Crítica: Longlegs: Coleccionista de almas

¿Cuáles son los actos que nos alejan del mal?
¿Qué recuerdos es mejor borrar para que podamos crecer?
¿Harías cualquier cosa con tal de agradarle al amigo de un amigo?

“En la búsqueda de un asesino en serie, la agente del FBI, Lee Harker, descubre una serie de pistas ocultas que debe resolver para poner fin a una aterradora ola de asesinatos”, es la sinopsis de Longlegs, esta aclamada película que desde su estreno en festivales internacionales viene con una gran recepción por parte de los espectadores, críticos y prensa.

Osgood Perkins, su director y guionista, entrelaza el género del thriller policial con el terror. Donde una agente se ve envuelta en un gran caso de un macabro serial killer que aparentemente nadie más puede resolver salvo ella, ya que por alguna razón a la que no logra encontrar respuesta, se siente vinculada al victimario. 

Una película que es llevada excelentemente por su protagonista, la gran Maika Monroe, (a la cual le escribiría 100 películas más sólo a su mirada) acompañada por Blair Underwood y teniendo como antagonista a un misterioso personaje que se hace llamar Longlegs, siendo interpretado por el flamante y mítico Nicolas Cage en un papel tenebroso e histriónico apoyado en una particular y espectacular caracterización, donde al tener a Cage casi irreconocible lo notamos suelto, fresco y divirtiéndose al encarnar este oscuro personaje que a cuentagotas nos van revelando quien es.

Es un film que claramente tiene una raíz en The Silence of the Lambs de Jonathan Demme y a la vez en el cine de David Fincher como lo son Se7en y Zodiac, incluso se podría hacer un paralelismo con Misántropo de Damián Szifrón. Pero bajo la autoría de Oz Perkins este thriller es con un tono tremendamente satánico. La obra técnicamente, obviamente en pos de lo narrativo, es espléndida e impecable. Gracias a su fotografía, sonido y montaje se construye una atmósfera de tensión que no recuerdo haber experimentado tanto en una sala de cine este año. Se logra una tensión que nos acerca al terror sin tener que mostrarnos demasiado y esto queda clarísimo desde la primer secuencia.

Longlegs comienza con un primer acto excelso, prácticamente inmejorable, donde planta un tono sombrío, desangelado y desesperanzado perfectamente medido entre sus dos géneros. Está clarísimo que Oz Perkins sabe lo que quiere generar y lo logra con una puesta en escena que te pone los pelos de punta en cada plano y que no sólo se centra en una fotografía bonita o una trama enrevesada sino que crea una historia con profundidad cinematográfica, que cuando hablemos de X no sólo estemos hablando de X sino de algo más. Que haya una segunda historia por debajo de la primer lectura, que abra el abanico de la interpretación para el espectador y no lo tome de tonto generando un producto pochoclero que apenas deba masticar. Representación cinematográfica con simbolismos y analogías; puesta en escena. Dirección, básicamente. Algo perfectamente logrado en el mejor plano de la película, donde con dos luces, una puerta, una escalera y una llamada telefónica se crea algo más que la suma de las partes.

Peeeero… Lamentablemente parece que siempre hay un pero y en este caso siento que a partir del punto medio de la película el ritmo se resquebraja a cómo venía siendo y poco a poco se va acelerando pero en contra de su propia narrativa. Es verdad que Cage se devora la pantalla cada vez que aparece y hay una decisión por querer darnos un poco más de su personaje rompe el punto de vista de la protagonista y nos sitúa en el asiento del auto de Longlegs a mitad del film y desde allí cambia la forma en cómo es contada la historia. Pierde un poco el tono realista de thriller por adentrarse más en una resolución que busca lo explícito de la emoción del terror en contraposición de cómo fue sembrado en la primer parte del film, y al romper ese realismo, perdemos el componente terrenal y humano del terror que es en verdad el que más miedo genera. Ese terror que constantemente está entre nosotros en cada plano de la película. El mal, al ya no provenir de entre nosotros sino de algo más allá que no podemos controlar lo hace perder un poco porque entendemos que el mal, no importa en qué esté representado, siempre terminará imponiéndose. 

