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El sábado pasado 30/3 tuvimos el gusto y el agrado de asistir, en el exquisito Teatro Border, a la nueva temporada de “Consumo” escrita por Soledad Galarce. Actúan junto a ella, Jennifer Frank y Agustín Olcese. Es la historia de dos amigas que se encierran unos días en un departamento con sus dos notebook sobre la mesa a hacer compras online, a modo de vacaciones.
La autora, con lucidez y criterio, da con una problemática actual y hace y logra con esta comedia oscura teatral una obra contemporánea que merece elogio. Obra de carácter expresionista, con coraje y mucho trabajo detrás. La obra puede incomodarnos un poco, pero con esa incomodidad necesaria que nos mueve y nos conmueve.
La escenografía se compone de un living principal y los demás ambientes representados en pequeñas maquetas. Las paredes de cajas de cartón. La paleta de colores del vestuario y escenografía de colores verde manzana, celeste turquesa, azul turquesa, rojo anaranjado y algunos colores primarios no son casuales, deliberadamente parecieran sumergirnos en un mundo irreal, digital. Las interpretaciones son muy buenas, destaca la versatilidad de Agustín Olcese en sus varios personajes.
Sociedad de consumo, alienación, mundo virtual, conceptos y realidades se plantean aquí artísticamente. La obra no plantea del todo resoluciones y tratados para tamaña realidad actual pero reflexiona mucho. Toda la producción, también sonido y luces, y todo el elenco hacen de esta obra una obra con amor, contenido, camiseta y profesionalismo. Se pasó muy bien y se recomienda! Las funciones son sábados 22:30hs en Teatro Border.
Los diez años de Mi hijo camina solo un poco más lento
Hace diez años, dentro del ambiente teatral under y en un horario poco convencional (de mañana), se estrenó Mi Hijo sólo camina un poco más lento, una obra que supo soportar dos crisis económicas y una pandemia, pero hoy en día prevalece como un clásico del teatro porteño.
El texto de Ivor Martinić pasó por muchos directores y recambio de parte del elenco, la esencia estuvo allí y los porteños apoyaron este proyecto en esta década. Un drama familiar que se resume en una apropiada sinopsis: »Branko padece una enfermedad degenerativa y rechaza la lástima de su madre, aprecia el amor de su potencial novia, sortea las miradas familiares y busca una suerte de emancipación en el marco de su condición».
Con un elenco que atraviesa todas las generaciones y experiencias conformado por: Alejandro Guerscovich, Paula Fernández Mbarak, Antonio Bax, Romina Padoan, Pochi Ducasse, Luis Blanco, Clarisa Korovsky, Aldo Alessandrini, Julia Gárriz, Gonzalo San Millán y Juan Andrés Romanazzi; Mi Hijo sólo camina un poco más lento es una comedia dramática familiar cargada de emociones.
Guillermo Cacece es el encargado de dirigir esta obra original del dramaturgo croata Ivor Martinić, el cual Nikolina Zidek traduce. Los once actores están en constante movimiento, a su modo, rodean un gran rectángulo donde unas sillas reposan, dentro de esas sillas hay una de ruedas, esta será el protagonista o villano. De fondo suena Nao sé va de Thiago Pethit.
El movimiento será clave en la obra. Hay personas que no se quieren mover, otros que no se paran de mover, otros que nunca descansan y luego está Branko, quien no camina, solo camina un poco más lento.
Los diálogos son acelerados, una vez que arrancan no paran hasta que solo queda el silencio que trae la culpa y angustia de tener un familiar en silla de ruedas. Madre e hijo enfrentan esta realidad, ella desde la negación y él aceptándola.
Mi Hijo sólo camina un poco más lento es una muestra de las dinámicas familiares marcadas por la culpa, el movimiento y el recuerdo de los tiempos mejores. Una obra que en momentos es divertida pero busca generar empatía y emoción.
La obra se despide luego de diez años de funciones, por la cual se harán diez funciones en el Teatro Alvear hasta el 14 de abril. En un futuro próximo quizá la veamos venir de nuevo.
