Crítica: El Bastardo

Por Gustavo Condano

Un hombre con un plan y su eterna lucha contra el caos.  Este es el planteo de esta película donde el ya conocido tipo recio Mads Mikkelsen, hace la expresión seria que mejor le sale ante todos los obstáculos que se le presentan ¿Valdrá la pena verla o será una píldora para dormir de dos horas? Lo vemos más abajo.



La historia:
Ludvig, interpretado por Mads Mikkelsen como ya dijimos, es un capitán del ejército retirado que presenta un elaborado plan para desarrollar una plantación en un páramo olvidado de Dinamarca del siglo 18.
Los miembros del gobierno no creen que pueda hacerlo pero para complacer al rey que siempre tuvo el deseo de desarrollar esa zona le dan el permiso para trabajar esa tierra. Claro que no le darán dinero para hacerlo sino que tendrá que utilizar todos sus ahorros, que no son tantos.
Pero este militar devenido en agricultor no tendrá que enfrentarse solamente a un suelo árido y al inclemente clima, sino que su principal obstáculo será Frederik, el noble de esa zona, que no quiere gente habitando el páramo y mucho menos un bastardo que a fuerza del mérito se ganó todo lo que tiene. Por lo que hará de todo, literalmente, para que su plan fracase. ¿Logrará el obstinado Ludvig llevar a cabo su plan o ganará el caos como tanto desea Frederik?

¿Qué me gustó?
Las actuaciones son lo más destacado. Por supuesto especialmente el protagonista, Mards Mikkelsen, en un rol que le calza perfectamente como un tipo recio y analítico que piensa cada paso que da, pero también que poco a poco, al relacionarse con los que lo rodean, nos va demostrando que es tierno y se preocupa por las personas que están a su alrededor.
La historia sencilla con pocos elementos pero que plantea muy bien la dicotomía entre la planificación humana y el caos que pueden presentar la tierra, los elementos y los propios seres humanos.

¿Qué no me gustó?
El malo de la película (literal), interpretado por Simon Bennebjerg, está justificado en su accionar pero a veces parece demasiado encaprichado contra nuestro protagonista Ludvig, se entiende que tiene que ver con una rencilla con su difunto padre y lo que el éxito del bastardo significa, pero a veces parece inverosímil tanto ensañamiento.

¿Aporta algo nuevo al género?
Es un drama histórico, algunos hasta pueden catalogarlo como un western fuera de américa. De cualquier manera no aporta nada nuevo pero está contado muy prolijamente y sin complicarse demasiado con el contexto histórico, es simplemente la historia de Ludvig, su proyecto y los que se oponen a él.

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfruten un buen drama histórico bien contado y con pocos elementos (lo que no es algo malo en este caso) pero potenciados por las actuaciones.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena el 14 de marzo en cines

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Reseña: El Emperador (Tres noches)

Por Andrea Parise

El emperador (tres noches)», la obra escrita y dirigida por Clara Charrúa estrenó el 10 de marzo su segunda temporada en el Teatro ÑaCa (Julián Álvarez 924, Villa Crespo). Protagonizada por Andrés Terigi, se presentará los domingos de marzo y abril a las 19h.



Una vez más, Clara Charrúa nos sumerge en un universo cargado de emociones y reflexiones sobre el amor y los desencuentros. Inspirada por las palabras de Barthes en «Fragmentos de un discurso amoroso», la obra nos invita a explorar los matices del sentir y pensar en alguien, donde la ausencia se convierte en un relato vívido de presencia.

Y así nos adentramos en la mente de Tomás, quien se debate entre el deseo y la incertidumbre durante tres días y tres noches. Entre tangos que evocan pasiones ocultas, conversaciones cargadas de significado con amigos, y hasta tiradas de tarot en busca de saber su destino, Tomás se enfrenta a esa dolorosa realidad de no ser correspondido por la persona que ama.