Los que saben afirman que un buen final debe ser tan inesperado como inevitable, y el final de Longlegs es claramente inevitable pero no sé si tan inesperado ya que no es tan difícil unir los puntos una vez está planteado el panorama. Y si hay algo que no hago cuando me siento en una butaca de cine es jugar a la futurología, imaginando posibles finales e intentando ser más inteligente que el propio film, en este caso Perkins sólo plantea tres puntos y los tres se unen en línea recta, no hay sorpresa más allá de un forzado y cantado plot twist. El aura satánica se adueña de la resolución del último acto intentando darle una verosimilitud dentro de su propio relato y aunque en el guion todo cuadre como debería desde la pantalla no me pareció tener un clímax a la altura de la apertura del film. Aún así, Longlegs es una excelente película para experimentar en una sala de cine y con ella Oz Perkins afirma su lugar como cineasta del género al cual habrá que seguir atentamente su carrera a futuro ya que muestra un gran oficio como autor y director cinematográfico.

Calificación: 8/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Carín León: Se vivió un show en el que el cantautor Mexicano pudo conquistar a su público en Movistar Arena.

La llegada de Carín León a la Argentina suponia la primera cita que tendría el artista mexicano dando un show en Buenos Aires, eligiendo el escenario del movistar arena para traer el show de «Boca Chueca Tour»

El estadio del movistar arena se encontraba lleno y antes de comenzar el espectáculo se sentía cierta euforia entre los fans debido a que era el primer show en Buenos Aires. Una vez comenzado el espectáculo, notamos la imponente puesta en escena en la que el artista quedó rodeado de alrededor de 30 músicos acompañadolo también con un gran apartado visual. De esta manera disfrutamos de un show de alrededor de 2 horas y 30 minutos de duración y sirvió la presentación de su último material discográfico «Boca Chueca» que también le dio el nombre al tour con el que llegó a Buenos Aires.

El show contó con 30 canciones en vivo en las que sonaron temas como «Qué vuelvas» «Primera cita», también ha interpretado temas de su nuevo álbum. Uno de los invitados especiales de la noche ha sido Abel Pintos, con quien cantó «Te lo agradezco». Otra de las sorpresas fue el Cover de «En la ciudad de la furia» Una de las míticas canciones de Soda Stereo y que fue muy bien recibida por todo el público.

Reseña: La hermana infame


Todos los miércoles a las 21hs, NÜN Teatro Bar alberga a “La hermana infame”.





¿Cómo hacer un homenaje? ¿Qué contar? ¿Qué no? ¿Qué ocurrió? El recuerdo como lugar incierto, cambiante, jamás verdad única y, sin embargo y a la vez, verdad de ese “yo”.  Recuerdo como forma de mantener vivo lo que ya no. Una obra biográfica. Una hermana, Gilda, rememora a su hermana muerta Sofía. Sofía en un pasado fue Raúl, Sofía fue licenciada en letras y profesora universitaria, Sofía falleció. Gilda  no endulza su historia, expone el dolor, el silencio, la alegría y la contradicción del amor. Gilda y Sofía: la memoria, la vida, la muerte.
Un monólogo agrietado. Momentos donde el pasado se cuela y se vuelve presente, donde el “yo- Gilda” enuncia, narra y, también, calla. Silencios. Un viaje por la relación de estas dos hermanas desde la perspectiva de Gilda. Todo lo complejo y, quizás, por eso tan profundo, inexplicable y, en algún punto, inenarrable del amor. 
Una mujer sola rodeada de libros. Respira, se mueve tranquila, con naturalidad, casi como si nos recibiera en el living de su casa y nos invitara a ser parte de un relato que ella quiere, quizás necesita, contar. Gilda habla desde su humanidad, no le da lugar a clichés ni subrayados, habla de su hermana desde ella, con todas las contradicciones que la atraviesan. La historia se despliega, los momentos suceden como imágenes. El público acompaña, quiere escuchar la risa rota, el amor dolido, las preguntas que retumban como eco.
“La hermana infame”, una obra de teatro que es homenaje sin los formalismos que los homenajes suponen. Un recuerdo vivo, tierno y contradictorio. “Ser o no ser” quizás sea siempre la cuestión. O no. ¿Acaso importa?
“La hermana infame”- NÜN TEATRO BAR (Juan Ramirez de Velasco 419)- Miércoles 21:00hs.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Sebastián Suñé/ Dirección:Elena AcuñaActúan: Gilda Scarpetta/ Vestuario y Escenografía: Vera Aricó/ Audiovisuales: BORIA AUDIOVISUAL/ Visuales: Leticia Barbitta/ Música original: Mauro Conde/ Diseño De Iluminación: Matías Sendón/ Asistencia artística: Leticia Barbitta/ Producción: Carola Parra/ Diseño de movimientos: Aymará Abramovich



Escribió: Micaela Steinbach

Análisis: Honeyland para Nintendo Switch

En esta ocasión probamos el título Honeyland para Nintendo Switch.  Un juego con un aspecto casual pero que trae un peculiar rompecabezas en la que debemos ser estratégico y esperar nuestro turno para hacerlo.