A veces el viaje más lejano que podemos hacer es el que hacemos internamente. Esta historia nos cuenta cómo la promesa de un viaje de intercambio a otro país puede cambiar la vida de una adolescente y hacerle re-evaluar cuáles son sus prioridades en la vida. ¿Valdrá la pena acompañarla en este viaje? Lo vemos más abajo.
La historia: Lola, interpretada por Maite Aguilar, es una adolescente de 16 años que está cursando la secundaria en la Argentina de 1998 y tiene la posibilidad de realizar un intercambio y cursar su último año en Alemania. Pero pese a todas las ilusiones de Lola, sus padres no están muy convencidos de dejarla ir, en principio por su precaria situación económica y también por los problemas de salud mental que está atravesando Julieta, su hermana más grande, interpretada por Miranda de la Serna. Por supuesto, como buena adolescente, Lola no está nada de acuerdo con la decisión de sus padres, ni tampoco con ocupar siempre el segundo lugar de importancia en su atención, por lo que se abrirá paso a nuevas experiencias y amistades que la llevaran a descubrir un mundo que no conocía. ¿Podrá realizar finalmente ese viaje soñado, o tendrá que quedarse ayudando a sus padres con el cuidado de su hermana y su hermanito más pequeño? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Las actuaciones, especialmente de las protagonistas femeninas, Maite Aguilar, Miranda de la Serna y Maria Ucedo como Sandra, la madre. Ellas entregan una performance muy creíble y con los pies en la tierra, sin caer en lugares comunes. Las situaciones que vive Lola son muy propias de su edad y se sienten muy posibles a ser experimentadas por una chica de esa edad en esa época tan particular.
¿Qué no me gusto? El conflicto que mueve la trama, el tema del viaje, va perdiendo importancia de forma aleatoria a medida que avanza la película. Al comienzo es lo más importante, pero no alcanza la plata, ella después trata de conseguirla, nunca sabemos cuánto le falta para llegar al objetivo o si realmente puede lograrlo. Después no parece ser tan relevante y se pierde interés en el tema. Es muy cambiante el peso que se le asigna a ese conflicto, lo que hace que la historia pierda tensión para el espectador.
¿Aporta algo nuevo al género? Es un coming of age bastante clásico, por lo tanto no es muy innovador, pero si está muy bien realizado. En este formato la historia se centra en el crecimiento personal del protagonista, en este caso un adolescente que es el preferido por este tipo de género.
¿A quién recomiendo ir a ver esta serie? En principio, a todos los que pasaron por una situación similar en su familia, seguramente se van a sentir identificados como es el caso de la propia directora, Maria Zanetti. Y por supuesto también a todos los que, como yo, fueron adolescentes a fines del siglo pasado, seguramente también se van a encontrar identificados en muchas de las situaciones que atraviesa Lola.
Estreno: 11 de abril en cines. Calificación: 7/10 Duración: 87 minutos
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Cuando la banda sonora de tu vida es tu propia música.
En esta biopic conocemos la historia de Amy Winehouse, especialmente su ingreso al mundo de la música, sus relaciones amorosas y su muerte tan temprana. ¿Lograremos conocer a la persona detrás del personaje o simplemente será una historia genérica que intentará aprovechar la fama de una estrella musical? Lo vemos más abajo.
La historia:
Amy, interpretada por Marisa Abela que físicamente no es parecida a la artista pero está muy bien caracterizada, es una joven británica con una voz muy particular y una vida amorosa algo alborotada que se refleja en sus canciones. Las discográficas no tardan en saber de ella y le ofrecen un contrato, claro que cualquier intento por cambiar su estilo rápidamente parece ser inútil.
Es su padre, interpretado por Eddie Marsan, que también tiene un interés por el canto, quien la convence de escuchar a los expertos y poner las cosas en marcha. Claro que luego de un éxito moderado del primer disco quieren hacer unos cambios para el segundo.
Es allí cuando Amy les pide un tiempo, porque según ella misma dice, “yo tengo que vivir mis canciones” y vaya que es así. En ese ínterin conoce un nuevo amor, Blake, interpretado por Jack O’Connell, quien la hará descubrir una vida de excesos. Aquí no voy a intentar poner suspenso porque todos sabemos el final de esta historia.
¿Qué me gustó?