«El Emperador (tres noches)» es mucho más que un simple unipersonal. Es un viaje emocional que nos lleva a cuestionarnos sobre la naturaleza misma del amor y la constancia en medio de la inconstancia. ¿Es posible amar en la incertidumbre? ¿Cómo enfrentar el desencuentro cuando el deseo es tan intenso?
A través de diálogos llenos de frases urbana, guiños con el espectador, miradas y silencios cómplices, la obra es una baldazo de realidad que nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias sentimentales y nos confronta con las complejidades de los vínculos humanos de hoy, en este mundo marcado por la fugacidad y la búsqueda constante de conexiones genuinas.

Su protagonista Andrés Terigi despliega su talento enorme y nos regala una experiencia teatral para reír, emocionarse y, sobre todo, pensar. ¿Qué significa el amor para cada uno de nosotros? ¿qué esperamos de la persona amada? Y ¿que le damos nosotros a esa persona?

Dramaturgia: Clara Charrúa
Actúa: Andres Terigi
Fotografía: Santiago Mai
Sonido y utilería: Emilia Costagliola
Community Manager y Prensa: Alexis Mazzitelli
Diseño gráfico: Julieta Garros
Asistencia de dirección: Ana Laura Castañiza
Dirección: Clara Charrúa

Reseña: Vino al teatro

Bien, intentare explicar en esta breve reseña lo que es esta singular experiencia teatral; digo experiencia porque es mucho mas que una obra o espectáculo, es un sumatorio de distintas texturas que estimulan los sentidos a lo largo de la noche.


La primera parte se titula S.D.D.S., una obra corta, aparentemente gestada como creación colectiva que parodia sobre el funcionamiento burocrático en una dependencia gubernamental. Sofía Farias Alves; Antonella Bataglia y Jésica Moreno conforman un trío que se entienden muy bien arriba del escenario y con un trabajo muy elaborado, desde la composición de los personajes hasta la impronta corporal que le imprimen; van tejiendo una seguidilla de situaciones hilarantes que terminan de redondear un producto más que agradable.


Llega el momento de la «Experiencia wino» mientras en el escenario se desarrolla un algo gracioso monologo sobre las vicisitudes de un sommelier, se invita a los espectadores a degustar de exquisitos vinos muy bien acompañados de una tabla de quesos; convirtiéndose en una experiencia teatral interesante que abarca de los sentidos.


Cierra la noche «Burlesque» un viaje al erotismo, a la sensualidad, al dejarse llevar a un terreno donde lo sensorial le gana a la razón. Sin una estructura dramática,se van sucediendo números de burlesque con un tono de modernidad, con diversidad de cuerpos y bellezas que no responden a hegemonías, pero con mucha sensualidad y en un clima festivo. Mención especial para el musical final, brillante como cierre.


En fin, una experiencia distinta a la que vale la pena entregarse.


Teatro El alambique.  A.R.

Reseña: Cuando el chajá canta las horas



Con dramaturgia y dirección Merceditas Elordi nos llega esta tragedia rural que nos increpa en lo profundo sobre nuestras raíces. Situada en lugar no especifico de la frontera sur de la provincia de Buenos Aires, en épocas de ataques indios y donde la historia se escribía a punta de facón y muertes; se va tejiendo este relato sencillo pero intenso y emotivo.


Con personajes muy bien delimitados va dejando en evidencia el relato varios temas a tratar: el abuso de poder, la marginalidad de la pobreza, el amor, el temor al abandono, los lazos fraternales y la violencia sexual.
Bien resuelta desde la puesta, con una escenografía sugerente que integra los distintos espacios con naturalidad y con todo el elenco en escena casi todo el tiempo; los cuadros se van sucediendo en continuado, favoreciendo el fluir del relato.


Un texto duro, áspero y muy acorde a lo que reclama el relato, cuenta con un elenco muy solido y parejo ( Juli de Moura, Mauricio Mendez, Pablo Pieretti, Mariel Rueda y Edgardo Rosini) que resuelve con intensidad y entrega, dándole verosimilitud al relato.
Un acierto la musicalizacion en vivo, aporta muchísimo al aire campestre de la puesta. En fin, los espectadores amantes de las historias fuertes, de los textos profundos y las actuaciones intensas no van a salir defraudados, por el contrario en mi caso muy agradecido.