El objetivo del juego es ayudar a un oso a llegar a su preciada miel para que pueda consumirla. Para eso debemos atravesar una pista donde nos otorgan una serie de movimientos en cuadriculas que debemos elegir bien para poder llegar con los pasos justos. Es así como avanzamos en una serie de niveles que va aumentado la dificultad y nos hace pensar sobre como vamos a lograr el objetivo. El juego funciona bastante bien en su función de entretener y ser estratégicos, y más allá de su simplicidad, nos ha entretenido.

Vamos a decir que en cuanto al aspecto visual, se ve como un juego móvil y el diseño del oso es bastante feo. Aún así su gameplay es funcional y cuenta con sonidos que son agradable para lo que esta jugando.

Puede que no tenga mucho más que decir, pero honeyland es un juego super sencillo que tiene la finalidad de que usemos la mente para que podamos llegar al objetivo. Su cuadricula de movimientos es interesante y nos termina enganchado por unos tantos niveles donde el desafio es mayor, aunque su aspecto sea algo cutre.

Calificación 5.5/10

Reseña: Manual para armar un sueño

Sueños andaluces

El pasado 21 de agosto pudimos presenciar »Manual para armar un sueño «, obra original de la  compañía andaluza La Zaranda. Gracias al Complejo Teatral de Buenos Aires se dio el estreno en el Teatro Regio el cuàl estará solo por tres funciones, los miércoles hasta el 8 de septiembre.



»En el breve espacio que va de un camarín al escenario, un actor realiza un viaje infinito por la historia. Un sueño tan delgado como el hilo de un barrilete, aunque capaz de resistir tempestades». Así resume Eusebio Calonge su texto original.

Es importante señalar que »Manual para armar un sueño» es una obra que valga la redundancia, posee una narrativa y estilo onírico. Nos vamos a sumergir en la mente  del hombre entre sus pesadillas, anhelos y viajes astrales. Para ello tendremos a dos actores que interpretan  a un mismo personaje y un narrador presente en la última parte interpretando a Morfeo o al mismo diablo.

Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos son los actores veteranos de esta obra. Los tres se van a desenvolver en un escenario a oscuras, con una narrativa poética y exageraciones. tal cual representa un sueño. Con su jocosidad andaluza harán reír a los asistentes del Teatro Regio.

Paco de la Zaranda además de productor y director de la obra, es el escenógrafo de la misma. Solo una luz amarilla y lámparas guiarán  a los personajes dentro de una escena que no podremos ver, es en esa oscuridad donde ocurrirán efectos prácticos para darle el aspecto físico a la narrativa.
Metales, leds, lámparas de cabeza, tablas y fierros son los elementos que se mezclan en tablas, solo se va a revelar cuando se enciendan las luces de sala

Manual para armar un sueño es una obra diferente y muy andaluza que llega a  Corrientes y con la calidad que solo puede traer el Complejo Teatral de Buenos Aires.

Escribiò Sebastián Arismendi para La  Butaca Web. .

Reseña: Tutorial



Una divertida obra con una temática muy actual que nos entretiene durante 80 minutos, que parecen muchos menos gracias a un texto ( de Eva Halac) plagado de situaciones reconocibles para la mayoría de los espectadores, pero aquí tratadas con mucho humor; y una puesta en escena ( de la misma Eva Halac junto con Hernan Marquez) muy ágil y con un ritmo arrollador.


Si bien el texto va abriendo distintas ventanas temáticas con humor,  hay un tema central en donde la obra se pone profunda e interesante que tiene que ver con la soledad, la carencia de afecto y la inmediatez de pensamiento/deseo de los personajes.


Con un uso inteligente del espacio y los objetos escenográficos, que van transformando el ámbito de las distintas escenas sin apagones ni grandes movimientos que atenten contra el ritmo del relato; nos va llevando de las narices entre chistes y guiños a identificarnos con alguno de los personajes y cuestionarnos sobre nuestras conductas.
Apoyada en muy buenas actuaciones (Fernando Migueles, Natalia Giardinieri, Mora Monteleone y Nahuel Monasterio) que componen unos personajes contradictorios pero queribles, con los que es imposible no verse representado.


En síntesis, un espectáculo altamente recomendable que combina el humor con la profundidad de planteos; que divierte, entretiene y que vale la pena ver.
Teatro Del Pueblo (Lavalle 3636), Viernes 20 hs.