Las canciones y la interpretación de la protagonista están muy bien, aunque a veces sentí que rozaba la imitación más que la actuación. La música y la composición están presentes a lo largo de toda la película y según se muestra tienen una sinergia muy importante con su vida.
¿Qué no me gustó?
La velocidad con la que vamos viendo los hechos de su vida, se entiende que el tiempo de la peli es limitado pero parece en algunos momentos que se van haciendo tildes en una planilla y se van pasando cosas que es necesario mostrar.
¿Aporta algo nuevo al género?
Como decíamos antes, esta es una biopic, tan famosa en estos días. No aporta nada nuevo, el relato es bastante lineal, aunque si intenta establecer una pequeña metáfora con la relación que tiene con su abuela, que se la dejo para que la descubran ustedes solitos. Pero no se rompieron mucho la cabeza con eso.
Tampoco, a pesar que está en pantalla todo el tiempo, parece que al finalizar el film conocemos en profundidad a Amy. Si vemos momentos bastantes sensibles de su adicción y una relación cercana con su abuela y su padre, pero nunca logramos dilucidar más allá de su imagen icónica qué es lo que la llevo a recorres ese camino de autodestrucción. Quizás sea eso lo que resulta tan atractivo de este personaje, que nunca entenderemos realmente el por qué.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a los fanáticos de Amy y a todos los que disfrutamos su música y queremos conocer un poco más de su historia.
También para los que disfrutan de una historia de ascenso y caída de un personaje, que en ese caso funciona muy bien independientemente de si conocemos o no a la persona real que está detrás.
Calificación: 7/10
Estreno: Jueves 11 de abril en cines
Duración: 122 minutos
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Si bien el término gaslighting ha sido usado frecuentemente en el marco del feminismo, su origen es poco conocido. Hacer «luz de gas», es decir, gas light, proviene del título de Patrick Hamilton, estrenada en 1938. La fábula de este texto se centra en el límite entre la verdad y la mentira, en la fina línea que separa la confianza de la ingenuidad, en definitiva, en la manipulación. La definición de gaslighting indica que se trata de un tipo de manipulación ejercida mediante el cuestionamiento continuo de las percepciones y recuerdos de una persona hasta el punto de que duda de absolutamente todo. Justo eso es lo que le ocurre a Bella, la protagonista de esta historia. Y justo este es el motivo por el que se utilizó este título para denominar esa estrategia.
La producción de este espectáculo es sobria y destaca más por los derroteros por los que no ha ido que por los que sí: perfectamente podrían haber decidido optar por una reivindicación política más acuciante; por estereotipar todavía más a los protagonistas; o incluso por reinterpretar la fábula; sin embargo, han sabido mantener una compostura que favorece mucho al mensaje. Julieta Bermúdez encarna a una Bella que se aleja de todo cliché; no es una loca paranoica que sucumba al torrente de psicosis y de los aspavientos, sino una persona manipulada en busca de respuestas para salir de la cárcel mental en la que se le ha encerrado. Por su parte, Gonzalo Álvarez se luce con un seductor Jack Manningham, tan seguro de sí mismo que es capaz de cautivar a cualquier ser viviente para su propio beneficio, como si hubiese nacido directamente para ser un terrorista emocional. Juntos hacen una dupla perfecta para esta relación desequilibrada, cimentada en la mentira, que se ve complementada por los personajes secundarios, bien diseñados (textualmente) e interpretados. Además, un acierto es presentar la obra en su totalidad, sin hacer recortes (al menos grandes), de manera que hay cabida para un buen desarrollo de personaje, que culmina con la risa ambigua de Bella: ¿es mejor estar loca y así no ver lo malo de las personas que nos rodean? ¿Llora porque ha visto la verdad o porque se ha dado cuenta de la mentira?