Teatro del pueblo, sábados 20 hs. A.R.

Reseña: Tu escena no es la mía

Por Ignacio Asseph

Tu escena no es la mía es una obra que se desarrolla en el living de una casa, allí  transcurren dos historias que se involucran entre si.


Sus protagonistas son cuatro seres solitarios que, casi sin darse cuenta, se ven implicados en sólidos encuentros amorosos.
Bajo está premisa se cuenta una historia llena de bellos recuerdos, de la familia, del amor,de los que ya no están, de los tiempos que pasaron y ya no volverán, pero también del presente, de la belleza de lo simple, de la amistad y las buenas compañías. Una obra que te hará recordar los tiempos de niñez junto a tus padres y abuelos, te hará querer y empatizar a los personajes como pocas veces.


Cuidada hasta en los detalles más mínimos, con buena musicalización e iluminación y excelentes actores, Tu escena no es la mía es un excelente espectáculo que nadie debería dejar pasar.

Actúan: Mercedes Fraile, Daniel Goglino, Gabriela Izcovich, Mauricio Minetti
Música original: Lucas Fridman
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Asistencia de dirección: Milagros Previgliano
Ilustración Rafael Landea

Dirección general: Gabriela Izcovich

viernes 20 30 hrs
MOSCÚ TEATRO
Ramirez de Velasco 535

Entradas: $7000
Descuentos a estudiantes y jubilados, para alumnes de la Escuela del teatro  y para sub 28 
👉Entradas y más info en Alternativateatral

Reseña: Cero en conducta

La obra de teatro «Cero en conducta» es una propuesta divertida y sorprendente que logra captar la atención del público desde el inicio. Con una trama inicial aparentemente centrada en la comedia adolescente y los primeros pasos en la vida sexual de los protagonistas, la historia se va desarrollando de una manera inesperada y profunda, manteniendo al espectador en suspenso.

Pierina es la mejor alumna del colegio y no puede ver el mundo de otra manera. Darío, en cambio, es un caso perdido y está a punto de repetir el año. A pesar de sus diferencias, él acepta visitarla para estudiar química juntos, sin saber que esa noche perderá la virginidad y será parte de un oscuro plan.



La buena química entre los actores en escena es evidente, lo que se traduce en una actuación convincente y llena de energía. Los números musicales son destacables, tanto en actuaciones individuales como en dúos, aportando dinamismo y emoción a la trama. En la dirección de Nicolás Sorrivas se hace notar  la creatividad y el talento demostrado en la obra, con un escenario que logra transmitir la ambientación de una habitación y una sala de detención de forma efectiva. La autoría de Mario Mendoza y Sergio Cavero se ve en escena con una historia que parece simple pero resulta ingeniosa y sobre todo divertida.

El uso de luces y sonido complementa de manera acertada la narrativa visual de la obra, creando un ambiente inmersivo para el espectador. Las canciones, en especial la canción de clímax, son pegajosas y aportan un elemento adicional de diversión a la comedia.

Cero en conducta es una obra que ofrece una experiencia teatral completa, combinando comedia, música y sorpresas argumentales de manera efectiva. Una propuesta que garantiza una noche amena y entretenida en el teatro, dejando al público satisfecho y con más de una sonrisa en el rostro.

Ficha técnica:

CERO EN CONDUCTA
de Mario Mendoza y Sergio Cavero

Con: Martina Ruda Bart y Guido Encinas
Covers: Luz Navarro y Gerónimo Esthirle (saldrán juntos en la función del 7/3)
Dirección: Nicolás Sorrivas
Dirección vocal: Lucía Berraud
Puesta en escena y dirección de actores: Nicolás Sorrivas y Cecilia Miserere
Coreografías: Nazarena Asciutto
Diseño de luces: Julieta Schwartz
Diseño de escenografía y vestuario: Nicolás Sorrivas
Escenografía y vestuario: Carolina Pintus
Stage manager: Natalia Ríos
Asist. dirección: Marina Biondi
Producción: Matcha Contenidos

JUEVES 21:00 HS – EL MÉTODO KAIRÓS
El Salvador 4530, CABA
Entradas en venta por Alternativa Teatral

Reseña: Enamorarse es hablar corto y enredado

La obra, que desde 2017 viene presentándose en distintas salas del circuito teatral porteño, vuelve este 2024 al Camarín de las Musas los sábados a las 20:30hs. 




