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La historia: Sony, interpretado por Brad Pitt, es un piloto de carreras que se niega a retirarse a pesar de que claramente su momento ya pasó. Trabaja por contrato en cualquier equipo que necesite un piloto y vive en una camioneta sin responsabilidades ni ataduras. Es allí cuando un viejo amigo de otra época lo contacta, Rubén, interpretado por Javier Barden, también es un ex piloto de fórmula 1 ahora devenido en empresario que está a cargo de una escudería que va última en la tabla. Necesita de su experiencia para poder sacar al equipo adelante y conservar su puesto de director. Al principio se hace el reticente, pero como todos sabemos acepta el desafío que no es tomado muy bien por el equipo, especialmente por Joshua, el otro corredor de la escudería mucho más joven y creído. ¿Podrá Sony sacar adelante al equipo y lograr que salgan primeros en alguna de las 9 carreras que el faltan al torneo, o no logrará alcanzar semejante objetivo? Habrá que verla para enterarse, aunque si vieron alguna película sobre deportes podrán más o menos adivinar que sucede.
¿Qué me gustó? Claramente cómo se muestran las carreras es por lejos lo mejor de la película. El sonido de los motores, como están colocadas las cámaras, todo nos transporta a la pista y a la butaca del piloto. Brad, siempre Brad. Esta también es una historia de redención y este actor nos lleva a sentir lo que sufrió en el pasado y su particular forma de ver la vida, sin demasiadas líneas de dialogo.
¿Qué no me gustó? Se siente algo extensa. Por supuesto que como típica película de deportes y de redención tienen que tener un recorrido claro: (resumiéndolo rápido) al principio todo sale mal, después las cosas comienzan a mejorar, luego algo parece tirar todo el progreso hacia atrás, y finalmente al último minuto se llega al logro. Pero aun así, en mi opinión, se podría haber reducido la cantidad de carreras y hacer más ágil el film. También cae en lugares comunes, como que lo viejo sirve y es más natural de que lo nuevo que es frío y artificial, pero de todas maneras siempre están arriba los que tienen más tecnología. El protagonista no puede equivocarse. Entiendo que lo interpreta Brad Pitt, pero no por eso tiene que ser perfecto. Me refiero a que más allá que se mencionan sus errores del pasado, en la película todas las decisiones que toma son acertadas, pese a llevar todo al extremo, lo que le quita profundidad al personaje, que si hubiese tenido si por su filosofía hubiera cometido algún error o puesto una vida en riesgo y tuviera que superar esa mala decisión.
Dato: La peli tiene varias similitudes con Top Gun Maverick, en principio el mismo director Joseph Kosinski, fanático del realismo en las escenas de acción. También el tipo de protagonista, en ambos casos una vieja promesa que vuelve a las pistas, la adicción a la adrenalina y esto de armar un equipo con otra mirada disruptiva y contraria al status quo.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de estos fierros de elite les va a gustar la película, especialmente cómo están filmadas las carreras. También por supuesto las y los fanáticos de Brad Pitt, y sí, en respuesta a su pregunta, sale en varias escenas sin remera.
Calificación: 7,5/10 Duración: 155 minutos Disponible 26 de junio en cines
El viernes 7 de noviembre, Coti regresará al icónico Teatro Gran Rex de Buenos Aires con un show muy especial en homenaje a su álbum “Esta Mañana y Otros Cuentos”, que cumple 20 años desde su lanzamiento. Será una noche inolvidable para el artista y sus fanáticos, en el marco de su gira nacional “20 TOUR 2025”.
Acompañado por su banda Los Brillantes, el reconocido cantautor argentino celebrará las dos décadas de uno de sus discos más emblemáticos, editado en 2005, que incluye éxitos como “Nada Fue Un Error” (junto a Julieta Venegas y Paulina Rubio), “Tu Nombre”, y “Antes Que Ver El Sol”, entre otros clásicos.
