Crítica: El Hijo

Por Candela Otero

Una película dirigida por Sebastián Schindel y protagonizada por Joaquín Furriel, que llega a los cines el 2 de mayo con una historia más que prometedora. Está basada en la reconocida nouvelle Una madre protectora, de Guillermo Martínez.

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En esta ocasión, Schindel vuelve a trabajar con Joaquín Furriel luego de consagrarse como director con El Patrón: Radiografía de un crimen, película que recibió numerosos premios y elogios por parte de la crítica.

Nuevamente, Furriel vuelve a destacarse en un papel de muchísima complejidad psicológica: su personaje es Lorenzo, un pintor de unos cincuenta años que se ve separado de su hijo recién nacido por el comportamiento extraño de su mujer, quien parece quererlo para ella sola. El hombre intenta desesperadamente tener contacto con el bebé y convencer a sus amigos y a la Justicia de que su mujer está aislando al niño del mundo. Lorenzo, de esta manera, es colocado en un lugar de víctima, al ser tratado como un loco cuando hace estas acusaciones, pero él está convencido de que es su mujer quien no está bien.

La situación se torna desesperante para el espectador porque es testigo de que nadie le cree a un personaje que está diciendo la verdad, y cuyas acciones, producto de la desesperación, lo terminan perjudicando. Aunque también genera que el espectador se pregunte: ¿Todo está ocurriendo como siente Lorenzo, o efectivamente está enloqueciendo, como creen los demás personajes?

El elenco realiza un gran trabajo. Se completa con Martina Gusmán, Heidi Toini, Luciano Cáceres y Regina Lamm.

Los personajes de Martina y Luciano serán un apoyo para Lorenzo y lo ayudarán a hacer frente a la situación.

Al igual que Furriel, Heidi se luce en su trabajo encarnando a una mujer noruega residente en Argentina, quien se obsesiona posesivamente con su hijo. Cuenta con la complicidad de su madre (Regina), una mujer estricta y de fuerte carácter.

Como particularidad, los diálogos entre madre e hija son en noruego y no llevan subtítulos, lo cual, de alguna manera, deja al espectador afuera de la conversación y le genera incomodidad por no poder entender qué es lo que están diciendo los personajes. Exactamente lo mismo le ocurre a Lorenzo, quien siente que siempre se queda afuera de los diálogos.

Con una estética muy bien lograda, que desde la dirección de arte consigue plasmar la oscuridad y la extrañeza del mundo que atraviesa esa familia, este thriller propone que el espectador pueda experimentar las mismas sensaciones de angustia y desesperación que vive su protagonista.

 

Puntaje: 9/10

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Crítica: Michelangelo Infinito

Por Rodrigo F.Ruiz 

Infinito (aunque sea solo por un instante)

Andre Bazin, ya decía, en los años 50, que la realidad es la materia prima del cine, que el cine es un arte que se hace con la realidad. “Realismo Ontológico” decía el crítico, dado que todo lo que vemos en la pantalla es la huella de algo que realmente existió. Al ver una película sobre uno de los más grandes artistas de la humanidad, donde la materialidad de su obra juega un rol tan crucial, las ideas del teórico están más vivas que nunca.

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Michelangelo Infinito es un film de Emanuel Imbucci, de forma en extremo pedagógica nos introduce en la obra de Miguel Ángel Buonarotti . A modo de docu-ficción biográfica, yendo linealmente desde sus primeras obras a sus últimas, Imbucci expone las más importantes obras realizadas por el maestro italiano.

El documental contiene tendencias típicas que lo emparentan a ciertos audiovisuales hechos para televisión: excesiva reiteración, planicie en los personajes que presenta y falta de audacia, falta de un autor que nos muestre y nos guíe por la obra del autor del David. Es un film de gran proeza técnica y es justamente en la técnica donde el director parece mostrarse realmente interesado en la obra de Miguel Angel. Imbucci, hace énfasis, sobre todo a través del relato hablado, en las dimensiones, en la majestuosidad, en el dominio de la técnica en la obra de Miguel Angel.

