Reseña: Chicas de New York


Por Gonzalo Brizuela

El Teatro Regina se viste de fiesta una vez más para dar la bienvenida a «Chicas de New York». Esta obra, dirigida por Rodrigo Villani, vuelve a escena con la misión de conquistar a una nueva camada de espectadores.

La historia nos transporta a la Nueva York de los años 30, en plena Gran Depresión, y sigue a Julie en su búsqueda de un padre desconocido que vive en Buenos Aires. Aunque la trama no es novedosa, funciona como un excelente punto de partida para una serie de situaciones que transitan entre el humor y la emoción. El guión, escrito por Hernán Bonsergent, consigue entrelazar la comedia de enredos y el drama familiar. La ambientación entre Nueva York y Buenos Aires le da un dinamismo interesante a la historia, aunque en algunos momentos caiga en ciertos estereotipos esperados de ambas ciudades.

Con un elenco de 25 artistas, «Chicas de New York» consigue montar escenas musicales llenas de vida y color. La dirección general de Ariel Ciocco y Rodrigo Villani es digna de aplausos por saber coordinar un despliegue tan amplio en un escenario como el del Regina. Uno de los grandes aciertos de la obra son las coreografías de Villani, que capturan a la perfección el espíritu de la época, transmitiendo una energía que mantiene a la audiencia atenta de principio a fin.

El vestuario, a cargo de Alfredo Miranda, y la escenografía logran recrear tanto el brillo opaco de la Nueva York de los años 30 como la esencia porteña de aquella época. Con ingenio y creatividad, sacan el máximo provecho de los recursos disponibles. El trabajo vocal, dirigido por Marcelo De Paula, eleva las actuaciones permitiendo que el elenco despliegue todo su talento. Entre los actores, destaca la participación de Lorena Paola, cuya experiencia y carisma añaden una capa extra de brillo a un reparto ya de por sí sobresaliente.

La música es otro de los puntos altos de esta obra ya que ofrece una combinación fresca y novedosa de tango con sonidos pertenecientes al charlestón de los años 30 creando una atmósfera que vacila entre lo porteño y los estadounidense.

En definitiva, «Chicas de New York» es un espectáculo que, pese a algunos pequeños tropiezos, consigue divertir, emocionar y dejar huella. Su mayor fortaleza es el compromiso y la entrega del elenco, que logra llevar el material mucho más allá de lo esperado. Para los fanáticos del teatro musical, esta propuesta es una opción imperdible que merece ser vista y aplaudida en el Teatro Regina.

Chicas De New York
Teatro Regina
Jueves de Septiembre y Octubre 20:30 hs

Reseña: La Madonnita


Por Nancy Benegas


Sinopsis
A principios del siglo XX, un hombre le saca fotos a su esposa con muy poca ropa para comercializarlas entre la clase trabajadora inmigrante. Un día, cansada del abuso al que es expuesta la protagonista, decide huir al encuentro del verdadero amor. El mejor cliente de su marido, también obnubilado por los encantos de la mujer, emprenderá a su búsqueda para traerla de regreso.


Reseña
Hay algo maravilloso en las obras independientes que presentan los teatros barriales… la pasión de los artistas en el escenario, esa entrega total y absoluta a lo que aman hacer, y en “La Madonnita” cada uno de los protagonistas lo pone en evidencia y es algo que siempre el espectador agradece. Buen vestuario y super acogedor el lugar. 
La gran dirección de Malena Miramontes Boim, en esta adaptación del libro de Mauricio Kartun, logra llevar a escena un espectáculo bien logrado que sigue perdurando a través de los años.


Detalle
La obra no defrauda, por momentos el ritmo se vuelve lento y los diálogos un poco largos cuando se espera con ansiedad la resolución de la historia. Hace muy poquito cumplieron las 100 funciones, prueba que su historia es buena, perdura.


Ficha Técnica
Dirección: Malena Miramontes Boim
Reparto: Natalia Pascale, Fito Perez y Darío Serantes
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 60 minutos
Puntaje: 8/10
Funciones: Domingos a las 19.30 hs en Itaca Complejo Teatral, en Humahuaca 4027

Reseña: Habitar un pájaro (O la metamorfosis del sr López)


Por Nancy Benegas


Sinopsis
El Señor López sueña con ser un pájaro; de eso va la historia, de todas y cada una de las travesías que debe enfrentar en su vida para poder transformarse en quien desea ser. En un mundo donde la realidad suele ser la jaula social que marca los limites, el único camino para hacer realidad sus sueños será enfrentarse a su propia transformación.