Un árbol, un banco. Ella de ciudad, él de campo. Esos dos que temen y, a la vez, quieren acercarse. El tiempo pasa en la plaza, el mate va y viene, las palabras van y vienen. El encuentro entre ambos se vuelve corto, enredado y, quizás, posible.
Leandro Airaldo, dramaturgo y director, crea un texto que respira su propio tiempo. El encuentro entre Ana y Pedro es gradual, el deseo va despertando a través del diálogo. Llenar el silencio y no abordar de frente eso que realmente se quiere decir. El texto juega, está plagado de diálogos picados y cortos que tropiezan y se enredan. El encuentro con la otredad y todo su misterio es, quizás, posible. El amor surge en ese tiempo de intercambio. La palabra se vuelve cuerpo, abrazo, beso.
Ana, una chica que se siente fea y “cuerpo- anónimo” e invisible en ese ambiente urbano, y Pedro, un hombre viudo de campo que ceba y ceba mate, son encarnados de forma sutil y precisa por Sol Rodríguez Seoane y Emiliano Diaz. Ambos logran matices en el decir que vuelven atractivo y vertiginoso al diálogo. Por momentos tímidos, por momentos alzados, por momentos con giros clownescos, un elenco que despliega versatilidad y encanto. Las corporalidades tan distintas en ambos, rectitud (ella), cuerpo encorvado por el trabajo en el campo (él), terminan acercándose lento hasta encontrar la unidad híbrida. Ambos actores abordan un presente en el que conviven el humor, las ansias de futuro, el deseo y el recuerdo de un pasado triste y también feliz. Todo contradictorio, todo enredado, como el intento del yo por acercarse a ese otro. “Enamorarse es hablar corto y enredado” humaniza a estos dos personajes que tanto se han estereotipado a lo largo de la historia. Los actores les dan vida de forma propia y original.
La escenografía (Miguel Nigro) es inteligente, simple y ajustada: un árbol, un banco de plaza que gira sobre sí mismo y da aire al cuadro fijo en el que se desarrolla la acción de la obra permitiendo, a su vez, tener distintos puntos de vista sobre el encuentro de Ana y Pedro. Las luces cálidas, los sonidos de calle y de pájaros volando terminan de crear el espacio donde el encuentro se produce.
Una mariposa se cruza varias veces e interrumpe el diálogo. “Enamorarse es hablar corto y enredado” plantea un tiempo en donde el deseo por comprenderse y acercarse se desarrolla como una oruga. Una obra tierna y poco predecible que mantiene al público activo a la espera de qué ocurrirá con esos dos que se entienden y no. Por y a pesar de todo lo misterioso, diferente y confuso de la otredad, el encuentro es aún posible .
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA


Dramaturgia y dirección: Leandro Airaldo// Actúan: Emiliano Diaz, Sol Rodríguez Seoane// Vestuario: Alicia Macchi // Escenografía: Miguel Nigro// Iluminación: Luciana Giacobbe// Realización de escenografia: Manuel Escudero// Música y sonido: Silvia Vives// Diseño: Nadia Estebanez, Veronica Lopez// Asistencia de dirección y producción: Nadia Estebanez.


“ENAMORASE ES HABLAR CORTO Y ENREDADO”- SÁBADOS 20:30HS- EL CAMARÍN DE LAS MUSAS (Mario Bravo 960)


Escribió: Micaela Steinbach

Análisis: Like a Dragon: Infinite wealth

Desde que Sega empezó a impulsar su saga Yakuya, sobre todo en occidente con el renombre de «Like a Dragon» y la salida de sus títulos en game pass ha hecho que la franquicia regrese por todo lo alto. Ahora con Infinite Walth estaba el desafío de afianzar esta franquicia con otro título nuevo, y podemos amticipar que lo ha logrado.