A.R

Reseña: La habitación blanca



Por Sofía Luna Roberts

La dicha del reencuentro. La incomodidad en los cuerpos, ¿se acordará de mí?, los miles de pensamientos inseguros, los abrazos que destapan recuerdos y las anécdotas que sirven como puente a ese pasado tan lejano y delicado como es la infancia. Ese reencuentro de ex compañeros con su maestra de primaria es lo que “La habitación blanca” nos viene a mostrar, de manera única, en Timbre 4 (México 3554) todos los domingos a las 19 horas.



Con autoría de Josep María Miró y dirección teatral de Lautaro Perotti, ésta obra nos cuenta la historia de Carlos, Laura y Manuel y su reencuentro con la señorita Mercedes, la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran chicos. La historia nos posiciona en esa habitación blanca donde se abrirán nuevas y viejas heridas del pasado que se entremezclan en un diálogo activo lleno de conmociones e interrogantes.

Las actuaciones (Andrés Ciavaglia, Melisa Hermida, Miriam Odorico y Alfredo Staffolani) son el verdadero corazón de la pieza. La dirección de Perotti se centra en la interpretación emocional y el realismo psicológico, lo que permite a lxs actores transmitir las capas de complejidad que atraviesan sus personajes de manera impecable. Sus actuaciones mantienen la tensión y el misterio a lo largo de toda la obra, generando en el espectador una sensación de querer saber que hay detrás de toda esa nostalgia dialogada entre los personajes. Lxs actores logran transmitir la angustia, el desconcierto y la búsqueda de sentido. Podemos dar cuenta de que las emociones en sí no se desbordan dentro del límite de la puesta en escena, sino que están contenidas haciendo que el espectador participe activamente al leer entre líneas y silencios.

Es de llamativa atención la minimalista puesta en escena compuesto únicamente por una habitación limitada, blanca y con alguna que otra mesa y silla. Éste diseño amplifica las emociones dejando que el foco principal recaiga sobre los personajes y sus interacciones. Resalta, de alguna manera, como una metáfora del vacío existencial y la confusión emocional que rodean a los personajes. La iluminación también juega un papel crucial, con una predominación de tonos blancos y fríos que acompañan el tinte introspectivo de la obra constantemente.

“La habitación blanca” es una obra íntima que dialoga (in)directamente con nosotros mediante el humor y el drama. Nos enfrenta y obliga a reflexionar sobre esos niños/as que alguna vez fuimos. La pieza teatral pone en valor el rol fundamental del docente, del ámbito escolar y de las relaciones entre compañerxs de escuela. Refleja los primeros años de nuestra infancia y en cómo eso influye en la naturaleza de las personas que somos hoy en día.

Parpadea dos veces: Crítica a la sátira social de Zoë Kravitz que mezcla terror y humor

Por Jhon Wolf



En su debut como directora, Zoë Kravitz nos ofrece «Parpadea dos veces», una película que mezcla comedia y terror con una crítica mordaz al poder y privilegio de los billonarios. La trama sigue a Frida, interpretada por Naomi Ackie, quien se adentra en un mundo de lujo y peligro tras aceptar la invitación de un multimillonario a su isla privada. Lo que comienza como un viaje de placer se convierte en una lucha por la supervivencia, desvelando los oscuros secretos de los poderosos.



Lo que me gustó:
La dirección de Kravitz, que mantiene la tensión y el misterio en la primera mitad de la película. Las actuaciones destacadas de Naomi Ackie, Adria Arjona y Alia Shawkat, quienes aportan profundidad a sus personajes. La banda sonora, repleta de temas de James Brown, que añade un ritmo vibrante a la narrativa. La crítica social directa a las élites y su percepción de impunidad.

Lo que no me gustó:
El tono satírico se siente a veces fuera de lugar, especialmente cuando la trama se vuelve más oscura. Channing Tatum no logra convencer como un personaje inicialmente ambiguo, lo que resta sorpresa al desarrollo de la historia. La película pierde algo de su impacto a medida que los giros de guión se acumulan,haciendo difícil mantener la coherencia narrativa.

¿A quién se la recomiendo?
«Parpadea dos veces» es ideal para quienes disfrutan de películas que combinan elementos de sátira social con tensión y misterio. Los fans de cintas como «El menú» o «Huye» encontrarán aquí un enfoque fresco y entretenido sobre el poder y la moralidad en tiempos modernos.


Calificación: 6/10

Crítica: Relatos Salvajes (10 años)

Reseña por Santiago Merlini

Duración: 122 minutos 

Dirección y Guión: Damian Szifron 

Que se puede decir de “Relatos Salvajes” que no se haya dicho. Eso es lo primero que uno piensa normalmente cuando toca hablar de obras de este calibre pero lo interesante es que cuando uno tiene la oportunidad de volver a verla se da cuenta que está equivocado, de películas como esta siempre hay algo más que decir. 