Cuando el film se separa de la docu-ficción, y se limita a mostrar la obra, es donde realmente se vislumbra la genialidad. En estos momentos en que la realidad, la materia prima, las obras del artista se imponen al relato, a la anécdota, aparece lo divino de la obra de Miguel Ángel y por lo tanto también de la de Imbucci. La mostración de la capilla sixtina, la escala humana al lado de las figuras esculpidas, los enormes bloques de mármol exhiben la monumentalidad de la obra y realmente aquí, el director logra imágenes que expresan al autor de “El juicio final”.

En síntesis, Michelangelo es infinito, y aunque al film de Imbucci le falte audacia a la hora de acercarse al artista, los instantes en que lo logra, por más breves que estos sean, nos conectan como espectadores frente al esplendor del arte. Tanto de la escultura, como de la pintura, como de la arquitectura y como, claro está, (y aunque sea solo por un instante) del cine.

Calificación: 7 / 10

Ficha técnica
TÍTULO ORIGINAL: Michelangelo Infinito
DIRECCIÓN: Emanuele Imbucci.
ACTORES: Enrico Lo Verso.
GUIÓN: Emanuele Imbucci.
FOTOGRAFÍA: Maurizio Calvesi.
MÚSICA: Matteo Curallo.
GÉNERO: Drama, Biográfica .
ORIGEN: Italia.
DURACIÓN: 97 Minutos
CALIFICACIÓN: Apta todo público

Análisis: FAR: Lone Sails para PS4

Far: lone sails es un juego extraño de analizar. Primero porque no tenemos nada que nos introduzca en la historia. Contrario a otros games donde

Solo tenemos algún video al inicio, u objetos que den un contexto al a historia, en esta ocasión, al menos hasta donde llevamos jugando, no los hemos visto. Tampoco se nos da mucha explicación sobre que hay que hacer o la forma de hacerlo. Solo tenemos que avanzar, levantar objetos y a base de intuición, saber dónde ubicarlos para continuar con la aventura o poder seguir progresando.

Y si esto les resulta extraño, peor aún es cuando no se nos digan ni siquiera los botones para poder realizar dichas acciones. Solo una vez se nos avisará que apretar para poder hacer zoom, cosa que haremos de forma casi continua, debido a lo alejada que esta la cámara. Quizás a muchos esto les resulte todo un desafío. Pero para los gamers más “clásicos” el no tener ni una pista de donde estamos o que hay que hacer, va a desalentar el seguir dedicándole tiempo a Far: lone sails.

En cuanto al apartado grafico; si bien podemos decir que es bastante bonito de ver al principio, no se ve mucha imaginación por parte de los diseñadores. En las horas que llevamos jugando, siempre veremos los mismos escenarios, con alguna mínima variante en los interiores donde se encuentras los puzles adivinables que ya advertimos más arriba.
Para mejor ejemplo de la pereza en este apartado, solo tenemos que ver el menú de inicio. Genérico y simple al nivel de los videojuegos de antaño en el que solo tenemos las opciones y ya; sin ver nada interactivo.

Far: lone sails no es un mal juego; pero tampoco es lo suficientemente atractivo como para dedicarle las horas que se merece un game actual para terminarlo. Poniendo a prueba la inteligencia, y sobre todo la paciencia del jugador; dudamos que sea un producto para que la gran mayoría consuma.

Calificación: 6/10
Lo mejor: es un claro desafio en todos los sentidos.
Lo peor: demasiado simple y sin ninguna otra cosa para ofrecer.

Crítica: El Hijo

Por Bruno Glas

Ruidos en la puerta de al lado

Pocas cosas deben haber más perturbadoras que la capacidad de notar a nuestro alrededor algo que escapa al normal orden de lo cotidiano, pero que resulta natural a los ojos del resto. El cine de terror y el thriller psicológico han sabido explotar las posibilidades que ofrece este punto de partida. El hijo, basada en un cuento del autor de Crímenes imperceptibles, Guillermo Martínez, se enmarca en esta propuesta. Pero su giro más interesante tiene que ver con la exploración que hace del universo de Lorenzo (Joaquín Furriel).

