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En este 2024 se estrenó nuevamente la obra musicales «Rock of Ages», esta vez de la mano de Covershow que ha convocado talento joven para montar este espectáculo lleno de música de rock de los 80′ y que ofrece una propuesta más que entretenida para disfrutar los miércoles en el Teatro Lola Membrives.
La obra nos presenta muchas historias en paralelo pero vamos comentando las principales. Tenemos la necesaria historia de amor, donde un joven aspirante a estrella de rock y una actriz que buscar su lugar en Hollywood se encuentran. El punto de encuentro es un bar, que al estilo Hard Rock, ha sido la cuna de muchas estrellas de la música y donde este templo está a punto de perderse por la idea de una renovación de la ciudad, que implica eliminar al rock de la misma. Los jóvenes se enamoran pero la inexperiencia y algunas confusiones llevan a que sus destinos se separen, mientras la llegada de una estrella ya consagrada complica aún más las cosas.
Uno de los elementos más importante de la puesta son sus canciones, en el cual podemos disfrutar de temas como «Here i go again» «I wanna Rock» «I want to know what love is» entre otras. Toca aclarar que es muy importante, que cada tema de puede disfrutar en su idioma original, aunque cuenta con algunos pequeños tramos en español, en los momentos que es necesario conectar con la narrativa de la historia pero luego te permiten que la cantes como realmente conoces aquellos temas. El elenco ha dado muy buenas interpretaciones, destacando las voces y algunas coreos que sirven para hacer un espectáculo con cada número en la obra.
Rock of ages es una comedia, que usa desde la narración un sentido parodico tanto de las comedias románticas como de los musicales de Broadway, haciendo uso y también burla de los clichés que existen en estas historias y conectando con el público al romper la cuarta pared en ciertas ocasiones. La música en vivo también es un factor fundamental en el que resulta un lujo contar en una producción.
Rock of ages es un musical muy divertido y que también nos trae reconocidas canciones para que las podamos entonar y también bailar desde nuestra Butaca. Los miércoles en el Lola Membrives están listos para rockear con una propuesta que cuenta con mucho talento, tanto desde la producción como de los actores que dan todo para ofrecernos una gran noche de teatro.
El Teatro Colón guarda un secreto subterráneo. un lugar que solo los curiosos conocen, no solo una gran sala lírica de 2478 butacas, es mucho más.
El CETC (Centro Experimental del Teatro Colón) funciona como un espacio donde la música experimental. contemporánea y de investigación se fusionan para ofrecer una experiencia diferente y poco ortodoxa. El pasado 25 de agosto tuvimos el privilegio de asistir a la premiere de Kassandra, Ópera de cámara Pablo Ortiz y Sergio Blanco. Coproducción entre el Alternative Stage de la Ópera Nacional de Grecia y el Centro de Experimentación del Teatro Colón.
Casandra forma parte de la mitología griega como hija de Hécuba y Príamo, reyes de Troya, y hermana de Paris y Héctor, siendo esta mujer quien predijo la guerra y condenada por sus actos carnales y al olvido.
La estrella de esta ópera es María Castillo de Lima, soprano brasileña que forma parte del coro estable del Colón, así como también ha tenido papeles importantes en obras como Madame Butterfly. Cabe destacar que Castillo de Lima es la primera soprano trans del Teatro y una de las pocas de América. Su gran talento y presencia hizo encarnar a una Casandra apoteósica,estrambótica y con influencias de la comunidad afro de Queens.
Sergio Blanco escribe este libreto en inglés para su internacionalización, los espectadores podrán leer los subtítulos en dos pantallas dentro del escenario pues más allá del despliegue musical de la composición de Pablo Ortiz, está la historia que narra Castillo de Lima, la desgracia de Casandra.
Castillo de Lima tiene presencia y fuerza, acá vemos como se desplaza en el escenario con gran carisma, picardía, seducción pero también fragilidad. Los músicos de la obra son solo cuatro (cello, violín, percusión y clarinete); esto permite generar una experiencia más íntima en la cual la soprano es la máxima estrella.
Teatral, jocosa, trágica y pícara, así podemos definir Kassandra. Un escenario de luces tenues conformado por banquetas y mesitas que recrean un bar de mala muerte, Gonzalo Córdova es parte de la escena, sabe como capturar la historia y el monólogo de Sergio Blanco.
