Ricardo Arjona: Un suceso que va por su cuarto Movistar Arena y donde el fervor de sus fans mantienen a lo alto este «Blanco y negro tour «

No es una sorpresa que el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona ya haya agotado 6 Arenas con más de 65 mil entradas vendidas y que se haya tenido que agregar una nueva función para que sus fanáticos puedan presenciar este nueva gira llamada «Blanco y Negro Tour». Ya el artista tiene sus antecedentes en Buenos Aires tras haber hecho el récord de 34 luna Park vendidos, así que no era de esperar que su regreso tras la pandemia, sea por todo lo alto.

Nosotros hemos presenciado el cuarto show, pero entre la tribuna se vivía como si fuese la primera vez en tanto tiempo. Si hay algo que caracteriza un show de Ricardo Arjona, es el fervor que tienen sus fans. Se pueden decir muchísimas cosas al respecto viéndolo desde afuera, pero la realidad es que estando presente ahí, se vive un clima festivo. Es así como desde temprano se abrieron las puertas para ingresar al publico y que hasta el horario de función se vio un gran movimiento de gente a la espera de su artista tan querido. Acercándose a las 21:30 horas y como venía programado, Arjona salió al escenario, acompañado por músicos, coristas y una gran escenografía que anticipaba un imponente show.

En su escenografía vemos a un condominio llamado Blanco y Negro, donde en sus cubículos se encuentran los músicos que acompañan al show, sumado a dos coristas que han hecho gala de sus grandes voces en diferentes canciones, sumado a la pantalla en blanco y negro que hacía seguimiento tanto del cantante como de lo que sucedía en el público. Es así como Arjona, además de cantar sus grandes éxitos, también aprovechó esta noche para conectarse directamente con el público , para contar anécdotas e incluso hablar sobre temas que lo han mantenido visible en los medios por sus comentarios «polémicos. Aunque la polémica no es un tema que aquí importe, lo que importó fue el ida y vuelta que se vivió entre los fans y el artista, quienes han sugerido canciones a través de carteles y le han lanzado hasta un celular, por el cual Arjona lo tomó con humor, cantándole directamente a la persona con quien se encontraba haciendo la llamada.

Muchos de los grandes éxitos fueron entonados con énfasis por todos los fans. Temas como «Dime que no» o «Taxista» que tuvo que detenerse en el momento de la revelación en el final de la letra por el efecto que causaba en el público presente. Así también como su mítica «Señora de las cuatro decadas» donde las mujeres recién llegadas a esa edad, lo mostraban a través de ingeniosos carteles.

Arjona firmó un show imponente, tanto por la producción que se armó para la puesta en escena, la incorporación de talentosos músicos que acompañan al artista como por la pasión que dejó en el escenario en cada una de sus canciones. Si, Ricardo Arjona es un artista que tiene tantos fans como detractores pero no es un tema a discutir cuando otorgó un recital que está hecho para sus fans , conmoviendo todo un estadio repleto.

Si bien el cantante se toma el finde de descanso (en el show dijo que hará esos dias) hay Arjona para rato en los próximos 17,18,19 y 20 de agosto en Movistar Arena

Agradecemos enormemente a la gente de Fénix entertainment y Varas Otero por permitirnos asistir al show como corresponsales de prensa.

Reseña: Tres vidas para Oswald

El lunes pasado tuvimos el placer de asistir al Teatro Premier para poder disfrutar de la comedia protagonizada por Claribel Medina Y Maxi Ghione «Tres Vidas para Oswald» que se puede ver los días jueves a las 20:30 horas, además de su gira por el resto de la provincia los fines de semana.

La obra comienza con una pareja, donde todo al principio parece andar todo bien, llevando la comedia a situaciones cotidianas donde también se incluye el sexo como tema de conversación. Repentinamente la pareja se rompe y es ahí cuando empieza el relato de oswald, quien se encarga de hablarnos sobre sus tres vidas (y tres mujeres) que lo llevaron a ser la persona que es en el presente, con todos sus éxitos y fracasos.