El repertorio del show no solo repasará sus canciones más queridas, sino que también incluirá composiciones de su autoría escritas para otros artistas, que con el tiempo se convirtieron en verdaderos himnos de la música en español. Coti los interpretará con su estilo inconfundible y la energía que lo caracteriza. Además, durante esta segunda mitad de 2025, el artista rosarino continuará presentando nuevas versiones de sus temas más populares, tal como lo hizo 20 años atrás. Entre las colaboraciones más recientes ya se destacan “Dónde Están Corazón” (en versión cumbia con Valentino Merlo), “Tu Nombre” (en dúo con Yami Safdie), y “Te Quise Tanto” (junto a Miranda!).
Recientemente, Coti brindó un show inolvidable el pasado 20 de junio en Rosario, ante una multitud de más de 100.000 personas, en el marco de una fecha muy especial: el Día de la Bandera. Fue el encargado de cerrar los festejos oficiales al pie del imponente Monumento Nacional a la Bandera, con una presentación a la altura de la ocasión.
From Software y Miyazaki han hecho escuela, de eso no hay duda. Tal es su renombre actual que basta que este aparezca al principio de un tráiler para lograr que todo el mundo contenga un suspiro ansioso. Así pues, cuando el título apareció por primera vez en los Game Awards del pasado año, observamos con duda e ilusión qué era lo que la compañía japonesa pretendía ofrecernos esta vez. Parece Elden Ring, pero, si miras bien, aparecen algunos de los jefes más queridos de la saga Dark Souls, pero, si miras mejor todavía, parece que está centrado en el online, pero, si te fijas un poquito más, hay una tormenta como la de Fortnite. Si con estas primeras conclusiones no se os quedó una mueca de duda en la cara, incuestionable fue vuestra fe en el equipo. Yo, en cambio, no lo vi tan claro. No he dedicado mucho tiempo a la vertiente online de los juegos de la saga — más allá de la invasión de turno— y convertir la magnificencia de las tierras intermedias en el terreno de un battle royale, no me parecía la mejor decisión. Pasaron las semanas y fuimos descubriendo más información de qué era exactamente nightreign. La tormenta marcaba la zona, como en un battle royale, pero más allá de esa función, no tenía mucho parecido con el género. Nightreign se presentaba más bien como el hijo bastardo (nunca mejor dicho) entre Monster Hunter y un roguelite. Si volviese a ese momento y tuviera que poner la mano en el fuego porque esta fusión pudiese resultar efectiva, posiblemente diría que no. No había forma fácil de hacer que Nightreign funcionase. Y nightreign funcionó.
Conforme empiezas la partida, eres recibido por una narración similar a la que encontramos en la apertura del resto de juegos de la saga. Volvemos a las tierras intermedias, no queda claro si antes o después de los acontecimientos de Elden Ring. El tiempo es caprichoso y se retuerce a placer. El señor de la noche ha sumido el mundo en la oscuridad y nosotros, como azotes de la noche, somos los responsables de devolver la luz. Para ello, elegiremos a nuestro personaje y saltaremos directamente a la acción. He aquí el primer punto de discordancia con el resto de títulos de la saga. Más allá de elegir nuestro nombre, no podremos personalizar ni el aspecto ni las habilidades de nuestro personaje, tan sólo elegir uno de la lista. Con ello, From Software dirige sus pasos hacia el hero shooter, ya que cada personaje contará con unas características distintas, que marcarán su estilo de juego. Encontramos personajes más “clásicos”, centrados en el combate cuerpo a cuerpo o en recibir golpes y atontar a los enemigos, pero más allá de ellos es donde encontramos los nuevos ases que el título guarda bajo la manga. En primer lugar, se redefine el rol de mago. Al optar por este personaje, encontraremos que sus habilidades pasivas le permiten recuperar PC (maná, de toda la vida), participando en combate. Al no poder recuperarlo con frascos, no contar con esta opción anularía la funcionalidad de esta rama de personaje. Se presenta también otro Azote dirigido al combate a distancia. Los arcos y las ballestas nunca han sido las mejores armas de la saga y, por primera vez, me han parecido divertidas. También aparece una suerte de samurai, para rescatar un sistema de parry que recuerda a Sekiro. Como se puede ver, en la variedad está el gusto.