Kassandra fue un show diferente que el Colón incorporó a su repertorio. Una manera diferente de ver la ópera, deconstruirla y hacerla más inmersiva, menos ortodoxa y más personal. Una María Castillo de Lima desafiante.
Milagros Amud es cantante y autora. Sus 18 años la encuentran en un «adulto», con un gran despliegue laboral.
Oriunda del Partido de La Costa, aunque de muy chica con apenas 7 meses, emigró con su madre al Gran Buenos Aires, en donde hoy vive, San Miguel; la convivencia con sus bisabuelos ocupó un lugar bisagra para dar pie a su presente: el tango. El género dicho tiene aún en lo probable como asociación directa a un estereotipo determinado de «esquina de café» de la Ciudad de Bs. As., pero en parafraseo a un conocido refrán: «todo está para romperse».
En términos genéricos, la reciente mayoría de edad ocupa un fuerte lugar en ese tándem de búsqueda y frenesí, donde por cierto mandato/inercia se hilvana a una mera responsabilidad de conseguir rédito alguno de lo que se hace; en donde no se escapa la subestimación como punto de análisis, como así tampoco la sobrecarga de expectativas, en siempre realidades únicas y particulares… «En el ínterin que me quedaba en casa, mientras mi mamá trabajaba, se dio la convivencia en donde pasó la parte musical; ayudó mucho que mi bisabuelo fue bailarín, y mi bisabuela muy rockera. En esa mezcla, comencé a cantar folclore, melódico y tango». El tiempo, el gusto y el destino acomodó las piezas para que el género homónimo a Gardel, haya llevado a Milagros al camino de hoy.
«Somos varios jóvenes (sub-20) que estamos en el tango. Para nosotros, el premio de una competencia provincial, es ya estar ahí»
7 años, a dicha edad es cuando Milagros toma su primer registro de rememorar como traducía lo adquirido a vivas voces, y sin tapujos de sus dotes vocales a estar, por entonces, latente a lo que es hoy su cotidianidad. “En el 2019 participé en el Mundial de Tango –en la parte musical- que se llamó ‘Buenos Aires Tango’, lo codujo Silvio Soldán y Alberto Bianco, esa fue la segunda edición, había artistas invitados, y una de esas fui yo; después vino la pandemia, y bueno por estudio no pude ir”, comentaba en relación a un evento que tenía a una suerte de padrino artístico como el conductor de las siglas seguidas de S. Luego de lo mencionado, a los 15/16 años, empezó un periplo de tipo profesional, a través de presenciar festivales de competencias, como también cantar en restaurantes-bares, televisoras, radios, y lugares más bien de tipo cultural. «En la preparación algo siempre pasa, y en un punto se transmite; es muy difícil encontrar alguien que pueda separar del todo lo malo que le pasó; hay un reflejo que uno hace a partir de lo que se siente, y si fue malo, hasta por ahí quién dice, sale mejor», nos señalaba, en lo que luego destacó: «Me acuerdo de que cuando tenía 12 años fui a Canal 13, en donde la manera de contención fue jugar detrás de cámara a la mancha con Juanita Viale; después estuve en otros formatos donde es distinto, y hay otra manera de ser en la producción, ahí es más complicado porque uno no está como cuando era chico en una burbuja de emociones». Los tiempos de la tele siempre son formatos que avasallan e interpelan el “qué dirán”, en un concepto que tiene que ver más con que el “show debe comenzar” ante la templanza necesaria de contener una tensión lógica a una puesta en escena…
Circuito del tango; pleito y deconstrucción de tiempos…
“Comprendo que es una época muy distinta a la que tenemos, no pondría el término de ‘culpabilidad machista’ porque eran percepciones de la cultura; si vamos con lo que es el tango, es complicado meterlo en una sola característica. Antes de las inmigraciones europeas a los años 70, se ha pasado por distintas cuestiones políticas y sociales que han cambiado la visión cultural. Te encontras con un tango denigrador en algunas letras, más en los años ’20; inclusive antes de las inmigraciones, y de llegar el bandoneón era sin letra, más alegre… En los ‘40/’50 más de tipo romántico; en los ’70 de la Ciudad, de lo bohemio… Es muy complicado meterlo en un solo lugar. Te puede gustar una época más que otra, te podés encontrar inclusive con un estudio de la historia a través del tango; pero meterlo como ‘machista’, eso yo lo he tomado por otro lado, más que como lo mencionado…”. Hay un limbo situado entre la famosa «cultura de la cancelación» y una deconstrucción crítica que recae en un análisis permitido/necesario, sobre canciones y estilos que no hacían excepción alguna al concepto del machismo/sexismo como vidriera publicitaria… «Si te agarro con otro te mato (…)», el extracto (conocido a raíz del Ni Una Menos) se trata de un tema interpretado por Sydney Magal en 1976, un músico brasileño que lo entonaba por aquel momento bajo un estilo de rock-balada. Luego Cacho