Si bien el personaje de Ghione toma el poder en varias ocasiones para usar la palabra como medio de reflexión, no hay que olvidarse que se trata de una comedia con situaciones hilarantes y es ahí donde funciona la gran química que existe entre el y Claribel Medina. Claribel es la encargada de interpretar a tres mujeres con una personalidad totalmente distinta, a una mujer empoderada que maltrata un poco a su esposo, otra mujer un poco más sencilla y emocional que transita la maternidad, y por último, una peculiar extranjera y religiosa, que por algún motivo se cruzó en la vida de oswald. Ghione mantiene su mismo personaje durante toda la obra , pero con el si notamos una evolución, cierto aprendizaje que el personaje incorpora en cada nueva «Vida»

La sala del premier se vio repleta para esta función especial , con una decorosa casa en su escenografía, los hechos van transitando de forma dinámica y con chistes que van provocando carcajadas en todo momento. Son los mismos actores, que por unos segundos deben salir de sus personajes por las situaciones que se han generado y la respuesta inmediata del público.

Tres vidas para Oswald es una obra amena y divertida en el que sobresale la química existente entre Claribel Medina y Maxi Ghione, donde se nota que se divierten mucho trabajando juntos y lo transmiten al público. Así que como recordatorio, para reír un buen rato con ellos, la cita es los jueves 20:30 Horas en el Teatro Premier.

Agradecemos a agencia CEd por invitarnos a la función de prensa y permitirnos pasar una agradable velada.

Análisis: Cult of the Lamb para PC



Por Alejandro Corell

“El señor es rey eterno; los paganos serán borrados de su tierra”

Podemos decir sin miedo a equivocarnos que Neil Gaiman es uno de los mejores escritores vivos procedentes del Reino Unido. A través de multitud de obras ha tratado un amplio abanico de temas, suficientes incluso para llenar estas líneas sin centrarnos en nada en particular. Pero si me permito la cita en esta ocasión, es para focalizar las miras en American Gods, una de mis obras preferidas del autor y también una de las que hemos tenido la suerte de poder disfruta de una serie de televisión. Sin destripar la trama, ya desde los inicios de la novela se invierte la concepción de las creencias y adoraciones como el opio del pueblo. Los seres vivos necesitan adorar a alguien superior para sentirse autocumplidos, pero mucho más grande es la necesidad de este ser por ser adorado. No hay dioses sin creyentes. La única forma de sobrevivir es asegurando la estabilidad y crecimiento de tus súbditos. 



Es esta premisa, en resumidas cuentas, la que nos aborda hoy aquí con Cult of the Lamb. El título se permite un inicio rápido. Nosotros, como último cordero del mundo, somos sacrificados para evitar la vuelta al poder de un antiguo ente, aquel que espera, tal y como sostiene la profecía. Por desgracia para nuestros ejecutores, este brillante plan no sale demasiado bien y una vez muertos, seremos rescatados y comandados por el mismo mal que deseaban erradicar, siendo cargados con la misión de enfrentarnos a sus captores para, por fin, liberarlo. Para facilitar nuestra empresa, recibiremos parte de su poder en forma de un atuendo capaz de mutar en armas y hechizos, pero incluso así, no tendremos suficiente. Esta no es una tarea para un solo hombre (o cordero), por lo que, si queremos tener alguna oportunidad, deberemos formar un culto, uno que crezca en número y nombre, lo suficiente como para hacer grandes cosas. Bienvenidos a la liturgia, tenemos camisetas personalizadas.



Una de las cosas que más llaman la atención de Cult of the Lamb es su apuesta multidisciplinaria. Una parte del título es, en términos generales, un roguelite. Tendremos que atravesar las distintas mazmorras del juego, enfrentándonos a enemigos en salas proceduralmente generadas, haciéndonos más fuertes conforme más intentos hagamos. Pero una vez volvamos de nuestras aventuras, tendremos que encargarnos de cuidar nuestra base, convirtiendo la experiencia en un juego de gestión, en una versión quizá más elaborada de aquella vista en Moonlighter.  

Respecto a la parte de aventura, para liberar a Aquel que espera, tendremos que avanzar por cuatro reinos distintos, enfrentándonos a los herejes que se han hecho con el poder, para llegar así a aquel que está detrás de todo esto. Para conseguirlo, tendremos que luchar primero contra hordas de enemigos, que nos esperarán en cada una de las habitaciones que recorramos. Desde el equipo de Massive Monster, tienen claras las bases que hacen divertido un roguelite. En primer lugar, la aleatoriedad. Cada vez que entremos en un nivel, este se diseñará de forma procedural, de forma que nunca recorreremos el mismo camino. Esta variación se aplicará al camino recorrido, a los enemigos, a los objetos y recompensas, pero no a los jefes finales. Y es que para enfrentarnos a cada uno de los herejes tendremos que superar primero cuatro veces cada uno de los escenarios, encontrando siempre a los mismos enemigos finales, los cuales una vez derrotados serán sustituidos por el siguiente en próximas vueltas. Esto provoca que, en caso de quedarte atrapado más tiempo del necesario en una zona, el viaje se vuelva algo monótono.  