Así pues, elegiremos personaje, nos aliaremos con otros dos jugadores y llegaremos volando a las tierras intermedias. Nuestra misión será explorar el mapa, eliminar enemigos y obtener mejor equipo para fortalecernos antes de que llegue la noche, momento en el cual nos enfrentaremos a un jefazo aleatorio. Esta característica implica que en una partida avanzaremos sin mucho sufrimiento y en otra nos tocará sudar sangre para sobrevivir al primero de estos encuentros. No obstante, la vertiente cooperativa facilita estas batallas ya que, usando nuestras habilidades y tratando de marear al enemigo todo lo posible, muchos de los combates acabarán en un abrir y cerrar de ojos. Si nos tumban, nos arrastraremos por tierra esperando a que un compañero venga a levantarnos y si finalmente perecemos, perderemos un nivel y dejaremos todas las runas en el suelo, a la espera de volver a por ellas. Donde la cosa se complica es en los jefes finales, una vez han pasado dos noches y hemos superado todos los obstáculos intermedios. Estos enemigos han sido diseñados específicamente para el enfrentamiento cooperativo, por primera vez en un título de la saga y desde From Software, han mostrado que toda su experiencia diseñando jefes finales les permite estar a la altura de tamaño reto.
Estos enfrentamientos son, sin otra palabra mejor para definirlos, brutales. Pese a que el escenario en el que los enfrentaremos es prácticamente interminable, son capaces de desplazarse de un lado a otro en cuestión de segundos y de azotarnos con ataques que abarcan todo el terreno de batalla y cada pizca de nuestra capacidad de reacción. Tanto en Nightreign como en todo roguelite, la base jugable se sostiene sobre la repetición. Morir y volver, para hacerse más fuerte, sabio y experimentado. Para enfrentar de nuevo a aquel enemigo que tanto nos hizo sudar y sorprendernos manteniéndole la mirada mientras esquivamos sus ataques. Si bien estos cimientos son parte de todo gran enfrentamiento en el juego original y otros títulos de la saga, en Nigthreign puede ser algo tedioso. Pese a que la tormenta avanza frenéticamente, llegar la pelea final requerirá algo más de 30 minutos (al menos bajo mi experiencia), por lo que cada iteración, cada batalla de prueba nos llevará un buen rato. Esto impide dedicar tanto tiempo a entrenar frente al jefazo como estaríamos acostumbrados en otros títulos de la saga y puede causar frustración. Sumado a que el recorrido por el mundo en cada intento es muy parecido al anterior, a excepción de los jefes, que aparecen aleatoriamente, me he encontrado algo cansado de luchar una y otra vez con el mismo enemigo, con más hastío que con ganas de mejorar. Aun así, la experiencia general ha sido realmente buena y me ha permitido volver a disfrutar de jugar online con amigos, algo que últimamente había perdido casi por completo. Lo a gusto que he podido reírme mientras un horripilante dragón con una mandíbula que asustaría dos de cada tres dentistas devoraba por cuarta vez consecutiva a un amigo es un placer que nadie ya podrá quitarme.
En resumidas cuentas, Elden Ring Nightreign es una arriesgada apuesta que contaba con muy buenas cartas bajo la manga. Pese a mostrar su poco miedo a romper con todo lo establecido en la saga souls, desde From Software han mostrado su gran habilidad para adaptarse al terreno que sea necesario, por muy pantanoso que este pueda ser. De jugarse con amigos, la diversión está asegurada. Acompañada de muerte y desesperación, sí, pero asegurada. Las tierras intermedias nunca han estado tan pobladas (a la vez) como ahora. Así que, si disfrutaste de Elden Ring, o de otros títulos de la saga y te preguntaste alguna vez como podría enfocarse más hacia un modo cooperativo, esta es tu oportunidad de comprobarlo. Toma, llévate este bálsamo, lo vas a necesitar.