Castaña, en el año 2003, diversifica la letra en uso a un estilo más asociado al tango, con otras particularidades de asociación a la misoginia. De más está en decir que el contraste a la actualidad es muy agudo, que sucede entre la crítica y el repudio, y que hay un escenario amplio y casi unánime que pone, y de mínima, un freno al respecto de algunas letras… «Es imposible que no se critique… Es un factor de la música, que tal vez sea incorrecto, depende de la época en que se esté es incorrecto. Volviendo al tema del tango, la música de Piazzola fue incorrecta… Inclusive el rock cuando apareció fue incorrecto para los tangueros convencionales. Hoy lo que surge, en géneros urbanos en algún un punto es incorrecto. Criticar es dar un punto de vista y aggionarse en lo que es la gama musical de hoy, que es de un gusto o no… Pero una cosa es prohibirla, y es otro cantar, en lo que podemos estar, creo yo, bastante todos en desacuerdo».
Siempre el análisis, en función de un determinado rubro, contiene, entre tanto y lamentablemente, un dejo de suspicacia permitido y/o no ameritado; en esta ocasión, cae de maduro que posee lo especificado un lugar en la música, y que, por obvias y amplias razones, no hay excepción al tango; en donde sobrevuela la polémica de qué si y qué no, como el por qué…
«En algunas cosas de la música viviría en el Siglo pasado»
Sociedad: causa y el porqué del presente… Es claro que la juventud -en un amplio sentido- goza de un lugar preponderante y/o visible en una actualidad de tanta zozobra social, como también de una competencia a costa de la viralidad del “como sea” y “porque sí”; la intensidad diaria hace sentir de lleno el dicho de «no dejar para mañana lo que puedas hacer hoy». La vertiginosidad que generan los contenidos interactivos de diversas redes sociales hace tomar un foco de atracción que relaciona a las ansias y el deseo de generar contenido a un frenesí de casi o total «vale todo”; una cuestión efímera y cruel, pero anhelada al fin… Algo que es cíclico y muy particular, que entra en el concepto “resultadista” de la vida… «Y yo que viviría en el Siglo pasado en algunas cosas de la música (risas), está muy buena la diversidad, como también la polémica, porque se van abriendo nuevas puertas para otras cosas, y siendo la música algo tan transparente es muy interesante analizarlo como historia, y siempre vas a encontrar un reflejo en la música, de lo que somos, y en algún punto mezclarlo con lo que fuimos. Estar abierto a ver que se puede hallar. No he encontrado a algún artista de este presente que me guste mucho para escucharlo demasiado. Una fusión entre tango y trap -a raíz de un bandoneonista-, sí; tal vez encuentro un camino por ahí, y seguramente se funden las dos culturas»; comenta mientras que, en el cierre del concepto, ante si se la ve en ejercicio de un estilo urbano, nos cuenta que, si bien le ha agradado algunos temas de Lali y Nicki Nicole, no lo haría…
Conclusión La música no solo contiene un fervor que de por sí la vuelve deseada y admirada, sino que es un fuerte hilo conductor en relación a la transversalidad de un sinfín de estamentos sociales, donde no hay separación alguna de la pobreza a la riqueza como paradigmas de limitación a realizar y trascender… Con Milagros atravesamos un recorrido conciso y directo al presente sin ahondar en una rosca de ida-vuelta, pero a indagar un poco ese por qué del tango, bajo una perspectiva que interpela pasado y presente, sin caer en la polémica. Cualquiera podría imaginar que, para una cena con 18 años, nombraría mínimamente a un personaje que resulte foco de atracción para un posteo en redes sociales, pero ella en cambio, invitaría –en sentido metafórico- al Polaco Goyeneche, Nelly Omar, Azucena Maizani y Homero Manzi. Claramente un espejo de una historia que la tiene más que vigente; con un fuerte arraigo a la compañía y la influencia familiar que la llevan a la joven tanguera a tener un perfil muy exclusivo; bajo una raíz que no abunda en el ambiente por exceder en personalismos que son plasmados a voces fuertes y con descaro; Milagros a esto último, todo lo contrario; tiene un resultado más que positivo, y creo que se dejó en claro el porqué de eso…
Fechas en septiembre Jueves y viernes y sábados del mes a partir de las 21:30 horas en CÁTULO TANGO -Ciudad de Buenos Aires- con el cuartero de Esteban Morgado. Domingo 15 de septiembre en la Biblioteca Municipal de Malvinas Argentinas, en evento caritativo llamado «Alto Tango». Domingo 22 en Los Laureles – Ciudad de Buenos Aires-, al mediodía. Domingo 22 en Milonga Grisel -Ciudad de Buenos Aires-, por la noche. Viernes 27 en el Palacio Balcarce -Ciudad de Buenos Aires- con la Orquesta de Tango 64. Domingos -todos, no exclusivo al mes- por la noche vía Facebook Live (Milagros Amud) radio-tango a modo de entretenimiento.