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Durante gran parte de su metraje, El hijoparece jugar con la posibilidad de mostrar el universo de Lorenzo virando hacia la locura, con la consecuente disolución de realidad y estructura mental. Algo de esto se ve al comienzo, con la yuxtaposición de dos temporalidades narrativas que de a poco nos sitúan en lo que será el nudo del filme. El montaje intercala un primer momento de la vida acomodada del protagonista, un pintor que espera un niño junto a su reciente esposa, con una suerte de flashforward que lo muestra enfrentando una situación judicial, por algo que aún no queda del todo claro. Pero lo interesante es cómo la oscuridad que envuelve a Lorenzo no es nunca resultado de una posible demencia, sino que es escenificada desde el exterior. No hay un solo elemento sobrenatural o ajeno a lo real que nos de una pista sobre el universo mental del personaje, sino que este universo aparece como siempre ajeno a la realidad en la que se mueven los personajes. A través de ello Schindel mantiene la tensión durante todo el desarrollo. Las fallas que pueden achacarse tienen que ver con los momentos en que el director parece querer utilizar lo simbólico como un posible pasaje al fantástico; de allí que la figura de Goya y los espirales que aparecen sean poco más que un subrayado innecesario. Lo mismo pasa con las explicaciones médicas sobre la condición del protagonista, que refuerzan demasiado la idea de su locura.
A pesar de dejar de lado el aspecto fantástico, como un camino posible que la trama podría haber seguido (de allí que ese juego con la realidad y la fantasía sea un amague), ello no implica que lo perturbador quede desplazado. Por el contrario, se lo asocia con la condición de extranjería, encarnado en la siniestra suegra de Lorenzo, que en toda la película sólo habla en noruego (y sin subtítulos, un gran acierto porque, claro, no los necesita). En el personaje de Gudrun que interpreta Regina Lamm es donde anida el misterio que atraviesa toda la película, y que con inteligencia queda siempre fuera de campo. Aunque no sepamos de qué se trata, sugiere la idea de que el horror puede venir de afuera, pero también ser parte de nuestro círculo íntimo más cercano. El final, cuando todo parece haber encontrado solución, vuelve a confirmar esta idea. Nuestros peores temores están en la puerta de al lado. Y nosotros apenas nos dimos por enterados…

Calificación: 7/10

Reseña: Viejas ilusiones de Petra y Antonia

Por Sebastián Sabio 

¿Cuándo es tarde para ser feliz?

VIEJAS - MADRE E HIJA

Viejas ilusiones de petra y Antonia es una obra escrita por Eduardo Rovner que habla sobre dos mujeres entradas en la tercera edad que son madre e hija donde la hija busca abandonar la casa de su madre y esta no se lo permite. La obra original es mas corta que la que se ve en escena debido a que el mismo autor decidió escribir una versión mas larga. Esta decisión tiene como beneficio darnos mas de Petra y Antonia, pero como defecto la notoria intención del autor de alargar la obra, lo cual hace que ciertos momentos duren mas de lo que deberían y la obra empieza a “estirarse”.

En cuanto al registro actoral es de carácter grotesco, con un pequenio tributo a la popular película “esperando la carroza” de parte de los dos actores que simulan ser mujeres en escena. Dicho registro está muy bien logrado y genera mucha comicidad durante toda la obra, recurso que hace que la obra siempre se mantenga a flote.

Viernes a las 22 horas

Teatro El Crisol – Malabia 611 –

Entrada Gral. $ 250 / Estudiantes y Jubilados $ 200

Reservas:  4854-3003 /www.alternativateatral.com

Ficha técnica:

Actores: Mauricio Chazarreta (Antonia),Guillermo Tassara (Petra)

Diseño de Luces: Gonzalo Velasco

Diseño de Vestuario: Facundo Veiras

Música: Sebastián De Marco, Pablo Kemmerer

Diseño Gráfico: José María Barrios Hermosa

Fotografía: Evann Violeta

Prensa: Correydile

Producción Ejecutiva: José María Barrios Hermosa, Gaby Fiorito

Asistente de Dirección: José María Barrios Hermosa

Dramaturgia: Eduardo Rovner

Dirección: Gaby Fiorito

Duración del espectáculo: 60 minutos

Fan Page del espectáculo:Viejasilusiones

Reseña: Aniversario

Por Sebastián Sabio 

¿Qué decir ante el “qué dirán”?