Reseña
Bastaron 60 minutos para saber contar e interpretar bellamente la historia de Habitar un pájaro; una obra tan sutil y delicada en su relato que sabe llegar a la sensibilidad y emoción sin golpes bajos, dejando un mensaje bello e inspirador.


Una propuesta diferente que encuentra en la unión del teatro, la danza y la interpretación con títeres un mensaje artístico profundo que celebra el animarse a la transformación. Con una puesta en escena muy bien lograda, cada uno de los protagonistas permite que la narración fluya maravillosamente.


Basado en el cuento “La metamorfosis del Señor López” del dramaturgo español Rubén Pérez Pombo; La obra es una de las ganadoras de Iberescena, un programa que promueve el intercambio, la creación y profesionalización de las Artes Escénicas Iberoamericanas.


Detalle
No tengan dudas de ir al teatro a ver Habitar un pájaro, podrán experimentar en ustedes mismos adonde puede llevar una historia cuando está bien contada.


Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Friedenberg
Reparto: Gustavo Friedenberg, Daniela Fiorentino y Eliana Pereira Rejala
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 60 minutos
Puntaje: 9,50/10
Funciones: Todos los jueves de septiembre a las 20.30 hs en el Centro Cultural De La Cooperación, en  Avenida Corrientes 1543.

Crítica: El aroma del pasto recién cortado

Por Jhon Wolf






Descripción:
«El aroma del pasto recién cortado» es un drama dirigido por Celina Murga, en el que dos historias independientes pero entrelazadas exploran las complejidades de la vida adulta, la rutina matrimonial y las dinámicas de poder en las relaciones. Con un elenco destacado, encabezado por Joaquín Furriel y Marina de Tavira, la película aborda temas como la infidelidad, las expectativas sociales y los cambios culturales contemporáneos.



Lo que me gustó:
La película se destaca por su sólida dirección y la forma en que aborda las presiones y dilemas de la vida moderna. La estructura narrativa que refleja las vidas de los protagonistas funciona como un espejo, mostrando las similitudes y diferencias en sus experiencias. Las actuaciones son convincentes, especialmente las de Furriel y De Tavira, quienes aportan una profundidad emocional a sus personajes. Celina Murga logra plantear preguntas provocadoras sobre las relaciones humanas, evitando caer en juicios simplistas o respuestas definitivas.

Lo que no me gustó:
A pesar de su profundidad temática, la película puede sentirse un poco rígida y calculada en algunos momentos. La estructura narrativa de historias paralelas, aunque interesante, a veces resulta forzada y le resta cierta fluidez. Además, la obra se aleja del desenfado y la naturalidad que caracterizan las películas previas de Murga, lo que podría dejar a algunos espectadores extrañando esa espontaneidad.

¿A quién recomiendo esta película?
Recomendaría «El aroma del pasto recién cortado» a aquellos que disfrutan de los dramas adultos y reflexivos que profundizan en las complejidades de las relaciones y la vida contemporánea. Es una película ideal para quienes buscan cine que provoque la reflexión sobre los roles de género, el matrimonio y las dinámicas familiares. Aunque puede ser más rígida que los trabajos anteriores de Murga, ofrece una experiencia cinematográfica madura e introspectiva.

Puntuación 6/10

Crítica: No hables con extraños

Por Jhon Wolf

Sinopsis: 
Cuando una familia estadounidense es invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica. De la mano de Blumhouse, productora de «Black Phone», «Déjame salir» y «El hombre invisible», llega «No hables con extraños», un intenso thriller contemporáneo protagonizado por el ganador de un BAFTA, James McAvoy, en el papel de un carismático y dominante propietario de la finca, cuya hospitalidad esconde un oscuro secreto.




Crítica:
«James Watkins firma el remake de la película danesa ‘Gaesterne’, ofreciendo una visión inquietante del infierno que experimenta una familia americana al aceptar la invitación de una familia amiga en su casa de Londres. El filme tiene un comienzo aparentemente idílico, pero rápidamente se transforma en un relato oscuro que desafía las normas de civilización y cortesía.