Contacto IG: Milagros_Amud Facebook: Milagros Amud –Tangos Milongas y Boleros You Tube: Milagros_Amud_Tango
Si hay una peli que aclara lo que vas a ver en el título es esta.
Un tren en movimiento, un comando del ejército hindú que debe rescatar a su prometida de una banda que tomó por asalto la formación. ¿Hace falta más? La peli cree que no. Si tuvieron razón o no lo vemos debajo.
La historia:
Amrit es un comando del ejército indio que recibe un llamado de su enamorada Tulika, su acaudalada familia hizo un acuerdo para casarla con otro hombre de una familia poderosa.
Él no puede permitir eso y junto a Baldeo, su incondicional compañero, van a la fiesta de compromiso para buscar a Tulika y escapar juntos, pero ella no quiere hacerlo. Piensa que la familia de su novio no estará de acuerdo y tomará represalias contra él. Aunque luego de pensarlo mejor le dice que al día siguiente hará un largo viaje en tren hasta Nueva Delhi y se verán allí.
Las cosas salían según habían planeado hasta que una banda de delincuentes asaltan el tren. Al principio no ponen resistencia pero comienzan a violentar a los pasajeros. Esto hace que los comandos se activen e intenten controlar la situación y llegar a donde está Tulika. Fani, uno de los hijos del jefe de la banda, no va a asustarse tan fácil e identifica a la enamorada de este entrometido militar y hace todo lo posible para motivarlo y que comience la masacre. ¿Podrá Amrit controlar a los delincuentes y salvar a su enamorada? Tendremos que presenciar mucha violencia para averiguarlo.
¿Qué me gustó?
La peli va directo al punto, sin vueltas ni medias tintas, nada mejor que eso para una peli de acción.
El malo de la película es malo malo. Te exaspera hasta el punto que no podes esperar para que el protagonista le reviente la cabeza contra algo.
El título aparece en el momento exacto (que no es al principio).
Los tiempos están bien asignados y se van distribuyendo bien a lo largo de la peli, para no aburrir ni con la acción, ni con el desarrollo de la historia.
¿Qué no me gusto?
No es algo que no me haya gustado, sino que algunas convenciones del cine hindú pueden llegar a hacer ruido o resultar graciosas para el público occidental. Cómo por ejemplo poner una música agradable y realentizar todo cada vez que el protagonista se ve con su amor o ponerle una música característica al villano principal.
¿Aporta algo nuevo al género?
Es una peli de acción clásica, con pocos elementos, mezclada por momentos con una película gore (con muchos cuchillazos, viseras y sangre). Aunque todo esto sin traicionar algunas características distintivas del cine de bollywood (el Hollywood indio), algunas nos pueden resultar algo extrañas y hasta graciosas pero en general nos dejan disfrutar la historia.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los amantes de las pelis de acción bien básicas y que van derecho a los bifes. Buenas referencias de esta peli son “Train to Busan” (2016) o “The Raid” (2011) y por supuesto la madre de todas las pelis de acción “Duro de matar” (1988).
