Reseña: Subatómica

En 2022 se estrenaba “Subatómica”. Este domingo estarán cerrando su tercera temporada en el Espacio Callejón.





Julia está en dos dimensiones. Vive con su madre, Mariela, en una casa grande y vieja y, a la vez, vive en otra dimensión, la subatómica, basada en su fanatismo por Doctor Who. La llegada de dos hombres que buscan descifrar los indicios de un evento que excede las lógicas y teorías físicas irrumpe en la aparente tranquilidad del hogar.


El texto de Mia Miceli es dinámico. Las referencias hacia Doctor Who están integradas de tal forma que quien no ha visto la serie puede reconstruir de qué habla Julia. El público se confunde, se extraña, quizás en algún momento se pierde, pero rápidamente vuelve a conectar con el relato y lo que ocurre en escena.


Las actuaciones de  Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik acompañan la rapidez de una dramaturgia picada. Los actores habitan una atmósfera extrañada, pasan de una dimensión a otra. Juegos vocales y físicos potencian el dinamismo que ya el texto propone.


La escenografía es austera. Una mesa, dos sillas y una lámpara ovalada por encima que tendrá un sorpresivo uso sobre el final. La casa es evocada por el manejo de las luces y de objetos invisibles, como, puertas, pasillos, habitaciones, paredes. La casa se construye sobre la nada, lo oscuro, lo vacío, allí ocurre lo subatómico.


“Subatómica“ es ciencia ficción en escena. La obra sorprende todo el tiempo. El público calla y ríe, por momentos de forma sonora y prolongada. “Subatómica” contiene algo de cinematográfico. Un trabajo del género poco común en la cartelera porteña.


FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Mia Miceli/ Actúan: Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik/ Vestuario: Lara Sobel/ Diseño de espacio: Jose Escobar/ Luces: Sebastián Francia/ Realización Audiovisual: Fermín Pedrós/ Asistencia de dirección: Armando Carcamo/ Dirección: Agustín Daulte, Mia Miceli

“SUBATÓMICA”- Espacio Callejón (Humahuaca 3759)- Domingos 21hs
Escribió: Micaela Steinbach

BAFICI 25: Después de Un buen día

Si nunca viste un documental de Néstor Frenkel ya sabés que tenés que hacer cuando termines de leer esto. Son realmente increíbles e imperdibles todos y cada uno de ellos. Pero en esta ocasión: Si nunca viste Un buen día “la mejor película argentina” según el título de youtube que la mayoría clickeó para verla por primera vez (y posiblemente más de una) ya sabés lo que tenés que hacer, incluso antes de leer esto.

Después de Un buen día es el nuevo documental de Frenkel y en esta ocasión va a explorar con los protagonistas del FENÓMENO que es Un buen día, porque es mucho más que una película. Tendremos de primera mano la experiencia del antes, durante y después de la creación de Un buen día por parte de su autor, Enrique Torres, que si aún no lo conocés no importa, te va a encantar de igual manera, o incluso más por descubrir a esta persona gracias a este documental. Quique estuvo en el estreno del documental junto a nosotros y respondió todas las preguntas del público. ¡Gracias Enrique!

Además de Enrique también tenemos los testimonios para la reconstrucción de la experiencia que fue ser parte del rodaje a Aníbal Silveyra, el flamante protagonista de la película, abriéndose con nosotros por primera vez y contándonos cómo repercutió en él haber actuado en Un buen día. ¡Gracias Aníbal!

Añaden su experiencia Anabella del Boca, pareja de Enrique y productora; Andrea del Boca, la actriz que nos hizo llorar o reír con uno de los más míticos plot twist de la historia de nuestro cine. Y por último pero no menos importante, a los fanáticos del film, los grandes causantes de la existencia de este documental ya que por ellos se despertó el interés de Frenkel para descubrir la historia detrás de la película. ¡Muchas gracias Néstor! Por este documental, por los anteriores y por los que llegarán.

Todo lo bueno y todo lo malo de la película pero también lo más importante de esta experiencia, el post película, y acá sí ganan el protagonismo los fanáticos que se fueron encontrando online para debatir (y reírse un poco) gracias a un grupo de Facebook donde ellos mismo se hacen llamar ‘Grupo de Apreciación de Un Buen Día‘. A raíz de ese grupo, la experiencia de la película no quedó sólo em un film sino que empezó a crecer el fenómeno de la «mejor película del cine argentino» donde estos fanáticos tan acérrimos de la obra original, entre tantísimas otras cosas que desarrolla el documental, hasta hicieron una propia versión fan film del mismo. Una locura hermosa digna de los mejores fanáticos argentinos. ¡Gracias!