Uno de los puntos fuertes de ‘No hables con extraños’ es su capacidad para generar una atmósfera de tensión psicológica. Watkins juega con los temores y las inseguridades de la familia invitada, presentando situaciones que hacen que tanto los personajes como el público se cuestionen las normas de la civilidad y el miedo a ofender. En su primera mitad, la película mantiene un tono fiel al original danés, aunque añade un toque de humor que, a veces, contrasta con la oscuridad de la trama.

Lo Bueno:
Actuaciones Sólidas: James McAvoy ofrece una interpretación fascinante como el carismático propietario de la finca, mientras que Aisling Franciosi complementa la dinámica de manera brillante.
-Dirección Atmosférica: Watkins demuestra una habilidad para crear un ambiente opresivo y perturbador, sumergiendo a la audiencia en la creciente pesadilla de la familia.
– **Cinefilia y Referencias:  La casi media hora final es un homenaje a ‘Perros de paja’, de Sam Peckinpah, recreando el clímax del acecho en la granja con gran intensidad y destreza.

Lo Malo:
Final Más Digerible: La conclusión de ‘No hables con extraños’ se siente más cómoda y menos impactante que la del original danés. Watkins parece optar por un final más acorde con los gustos del público mainstream, lo que puede decepcionar a los conocedores del filme original.
Renuncia a lo Extremo: El filme muestra síntomas de no llevar a sus personajes y a la trama al límite que el material original sugiera, lo que podría haber añadido una capa adicional de horror y crítica social.

En resumen, ‘No hables con extraños’ es un thriller psicológico que, aunque menos contundente que su predecesor, logra perturbar y entretener. Watkins utiliza la trama para explorar la naturaleza humana, las normas sociales y el temor que provoca la transgresión de estas reglas. A pesar de sus concesiones al público general, la película es una experiencia cinematográfica intensa, que hace eco de los monstruos internos que se esconden bajo la fachada de la civilidad.

Puntuación 7/10

Crítica: La sombra del comandante


Por Gustavo Condano

Si estos dos pudieron juntarse, no hay razón para que no vayas a comer con tu suegra.

Este documental está basado en la historia real del hijo del comandante de Auschwitz que inspiró la película “Zona de interés” ganadora del oscar a mejor película internacional. ¿Vale la pena este viaje al pasado? Lo vemos debajo.



La historia:
Kai Hoss, es el nieto de Rudolf Hoess, el comandante a cargo del campo de concentración de Auschwitz. Habla junto con su padre Hans sobre lo que hizo su abuelo durante la segunda guerra mundial. Paralelamente la hija de Anita Lasker-Wallfisch, sobreviviente de ese campo de concentración, comienza a indagar en el pasado y trata de conectarse con el haciendo un viaje a ver la tumba de sus abuelos en lo que ahora es Polonia.
Estos personajes, junto con la ayuda de registros fílmicos de la época, nos van contando esta historia desde un punto de vista histórico pero también personal, haciendo énfasis en cómo las distintas generaciones registran de formas muy distintas lo sucedido.
Por supuesto la frutilla de la torta es la reunión entre Hans y Anita después de tantos años y junto a su familia. ¿Qué tendrán para decirse cara a cara? Habrá que verlo para descubrirlo

¿Qué me gustó?
Más allá que es una historia que se ha contado muchas veces este enfoque te acerca más a lo vivido en esa época, de uno y otro lado de la cerca
Los testimonios son sumamente interesantes, especialmente el de Anita que es digno de escuchar.
Es interesante como los nietos toman las cosas que sucedieron de forma mucho más personal que los que realmente las vivieron.
La pregunta que está presente en todo momento es cuán responsables somos de los pecados de nuestros ancestros.




¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Es una historia conocida pero que no deja de emocionar.  Es recomendable para quien conozca la historia y también para los que no la tengan tan presente.

Disponible el 12 de septiembre en cines y próximamente en Max
Calificación: 8/10
Duración: 105 minutos

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

Reseña: Un dios olvidado

Por Daniel Alvarez

El dios derrocado

Los tiranos siempre se han creído dioses, más aún los monarcas; el creer que tienen un derecho divino a gobernar una nación solo por la sangre, ha creado imperios pero también su propia destrucción.