Lo que también lucha en pos de la monotonía son los sets de armas y su forma de uso. Por desgracia, no hay una gran variedad de herramientas de muerte en el viaje: espadas, dagas, hachas, garras y poco más, eso sí, con distintas variaciones. No obstante, su forma de uso se siente demasiado simple, ya que todas cuentan con un único combo. Además, no parece que hayan aprovechado esta poca variedad para pulirlas al límite y es que más allá de la espada, el resto presentan claros problemas. Las dagas son mucho más rápidas, pero hacen menos daño. Las hachas son lo contrario, muy lentas pero cada golpe resuena con fuerza. Lo que puede parecer un sistema lógico no tarda en palidecer cuando descubrimos que a muchos enemigos (sobre todo a los jefes), no podremos golpearles más de una o dos veces seguidas, impidiéndonos realizar nuestro combo completo, independientemente del tipo de arma que llevemos. 

Pero para aumentar la profundidad del título, a parte de armas cuerpo a cuerpo contaremos con maldiciones, distintos hechizos que nos ayudarán a enfrentarnos a los enemigos que nos rodeen. Contaremos con muy pocas cargas en cada sala, así que es mejor reservarlos para momentos de necesidad donde necesitemos librarnos del peligro rápidamente. Este sistema caería muy rápido en la repetición, siendo ligeramente salvado por el sistema de progreso. Cada vez que volvamos a nuestra base, a parte de las gestiones que comentaremos a continuación, podremos mejorar las habilidades del cordero. Esto nos permitirá acceder a armas más poderosas o nuevos modificadores, así como nuevas maldiciones. Esta mejora permite que accedamos a cada nuevo nivel con una fuerza base superior a la del previo viaje, facilitando el camino, ya que los enemigos también serán más fuertes. 



En cuanto a los enemigos, si bien la variedad no es muy elevada, lo agradeceremos a la hora de aprender sus patrones, que en un combate contra pocos adversarios es tarea fácil, pero en salas abarrotadas será casi imposible esquivar todos los ataques. Esto desencadena una situación algo frustrante, cuando la cantidad de enemigos y partículas es tan elevada que no sabemos si quiera donde estamos hasta que recibamos uno o dos golpes, reduciendo sobremanera nuestras posibilidades de supervivencia. Donde se aprecia variedad es en los enemigos finales, sobre todo en los herejes, siendo cada uno más terrorífico y fuerte que el anterior. Cabe destacar la dificultad, superar Cult of the Lamb es un desafío que requerirá de una considerable dosis de esfuerzo. Algunos enfrentamientos son realmente complicados y es fácil perder la vida y tener que repetir. No obstante, tal y como sucede en juegos de esta índole, se llega a un punto donde es relativamente fácil leer al oponente e identificar sus patrones, dominando el enfrentamiento como un maestro de la lucha. Llegar a este punto puede costar unas 20-25 horas, o quizá algo más o algo menos en fusión de vuestra habilidad.

Y más allá de esto, cada vez que volvamos a nuestra base seremos responsables de gestionarla. Y es que uno de los puntos fuertes del título es esta mecánica. En un principio, contaremos con muy pocos elementos en nuestra parcela. No tardaremos en construir una iglesia y comenzar a reunir adeptos, que trabajarán para nosotros, aparte de adorarnos. Con esta fuerza de trabajo y su fuerza vital, cada vez serán más las funciones que podremos suplir en nuestro campamento: producción de recursos, gestión de materiales, captación de nuevos seguidores… Esto es algo más complicado de lo que parece a simple vista, porque a diferencia de las sectas reales, nuestros fieles no tardarán en mosquearse si algo les disgusta, de forma que tendremos que estar siempre pendientes de que todo esté bien. Esto significa dedicar una porción de la noche a recoger los excrementos y vómitos de nuestros seguidores después de volver de un agotador combate, al menos hasta que construyamos retretes. Bueno, si un seguidor se enfada, también podemos optar por sacrificarlo, así que es recomendable no encariñarse con ninguno, por muy monos que puedan ser. En un principio llevaremos a cabo muchas tareas manuales, que conforme vayamos avanzando y desbloqueando nuevos sistemas, comenzarán a gestionarse de una forma más automática, para que podamos centrarnos en aumentar la fe que nuestra iglesia siente por nosotros, convirtiéndonos en seres más poderosos. 