Por Julián Lloves para La Butaca Web.

PD1: El consumo irónico no existe.

PD2: ¡El tiempo es todo el tiempo!

BAFICI 25: Las chicas están bien

Amor, amistad, infancia, maternidad, muerte, arte. Un viaje donde cinco mujeres ensayan una obra teatral (y a la vez crean esta película con sus historias personales).





Las chicas están bien es la ópera prima de la guionista, directora y también actriz Itsaso Arana. Nos retrata los íntimos momentos de un viaje que ayuda a conectar mujeres entre sí pero también, y en especial, consigo mismas. La directora de una obra de teatro y sus cuatro actrices protagonistas se aíslan en una antigua casa de campo en un pueblo de España para ensayar una obra dramática de mujeres en el siglo XVII.

Me encantó. Fue la primera película que vi en esta nueva edición, la número 25, del BAFICI. Me encantó tanto el guion e historia como la dirección e interpretaciones. Cada mujer en esta película hace un papel brillante.

Dirigida, escrita e interpretada por Itsaso Arana aunque las cuatro protagonistas son Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero, Helena Ezquerro. También contamos con las actuaciones de Mercedes Unzeta, Gonzalo Herrero y la estelar aparición de la niña más tierna de toda España: Julia León. Después de esta hermosa película, habrá que seguir con atención la carrera de esta directora además de, también, todas las actrices.

Es sensible y emocionante en el mejor sentido. Es graciosa cuando tiene que serlo, solemne cuando amerita y también esperanzadora en su justa medida, salimos de la sala de cine pensando que en el mundo las cosas pueden estar bien, ya que vemos que las chicas están bien.

Es una película hecha por y para mujeres, tanto delante como detrás de cámara, y para nada diciendo esto la limito o reduzco sólo a eso, todo lo contrario, a partir de eso es mucho más que sólo eso. Desde cada una de las perspectivas de las experiencias personales de cada una de las actrices la película se va convirtiendo en una bellísima historia de metaficción, de historias dentro de historias.

Cómo y dónde plantar la cámara, cómo moverla y también cómo hacer el montaje para que la película genere una perfecta complicidad con la historia de cada actriz, ya sea entre ellas individualmente, con el grupo, con la cámara y hasta con el público.

Me parece muy interesante cómo y hasta dónde usa la figura retórica del hombre, ausente o interés romántico. Repito, salí del cine encantado y la recomiendo muchísimo. Me encanta la historia y cómo la aborda, me parece un punto fuertísimo que partiendo y queriendo llegar a mujeres no se convierta en un producto o panfleto feminista para lograrlo sino que lo hace como una expresión personal y obra artística.

Una película para ir a ver con amigas, hermanas, madres, hijas, abuelas o cualquier mujer con la que quieras compartir una experiencia así.

Todavía podés ver está película en el BAFICI. Se proyectará por última vez en este festival el día sábado 27 a las 22:35 en Cinépolis Plaza Houssay. Te va a encantar.

Por Julián Lloves para La Butaca Web.
¡Nos vemos en el cine!

Reseña: Inestable

“Inestable”

Por Sofía Luna Roberts

La psique del ser humano contiene profundos pliegues de la conciencia que se nutren de la realidad que percibimos a través de los sentidos y las experiencias a las que estamos sometidos como sociedad. Ya desde nuestro primer contacto con el exterior empezamos a desarrollar costumbres y valores que le dan sentido a nuestra frágil existencia. Es así, como también, comienzan a aparecer otro tipo de percepción que está más ligado a los miedos, fobias, inseguridades, traumas y nos terminan convirtiendo en una persona “inestable”. El dúo Sutottos nos invita a un viaje de exploración sobre las profundidades del ser humano a través del humor y la neurosis, “Inestable” se presenta en el Teatro Picadero (Discépolo 1857) todos los sábados a las 18 hs.