“Relatos Salvajes” es hoy en día aún más actual y conectada con el mundo en el que vivimos que hace 10 años, no es casualidad que Szifron mientras realizaba la gira de entrevistas para Misántropo, su última película, haya revelado que estaba en su cabeza la idea de una segunda parte al que él mismo describió como “Más Relatos y Más Salvajes”.

Es difícil encontrar algo para destacar sobre los demás porque los elementos de la película funcionan en perfecta armonía. Sus actuaciones son cada uno más memorable que la otra, pasando todas por distintos registros y maneras de actuar ante las distintas situaciones que afrontan siempre poniendo por delante la premisa: ¿Qué pasaría si por un rato le hacemos caso a nuestro instintos más animales y nos olvidamos de lo que la sociedad nos dice que deberíamos hacer?

La variedad de sus escenarios nos mueve por los distintos lugares de la Argentina en solo 2 horas desde un restaurante en un terminal de pueblo, una ruta en el interior del país, El microcentro más asfixiante y concurrido que conozcas, Un country en los suburbios y por ultima una fiesta sin lugar pero en la que todos rápidamente logramos situarnos.

También me parece interesante hablar de la unidad de los relatos y dejar en claro que no simplemente los une su temática violenta y su premisa que fue marcada antes, existen en todos las historias elementos que se repiten e incluso pequeños guiños que conectan las historias. Szifron hace un claro hincapié en la cuestión de los vehículos/ el transporte comenzando con un avión, siguiendo con una micro de larga distancia, pasando por autos que van ser partícipes fundamentales de crímenes (una explosion uno y un choque y huida en otro). Después podemos encontrar algunas vinculaciones entre relatos como lo es la tormenta en el relato de “Las ratas” y en relato del “Casamiento” o también la idea de la cárcel que presenta el personaje de Rita Cortese en “Las ratas” que vamos a retomar y finalmente conocer en el relato de el celebre “Bombita” protagonizado por Ricardo Darin.

Estos son solo algunos ejemplos para dar cuenta de que los relatos no están sólo vinculados por su temática, sino que además podemos encontrar elementos que son constantes en todas las historias.

Si tuvieron la oportunidad de verla en el cine cuando salió hace 10 años les recomiendo que vuelvan una vez ya que es una película interminable que hoy es más actual que antes. Si eran chicos cuando salio y no pudieron ir a verla, es el momento perfecto para poder vivirla en una pantalla grande ya que la sensación que genera en una sala de cine no es ni remotamente comparable a verla en tu casa y por último si no aún no la vieron de ninguna manera, ni en cines ni en su casa, no se que estan esperando para ir a verla ya que se encuentran en las salas ahora mismo. 

Espero que puedan (re)ver la película y formular sus propias opiniones. Saludos.

Reestreno: 22 de agosto 

Calificación: 10/10

Reseña: Guacho




Tuvimos el gusto de asistir en Ítaca Complejo teatral a la obra “Guacho” escrita por Sandra Franzen y dirigida por Cintia Miraglia, actúa Martín Urbaneja. Es una obra gauchesca en forma de unipersonal que relata la cruda historia de un hombre marginal de campo que vive un penoso destierro en el monte y que ha encontrado, oculto con paja para que no se lo coman los perros salvajes, un bebé abandonado.



De rancho; de peón y patrón; de “La Girasol” vaca flaca; de mal tiempo y malos presagios y de dolor e injusticia están compuestas sus escenas. Una botella de bebida blanca que de a ratos este rudo hombre traga cuando se le nubla la mente y el espíritu de tanto sufrimiento, sin embargo surge un brillo en sus ojos y una esperanza de vida. Interpretado con maestría por Martín Urbaneja.

La escenografía por Víctor Salvatore y el vestuario por La Maine están muy bien realizados y denotan trabajo y esfuerzo! Las luces a cargo de Mateo García y Cintia Miraglia lograron sombríos efectos con una buena gama de claros y oscuros que la obra necesitó en su desarrollo.

La música con guitarras, bombos y la voz de María Colloca es original de Gonzalez Dominguez. Su interpretación es cálida y musical, ¡destaca también que está muy bien grabada!

La obra “Guacho” con contemporaneidad hace gran honor al teatro nacional argentino, una obra con compromiso social y artístico. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Jueves 20hs en Ítaca complejo teatral, dirección Humahuaca 4027, CABA.




Matías Vanacor para la Butaca Web