El último punto fuerte del título es su apartado artístico. Cult of the Lamb es, sencillamente, una preciosidad. Ya desde su primer tráiler, era fácil observar como el apartado visual estaba trabajado al máximo, ofreciendo unos diseños muy bonitos, que juntan lo oscuro con lo adorable. El diseño de personajes junto con las animaciones de movimiento y combate hacen que jugar sea siempre un disfrute. Además, este trabajo viene reforzado por el apartado sonoro, con sonidos muy sólidos que responden bien a lo que sucede en pantalla, dotando a cada espadazo o cada golpe de un mayor peso. Si esto fuera poco, la banda sonora, pese a no ser muy amplia, puede grabarse fácilmente en nuestro cerebro.

En resumidas cuentas, Cult of the Lamb es una aventura preciosa, que mezcla de forma efectiva dos géneros muy diferentes como son el roguelite y la gestión. Es cierto que el sistema de combate es algo simple y puede llegar a sentirse monótono, pero no deja de ser satisfactorio. A lo largo de las 20-25 horas que puede costarnos liberar a Aquel que espera, sentiréis que el tiempo vuela si os gustan otros juegos de este tipo. Por el precio que tiene, es una de las opciones más bonitas de este 2022. Así que sed un buen rebaño, y haceos el favor de probarlo.

Calificación: 9/10.

Análisis: Hell Pie para PC


Por Alejandro Corell


“Bienvenido al infierno, ese es tu despacho”
A lo largo de los años, nos han inculcado una serie de máximas sobre distintos conceptos de la vida. Que si McDonald´s es barato, que si recubrir el baño de un bar con una capa de papel higiénico nos protege, que si los plataformas en 3D están diseñados artísticamente para niños… todo cuestionable. Sobre todo, esta última afirmación. Y es que cuando pensamos en un juego de plataformas en tres dimensiones, pensamos en aventuras del fontanero rojiazul, o en los paradisiacos mundos de Spyro, entre otros. Sea cual sea nuestra elección, todas comparten un fondo “family friendly”, que puede contar una historia más o menos compleja pero adornada con colores y formas agradables.


Esta estrategia es justo la que el equipo de Sluggerfly ha querido evitar con su nuevo título: Hell Pie. En este caso, nos ponemos en la piel de Nate, el demonio del mal gusto (sólo hace falta ver como viste). Algunos podréis pensar que vuestra oficina es un infierno, pero sólo él puede hacerlo sin dejar de tener razón. Más allá de aguantar la rutina diaria soporífera, no eran muchos sus problemas, hasta que termina siendo el encargado de preparar la tarta de cumpleaños del mismísimo Lucifer. Desde luego, no se trata de un pastel como el que probasteis en el cumpleaños de vuestra tía abuela, en el infierno las costras supurantes y las tiritas húmedas son el verdadero Rock and Roll, nena. De esta forma, comienza nuestra aventura, recorriendo una amplia variedad de mundos para encontrar cada uno de los elementos necesarios para esta tarta.



Por suerte, no estaremos solos en nuestra empresa, ya que nos acompañará Nugget, un querubín mascota que es de todo menos bonito. Pero por encima de todo, es útil, ya que es capaz de servirnos como gancho y como arma de defensa, algo esencial para sobrevivir a los peligros que encontraremos en nuestro camino. Se trata sin dudarlo, de una excelente elección de diseño por parte del equipo. Plataformas, hay muchos. Es difícil destacar por ofrecer el sistema de movimiento más responsivo y preciso del mercado, o por servirse de los mejores gráficos. Por ello, no queda otra que jugar con la movilidad. Introduciendo el gancho, la forma en la que avanzaremos por el mapa cambiará sobremanera. Si bien, encontraremos gran cantidad de caminos diseñados para ser recorridos de forma más o menos sencilla, sirviendo como guía para el jugador. Pero utilizando las herramientas que nos da el juego, podemos avanzar por los niveles de formas totalmente inesperadas, diseñando nuestro propio camino. Un salto, un balanceo, un dash hacia el lado y otro salto pueden ahorrarnos 5 minutos de plataformas móviles lentas y seguras.
Además, las mecánicas de juego crecerán conforme avancemos en la aventura, ya que desbloquearemos nuevas habilidades, así como distintos poderes de los que podremos servirnos a placer. Eso sí, para conseguirlos, vamos a tener que explorar, y mucho. Casi todo lo que vamos a hacer en Hell Pie es buscar cosas: buscar ingredientes, buscar comida para nuestro querubín, buscar animalitos para sacrificarlos (sí, como lo oyes) … cada recoveco es un posible tesoro escondido, esperando que lo encontremos. Por suerte, no nos cansaremos de rebuscar mucho en los mismos sitios, ya que cada escenario del título es totalmente diferente al anterior. Esta variedad refresca la experiencia, y muestra una interpretación muy curiosa del infierno.