Con dramaturgia, dirección y actuación de la dupla Andrés Caminos y Gadiel Sztryk, la obra nos muestra un espacio atemporal en donde dos personajes exóticos se despliegan de manera magistral exponiendo sus fragilidades y contradicciones que, con el devenir de la pieza, nos vamos dando cuenta que es inevitable sentirnos cercanos a estas ansiedades que exponen. Desde el temor a lo desconocido hasta la claustrofobia, pasando por las obsesiones y manías, la obra comienza a tomar un tinte reflexivo y nos confronta con nuestros propios miedos y cómo éstos pueden distorsionar la realidad en la que vivimos.

La puesta en escena es minimalista ya que se centra en los dos personajes y en la fuerza de su interpretación. Con actuaciones que mezclan lo clown, dramático y cómico, ambos actores logran trasmitir a la perfección las distintas emociones y estados de ánimos de los personajes (y del público también). La gestualidad y el efectivo control del cuerpo en escena es lo principal a destacar. En algunos momentos, los movimientos corporales y faciales dicen más que las palabras y logran un verdadero reconocimiento por parte del público ya que gracias a esas gestualidades absurdas generan un instante patético en donde la risa es 100% asegurada.

Me gustaría hacer una mención especial a esos momentos en donde surgen ciertos acercamientos a lo nostálgico que logra calmar las inquietudes de los personajes. Ese espacio dedicado solamente al pasado representando un puente hacia aquella niñez en donde todo era feliz y sin preocupaciones me parece muy apropiado. Hay un contraste muy fuerte entre el presente y el pasado, la vida pasó por el medio convirtiendo a estos personajes en el resultado de miles de experiencias y situaciones difíciles que tuvieron que atravesar, como todos los presentes en la sala.

El recurso del humor ácido y sarcástico se convierte en una herramienta fundamental para deshacerse de esas inseguridades y ansiedades que nos habitan. La risa nos permite procesar los miedos que los personajes representan y librarnos, aunque sea un poco, del peso que nosotros le atribuimos. El uso al máximo de este recurso es muy curioso ya que el espectador termina riéndose de él mismo. Esto es porque la obra funciona como espejo de cómo nos tratamos a nosotros como personas pensantes y sensibles en un mundo lleno de presiones, dolores, culpas ajenas e injusticias que nos empujan a cuestionar la delgada línea que separa la realidad de la percepción propia.

“Inestable” nos refleja y nos impulsa a dar un viaje de introspección de la mano del dúo Sutottos para gestionar nuestros miedos y reírnos a carcajadas de ellos. Cambiar nuestra perspectiva para empezar construir una realidad un poquito más sana y equilibrada. Presenta una montaña rusa de emociones que nos desafía para adentrarnos en esos pliegues de la conciencia y convertir nuestra verdad en algo que no nos limite más.

Crítica: Abigail

Por Guillermo Verón



La dupla Bettinelli-Olpin y Gilett hace tiempo que vienen demostrando la mano que tienen para la dirección y relatar algo entretenido. Ellos no sólo reiniciaron la franquicia de «Scream» sino que también le dieron un estilo propio sin olvidarse de donde vienen. Al tiempo supieron abrirse de esas dos cintas cuando Melissa Barrera tuvo conflictos con la productora por su postura política en sus redes personales. La salida de Jenna Ortega fue la estaca final. Hablando de eso, ¿Será esta historia la resurrección y el aliento de las carreras de varios del ‘cast’?



Un grupo de ladrones (desconocidos entre sí) son contratados para secuestrar a la hija de un millonario y pedir a cambio la suma de 50 millones de dólares. Una vez concretado el acto llegan a una mansión donde reciben nuevas instrucciones, por lo que la noche se teñirá de rojo.

Los creadores de «Ready or not» nuevamente han dando en el clavo. Si bien en el resultado total no es una obra maestra (tiene sus cosas) te deja una buena sensación. Actuaciones llenas de carisma, hasta la de gente que tiene que ser insoportable. Hay dos personajes que me hubiese gustado verlos un poco más de tiempo. Pero a los que le da importancia sabe darles buenas motivaciones.