Dato: Es importante aclarar que tiene un nivel de violencia alto, con mucha sangre (y otras cosas asquerosas). Realmente no es apta para gente impresionable.
Disponible el 5 de septiembre en cines
Calificación: 8/10
Duración: 105 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Reveil nos muestra una historia llena de pesadillas e irreales de nuestro protagonista. Sufre demasiadas alucinaciones y además estan muy bien ejecutadas en el juego. Sin ir mas lejos tendremos en nuestra casa con todo el fondo ensangrentado averiguar tres objetos y ponerlos en sus platos de manera adecuada, además si nos introducimos en su ojo veremos lo que necesitaremos ver, todo esto acompañado por un ser que nos atormentara nuestro dulce paseo.
Otro de los puzles que encontraremos y que mas nos a gustado será una maniquí. Deberemos encontrar las partes en primer lugar y luego moverlo para descifrar unos códigos que nos abrirá un baúl que esconde algo importante en el devenir de la historia. Para ello tendremos tres posiciones para moverlo que será cintura, brazo y muñeca con un puntero rojo que nos indicara en todo momento a donde estamos apuntando. Reveil nos mueve y nos sitúa principalmente como dijimos anteriormente en el circo de los hermanos Nelson que es donde trabajamos pero claro no todo puede ir bien y parece ser que el circo cobra vida en contra nuestra o algo se esconde dentro. Deberemos de dar a la electricidad para poder acceder a diversas estancias del circo.
Veremos como cada cierto momento volveremos a nuestra casa cada vez con mas dolores de cabeza y que todo cambia a nuestro alrededor. Sin duda aparte de jugar con la mente de nuestro protagonista el juego se basa en jugar con la nuestra también. Mucha locura porque al cambiar cada instante los escenarios también lo hacen los recuerdos. Viajaremos desde la soledad de las atracciones del circo, pasando por las afueras hasta llegar a un tren donde deberemos escapar de un maniquí que viene a por nosotros. Deberemos ser rápidos y astutos para poder terminar con el sin que nos atrape.
Otra de las escenas mas fuertes que nos encontraremos es en el circo donde tendremos que buscar tres esferas para ponerlas en su lugar y acceder al siguiente mundo. Pero claro como todo no puede ser fácil nos perseguirá un extraño ser con sed de venganza y además tendremos por toda la zona campanitas que si las tocamos tendremos problemas y correrá peligro nuestra vida.
Todo esto bajo unas escenas sombrías y sangrientas, ya llegando al final es donde veremos como nuestros dolores de cabeza cada vez son más intensos y persistentes. Incluso nos hará volar a nosotros mismos también a ver lo que ocurre. Encontraremos montones de cadáveres ejecutados por un tal Liam.
En los compases finales después de restablecer el sistema eléctrico deberemos componer una serie de puzles para poder entrar en nuestra propia memoria y comprender todo lo que sucede o no una vez echo esto volveremos a las visiones iniciales en nuestra casa para su final.
Conclusión Reveil me a parecido una historia que tal vez pueda parecer algo confuso pero que si lees todas las notas e información que vas encontrando por la aventura lo comprenderás.
Universal+, el servicio de contenido premium con miles de horas de contenido de la más alta calidad estrena el 8 de septiembre la temporada final de Evil, la aclamada serie de terror creada por el matrimonio y dupla creativa conformada por Robert y Michelle King (The Good Wife, The Good Fight) y protagonizada por Katja Herbers (Westworld), Mike Colter (Luke Cage), Aasif Mandvi (Spider-Man 2) y Michael Emerson (Lost).
La intrigante historia comenzó con una reunión impensada entre personas que, a simple vista, no tenían demasiados puntos en común. La Dra. Kristen Bouchard (Katja Herbers), una psicóloga forense, respondió el llamado de un ex periodista, David Acosta (Mike Colter), quien necesitaba de su ayuda para unas oscuras investigaciones. David, quien estudiaba para sacerdote católico, cumplía un peculiar rol en la Iglesia: encontrar casos de posesión demoníaca.
Si bien Kristen siempre se mostró completamente escéptica a las historias de David, con el tiempo no tarda en advertir que lo sobrenatural está presente en su vida cotidiana, una realidad que se negaba a aceptar. Cuando decide ayudar al futuro sacerdote, ambos solicitan la colaboración de Ben Shakir (Aasif Mandvi), un experto en tecnología que también choca con David no sólo por ser ateo sino por considerar que la ciencia es la clave de todo y que los episodios sobrenaturales simplemente no existen. El tiempo le demostrará lo contrario.