Ficha Técnica Actúan: Julieta Bermúdez, Matías Antonio Durini, Gonzalo Álvarez, María Rosa Frega y Fiorella Luciana Muzzopappa Diseño escenográfico: Micaela Sleigh Diseño de vestuario: Victoria Chacón Diseño de luces: Stefany Briones Leyton Diseño gráfico: Lucila Getjman Maquillaje: Ivana Ferreira Fotografía: Nacho Lunadei Redes: Carolina Tomé, Camila Lucía Ciarlo Producción ejecutiva: Anggie Zamora Valladares Asistente de dirección: Anggie Zamora Valladares Dirección: Carolina Perrotta
Funciones lunes 20.30 hs a partir del 1° de abril Localidades por http://www.alternativateatral.com y en la boletería del teatro Sala: Hasta Trilce (Maza 177, CABA)
Llega la edición 25° del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente. 12 días y alrededor de 280 películas. 13 salas en 6 sedes. 500~ funciones programadas. Del 17 al 28 de abril de 2024. BAFICI 25°
La Butaca Web estuvo presente en la conferencia de prensa del festival de cine independiente más importante de Latinoamérica en la que se mencionó una cifra cercana a unas 3500 inscriptas de las cuales han sido seleccionadas menos del 10% tras la curaduría, una cifra cercana a las 280 películas entre cortos y largometrajes, sean ficciones o documentales.
El dato más importante que tenés que saber es que las entradas salen a la venta este martes 9 de abril a las 10am y las podés comprar en la nueva web del festival https://bafici.org/ (¡al fin!) o en las boleterías de los cines.
Ya tenemos en la web del festival el catálogo de la programación y grilla horaria completa del festival. Así que ya mismo podés entrar a conocer el listado de las películas seleccionadas este año. https://bafici.org/noticias/programacion-completa-del-25-bafici/
Vemos gran presencia de cine argentino, no sólo inscripto sino también programado en el festival. Así que es récord absoluto de cine argentino en esta edición 25 del BAFICI. Donde más del 50% de la programación son de estreno mundial o internacional, es decir, que no han sido vistas antes. No sólo los cineastas argentinos confían en el BAFICI como lugar de estreno para sus films sino que también muchísimas películas extranjeras harán su estreno mundial o internacional en el festival de la ciudad.
Como dijimos, tendremos 6 sedes para las aproximadamente 500 funciones exclusivamente presenciales que tendrá esta edición del festival. Y acá te dejamos toda la data necesaria de las salas para que ya te vayas preparando.
Teatro San Martín – Sala Lugones Av. Corrientes 1530
El Cultural San Martín – Salas Graciela Borges y Manuel Antín Sarmiento 1551
Espacio INCAA Cine Gaumont – Salas Leonardo Favio y María Luisa Bemberg Av. Rivadavia 1635
Cinépolis, Plaza Houssay – Salas 1, 2, 3 y 4 Av. Córdoba 2135
Cacodelphia – Salas 1, 2 y 3 Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1150
Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken” Agustín R. Caffarena 51
Desde clásicos internacionales de reconocidos directores como After Hours (1985) de Martin Scorsese o París, Texas (1984) de Wim Wenders a clásicos nacionales y en 35mm como serán las proyecciones de Adiós Sui Generis (1976) de Bebe Kamin o Los inconstantes (1963) y Pinamar (1956) de Rodolfo Kuhn.
Tendremos presencia argentina en la competencia oficial internacional con tres largometrajes y dos cortos, los cuales son: El placer es mío (Sacha Amaral, 2024, 95′) La odisea de Kamatsu (Leo Liberman, Sofía López Mañán, 2024, 60′) La pasión (Lorenzo Ferro, Lucas A. Vignale, 2024, 15′) La vuelta (Gastón Urquía Romano, 2024, 15′) Lenny (Nicolás Gontovnikas, 2024, 19′)
La apertura del festival será school privada alfonsina storni de Lucía Seles (Argentina, 2024, 128′) y la clausura Fuck you! El último show de José Luis García (Argentina, 2024, 83′)
El festival contará con 3 competencias con diferentes premios en esas categorías: COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL, COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA, COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO. Y además el premio del público al mejor largometraje argentino siendo un premio transversal a las tres competencias.
¿Precio de las entradas? Entrada general: $1500 Entrada con descuento para estudiantes y jubilados: $1200 (Y si tenés tarjetas del Banco Ciudad averiguá por la promo 2×1)
Repetimos lo más importante que tenés que saber la VENTA DE ENTRADAS será a partir de este MARTES 9 a las 10am, desde la nueva web oficial del festivalhttps://bafici.org/ y desde la boleterías de las salas.
