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“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” no es una obra tradicional y eso se siente desde el primer minuto. No es una historia concreta, ni una narración con principio y fin. La obra pone en escena una selección de cuentos cortos del escritor proponiendo una experiencia escénica íntima y profundamente sensible, que se construye a partir del universo literario de Jorge Luis Borges, pero no desde la lógica de una biografía ni del homenaje clásico. Bajo la dirección de Hanna Schygulla, la puesta despliega una exploración poética en la que Borges es evocado como una presencia fantasmática, casi onírica que habita en los bordes de la memoria y el deseo.
Andrea Bonelli no interpreta a Borges ni cuenta su vida. Lo recuerda, lo imagina, le habla. A veces parece estar sola en escena; otras, acompañada por ese “amigo futuro” que es el Borges que dejó su huella. Su actuación es sutil, sin exageraciones pero con una profundidad emocional que te envuelve. Hay momentos donde lo que dice parece ser más un susurro hacia adentro que un discurso hacia el público.
Uno de los grandes aciertos de la puesta es cómo combina los distintos dispositivos escénicos para construir una narración pluralizada: la palabra actoral convive con la voz en off (a veces en alemán, con acento borgeano), las proyecciones de video aportan capas visuales que expanden la intimidad de lo dicho y la música en vivo (a cargo de Shino Ohnaga en el piano y Cristina Titi Chiappero en el violoncello) le otorga un espesor emocional que va desde lo melancólico hasta lo introspectivo. Incluso el tango como signo borgeano, pero también como marca cultural que le da textura a lo que pasa en escena. Todo esto no está ahí presente para adornar, sino para sumar capas, para hacer que la obra se sienta más como un estado que como una historia.
La escenografía es mínima, pero todo está pensado con precisión: luces tenues, silencios largos, movimientos medidos. No hay nada de más. Es interesante porque el escenario se vuelve un espacio de memoria, una especie de cápsula del tiempo donde los recuerdos se mezclan con las fantasías y los textos con los susurros. Schygulla construye una poética visual donde lo importante no es lo que sucede sino lo que se recuerda, lo que se pierde y lo que permanece.
“Borges y yo” se transforma en una conversación con el propio recuerdo, con lo que no está pero insiste. No busca entretener ni explicar. Es una invitación a entrar en un clima, a escuchar con otros sentidos, a quedarse en lo sutil. El encuentro que sucede en escena con Borges no está solamente en la oralidad de los textos: está en el aire, en la música, en la emoción que te queda cuando salís de la sala.
“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” se presenta todos los domingos a las 20 h en el Teatro Hasta Trilce (Maza 177, CABA).
Si hay unos personajes que parece que siempre vuelven, y siempre los vamos a tener presentes, son Los Pitufos. Y es que estos seres diminutos azules provenientes de Francia, marcaron la infancia de muchísimas generaciones (la mía incluida). Así que veamos cómo les va con este nuevo intento de establecerse en el cine.
Esta vez la historia cambia un poco, y nos propone que, en realidad, Los Pitufos protegen un libro sagrado de las manos de un grupo de monjes malvados. Esta vez no es Gargamel quien los quiere atrapar, sino su hermano menor Razamel, quien ya tiene pasado con los pequeñines azules y que, para colmo, es mucho más poderoso de Gargamel.
Si, parece que ahora Los Pitufos son una especie de superhéroes protectores de La Tierra. Y este giro de historia es un poco entendible, ya que si bien vienen de capa caída, los encapuchados siguen vendiendo, y qué mejor que colgarse de ellos para traer de nuevo una franquicia que llevaba un buen tiempo desaparecida.
El tema es que esto hace bastante genérica a la película, poniendo superpoderes, viajes al multiverso, y demás cosas totalmente ajenas a la esencia de la creación de Peyo. Si, a las nuevas generaciones que casi ni conocen a Los Pitufos esto les puede dar igual, pero para los que vieron cualquiera de sus iteraciones en los diferentes medios, les va a sonar bastante random esta decisión.
Y acá también tiene que venir otra aclaración, estamos frente a un musical. Esto no tiene nada de malo, pero lo aclaro porque sé que muchos le huyen a este género. En lo personal, creo que funciona, y si bien no soy fan de Rhianna (que también le pone la voz a Pitufina), sus rolas están lo bastante bien y quizás alguna de ellas se termine colando en los Oscar.
Y hablando de las voces, pedazo de elenco tenemos. Nick Offerman, Nick Kroll, James Corden, John Goodman y la ya mencionada Rhianna son algunos de los que ponen sus voces en la versión original de Los Pitufos. Y si bien son bastante identificables, todos les aportan la suficiente personalidad a sus papeles.