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Aniversario es un monologo sobre la soledad de una mujer que le fue infiel a su ultimo marido y por eso recibe la condena de los vecinos, su alejamiento y su indiferencia. La obra nos muestra una mujer sola que está por visitar a su difunto marido en su aniversario de muerte cuando sucede lo inesperado.

 Aniversario es un monólogo de cincuenta minutos de duración con un texto que oscila entre ingenioso por muchos momentos y demasiado intelectual por otros. Cuando la obra se vuelve intelectual el texto parece leído y se pierde la interpretación de la actriz. A pesar de esto la obra es entretenida y el monólogo no se agota en ningún momento.

Domingos 17 hs.

Teatro Timbre 4, Boedo 640

Entradas $300 / Consultar descuentos en el teatro

Reservas: 4932-4395 / https://www.timbre4.com/teatro/funciones.html

http://publico.alternativateatral.com/entradas60401-aniversario?o=14

Ficha técnica:

Actriz: Daniela Pal (Susana)

Diseño de Escenografía: Ramiro García Zacarías

Diseño de Luces: Ramiro García Zacarías

Diseño de Vestuario: Ramiro García Zacarías

Diseño Gráfico: Romina Salerno

Fotografía: Romina Salerno

Prensa: Correydile

Producción Ejecutiva: Dario Chicconi

Asistente de Dirección: Dario Chiocconi

Dramaturgia y Dirección: Ramiro García Zacarías

Duración del espectáculo: 50 minutos

Fan Page: https://www.facebook.com/Aniversario-269290047049154

Reseña: Frontera

Por José Rossi

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Frontera es una obra de teatro que simboliza un choque de realidades entre distintos personajes de clases sociales diferentes, pero con vicisitudes similares.  El personaje principal es Genaro, un hombre de edad mayor que vive en una garita ubicada en la “frontera” o cerca divisoria entre un barrio privado y un descampado. Su función es algo así como ser “el cuidador”, pero es no es oficial ni tampoco es trabajo en blanco. Pasa sus noches hablando con Turda, el encargado de seguridad del barrio privado. Este personaje (Genaro) asienta las bases de su personalidad partiendo desde su avanzada edad y complementándose con una vida alejada del sistema. Es un hombre a la antigua y poco conoce de las nuevas metodologías y hábitos. Durante el transcurso de la obra, Genaro se encontrará con una joven de 15 años proveniente de barrio privado adyacente a la cerca donde él se encuentra. Esta joven está parada en las antípodas de su realidad, simboliza la mismita antítesis de su personalidad. Pero poco a poco ambos descubrirán que aun las mas viscerales diferencias pueden generar uniones. El prólogo del programa de la obra bien dice “¿Son las cosas que en apariencia nos separan las mismas que pueden unirnos?”

La puesta en escena consta de un alambrado que cruza de un lado a otro el escenario, trazando una división en el mismo. En el frente que da hacia el público se encuentra Genaro y su garita, y desde el otro frente Turda. La luz tenue y los sonidos de ambiente empleados durante toda la representación, crean una atmosfera que le permite al espectador sumergirse en el mundo que esta siendo creado: Una noche oscura en un descampado.

El desempeño actoral es destacable, tanto sea en el personaje de Genaro, como en el de Turda y La India, las construcciones de personajes son muy sólidas y bien sostenidas en toda la función, creando momentos de altísima tensión, como instantes de tranquilidad, tristeza o alergias. La obra cuenta con una gran cuota de humor.

FUNCIONES

Lunes a las 20.30 horas.

FICHA TÉCNICA

Libro Juan Carlos TITO Dall’Occhio

Asesoramiento dramatúrgico Javier Daulte

Elenco Claudio Gallardou / Gonzalo Ruiz / Julieta Raponi

 

Fotografía Espacio [F] Fotografía

Diseño Eduardo Asplanato

Diseño de espacio y vestuario Gastón Marioni

Realización escenográfica Sabrina Fernández

Prensa y Comunicación María Lapadula

 

Producción Ejecutiva Valeria Di Toto

Asistencia de dirección Juan Carlos TITO Dall’Occhio

 

Dirección Gastón Marioni

 

TEATRO EL EXTRANJERO

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