Sinopsis Comedia dramática que hace un recorrido interesante sobre la historia de Frida Kahlo. Desde el accidente que cambio su vida para siempre, hasta el complejo triángulo amoroso que compartió con su esposo Diego Rivera y su hermana Cristina. Este es el relato sobre una mujer poderosa que cambio con su pintura la forma de mirar el arte.
Reseña Un recorrido amoroso, desde una mirada íntima y emotiva de la gran artista Frida Kahlo. Yo no soy Frida inicia en el Día de los muertos, una fecha tan emblemática para la cultura mexicana, donde el recuerdo constante de su persona no la deja descansar en paz, y es allí donde un poco en serio y un poco en broma comienza este relato. Un relato que no teme pasar por los sinsabores y luchas que la llevaron a explotar cada faceta de su arte como un grito de expresión al mundo. La obra nos habla de su vínculo con Diego Rivera, el muralista que enamoro y acompaño a Frida más allá de sus reveces románticos; fue su amor, apasionado y tóxico el que la acompaño a lo largo de su vida y funcionó a modo de influencia artística mutua. La historia también rescata a Cristina, su hermana menor, cuya vida quedo atrapada a la sombra de Frida, delegando a un segundo plano su imagen. Dentro de un espacio pequeño y cálido, la puesta de luces y el juego visual se impone y vuelve el argumento atractivo y entretenido. La trama se cuenta con agilidad y no deja de sorprender a todos aquellos que saben sobre la vida de la artista, ni de despertar curiosidad a quienes se acercan por primera vez a descubrir su maravilloso universo. Flor Berthold, su escritora y directora demuestra una vez más su capacidad para construir relatos de personajes complejos de manera íntima y sensible, dentro de un marco simpático que guarda la profundidad de vidas intensas y pasionales. Artistas que han marcado con sus pinturas una visión diferente, que han sabido atravesar y marcar su propio recorrido personal.
Cada uno de los artistas que son parte de la obra, logra ensamblar y encontrar su espacio para que la historia fluya; encontrando el tiempo justo para emocionar, conmover y también arrancar varias risas. Logra una trama contada a tiempo preciso, que no apura el desenlace y consigue atrapar a la audiencia con diálogos interesantes, llevados por una acertada puesta en escena.
Detalle Flor Berthold, es también la autora y directora de Vincent, el Loco rojo que nos cuenta de la apasionante vida del artista Vincent Van Gogh, y está protagonizada por Joaquín Berthod (un tremendo actor, quien es su hermano).
Ficha Técnica Dirección: Flor Berthold Reparto: Mavy Yunes, Martina Simeoni, Braian Ross Duración: 70 minutos Funciones: Viernes 20 hs en el Teatro El Grito, ubicado en Costa Rica 5459
Tuvimos el inmenso placer de asistir a la función de «Derechos Torcidos», una obra creada por el icónico Hugo Midón que, tras veinte años de su estreno original, regresa a las tablas para deleitar y hacer reflexionar a toda la familia. Esta propuesta no es solo un espectáculo teatral, sino una crítica conmovedora y necesaria a las situaciones de injusticia y desigualdad, hábilmente tejida con música y humor para captar la atención de grandes y chicos.
La obra nos sumerge en la vida de un grupo de niños y niñas de cualquier barrio marginal del mundo, quienes conviven con adultos que, a pesar de sus limitaciones, los protegen y cuidan con todo su empeño. Interpretada por un talentoso elenco infantil, con un destacable Joaquín Catarineu en el rol protagónico, «Derechos Torcidos» aborda de lleno los Derechos Universales del Niño, tocando temas tan vitales como la educación, la salud y la identidad.
La puesta en escena es un festival de situaciones divertidas que, sin embargo, llevan a la reflexión. Un ejemplo claro es la lucha de Pocho por lograr que los niños, reacios a la escuela, comprendan su importancia a través de la música y el baile. A lo largo de la obra, somos testigos de diversas escenas de la vida cotidiana de estos chicos, que, a pesar de sus carencias materiales, desbordan en enseñanzas sobre valores esenciales.
