y cantantes. Gracias a ellos tenemos este gran show en Avenida Corrientes. La dupla se encarga de ofrecernos la mejor calidad de entretenimiento posible, trasladan Broadway a Buenos Aires.
It happen to bed es una experiencia que no hay que perder, es adentrarse y recordar aquellas canciones que fueron, están y seguirán en nuestra memoria musical.
Disponible hasta el martes 27 de febrero en el Teatro Nacional Sancor.
Vidas pasadas dirigida por Celine Song, es una película que explora temáticas como el amor, los reencuentros, el destino y las decisiones que tomamos durante nuestras vidas. La historia gira en torno a la relación entre Nora (Greta Lee) y Hae Sung (Teo Yoo), dos amigos de la infancia que se separan cuando la familia de Nora emigra de Corea del Sur a Canadá. Tiempo después, retomarán el contacto, casi por casualidad, en donde se enfrentarán a sus sentimientos pasados y a las diferentes vidas que han construido.
Celine, en su obra autobiográfica, se atreve a preguntarse (y preguntarnos) ¿Qué suceden con todos los caminos que NO tomamos? El famoso “Qué pasaría si…” está presente en todo el relato, ya que la duda e incertidumbre forman parte de la gran narrativa que la directora decide tomar. La falta de diálogos, los extensos planos – secuencia, las miradas que dicen todo y los silencios incómodos son algunos de los recursos utilizados que hacen de la película algo más íntimo y conmovedor. Celine logra capturar la complejidad de las relaciones humanas y las emociones que surgen al reencontrarse con un amor que lo teníamos resguardado en nuestro pasado. Habla de los diferentes caminos que nos puede llevar el destino y de la cantidad de posibilidades que tenemos a la hora de tomar una decisión.
Es interesante el trabajo actoral del personaje de Nora ya que, desde el principio de la película, su identidad se encuentra divida. Desde su cambio de nombre al emigrar hasta sus vínculos amorosos, Nora está hecha de todas las decisiones tomadas y todas las decisiones que dejó atrás. Su cuerpo migrante se encuentra lleno de fronteras, nostalgias, esperanzas, dudas y anhelos con los cuales genera una cierta distancia y pelea con ella misma reflejadas durante todo el film.
El pasado y el presente se entremezclan, pero sin perderse uno del otro, ya que forman parte de la construcción de los personajes y nos invitan a explorar la historia de cada uno. Como espectadores nos sentimos interpelados debido a que la película no nos hace odiar o amar a alguien por sobre el otro. Sino que nos posiciona en ese “entremedio” en el cual Nora está situada, haciéndonos comprender los matices y grises que cada personaje va sintiendo. Podemos convivir con las decisiones que toman porque, en algún momento de nuestras vidas, todos fuimos esos personajes que están muy humanamente construidos.
Vidas pasadas es un film estéticamente atractivo, con interpretaciones muy sólidas y con una conexión directa con el público gracias a sus tiempos narrativos, a todo lo que no se dice, pero se siente, y a la honestidad y complejidad con la que se desarrolla el núcleo de la historia.
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