El intento de traer de nuevo a Los Pitufos a la conversación, y establecerlos de moda para los chicos, está por verse. Mientras, la película si bien es arriesgada, creo que se aleja bastante de lo que realmente representan los enanitos azules.
Lo mejor: que dura poco, puede gustarle a los más chicos.
Lo peor: tiene poco y nada que ver con la escencia de los pitufos
La adaptación del musical «Despertar de Primavera» dirigida por Fer Dente se erige como una puesta en escena renovada y vibrante de una obra icónica, que ya en 2010 cautivó al público argentino con Dente mismo como protagonista. Esta nueva versión, producto de un casting abierto que buscó talento joven y a la altura, logra una reinterpretación profunda y conmovedora de la obra de Steven Sater.
Ambientada en la Alemania de finales del siglo XIX, la narrativa nos sumerge en las vidas de jóvenes como Wendla, Melchior y Moritz, quienes luchan contra las complejidades del despertar sexual, la identidad y las abrumadoras presiones parentales y educativas. La obra no teme abordar temas delicados como la represión sexual, la falta de comunicación intergeneracional, el abuso infantil, el suicidio y la incansable búsqueda de identidad en la adolescencia. Es un crudo retrato de una juventud que anhela libertad en un mundo que les exige conformidad y les niega la exploración de sus propios cuerpos y deseos.
La dirección de Dente imprime una visión distintiva y lúgubre. El escenario presenta una estructura giratoria que, funcionando como atril y transformándose para cada escena, acompaña el devenir de los personajes. Detrás, una pintura de paisaje en tonos grises refuerza la atmósfera oscura, generando un impactante contraste con los vivos colores de los vestuarios de los protagonistas. Esta puesta en escena logra destacar las diversas historias entrelazadas: la de Melchior, eje del caos adolescente; la de Moritz, que, aunque aporta humor, es arrastrado al trauma por las presiones; y la de Wendla, cuya poderosa interacción con Melchior aborda un tema aún tabú. La obra también da espacio a personajes como Martha, cuyo conflicto intrafamiliar es central en su desarrollo. Aunque contextualizada en otra época, el abordaje de la adolescencia, las presiones sociales y la sexualidad resulta sorprendentemente actual.
Estética Minimalista y un elenco brillante desde el punto de vista técnico, la decisión de adoptar una estética minimalista y oscura es un acierto. A pesar de la escasez de elementos escenográficos, cada detalle está cuidadosamente trabajado. El contraste entre los uniformes y el fondo gris, la iluminación precisa y el impactante rojo presente en los personajes adultos, contribuyen a una experiencia visual potente. Las coreografías están impecablemente implementadas, resaltando a los personajes que lideran cada número. El uso del micrófono de mano para que los personajes «desaten sus verdades» en conjunto con el ensamble es un recurso ingenioso y efectivo.
El elenco es, sin duda, uno de los pilares de esta producción. Se evidencia el éxito del casting, que reunió a una nueva generación de jóvenes talentos, muchos de ellos ya con trayectoria en el teatro musical. Octavio Murillo (Melchior), Trini Montiel (Wendla) y Tomás Wicz (Moritz) lideran este conjunto con interpretaciones vibrantes y conmovedoras. El universo adolescente se completa con destacadas actuaciones de Paz Gutierrez (Ilse), Joaquín Scotta (Hanschen), Valentina Pergolini (Anna), Mariel Percossi (Martha), Felipe Paissanidis (Georg), Lare (Otto), Marto Rodríguez (Ernst) y Sol Tobías Córdoba (Thea). Las figuras adultas, interpretadas por Vanesa Butera e Iñaky Agustín Baldassarre.
En definitiva, «Despertar de Primavera» es una gran obra musical cuya adaptación, hecha propia por Dente, ofrece una experiencia teatral inolvidable. Es un placer disfrutar de esta producción en la cartelera porteña, resultado de un gran trabajo de todo el elenco y una historia que, a pesar del tiempo, resuena con una innegable actualidad.