Más allá de sus diferencias, el equipo trabajará incansablemente para descubrir la raíz de situaciones horrorosas, pero la presencia del rival de Kristen, el Dr. Leland Townsend (Michael Emerson) será un peligro para todos, ya que el hombre se mostrará obsesionado con ella y proclive a cometer los actos más espeluznantes.
A lo largo de sus temporadas, Evil ha revelado hechos escalofriantes mientras saca a la luz los secretos de sus protagonistas, cuyos vínculos se han hecho cada vez más complejos a medida que sus investigaciones despiertan sus peores miedos.
¿QUÉ PODEMOS ESPERAR DE LA CUARTA TEMPORADA DE EVIL?
Nuevos demonios, mayores peligros. Uno de los grandes atractivos de Evil es cómo mantiene el suspenso. En su cuarta temporada de 14 episodios, Kristen, David y Ben serán acechados por figuras demoníacas que nunca habían visto y que sus showrunners idearon especialmente para el regreso de la serie que no privará al fanático de espeluznantes sucesos.
Más humor en medio del caos. Si bien el equipo luchará para combatir figuras aterradoras, otra de las marcas registradas de la serie es cómo utiliza la comedia negra. Desde el comienzo, las diferentes creencias del trío protagónico los hizo pelearse acaloradamente, pero también con mucho humor que volveremos a percibir en esta vuelta.
El viaje de Kristen. Según revelaron Robert y Michelle King, la cuarta temporada se centrará en un dilema que tendrá a la psicóloga como protagonista excluyente. Una situación inesperada la llevará a replantearse su visión del mundo y tendrá que tomar “una decisión clave” que lo cambiará todo.
Un gran final. Al informarse que esta cuarta temporada sería la última, se autorizaron 4 últimos episodios para que, a decir de los cocreadores, showrunners y productores ejecutivos Robert y Michelle King, Evil se despida “por todo lo alto”.
Reconocida por el prestigioso periódico The New York Times como una de las series “mejor filmadas” de los últimos años, llena de “inteligencia y entretenimiento”, Evil se despide manteniendo el ritmo, el terror y los imperdibles intercambios de sus protagonistas.
La cuarta temporada y cierre de la ficción cuenta con la dirección de sus showrunners, además de la de Peter Sollett (Nick & Norah’s Infinite Playlist) y John Dahl (Dexter, House of Cards), entre otros. Kurt Fuller (Scary Movie), Brooklyn Shuck (Law & Order: Special Victims Unit), Danny Burstein (The Marvelous Mrs. Maisel) y Andrea Martin (Only Murders in the Building) integran el elenco secundario.
¡No te pierdas el aterrador estreno de la cuarta y última temporada de Evil a partir del 8 de septiembre en exclusiva por Universal+!
Sinopsis En un mundo habitado por androides, la historia se centra en los robots Alex y BIbi, quienes a pesar de sus diferencias en un primer momento, logran verse unidos por una misma pasión, el futbol y la amistad. Juntos enfrentan las exigencias familiares que pretenden un futuro muy lejos de la cancha y las tribunas para la protagonista.
Reseña Pocas cosas unen con tanta pasión a la gente como el futbol y los grandes campeonatos de sus equipos favoritos, bajo esta consigna la trama destaca el valor de la amistad, el compañerismo y la importancia de trabajar por los sueños más allá de los resultados. Una historia simple con grandes valores, llena de colores y alegría.
Detalle El público infantil de la sala festejo con gritos y aplausos los logros de los protagonistas… literal, fui testigo de ese amoroso festejo. El doblaje de la exigente profesora está interpretado por la gran actriz Ana María Picchio.
Ficha Técnica Dirección: Diego Cagide y Diego Lucero Reparto: Annabel Gallardo, Ariel Cister, Lucia Baya Casal, Andrés Ciavaglia, Melina Macaggi, Ana María Picchio Año/País: 2024 – Argentina/España Duración: 84 minutos
Descripción: Tim Burton regresa al icónico mundo de *Beetlejuice* con una secuela que retoma la comedia, la fantasía y el terror que hicieron de la primera película un clásico. Con Michael Keaton, Winona Ryder, Jenna Ortega,Willem Dafoe y Catherine O’Hara de vuelta, el director muestra una energía creativa renovada, creando una historia que, si bien toca temas profundos, se mantiene fiel al humor macabro y extravagante de la original.