Alisha, Melissa, Dan, Giancarlo, Kathryn y Angus lo dan todo y son los que más quedan en tu cabeza. Hacia el final tenemos una participación muy interesante por parte de un genio; es excelente con pocos minutos en pantalla (los que ya la vieron no ‘spoileen’) porque se les borrará el comentario).
Inicia como una ‘heist movie’ con el rapto, después pasamos a ‘invasion movie’ -al mismo tiempo podemos sentir un ‘slasher’- para terminar siendo «una de vampiros». Todos esos tramos forman uno sólo que es lo que da al film. Constantemente se siente una película de terror que pasa por los otros subgéneros mencionados.


El trabajo técnico recuerda mucho a los clásicos de la «Hammer», muy anclado en los 70, humor negro que entretiene y escenas que hará que más de uno diga o piense: «wtf?».
Si disfrutaron de las otras producciones de ese dúo de realizadores a esta deben verla.
Mi deber como sobreviviente es convertirlos con una buena mordida para que sean parte de esta aventura.

Calificación 7.5/10

CONMOVEDOR E HISTÓRICO SHOW DE VIRUS EN EL MOVISTAR ARENA

La agrupación número uno y más escuchada del pop y del rock nacional dieron el show más grande de su historia.



Con un conmovedor e impecable concierto en el cual grabaron un disco en vivo, el pasado viernes Virus dejo en claro una vez más que son los precursores del pop en Argentina y que están más vigentes que nunca, demostrado por el entusiasta público de todas las edades que coreaban sus canciones.

Marcelo y Julio Moura junto a Mario Serra colmaron el estadio de Villa Crespo de hits con el recuerdo siempre vivo y presente de Federico Moura.

Un alto momento fue en el que Federico canto “Encuentro en el Rio” con la banda tocando de fondo y Amor Descartable que entonaron los 3 hermanos Moura a coro.

Otro álgido momento fue el acompañamiento de Fernando Samalea con su bandoneón en la canción “Que hago en Manila”.

Siempre acompañados por la excelente calidad artística de Ariel Naon en bajo, Patricio Fontana en teclados y Agustín en guitarra.

Reseña: Babel Cocina

Patricia Suárez junto a Rita Terranova, también directora, nos ofrecen una obra coral que va hilvanando una cantidad de pequeñas historias que sirven para ilustrar un momento histórico como fue la huelga contra la libreta de conchabo a fines del siglo XIX.


Con mucha teatralidad y juego actoral, en un escenario desprovisto, se van sucediendo con mucho ritmo las historias de varios personajes, muchos con una triste realidad pero con una visión optimista y esperanzadora; sumergidos en un clima festivo de lucha sindical.


Muy bien acompañada por la selección de la banda musical, que incluye varios cuadros de baile grupal, se redondea un agradable espectáculo, muy llevadero, con mucho ritmo y que con su mensaje festivo nos alegra el espíritu.


Un elenco numeroso de 14 actrices y actores en escena, no del todo parejo pero que cumple con creces las demandas de la obra con soltura y oficio.


Una bocanada de oxigeno esperanzador para los tiempos que corren, vale la pena ir y sumarse a la fiesta, a veces los más humildes ganan y esta bueno disfrutarlo.

Mario Bravo 948 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4863-1188
Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar
Entrada: $ 7.000,00 – Sábado – 22:30 hs – Hasta el 27/04/2024

Reseña: E.X.P. (El expediente)

La autora y directora Emilse Diaz, nos trae en esta ocasión una visión deformada y exagerada, pero llena de verosimilitud, de la burocracia judicial. Podríamos decir una visión Kafkiana de un proceso judicial totalmente inhumano, despersonalizado y abrumador.

Transmite con contundencia ese efecto abrumador de la burocracia valiéndose de todos los recursos a su alcance; una escenografía gris y pesada visualmente, múltiples audios y efectos lumínicos.

Con un elenco solido ( Florencia Danza y Julián Vilar) que encuentra el tono justo para llevar el relato, con un estilo grandilocuente pero no exagerado que marida perfectamente con la sensación abrumadora de todo el espectáculo.

Un tema doloroso, que por lo general se busca evitar y del que son principales victimas los mas humildes, tratado con mucha teatralidad y sentido critico. Trabajo mas que meritorio de todo el equipo.

Viernes 20 hs. No avestruz espacio de cultura. A.R.