ÚLTIMAS 4 FUNCIONES: Viernes 25 de julio – 20 hs Sábado 26 de julio – 20 hs Domingo 27 de julio – 20 hs Sábado 2 de agosto – 20 hs – Despedida Teatro Opera Entradas en venta únicamente a través de http://www.ticketek.com.ar
FICHA TÉCNICA
ELENCO: TRINI MONTIEL “WENDLA” OCTAVIO MURILLO “MELCHIOR” TOMAS WICZ “MORITZ” PAZ GUTIERREZ “ILSE” VANESA BUTERA “ROLES ADULTOS FEMENINOS” IÑAKY AGUSTÍN “ROLES ADULTOS MASCULINOS» MARIEL PERCOSSI “MARTHA” JOAQUIN SCOTA “HANSCHEN” MARTO RODRIGUEZ “ERNST” VALENTINA PERGOLINI “ANNA” SOL TOBIAS CORDOVA “THEA” LARE “OTTO” FELIPE PAISSANIDIS “GEORG” AZUL MAZZEO SWING SANTIAGO TOLEDO SWING
MÚSICOS: Piano- Giuliana Sosa,Teclado- Pedro Sosa,Bajo electrico- Francisco Sarmiento,Guitarras acústicas y eléctricas – Nicolás Valese,Percusión – Federico Taboada Bateria- Juan Pablo Sosa,Violin- Lucia Cuesta,Viola- Juan Pablo Gómez Zurita Violonchelo- Titi Chiappero, Contrabajo- Fernando Oviedo
PRODUCCIÓN GENERAL: CLUB MEDIA junto a VE8 y ALEPH MEDIA
DIRECCIÓN GENERAL : FER DENTE DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: VANESA GARCÍA MILLÁN DIRECCIÓN VOCAL: EUGENIA GIL RODRÍGUEZ DIRECCIÓN MUSICAL: GIULIANA SOSSA DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: GONZALO CORDOBA ESTEVEZ DISEÑO DE VESTUARIO: LA POLILLA DISEÑO DE SONIDO: GASTÓN BRISKI DISEÑO DE LUCES: LUCAS GABRIEL GRINGAS
DISEÑO DE MAKEUP : GUILLERMINA FERNANDEZ DISEÑO DE PEINADOS: CLAUDIA ZUCCHI y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ PARA MB SALON
PRODUCCIÓN CLUB MEDIA: TOMÁS BRU MASSA PRODUCCIÓN EJECUTIVA: STELLA MARIS BLANCO PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Y COMUNICACIÓN: M.CECILIA CALLES MANAGEMENT DE PRODUCCIÓN: SEBASTIÁN VÁZQUEZ – M. EUGENIA SANCHO GOÑALONS – TOMAS BRU MASSA ADMINISTRACIÓN CLUB MEDIA SIMARAY REVERÓN COMPANY MANAGER: MÓNICA SVARINSKI DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN TÉCNICA JUAN MANUEL RIPARI PRODUCCIÓN TÉCNICA: FER “FELPA” ESCOBAR PRODUCCIÓN MUSICAL: SANTI CAVALLERO – FEDE CAVALLERO TRADUCCIÓN: MARCELO KOTLIAR
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: AGUSTINA VERA COORDINADORA DE INTIMIDAD: TATI ROJAS COACH ACTORAL: NAYLA POSE ASISTENTE COREOGRAFÍA: SANTIAGO TOLEDO ASISTENTE VOCAL: FRANCISCA BODAS ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA: URIEL CISTARO ASISTENTE DE COMUNICACIÓN Y PRODUCCIÓN: ANTONIA MASSA ASISTENTE DE PRODUCCIÓN : ALMENDRA SARUBBI- MILAGROS CIPRES PERNIA EQUIPO LA POLILLA: Gustavo Alderete, Rodrigo Lico Lorente, María Pía Marino,Brian Bustos, Nicolás Conte, Laura Martínez, Ezequiel Endelman, Juan Martín Icardo. Realización de sombreros: Cecilia Denegrí Pérez. Agradecimientos Vestuario: Victoria Wallace, Gabriel Dávila, El Rey del Pantalón, Maximiliano Ponti.
JEFE DE MAQUINISTAS: RAUL VILLAVERDE- MAQUINISTAS: MIGUEL VILLAVERDE- ALEJANDRO DANIEL PERALTA ASISTENTE DE ESCENARIO: DARIO MENDOZA UTILERÍA: NORMA “KICHI” GATTI OPERADOR DE SONIDO: PABLO AIDELMAN MICROFONISTA: SOHAR HERNAN SAAVEDRA OPERADORES DE LUCES: STEFANIA NELA BONATO SEGUIDORISTAS: OMAR CIPRÉS – VESTUARISTAS: AILIN GUTIERREZ “PINA” – JUAN POMILLO PEINADOS Y PELUCAS: CLAUDIA ZUCCHI Y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ SET ELECTRIC – ELÉCTRICO DE PISO: GUSTAVO ¨OSO¨ SEQUEIRA
REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: TRAMOYISTAS FOTOGRAFÍA: BRUNO ILUSORIO FOTOGRAFÍA PARA REDES y REALIZACIÓN AUDIOVISUAL: TAMARA GALEANO y LAILA MAUGERI DISEÑO GRÁFICO: LUCAS PRENSA Y COMUNICACIÓN: LOLA BARREDO
Critica por PablinTeve En plena crisis económica, el don de una niña de 9 años para comunicarse con los animales da a sus tutores, ávidos de oportunidades, la idea de ofrecer sus servicios como médium de mascotas. La familia viajera debe enfrentarse a su propia incapacidad para comunicarse mientras recorren la campiña argentina en una pequeña autocaravana camino de visitar a la madre de la niña que está internada en una institución psiquiátrica.