Hay que hacer una parada en el camino hablando de lo grotesco que puede resultar Hell Pie. El equipo artístico ha tomado como base el ser desagradables, rozando los límites legales de contenido en publicación de videojuegos y vaya si lo han conseguido. En este mundo, vamos a encontrar todo lo que podamos imaginar que desaprobaría nuestra abuela. Desde excrementos nazis, glotones come heces, carnicerías humanas y, sobre todo, mucha, mucha sangre. Es posible que estos elementos no resulten agradables para todo el mundo, y si bien no creo que puedan resultar una ofensa, conviene mirar alguna que otra captura del juego para saber si vamos a disfrutarlo o no.


Si Jugablemente el título da el callo y visualmente aguanta gracias a su apartado artístico, donde no termina de acertar es en lo sonoro. Los efectos de sonido al caminar, saltar, chocar o atacar no llegan a transmitir una sensación de solidez suficiente para hacernos sentir cómodos. Los personajes no tienen doblaje, tendremos que conformarnos con líneas de texto. Pero la música es el verdadero talón de Aquiles. Además de ser poco variada, lo que le impide adaptarse a cada situación, no se activa ni desactiva cuando le toca, en muchas ocasiones. Esto nos deja con un escenario peligroso en completo silencio o en una pausa de descanso acompañada de una tensión musical elevada. Son errores que pueden corregirse en futuras actualizaciones pero que chocan bastante en un inicio.



En conclusión, Hell Pie es un plataformas atrevido, al que no le importa ser desagradable en su apartado estético, pero no por ello no disfrutable. Las múltiples opciones de movimiento de las que nos dota nuestro cupido convierten cada nivel en un avance libre por donde más nos plazca, que suele respetar las ideas del jugador. Completar el juego nos puede llevar unas 7-10 horas, que pueden alargarse un poco si queremos encontrar todos los coleccionables del juego, que ciertamente son unos cuantos. Recomendado para todo aquel que disfrute de los plataformas en 3D habituales, y busque algo nuevo con lo que pasar un rato divertido. No recomendado para oficiales religiosos, ni para ser jugado delante de vuestros familiares, a no ser que os guste la fiesta.

Calificación:7.5/10

Reseña: De la raíz a la luna

Hace unos años tuve la oportunidad de ver en escenario a Pepa Luna en el espacio de La Botica del Ángel, dónde se pudo apreciar no solo una bella voz, sino a una artista que derrocha carisma y sentimiento por lo que hace. De la raíz a la luna funciona como una obra autobiográfica y un espectáculo musical que recorre la vida de Pepa Luna desde su niñez en España hasta llegar como una artista a Buenos Aires. Una obra con un recorrido más que interesante, agregado al talento y la gran presencia escénica que nuestra protagonista nos ofrece en un espectáculo único.

La obra nos ofrece un recorrido sobre la vida de una niña nacida en España, sobre la relación con su madre y su familia. Dónde quizá se interponen valores algo conservadores, en el que a Pepa se le enseñó dos cosas importantes, respetar a su padre y casarse para ser alguien. Esto es algo que no se escapa de una realidad que ha existido, y que si bien nuestra protagonista ha querido y respetado a su familia y valores, también nos encontramos con la forma en que pepa buscó su propio camino. Este camino no es solo el del acercamiento con la música y la transformación en una artista, sino un repaso de todos los hechos que llevaron a ella ser quien es hoy.

De la raíz a la luna también es un bello espectáculo musical en el que se debe mencionar a Gustavo Cortado en el piano y la dirección musical, cómo a Carlos Benet en el contrabajo, que acompañan increíblemente toda la narrativa de la historia, además de los momentos puramente musicales. Pepa Luna tiene una vos imponente y a su vez dulce, en el que va transitando varios tipos de melodías, haciéndola propia.

De la raíz a la luna es un hermoso espectáculo que nos permite presenciar una bella historia de descubrimiento y conocer de lleno a una artista llena de carisma y talento. De la raíz a la luna puede verse los domingos a las 20:30 horas en Tadron Teatro. Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.