En 1917 el gran imperio de los zares cae mediante dos revoluciones el mismo año, a partir de ese momento el mundo cambiaría para siempre. La revolución no acepta a los dioses; esto plantea Raúl Meoz en su obra «Un dios olvidado».

«Nicolás, el emperador, se encuentra inmerso en una guerra que trae la desolación en sus dominios. Debido a la
hambruna y miseria, poco a poco florecen revueltas en su
imperio, por lo que tiene que decidir si les hace frente o si las ignora para mantener la burbuja en la que vive».

La obra dirigida por Andrés Machillanda está encabezada por un elenco joven y prometedor: Julián La Regina, Marcos Luquin, Valentín Sabbatiello De Isla y Tomás Scheifer son los actores encargados de interpretar este hito histórico.

En una hora se resume la Revolución Bolchevique y la caída del Zar Nicolás II mediante un libreto cargado de poesía, referencias históricas y dramatismo. Los actores tienen la agilidad para cambiar de rol en un segundo y darle más contenido a la obra.

Un dios olvidado contiene la intensidad que se necesita para llevar este hecho, su dirección tiene fuerza y eso se demuestra en el dominio de los actores y su lenguaje corporal. La puesta en escena es simple pero bien optimizada. Los cambios de vestuario dan al toque para el cambio de personaje y el libreto de Raúl Meoz es plausible.

Un Dios olvidado está disponible los sábados a las 21:30 en el Teatro Tadron.

Harlem Festival: Falta sólo un mes para el festival que se afianzó reuniendo a grandes artistas en la ciudad de Santa Fe

Falta solo 1 mes para el festival más esperado de Santa Fe! El fin de semana largo del 12 y 13 de octubre, la ciudad de Santa Fe se llenará de música y fiesta para todo el público.




Entradas a la venta en

harlem.com.ar desde $50.000


6 cuotas sin interés con tarjeta de crédito VISA de Banco Santa Fe o Banco Entre Ríos



LINE UP


DÍA 1- SAB 12

SAB 12: YSY A – GUASONES – TURF – HOMER EL MERO MERO – INDIOS – SILVESTRE Y LA NARANJA – BLAIR – SIXTO YEGROS – CLARA CAVA – MHTRESUNO – SOUI UNO – FRANCO RIZZARO – JOYSTICK – ANA MILAGROS – BRESH





DÍA 2- DOM 13

TRUENO – LA VELA PUERCA – CRUZANDO EL CHARCO – ACRU – SARAMALACARA – SIX SEX – UN VERANO – SOFIA MORA – EL PURRE – WILLY BRONCA – KHAPPA – FELI RUIZ – DLC CREW – PICHEO 808


Con una grilla contundente de artistas consagrados y por consagrarse, este año  Harlem Festival se apodera de la escena nacional.

Dos días a pura música y todos los géneros, pasando desde el rey del trap y dueño de los sismos YSY A, nuestros vecinos uruguayos La Vela Puerca, uno de los líderes del rap nacional Trueno hasta el príncipe de los hits Turf y los platenses Guasones y Cruzando el Charco. El ansiado regreso a los escenarios de Indios, más referentes de la escena urbana como Acru,  Saramalacara  y Homer el Mero Mero también forman parte de esta entrega del festival.

Además Silvestre y La Naranja, Blair, Six Sex, Un Verano, Clara Cava, Sixto Yegros, Franco Rizzaro, El Purre, Soui Uno, Willy Bronca, entre muchos más. Y para cerrar cada jornada a pura fiesta, una noche será con “la fiesta más linda del mundo” BRESH  y la otra con “el party de tus sueños” Picheo 808.

Crítica: La estrella azul

Un viaje y una crisis existencial a partir de la búsqueda de
quién soy,
quién quiero ser y hacer,
qué mundo me rodea y
si este me permite (o no) realizarme como artista (y persona).

En búsqueda de alguna verdad que lo reconecte, escapando de su propia vorágine y adicciones, Mauricio Aznar Müller, músico de Zaragoza, emprende un viaje a Argentina para visitar la casa de Atahualpa Yupanqui, a quien escuchaba desde muy joven gracias a un cassette que le regalaron a su madre. En medio de esa específica búsqueda, gracias a una peña folclórica Mauricio conoce la música de Don Carlos Carabajal, el padre de la chacarera, (interpretado por su propio hermano Cuti Carabajal) y viaja a Santiago del Estero para conocerlo, donde se termina asentando unos días en su casa para aprender de él a la vez que se conoce con toda su familia.