En cuanto a su historia, si toca aclarar que es un juego que se puede probar de manera independiente si no jugaste los anteriores, ya que el título no tarda en ponerte en contexto pero si se trata de una historia algo continuista. Ichiban Kasuga vuelve a ser el protagonista, quien está tratando de rehacer su vida tras los acontecimientos anteriores. Pero ciertas acciones termjna descontrolado su vida, y bueno, ya sabe que es lo que debe hacer. También tenemos la noticia de que la madre biologica está vica, por lo que debe emprender un viaje en Estados Unidos para resolver este enigma. 

El traslado hacia Hawaii resulta un soplo de aire fresco para la saga, ya que una vez que llegamos, tenemos miles de cosas para hacer, no solamente en lo que al juego nos compete, sino también hacer un recorrido turístico por el lugar. Ya que podemos gastar dinero en excursiones, cursos y experiencias que servirán para mejorar nuestros atributos.  El contenido que tiene el juego es realmente extenso y no solamente es un añadido para rellenar las horas de juego, sino que es un complemento que enriquece a la personalidad de nuestro personaje. 

Obviamente tenemos que centrarnos en el combate, que es uno de los puntos álgidos que deviene en el interés que se tiene por esta saga. El título utiliza el método característico de los RPG donde marca los sitios con mayor o menor peligro, lo que hace que el jugador pase por ciertas zonas o decida saltarse algunas para pasar cuando se cuente con una mayor experiencia y habilidades. El combate es bastante sencillo, nos ponen a nuestros personajes en un área restringida, ahí nos indican cuáles son nuestros ataques, habilidades y demás, en un título donde si bien predomina la estrategia, la acción se hace muy presente.

En cuanto a lo técnico y visual, hay que decir que logró hacerse un excelente trabajo en un juego, que si bien trata de mantener la esencia y un estilo más orientado al jrpg, sus gráficos se asemejan a juegos también llevados al público occidental. La ambientación en Hawaii es más que perfecta, ya que muestra muchis sitios de interés y se aprovecha ese paisaje turístico para llenar el juego de actividades. 

Like a Dragon; Infinite Wealth es la consolidación de una franquicia que supo expandirse y está dando lo mejor de sí para llegar cada día más a nuevos jugadores. Como recomendación, si estaría bueno que le des un repaso a los demás títulos de la saga pero también hay que considerar que es un juego muy divertido y lleno de contenido donde puedes pasar cientos de horas.

Calificación 8.5/10

Crítica: El libro de las soluciones

¿Hasta donde podemos llegar para llevar a cabo nuestra idea? Esta pregunta nos propone esta peli, posiblemente una de las más autorreferenciales de Michel Gondry, a quien muchos de nosotros conocimos y nos enamoramos con “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”.
¿Este film estará a la altura de ese clásico o será una triste copia de sus anteriores entregas? Nos enteramos más abajo.



La historia:
Marc, interpretado por Pierre Niney, es un director de cine que intenta llevar adelante una película que ni los ejecutivos de la productora, ni su productor ejecutivo y amigo quieren que termine y ni siquiera entienden.   Por esta razón Marc decide secuestrar su película con la ayuda de su editora Charlotte y su productora Sylvia.
Deciden instalarse en la casa de campo de su tía Denise, interpretada por Françoise Lebrun. Desde allí, y luego de decidir dejar su tratamiento médico, decide  terminar de realizar su tan soñado film, cuya edición extrañamente se rehúsa a ver. 
Para colmo, al director no para de tener ideas locas, cada una más disparatada que la anterior, muchas de ellas las vuelca en un viejo proyecto inconcluso que tenía de pequeño llamado “el libro de las soluciones”. ¿Podrán Marc y su equipo finalmente terminar esta película que nadie parece entender, o quedará en el olvido o lo que es peor, en manos de la productora?

¿Qué me gustó?
Captura muy bien todo lo que tiene que ver con un proceso creativo, las locuras, el acecho de las ideas. Él protagonista que es el director podría ser un personaje odioso, pero en cambio la peli logra que nos identifiquemos con él y hasta por momentos le tengamos algo de pena.
Y el universo que crea Gondy en sus películas, que mezcla animación stop motion, con recursos artesanales, dan cuenta y contagian el amor por el cine y por la magia que conlleva que la pantalla grande nunca debería perder.