Ahora ya tenés toda la info necesaria para esta nueva edición del BAFICI pero si querés seguir el día a día del festival y no perderte de nada no te olvides de seguirnos por Instagram en @labutacawebes
Encantadoramente desopilante por donde se la mire; desopilante el texto de Martín Bontempo que combina la triste historia de una humilde prostituta con un relato onírico con tintes de ciencia ficción. También desopilante la puesta en escena que con elementos técnicos simples, pero muy bien explotados, nos lleva a un viaje imaginario muy divertido y lleno de contenido a la vez. Desopilante y descollante la actuación de Camila Peralta, que se apodera del texto y se monta en un recorrido por distintos personajes, que encarna con credibilidad, con un gran despliegue de matices vocales y corporales y que transmite con verosimilitud los distintos estados por los que atraviesa su personaje.
Las escenas se van sucediendo sin una correlación directa, alternando entre lo onírico y lo real, con verdaderas transformaciones muy bien realizadas; que poco a poco se van ordenando como piezas de un rompe cabezas, conformando un gran cuadro imposible de mejorar.
La explotación de la mujer, la divinidad, el mito, el convivir y aceptar un don y el limite entre la vida y la muerte, se plantean en el escenario con altas dosis de humor y fantasía; con un texto excelso y una enorme actuación. Teatro en estado puro,sin interferencias. Para disfrutar de principio a fin. Súper recomendable.
Caras y caretas 2037; Viernes y Sábados 20 hs. A.R.
La pugna entre realidad y fantasía ha sido un constante en el escenario, desde La vida es sueño de Calderón hasta Melocotón en almíbar de Miguel Mihura son incontables las obras que se han adentrado en esta dualidad. En realidad, es normal, pues se trata de un tema que nos interpela directamente: ¿debemos vivir la vida que tenemos o la vida que queremos? En Memorias de una maga tienen clara la respuesta.
Este texto escrito por Leni González se centra en la historia (real) de Kamia, la primera maga argentina. En aproximadamente una hora el público es testigo de cómo pasa de ser una bióloga a toda una eminencia en el mundo de las ilusiones. Los dos espacios de trabajo de Kami representan la realidad y la fantasía; la ciencia y la magia. Por un lado, un laboratorio anodino, por el otro, un mundo lleno de purpurina. En esta historia la protagonista se da cuenta de que su vida no le llena como persona, así que decide dedicarse a aquello que siempre la ha movido desde el interior, ha vivir la vida como ella quiere vivirla. Abandona la ciencia para habitar en la fe (o mejor dicho, en las ilusiones).
La dramaturgia, por su parte, es rompedora con el esquema clásico, pues el conflicto principal aparece de forma muy sutil: Kamia sabe lo que quiere y no va a dejar que nada se interponga en su camino. Si bien es cierto que hay pinceladas (situación política del país en la época de Perón, un trabajo convencional que domina al ser humano, todas las normas sociales a las que las mujeres tenían que hacerle frente a mediados del siglo XX o la figura de un padre exitoso que ejerce presión a su hija), la fuerza del personaje las anula por completo. La mayor dificultad a la que se enfrente ella es la del dominio de un arte que no ha practicado anteriormente. Es un tipo de viaje que no se suele ser muy frecuente sobre el escenario, aunque se agradece verlo de vez en cuando.
Eugenia Alonso ofrece una interpretación decidida, firme y, sobre todo carismática, pues una maga ha de contar una personalidad arrolladora. A pesar de que esta historia podría perfectamente prestarse a contar con más personajes, ella no necesita a nadie para despertar el interés en el espectador e invitarnos a su espectáculo. Los trucos de magia, hilo conductor de la historia, son sencillos pero efectivos (recordemos que es una obra de teatro y no un espectáculo de magia al uso). De hecho, si no estuviesen, se echarían de menos. Además, el acompañamiento de Pablo Viotti enriquece todavía más la experiencia, ya que su música sumerge a Kamia en el mundo de lentejuelas que ella tanto ansía.
Ficha artística:
Dramaturgia: Leni González Interpretación: Eugenia Alonso Música en vivo: Pablo Viotti Dirección: Cecilia Meijide Asistencia artística: Julieta Kvasina Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics Diseño de iluminación: Ricardo Sica Fotografía: Juan Ferrari Asesoramiento en magia: Pablo Kusnetzoff Prensa: Carolina Alonso Producción: Pablo López Sábados 17hs en Teatro El Extranjero.