LA REVOLUCIÓN DEL FREESTYLE´ LLEGA A LATINOAMÉRICA EL 11 DE AGOSTO EXCLUSIVAMENTE POR HBO MAX

El 11 de agosto llega a Latinoamérica LA REVOLUCIÓN DEL FREESTYLE exclusivamente a HBO Max, la nueva serie documental Max Original que muestra el explosivo crecimiento de las batallas de rap con una mirada intimista.




A través de cuatro episodios, los espectadores podrán conocer la historia del movimiento, adentrarse en el backstage de las batallas y conocer las increíbles historias de vida de los raperos más famosos de Latinoamérica y España, contadas en primera persona, con entrevistas exclusivas a referentes como Trueno, Aczino, Chuty, Dtoke, Papo, Stuart, Bnet, Dante Spinetta, Sara Socas, Skone, Gazir, Klan, Mustafá Yoda, Røma y Marithea, entre muchos otros.


En paralelo, se mostrará desde adentro la creación y el desarrollo de la FMS Internacional 2020/21 realizada en Madrid, España: la primera liga profesional de rap que se convirtió en el evento más convocante para toda una generación. También conoceremos la historia de Red Bull Batallas, El Quinto Escalón (Argentina) y A Cara de Perro (Argentina), Eligere (México), BDM, DEM Battle (Chile) y el under español.


LA REVOLUCIÓN DEL FREESTYLE se adentra además en temáticas como el bullying, la igualdad de género, la superación personal, la resiliencia y otros temas que hoy generan agenda entre los jóvenes.


El movimiento cultural del Freestyle tendrá lugar en esta serie que mostrará el delante y detrás de escena, dando lugar a los inicios de la disciplina, su presente y su futuro. Se mostrarán también momentos icónicos de batallas, competencias y a los mejores artistas de la industria abriendo las puertas de su intimidad y contando sobre sus experiencias, historias, miedos y emociones acerca de este movimiento cultural que causa furor en el mundo, genera millones de seguidores en Youtube y llena estadios.


LA REVOLUCIÓN DEL FREESTYLE también cuenta con la participación de Bekaesh, Jaze, RC, Invert, Rapder, Nitro, Acertijo, Sweet Pain, Skiper, Mcklopedia, Garza, Mecha, Jota, Pime, T-Killa, Pedro Henrique y Asier Fernández, entre otros.


Producida por Zeppelin Studio en España, México, Colombia y Argentina, cada entrega tiene una duración de 40 minutos y desarrolla distintas etapas del género.


Sinopsis episódicas:



Episodio 1 – Los Orígenes: explica el nacimiento del hip-hop y el freestyle. A través de historias de vida se abordan temas de superación social y personal.


Episodio 2 – El Under: aborda la importancia de la película 8 Mile y la figura de Eminem. Los raperos nos cuentan el detrás de escena de cómo funciona su mente y el inicio del freestyle en las plazas de Iberoamérica.


Episodio 3 – La resiliencia: se muestran historias de vida que evidencian situaciones de superación personal y una amplia capacidad de resiliencia.


Episodio 4 – El Boom: desarrolla la importancia de las mayores competencias de Freestyle, y plantea cuál será el futuro que tendrá esta disciplina.


¡Conocé a los entrevistados!



Dante Spinetta – @dantespinetta

Trueno – @trueno

Papo – @labestiadelhardcore

Klan – @klan

RØMA -@roma.pvk

Aczino – @aczino_oficial

Danger – @dangerakofficial

RC -@rc_tfk

Chuty -@chutyvk

Bnet – @akbnet

Sara Socas – @sarasocass

Skone – @skonethebigfish

Invert – @invert_official

Acertijo – @martin.acertijo

Stuart @Stuartinfk

Marithea – @marithearap

Reseña: El alemán que habita en mi

La muerte de la memoria es la antesala al final, el perder todos nuestros registros, logros y conocimientos mientras se espera en un sillón, debe ser una experiencia dolorosa. El cine lo recreó hace dos años en el filme The Father (Florian Zeller, 2020). Anthony Hopkins interpreta a un octogenario en una etapa avanzada de Alzheimer, este verá poco a poco su realidad distorsionada durante el progreso de su enfermedad. El teatro también nos trae la mirada sobre la demencia con »El alemán que habita en mí».



»Es una fiesta, o el intento constante de un hombre común por reconstruir aquello que pudo haber sido, o todas las vidas de la vida de un pequeño hombrecito que está en guerra contra el tiempo voraz y los magnéticos recuerdos que se desvanecen como si despertara de una feliz pesadilla, o también la desenfrenada vida de excesos de un padre de familia viviendo en una casa entre extraños». Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Alejandro Genes Radawski.