En cuanto a la producción, «Derechos Torcidos» es una propuesta sumamente colorida y visualmente atractiva. La representación de un hogar, aunque pequeño y habitado por muchos, irradia confort y alegría. Un detalle encantador es la figura del sol y la luna que cambia para representar el transcurso del día y la noche, añadiendo un toque mágico a la narrativa.
El talento es, sin duda, el pilar fundamental de esta obra. Tanto el personaje de Pocho como los niños demuestran una destreza actoral y vocal excepcional. Tuvimos la oportunidad de ver a uno de los elencos infantiles (ya que los niños se alternan en las funciones), y cada una de sus voces, actuaciones y performances fueron excelentes, garantizando la diversión de grandes y chicos.
«Derechos Torcidos» es una experiencia que vale la pena vivir, un recordatorio de la importancia de la igualdad y la justicia, presentado de una manera que cautiva y entretiene. No pierdas la oportunidad de verla en el Teatro Metropolitan.
Rocky Balboa, un boxeador amateur que trabaja como cobrador de deudas, recibe un día la inesperada oportunidad de enfrentarse al campeón mundial de peso pesado Apollo Creed en una pelea que cambiara su vida para siempre. Una historia que habla de resiliencia, el valor de la perseverancia y la lucha contra la adversidad.
Reseña Seguramente todos, en algún momento hemos visto Rocky; la historia del boxeador en busca de una oportunidad que le permita cambiar su destino que tan bien logro llevar al cine Sylvester Stallone en los años 70. El gran éxito que la película logro tener desde entonces se mantiene en la memoria de los fans de la saga, que aguardan con altas expectativas la versión teatral que tiene como protagonista y director a Nico Vázquez, en esta puesta en escena con sello argentino. Lo valioso de esta adaptación es, no solo el respecto que la narración tiene en esta gran adaptación teatral hacia su versión original, sino el cuidado y la prolijidad hacia los detalles de momentos claves e inolvidables para el público, siendo una experiencia única y emocionante ser parte de la función. La puesta en escena y cada espacio recreado, desde el gimnasio, hasta la casa de los protagonistas, y otros recorridos que cuenta la trama se han logrado recrear de manera imponente y acertada. El despliegue en el espacio escénico junto a cada detalle inmersivo, logran algo visualmente sorprendente lo que hace de la obra no solo un gran texto llevado al escenario, sino un logro creativo del que como espectadores nos sentimos orgullosos.
Nico Vázquez construye un Rocky humilde, intenso y carismático que se sumerge en la complejidad del personaje a través todo su ser. Con sus gestos, en cada movimiento, incluso con su voz; evidencia el compromiso notable con el que se preparo a lo largo de muchos meses y demuestra con altura estar preparado para brindar con convicción un personaje que requiere fuerza, sensibilidad y humildad.
Con compañeros de elenco correctamente elegidos que más allá de sus destacadas actuaciones guardan similitudes físicas notables con los personajes a los que dan vida. Daiana Fernández, logra capturar la esencia de Adrian, aportando calidez en su rol de compañera fiel y sensible que enamora a Rocky. La fabulosa y creíble interpretación de David Masajnik, logra transmitir la dureza y dedicación de Mickey, el entrenador que acompaña e impulsa al boxeador. Merlyn Nouel como Apollo Creed, le da la contraparte tan característica de oponente, mostrando un rival preparado que destaca con actitud y presencia escénica. La puesta de luces, la ambientación y los escenarios que cambian oportunamente son un acierto absoluto, pensado y creado cuidadosamente a detalle para sumergirnos en la emoción, alegría y nostalgia sin dejar de sorprender. Una propuesta super recomendable, pensada para los que vieron la peli varias veces y también para quienes recién la descubren, con un mensaje simple y directo que nos invita a nunca bajar los brazos y seguir peleando por nuestros sueños.
Detalles La película se estreno en el año 1976, fue escrita y protagonizada por Sylvester Stallone, dirigida por John G. Avildsen. Ganó el Premio Oscar a la Mejor Película y Director.