Megadeth: La histórica banda de Metal sigue sonando de forma demoledora en suelo argentino



Domingo 14 de abril. Movistar Arena

“Crush the World Tour”

La relación entre Megadeth y el público argentino es una relación de años, pero ayer en el Movistar Arena el grupo liderado por Mustaine demostró que este vínculo sigue gozando de una extraordinaria vigencia. La noche metalera estuvo marcada por la gran entrega de la gente, resaltada por el propio cantante y líder de la banda varias veces durante el recital.



Megadeth brindó un show interrumpido, vibrante y enérgico que no se detuvo durante la hora y media que tocaron en el Movistar Arena, con un repertorio plagado de sus grandes éxitos y mezclado con algunos de sus temas más resonantes de sus últimos discos.

Bajo esta última lógica se dio el arranque del recital, con la canción The sick, the dying… and the dead! la cual le da nombre al disco homónimo y último trabajo discográfico de la banda y que también es la canción inicial de ese álbum. Calentando los motores y recibiendo la emoción del público la banda comenzó a intercalar las canciones más nuevas con algunos de sus clásicos. El primero de estos fue Skin O’ My Teeth que hizo enloquecer a la gente y provocar uno de los grandes pogos de la noche.

El show siguió desarrollándose sin parar un segundo, con grandes demostraciones de virtuosismo de parte de la banda, sobre todo de sus integrantes más nuevos como lo son el bajista James Lomenzo y el guitarrista finlandes Teemu Mantysaari recientemente incorporado debido a la salida del brasileño Kiko Loureiro.

El recital alcanzó su pico cerca del final cuando el ya mencionado Mantysaari comienza a tocar la intro de A Tout le Monde solo en el escenario dando tiempo al público para que se prepare por lo que está por venir, desde alli comenzo una rafaga indetenible seguida por la canción de Mustaine que ha sido más apropiada por el público argentino, la ya histórica Symphony of a destruction. El desaforado canto característico del público no tardó en llegar “Megadeth… Megadeth… Aguante Megadeth” como una hinchada reconociendo a sus jugadores por los grandes años vividos.

Luego de una gran seguidilla que cerró con mi favorita particular “Tornado of Souls” y con la contestataria y crítica “Peace sells” que en tiempos actuales toma aún más actualidad que cuando fue escrita, si eso era algo posible.

La banda prepara el cierre, se retira y luego de un minuto Mustaine vuelve trayendo algo distinto consigo, su guitarra característica pero esta vez revestida con los colores de nuestra bandera. La banda sale y cierra por todo lo alto con “Holy Wars”. El histórico líder de la banda toca el último solo de guitarra y la levanta ofreciendosela al público reconociendo su entrega durante toda la noche.

Y así termina el show. Un encuentro más entre Megadeth y el incansable público argentino. Seguramente haya más capítulos en esta historia metalera.

Próximo show de Megadeth: Este martes 16 de abril en el Movistar Arena.  

Crónica por Santiago Merlini.

Crítica: Guerra Civil (Civil War)

Por Jhon Wolf

En «Civil War», Alex Garland presenta un escenario distópico aterrador donde una guerra civil destroza a los Estados Unidos, mostrando una cruda realidad que se siente inquietantemente realista.

Lo que me gustó:

La película logra capturar la brutalidad y el caos de una guerra civil de manera impactante y realista. Garland evita los clichés y ofrece una narrativa que se siente auténtica, mostrando el conflicto desde la perspectiva de periodistas que actúan como testigos imparciales. Las imágenes crudas y desgarradoras transmiten la devastación y la violencia sin necesidad de diálogo explicativo, lo que añade profundidad al relato y permite al espectador reflexionar sobre las causas y consecuencias de la guerra.

Lo que no me gustó:

Aunque la decisión de mantenerse alejado de explicaciones detalladas sobre el origen del conflicto puede ser efectiva para centrarse en las consecuencias, algunos espectadores podrían encontrar frustrante la falta de contexto. Además, la narrativa desapegada y desapasionada puede dificultar la conexión emocional con los personajes y la trama, lo que podría disminuir el impacto de la película para algunos.

¿A quién recomendaría esta película?:

Recomendaría «Civil War» a los amantes del cine que buscan una experiencia inmersiva y provocadora. También sería adecuada para aquellos interesados en las narrativas distópicas que exploran temas sociales y políticos actuales desde una perspectiva inquietante y realista. Sin embargo, debido a su representación cruda y violenta, no es adecuada para espectadores sensibles a contenidos gráficos o perturbadores.