Lujan Bournot, Natalia De Elía, Cecilia De Paoli, Valen Gagliardi, Carlos Kusznir, Milagros Martino y Milagros Plaza Díaz forman parte del elenco de esta obra, siendo Kusznir el protagonista. ÑLas actrices se van a relacionar con el personaje de Kusznir ya sea como interlocutoras de la historia o producto de su realidad alterada por la enfermedad. Los actores se comprometen al normal y serio desarrollo de una obra de narrativa oscura y problemática real.

Alejandro Genes Radawski conoce el espacio en que se desarrolla su producción, es por eso que la monta en escena. Junto a un grupo musical conformado por piano, acordeón, violín, batería y voz, la obra de Genes Radawski es proyectada sobre tablas en una manera onírica.

Genes Radawski da espacio a la reflexión y a la filosofía en su texto, toma capas y la superpone, creando una obra abstracta, cruda y conmovedora.El Alemán que habita en mí es el recuerdo que se esfuma y el dolor que deja en quienes ven partir la memoria de un familiar.

Disponible los viernes a las 22 horas en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

RICARDO ARJONA SUMA UNA OCTAVA FECHA EN EL MOVISTAR ARENA

Los primeros tres shows de Ricardo Arjona en Argentina fueron inolvidables para el público presente. Debido a la gran respuesta de sus fans en cada concierto y por la demanda de localidades, el cantante guatemalteco agrega una fecha más en el Movistar Arena para quienes aún no pudieron conseguir sus entradas.

Con una de las puestas en escena más extraordinarias de estos tiempos el artista Arjona está presentando en Argentina su gira “Blanco y Negro” donde además de interpretar sus grandes éxitos como “Señora de las cuatro décadas”, “Acompáñame a estar solo”, “Taxi”, “Minutos”, entre otros; también suenan las canciones de su último álbum tales como: “Hongos”, “Morir por vivir”, “De la ilusión al miedo” y “El flechazo y la secuela”.









NUEVA FUNCIÓN 17 DE AGOSTO

Tickets a la venta a partir del Lunes 8 a las 18 Hs en http://www.movistararena.com.ar



La gira “BLANCO Y NEGRO TOUR” ha demostrado estar en la cima de los eventos más esperados de este año. El tour que suma más de 50 fechas se cuelga el cartel de SOLD OUT por donde pase y es que el guatemalteco ha logrado agotar boletos en tan solo horas en la mayoría de las plazas anunciadas.

El tour de un artista que ha marcado un antes y un después. RICARDO ARJONA tiene el récord histórico en nuestro país de 34 Luna Park, 8 Estadios GEBA, 6 Estadios Boca Juniors, 5 Estadios Vélez Sársfield, 5 DirecTV Arena y 5 Orfeo Superdomo.



Próximas funciones:

10, 17, 18, 19 Y 20 DE AGOSTO DE AGOSTO

http://www.movistaraena.com.ar

Información general:

Para más información ingresa: http://www.ricardoarjona.com

Reseña: Ahí, Lectura perfomática para seis actores

Universos capaces de todo


“Sos MUY fácil de querer y MUY fácil de dejar de querer” lee uno de los textos de Bel Eiff en las voces de los intérpretes que trabajan “Ahí”: una lectura performática para seis actores en Casa Teatro Estudio.


Decidirme por primera vez a hablar desde esta primera persona, a abandonar los circunscriptos límites de la “objetividad periodística”, es una de las muchas cuestiones que resolví cuando salía de Casa Teatro Estudio el pasado sábado por la noche, después de dejar mil pesos en la bota -en lugar de la gorra- que me ofrecía el gestor del espacio, y antes de hurtar uno de los textos rotos que quedaron de la función. ¿Por qué utilizo el término “rotos”? “Rotos”, porque cada vez que finaliza la ficción retornan a la simple tinta muerta sobre el papel y porque literalmente terminaron hecho pedazos antes de que abandonara la sala la última intérprete. La idea de que los textos de Bel Eiff permanecieran una semana completamente rotos sin que nadie les vuelva a dar cuerpo me estremecía y, confieso, ahora incluso para el elenco que lee esto por primera vez, que tomé uno sin ser visto para luego guardármelo en el bolsillo y huir. Lo curioso de este dispositivo, fruto de un taller de dramaturgia por Martín Flores Cárdenas -cocreador de “Love Me” junto con Marina Otero-, es que robar el guión no me bastaba para reconstruir el total de la pieza, debido a que la misma se constituía también de pequeños papeles que leían frases u acciones.