Ficha Técnica Dirección: Nicolas Vázquez y Mariano Demaria Reparto: Nicolas Vázquez, Daiana Fernández, David Masajnik, Merlyn Nouel, Georgina Tirotta, Mercedes Oviedo Duración: 100 minutos Funciones: Jueves 20.30 hs, Viernes 21 hs, Sábado 19 y 21.30 hs, Domingo 21.30 hs en el Teatro Lola Membrives, ubicado en Avenida Corrientes 1280
Por @soynancybenegas Sinopsis Dos monjas brindan refugio inesperado, a un joven activista perseguido por las fuerzas militares. En este acto de compasión, las hermanas se enfrentan a dilemas éticos y personales que la llevan a cuestionar el papel de la iglesia frente a la represión, y su propia fe en tiempos de censura y temor.
Reseña Historia provocativa, tan bien escrita por el gran autor Juan Carlos Gené, que a pesar del tiempo transcurrido desde su creación mantiene un mensaje vigente y necesario. Un relato profundo, íntimo y sensible que aborda el crudo enfrentamiento entre el poder y la defensa de los ideales.
Una escenografía de carácter minimalista, que enfatiza el peso de la historia. Con diálogos profundos, música precisa y una puesta de luces sugerente, que construye una atmosfera tensa, que incomoda y la vez atrapa. El transcurso de la trama es ágil, con momentos de suspenso y adrenalina bien dosificados que logra mantener la atención y el interés.
Gran selección de todo el elenco, que permite encontrar el equilibrio justo para cada personaje, sin descuidar la sensibilidad y la fuerza que el texto necesita. Bella y profunda interpretación de Eva Capusotto que sostiene y fortalece el fluir del relato. Todo esto bajo la acertada dirección de Gustavo Armas, quien con sutileza y firmeza construye una escena que respeta la esencia de la obra y realza su mensaje atemporal
Destacan especialmente los momentos de tensión; los gritos, los susurros, la intimidación sonora junto a la velocidad de las acciones a tan corta distancia, logran provocar una sensación de impotencia constante sumergiendo al espectador en la urgencia dramática de la historia. Una historia que no teme abordar lo incomodo, en esa difícil relación entre política y religión, tan distantes y tan incómodamente cercanas. Una confrontación que encuentra matices, exponiendo si acaso es posible, alcanzar acuerdos, en contextos adversos. Un llamado a sostener nuestras creencias, sin dejar desmoronar la fe para reconstruir desde la convicción.
Ficha Técnica Dirección: Gustavo Armas Reparto: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro. Duración: 70 minutos Funciones: Viernes 21.30 hs, en el Espacio Cultural La Fragua, ubicado en Avenida Rivadavia 4127
Sinopsis Comedia dramática que hace un recorrido por la vida artística y personal del compositor Jonathan Larson. La obra refleja su lucha intensa y creativa mientras trabaja en su primer musical, enfrentado los desafíos de su vida amorosa y profesional. Una historia profunda que habla de pasión, constancia, y el sacrificio que lleva perseguir un sueño.
Reseña Tick tick boom! es un canto apasionado a la búsqueda de los sueños, a la lucha constante frente a los temores que intentan detenernos, y la valiosa compañía de los amigos como parte fundamental para transitar ese complejo camino. John, su protagonista, se mueve con absoluta intensidad y esa maravillosa locura que provoca crear lo que se ama. La obra retrata con sensibilidad la búsqueda constante de la cruel perfección que condiciona y limita en el afán de alcanzar resultados; y también invita al espectador a preguntarse que está dispuesto a dejar atrás por aquello que se desea conseguir.
Federico Couts, en la piel de Larson, compone una interpretación creíble, empática y conmovedora, permitiendo un recorrido profundo de los momentos dramáticos sin perder la dosis justa de humor que equilibra la narración. La química escénica entre los tres interpretes se siente genuina y encantadora; la potencia y calidad en la unión de sus voces, generan momentos bellos y emotivos que le brindan calidez a la historia. La puesta en escena es cuidada, precisa y dinámica, acompañada por una banda en vivo que aporta ritmo, energía y un atractivo especial a cada número musical. La iluminación y el diseño escénico acompaña de manera efectiva la narrativa, destacando los climas emocionales y los cambios de tono que propone la obra.