¿Qué no me gustó?
La peli no se preocupa demasiado por explicar lo que tiene que ver con todo el proceso de hacer una película por lo que quizás si uno no lo conoce mínimamente puede no sentirse involucrado.

¿Aporta algo nuevo al género?
A mi entender, Gondry es un sub género en sí mismo, esta peli es muy fiel a su estilo, se podría decir que una de las más personales que tiene.
En cuanto a la comedia, que es al género a la que esta peli pertenece, lo hace bien de una manera muy sutil y hasta se podría decir que artesanal, que poco a poco va creciendo y termina resultando super efectiva.  

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfrutan del cine de Gondry, este director tiene un universo y una forma de contar única que se aprecia claramente en esta película.
Y a todos los que estuvieron involucrados en algún proceso creativo, principalmente realizadores audiovisuales pero no sólo ellos. Creo que se van a sentir identificados con los procesos, las ideas locas y los idas y vueltas que esto conlleva.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine francés del 21 al 27 de marzo en Cinépolis Recoleta.

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Crítica: Kung Fu Panda 4

Pensábamos que ya todo había terminado pero no, volvió el famoso panda Po para una nueva aventura. ¿Será una entrada necesaria en la serie o simplemente están exprimiendo las últimas gotas de esta jugosa franquicia? Lo vemos más abajo.



La historia:
El ya establecido guerrero dragón, nuestro querido panda Po interpretado por  el genial Jack Black, está ejerciendo su rol con mucha soltura y disfrutando esto de ser un héroe y como él dice “patear traseros”. Claro que el maestro Shifu, interpretado por Dustin Hofman, no va a dejarlo tan tranquilo y le dice que ya es tiempo de pasar el manto a un nuevo guerrero y que él tome el rol de maestro espiritual.
Por supuesto que Po no está muy de acuerdo y cuando le toca elegir al sucesor se elige a él mismo, justo a tiempo para resolver la misteriosa nueva aparición del villano de la primera película, el tigre Tai Lung.
Todo parece un gran misterio hasta que aparece Zhen, una pequeña zorra interpretada por Awkwafina (si, se escribe así), que intenta robar objetos antiguos del templo y es detenida por el Kung Fu Panda. Juntos  intentaran resolver el porqué del regreso de este peligroso villano.

¿Qué me gustó?
Los personajes y el humor es realmente genial, especialmente el ida y vuelta entre los dos protagonistas, Jack Black y Awkwafina (para quienes no la conocen es la amiga de Shag-Chi en el universo Marvel) es muy divertido y me parece lo más destacable de la peli.
La forma en que incorporan elementos no sólo de la cultura China, sino también de las películas de Kung Fu me parece que siempre estuvo muy bien lograda en esta serie y es muy respetuosa, y esta entrega no es la excepción.

¿Qué no me gustó?
La historia es algo intrincada y tiene elementos que vienen de las pelis anteriores, más que nada sobre la primera de ellas, lo que a veces hace que uno se pierda algunas cosas por no recordar tan bien estas entregas, cuya primera entrega fue hace 16 años.
Claro que esta peli intenta cerrar un poco la serie, aunque sabemos ya que estas franquicias nunca terminan por mucho tiempo, siempre se las arreglan para volver aunque sea con algún personaje secundario.



¿Aporta algo nuevo al género?
No, pero si nos muestra cómo hacer muy bien este tipo de pelis. Para responder a la pregunta del principio, esto no es una secuela hecha sólo para recaudar (o por lo menos no es sólo eso)  sino que revitaliza la franquicia e incluso puede llegar a marcar algunos posibles caminos para continuarla a futuro.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a todos los fanáticos de la serie, no hace falta que hayan visto todas las películas anteriores, si seguramente la primera. Es una peli que van a disfrutar los chicos y también los grandes.
Así que si no tenés chicos propios es una buena peli para llevar a tu sobrino como excusa.

Calificación: 7/10
Estreno: Jueves 7 de marzo en cines

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