“Decí con énfasis en MUY: Sos MUY fácil de querer y MUY fácil de dejar de querer”. Pequeñas acciones como ésta permanecen ocultas para los actores hasta el momento de la función, sin saber tampoco con quienes, ni con qué escenas, ni con qué fragmentos se encontrarán esa noche en los veinticinco minutos de ficción que les permite un timer sobre la mesa. A causa de esto es que, una vez leyendo mi papel hurtado ya fuera del teatro, me vi imposibilitado a habitar el total de la pieza en mi imaginario, y fui víctima de la ironía que guardaba su propio título: “Ahí”, la lectura performática donde la ficción se vuelve impredecible con cada función que inauguran.
Se vuelve cada vez más dificultoso disfrutar de los nuevos dispositivos teatrales en escena, la gran mayoría solemnes y distantes -conceptos que deberían guardarse en los cajones del realismo clásico-, donde el juego cómplice entre la audiencia y el trabajo del actor pasa a un segundo lugar y lo único legitimado resulta la lectura visual, por encima de todo. “Ahí” no posee grandes estructuras ni artificios: su espacio se constituye de un timer, una mesa y algunos papelitos de colores.

Los textos de Bel Eiff se devoran universos enteros -sus escenas varían entre el diálogo, el contrato, el monólogo y la lírica- y permiten que, en la conjugación entre carne y dramaturgia, tome vida una verdad filosa, que permita imaginar todo. Se podría imaginar llanamente la posibilidad de que algún individuo del público haya bajado de su butaca para interpretar la ficción; se podría imaginar que los mismos textos fueran escritos por personas de la audiencia -en parte cierto, ya que la audiencia puede escribir frases una vez finalizada la obra para utilizarse en próximas funciones-; se podría imaginar que más que una obra, “Ahí” sea una prueba puramente original que creamos todos quienes ingresamos esa noche a la sala.


Chispazos de originalidad como estos se tienen que salvaguardar lo más que se pueda, y mi aporte hacia el mismo lo hago desde la individualidad de mi persona y la subjetividad de mis palabras: perderse del desafío que implica ir a ver “Ahí”, es perderse de una apuesta preciosa por un teatro capaz de todo.
“Ahí” está todos los sábados a las 23.00hs en Casa Teatro Estudio (Guardia Vieja 4257).

Reseña: El elixir de amor

Pasión y Teatro Colón

Desde el nacimiento del drama jocoso en el siglo XVIII, la comedia romántica cobra fuerza en las operetas italianas, este género derivaría a muchos musicales de Hollywood que ya conocemos.Dramas simples y con poca profundidad, carisma, mucho baile y un final feliz, son los elementos que Donizetti plasmó en L’elisir d’amore, una de las precursoras del género.



El Teatro Colón tiene el honor de presentar la representación de »L’elisir d’amore», la ópera cómica de Gaetano Donizetti.
Ópera cómica en dos actos (1832)
Música de Gaetano Donizetti, con libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto de Eugène Scribe para la ópera Le Philtre, de Daniel François-Auber. Evelino Pidò es el director musical encargado de presentar este clásico de 190 años. El músico oriundo de Turín, aterriza en Buenos Aires para dar una maestría de excelencia al público porteño.

Enrique Bordolini es el argentino creador de este alucinante escenario. Sus referencias pueden ser alguna escena del musical West Side Story (1961), pero también algún barrio de inmigrantes en la década de los 50. Recrea una cancha de basket en un vecindario amigable. Paredes de ladrillo, rejas y gradas son los elementos de su escenario, todo esto es acompañado junto al multicolor vestuario de Renata Schussheim, la cual remite a aquellos coloridos musicales de la época dorada de Hollywood.



Javier Camarena, Santiago Martínez, Nadine Serra, Oriana Favaro, Ambrogio Maestri, Ricardo Seguel , Alfredo Daza, Germán Alcántara, Florencia Machado y María Luisa Merino forman parte del elenco principal de esta ópera, junto a veinte actores coristas.

L’elisir d’amore es una obra jocosa, bienintencionada e inocente, con una narrativa clásica y tierna. Más allá de la historia de amor protagonista, habla sobre el engaño colectivo, las falsas creencias y las personas que se aprovechan de la inocencia del pueblo. El Colón trae de vuelta a Gaetano Donizetti con fuerza, risas pero también una explosión de color que no caerá en blancos y negros, pues este es es un espectáculo sin igual, digno de aplaudir.



Disponible hasta este martes 10 de agosto.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.