Tick tick boom! Es una obra de teatro que ofrece un recorrido amable, cercano y emotivo muy bien contado por la vida del gran Jonathan Larson, creador de Rent, padre de la nueva era de la comedia música que cambio para siempre la manera de contar historias a través de las letras de las canciones.
Detalle La versión cinematográfica que fue estrenada en el año 2021 fue dirigida por Lin Manuel Miranda e interpretada por Andrew Garfield.
Ficha Técnica Dirección: Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero Reparto: Federico Couts, Lucien Gilabert, Pedro Velázquez Duración: 80 minutos Funciones: Martes 20.30 hs, en Paseo La Plaza, ubicado en Avenida Corrientes 1660
Un grupo de amigos treintañeros e integrantes de un taller de teatro: Lisandro, Alex, Fernando, Manuela y la profe Zoe, deciden pasar el fin de semana largo del 9 de julio en una casa en la isla del Delta. De esta manera, la solitaria cabaña, un poco fría para la época del año, recibe al grupo que arriba equipado con comida, mucho alcohol y algún que otro porrito.
Lo que me gustó La película utiliza una receta narrativa de eficacia ya comprobada, en el que varios individuos encerrados en una sola locación sacan a la luz sus pensamientos, sentimientos y emociones, funciona a la perfección por medio de diálogos inteligentes e interpretaciones verdaderamente convincentes, donde cada uno de los protagonistas consigue lucirse metiéndose de lleno en el personaje y explorando sus diversos matices.
Lo que no me gustó ninguno de los personajes, excepto por el de Fernando (interpretado por Yago Ardel), que es el más destacado de la película, parecen reales. Sólo son personajes, que la mayoría del tiempo no parecen tener alma ni vida y que se presentan al final de la obra con momentos individuales
Luego de siete años de su estreno, se despide (al menos por ahora) »Pundonor», clásico del teatro porteño y de calle Corrientes.
Seis temporadas y una gira internacional que abarcó países como España y Venezuela, el monólogo de Andrea Garrote no envejece y se mantiene fresco al día de hoy.
»Pérez Espinosa: una profesora universitaria, Doctora en Sociología, que vuelve al aula después de tomarse unos meses de licencia. Pero la clase que debe dar, una introducción a la obra de Michel Foucault se interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Necesita dar explicaciones sobre su comportamiento, aparentemente necesita redimirse».
Hay un folklore que rodea el área de sociales y filosofía, una guerra de ideas y teorías que van más allá de lo personal. Es en la facultad de PUAN donde lo real y lo lógico se pierden, este es el caso del personaje construido por Andrea Garrote, una mujer que lleva lo personal y lo filosófico a su clase pero, ¿Qué es lo normal y que es lo aceptado?
Santiago Badillo recrea a la perfección un aula de universidad pública, madera de pino, una pizarra de tiza, una silla de cuero y un escritorio cuya edad data de la fundación del instituto; ayudan a la actriz a desenvolverse. El juego de luces que ejerce Badillo, sobre todo al final, es increíble. sabe cómo lograr el clímax con su puesta en escena.
Si bien Andrea Garrote escribe y actúa, Rafael Spregelburd acompaña en la dirección. Aunque el monólogo lleva siete años en escena, el paso del tiempo lo va puliendo.
Lo interesante de Pundonor es que al ser una obra intelectual, no aburre ni llega a espantar al público con sus citas filosóficas, se basa más en la historia de una profesora cuya cordura se va perdiendo a lo largo de su clase. Somos testigos de su decadencia emocional pero a su vez, entendemos cómo funcionan los mecanismos de control y moral que impone la sociedad.
Pundonor es un monólogo imperdible que no pasa de moda y que transporta el mundo de la educación, el drama personal y la locura a las risas del espectador.
Disponible los domingos a las 18 en el Teatro Picadero.
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