Lo bueno: Regreso de los personajes icónicos, la reunión de Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O’Hara en sus roles originales aporta una química palpable y nostálgica que impulsa la película. Burton logra mantener la esencia de *Beetlejuice* con un ritmo rápido y una energía alegre, mezclando animaciones tradicionales con efectos prácticos que recuerdan a su estilo único. La secuela no se limita a repetir la primera película. En su lugar, desarrolla una trama que aborda temas como el envejecimiento, la paternidad y el duelo, añadiendo una capa conmovedora a la comedia macabra.
Lo malo: Aunque el enfoque en animaciones tradicionales y accesorios de mercado de pulgas añade un encanto particular, algunos espectadores pueden encontrar que la falta de efectos CGI modernos hace que ciertas escenas se sientan anticuadas. La película, en su afán de mantener un tono macabro y caricaturesco, podría perder a aquellos que buscan una narrativa más coherente y menos enfocada en el humor absurdo.
Recomendación: *Beetlejuice 2* Es una comedia de terror ideal para los fans de la película original y aquellos que aprecian el estilo visual distintivo de Tim Burton. Si disfrutaste de la primera película, esta secuela ofrece una mezcla de nostalgia y frescura que la convierte en una experiencia imperdible.
Sinopsis: Las hermanas Dolores y María tienen muy pocas cosas en común, estas diferencias las lleva a tener vidas distantes y verse muy poco. Hasta que un día, la más joven de ellas, encuentra en las redes sociales de su sobrino Iván, que su madre, una mujer viuda de unos 80 años, se ha ganado miles de suscriptores haciendo monólogos controversiales sobre la vida de sus hijas. Esta repentina fama de su progenitora la lleva a unirse con su hermana para encontrar la manera de detener a su propia madre.
Reseña: En tono profundo sin perder la diversión, la historia fruye planteando mucho más que la falta de comunicación en tiempos de redes sociales y el cómo nos afecta la opinión ajena. La obra plantea como ante una causa en común podemos descubrir que tan desconocidas pueden ser, incluso, las personas que tenemos cerca.
Matar a mamá no es una comedia dramática del montón, más bien, es el trabajo bien logrado de la escritura precisa y lograda de Laura Oliva, bajo la dirección de Paula Ransenberg; con la gran interpretación del trio protagónico María Rosa Fugasot, Florencia Raggi y la maravillosa Inés Estévez. Detalle. Es un verdadero lujo ver en escena a las tres protagonistas. La historia está muy bien contada, quizás la velocidad del desarrollo, en algún momento, le quite ese toque de emoción al que te hacen llegar y salir muy… muy rápido.
Ficha Técnica Dirección: Paula Ransenberg Reparto: Inés Estévez, Florencia Raggi y María Rosa Fugazot Año/País: 2024 – Argentina Duración: 70 minutos Funciones: Viernes y Sábados a las 20 hs y Domingos a las 19.30 hs. Teatro Politeama, Paraná 353
Muy buena versión libre del cuento de Abelardo Castillo «Negro Ortega»; mantiene toda la esencia, los saltos temporales del relato original y nos transporta al mundo del boxeo de los años 50 con la gran disyuntiva que envuelve al protagonista. Ortega se debate entre lo que debe o no hacer, lo que corresponde o no; entre el bien y el mal; y lo resuelve como puede, a las piñas.
Una puesta en escena que acompaña el relato llevándonos a ese mundo de ring side y bares sombríos; personajes nostálgicos, acostumbrados a perder. Totalmente convincentes y deslumbrantes las coreografías boxisticas que le agregan un plus de atractivo a las ya de por si muy buenas actuaciones de todo el elenco ( Lorenzo Martelli, Santiago Maurig, Juan Mende, Federico Milman, Leandro Orellano y Fabian Petroni).
También esta muy logrado el aspecto musical con la interpretación de un par de tangos por los protagonistas acompañados de un bandoneon, que con sus sonidos acompaña y embellece la puesta. Dramaturgia y dirección de Maxi Rofrano. No dejen de ir a verla.
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