Una ópera prima que aparenta pequeña pero no lo es, ya que logra ser una película gigante. Javier Macipe, su guionista y director, entiende que con lo justo y necesario se puede causar muchísimo. Una buena historia, unas muy buenas actuaciones, una buena puesta en escena y un equipo entero que se nota estar celebrando con mucho amor y sensibilidad la creación de la película es un proceso que difícilmente falle. Y remarco que la obra desde inicio a fin se siente y se ve una celebración más grande que la suma de sus partes.

Cual ejercicio digno de un médium, Mauricio se siente vivo en la piel de un impecable Pepe Lorente. Profunda y brillante interpretación tanto del protagonista como de toda la familia Carabajal que realmente vivió en los años ’90 la visita del músico aragonés y representan con una notable sencillez cómo viven la música y la vida en Santiago del Estero.

Con un primer acto que nos mete en el denso momento que el protagonista atraviesa, un segundo acto bellísimo que logra capturar en imágenes y sonido un amor realista, a flor de piel, por el arte y cultura argentina; y un tercer acto nuevamente en España que busca un fuerte impacto con una resolución particular narrativamente pero certera en su cometido, la película se siente fresca, única y valiosa.

Don Carlos le dice a Mauricio que se ahorre las florituras, que no son necesarias para lo que quiere conseguir, que el folclore es como el acento no se fuerza, se pega. Y algo así se puede percibir el tercer acto del film, el cual aún así, me gustó y mucho. Pues, siempre estaré del lado de los autores cuando note genuina su mirada, y así lo aprecié a Javier Macipe con su ópera prima. Quienes tengan una visión interesante, una mirada puesta en un punto particular para compartir. Una voz digna de ser escuchada para que no pase al olvido antes de terminar la oración, siempre será algo que enriquezca.

Por otro lado, creo que la propia obra no necesitaba un artilugio tan disruptivo para su propia trama como lo es el juego del metalenguaje. Que me gustó y lo aplaudo porque se siente satisfactoriamente logrado ya que por más que sea una fuerte decisión narrativa, la misma no descuida las secuencias previas y todo lo anterior construido, sabiendo que el último acto seguramente se lleve la mayor atención, la película está igual de increíblemente presente en los detalles de las miradas y sonrisas como en las secuencias de mayor espectacularidad como lo son las peñas folclóricas con sus bailes en Argentina, los shows de Mauricio en España, y a su vez en ese especial final.

La película es fascinante, hay que vivirla en una sala de cine y algo que me parece super hermoso del film es su dedicación a ‘las estrellas anónimas’ y hay que ser consciente de ello ya que ninguno de nosotros estaríamos acá mismo, en esta precisa situación, si no fuera por la vida y obra de Mauricio Aznar (pero también por todas las personas que trabajan para crear una película). La celebración a Mauricio es algo que seguramente saque enormes sonrisas y lágrimas a quienes lo sientan cercano e incluso también a aquellos que probablemente vean el film sin conocerlo de antemano pero que seguramente al terminar la película se retiren de la sala de cine celebrándolo. 

Calificación: 8.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Reseña: El arte de esgrimir

Tomando como disparador del relato un hecho histórico (el ultimo duelo registrado en Argentina en el año 1968 entre un periodista y un militar), nos lleva a recorrer el interior de un matrimonio, donde los reclamos, las verdades y las contradicciones entre ellos deriva en una comedia en la que se confunden lo absurdo y lo profundo.


A partir de ahí, pareciera que los planetas se alinean y todo lo referente al espectáculo esta en su lugar. El texto de Enrique Papatino es de una gran belleza y combina en dosis perfectas  sentimientos profundos con momentos desopilantes.  La puesta de Emiliano Samar se aprovecha de un espacio desprovisto para darle agilidad al relato, encontrando los puntos justos donde maridar dramatismo con momentos musicales, que incluyen divertidas coreografiás muy de la época.


Destacadas actuaciones de Yamila Ulanovsky y Mateo Chiarino, que logran componer dos personajes contradictorios y muy verosímiles. Imperdible para los amantes del buen teatro, un espectáculo maravilloso.


Sabados 22 hs. Teatro del Pueblo, Lavalle 3636, C.A.B.A.