El jueves 4 de abril fue elegido para presenciar el regreso de Mon Laferte a la Argentina, quien llego al movistar arena con «Autopoiética Tour 2024» y deslumbró con un show impactante acompañada de un imponente despliegue de luces, vestuario, visuales y escenografía.
La artista ya había pisado recientemente el pais con un show sold out y en el que repitió la oportunidad de reencontrarse con su público nuevamente en el Movistar Arena con un recorrido de más de dos horas con sus grandes éxitos y el material más reciente.
Sonaron los primeros acordes de “Tenochtitlán» y el Movistar Arena ovacionó a la artista que ingresó al escenario en un clima de comunión con sus fanáticos.
¿Cómo está Buenos Aires? ¡Los extrañé! Durante el primer saludo de la noche, Mon entonó la primera estrofa de “Muchachos…” en un guiño al público local que lo festejó cantando. Fiel a su estilo vanguardista recorrió distintos géneros musicales creando atmósferas y momentos particulares para cada bloque del show.
Acompañada de una banda de cuatro músicos y cuatro bailarines, transitó desde la música electrónica y el rock a las baladas y la música regional.
En una verdadera celebración de la música y el arte interpretó su extenso y versátil repertorio que incluyó éxitos como «Tu Falta de Querer», «Aunque Te Mueras por Volver», «Amárrame», «La Mujer» y “Obra de Dios”; así como temas de su más reciente álbum «Autopoiética».
Para finalizar la noche, luego de una interminable ovación de toda una arena que no la quería dejar ir, Mon cantó “Tu falta de querer” y cerró la velada con «Casta Diva».
Todos los sábados a las 20 horas en La Carpintería sucede “Las Juanas, una herejía cósmica”, el viajado y reconocido unipersonal creado por la compañía santafesina Toia & Calacci.
Un eco, un viaje. Juana Manso, Juana La loca, Juana de Arco, Juana Azurduy, La Papisa Juana, Giovanna Marturano, Juana de Ibarboreau y Sor Juana Inés de la Cruz, espectros que gritan al presente. Las une la sangre, el olvido, la condena. Poesía y declaración. Un unipersonal mutante en donde cada momento corresponde a una Juana distinta. Un texto que sacude, que es tierno y crudo a la vez.
Agustina Toia es quien es todas ellas. Para aplaudir de pie la versatilidad de la actriz que construye todas estas otredades que la habitan en este (no)espacio y (no)tiempo. Toia es, también, quien modifica, a la vista del público, la escenografía para cada una de las Juanas que la poseen. Ella baila, se golpea, maneja los objetos con delicadeza y precisión. Toia se entrega al juego de ser portadora de esas otras, da cauce a una catarata expresiva que necesita salir.
La obra es visualmente potente. Inteligentes decisiones de luces, texturas, colores, vestuario, objetos, máscaras. La escenografía es versátil y se transforma. Una obra que es pura metáfora y a la vez no. Todo narra y apela a un mundo sensible. Lo sonoro no puede quedar afuera. La obra es un ritual. En “Las Juanas, una herejía cósmica”, los elementos de la puesta crean ese algo secreto, efímero, único. El público sale movilizado por el qué se cuenta y el cómo. Una obra que no deja de sorprender, que retumba y grita.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Dramaturgia y actuación:Agustina Toia/ Voz en Off: Neli Ramello/ Vestuario: Rosa Arena, Kitty Di Bártolo, Laura Perales/ Escenografía: Lucas Comparetto/ Máscaras: Cristián Medrano/ Música: Sol Gabetta/ Sonido: Ernesto Figge/ Fotografía: Pane Marucco/ Arte Gráfico: Adriano DI Mauro/ Producción general: Toia&callaci/ Puesta en escena: Severo Callaci / Dirección: Severo Callaci “Las Juanas, una herejía cósmica”- LA CARPINTERÍA (Jean Jaures 858)- Sábado – 20:00 hs – Hasta el 06/04/2024 Escribió: Micaela Steinbach
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