Lo que me gustó Iván Fund cuenta una historia simple pero llena de magia, donde una chica que puede hablar con los animales emprende un viaje que es tanto un descubrimiento como una despedida de la inocencia. En esta road movie tierna, melancólica y minimalista, lo mágico y lo sobrenatural se mezclan con lo cotidiano de manera tan natural que parece que siempre formaron parte del mismo paisaje. Un relato donde lo fantástico no rompe con lo real, sino que lo acompaña con una delicadeza única, en medio de un mundo rural lleno de pequeños detalles y gestos silenciosos.
Lo que no me gustó Tiene momentos lindos, pero le falta emoción y no se anima a dejar cosas en el aire, a jugar con lo invisible o lo sugerido.
La demo de Theropods no se anda con rodeos. Arranca con una escena sorprendentemente brutal: una familia primitiva luchando por sobrevivir al embate de un T-Rex. La despedida de una madre que se sacrifica para asegurar el futuro de su pequeña marca el tono desde el inicio, y sí, implica que la sangre salpique. Definitivamente, este no es un juego para los más chicos.
Tras este impactante prólogo, la narrativa nos transporta años después a un bullicioso asentamiento prehistórico. Aquí, ya crecido, el protagonista se integra en la vida de la aldea, dando inicio a su rutina de ayuda y, con ello, al primer puzle. Y es que la esencia de «Theropods» reside precisamente en eso: la resolución de intrincados rompecabezas. Estos desafíos se desarrollan en un entorno de varias capas, donde la exploración va más allá del plano 2D tradicional. La posibilidad de moverse «por encima» o «por debajo» de la perspectiva principal añade una sutil pero efectiva sensación de verticalidad, enriqueciendo la inmersión. La jugabilidad se centra en la clásica mecánica de Point & Click, donde deberás combinar objetos, activarlos en la secuencia correcta o entregar la herramienta adecuada al personaje preciso en el momento justo.
Visualmente, «Theropods» opta por un estilo PixelArt minimalista y muy colorido, una elección que no solo es estéticamente agradable sino que también complementa a la perfección su jugabilidad. Lo que realmente distingue a esta demo es la ausencia total de diálogos, voces o textos. Esta decisión deliberada fomenta una experiencia completamente inmersiva, permitiéndote desentrañar la historia y los enigmas de manera intuitiva y visual.
En resumen, la demo de «Theropods» ofrece una propuesta intrigante y madura, que combina una narrativa conmovedora con rompecabezas ingeniosos y un estilo artístico cautivador. Si buscas una aventura Point & Click diferente, con un inicio que te dejará sin aliento y una jugabilidad que te invita a la reflexión, «Theropods» es una opción que vale la pena explorar.
La serie Tony Hawk’s Pro Skater es una de las más icónicas y queridas en el mundo de los videojuegos de deportes extremos. Después de años de espera, los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 han llegado a Nintendo Switch, ofreciendo una experiencia renovada para los fanáticos de la serie. En este análisis, exploraremos los diferentes aspectos de estos remakes y veremos si logran capturar la esencia de los originales.
Los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 presentan gráficos renovados que se ven bien en la Switch. Los modelos de los personajes y los entornos han sido actualizados, y la iluminación y los efectos visuales han sido mejorados. Sin embargo, algunos jugadores pueden notar que los gráficos no son tan detallados como en otras plataformas más potentes. A pesar de esto, la estética general de los juegos sigue siendo fiel a la serie y ofrece una experiencia visual agradable.
Los modelos de los personajes han sido actualizados y se ven más detallados que en los originales. Sin embargo, algunos jugadores pueden notar que los modelos no son tan detallados como en otros juegos más recientes. Los entornos han sido actualizados y se ven más vibrantes y detallados que en los originales. Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración. La iluminación y los efectos visuales han sido mejorados y se ven más realistas que en los originales. Los juegos también presentan una variedad de efectos visuales, como explosiones y fuego, que agregan a la experiencia visual.
En términos de rendimiento, los juegos funcionan bien en la Switch, con una tasa de cuadros estable y sin problemas significativos de lag o congelamiento. Sin embargo, algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de textura o iluminación en ciertas áreas. En general, el rendimiento técnico es sólido y permite una experiencia de juego fluida.
La tasa de cuadros es estable y se mantiene en 60 FPS en la mayoría de los niveles. Sin embargo, algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de lag o congelamiento en ciertas áreas. Algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de textura o iluminación en ciertas áreas. Sin embargo, estos problemas no afectan significativamente la experiencia de juego.
La banda sonora de los juegos es una de las mejores partes de la experiencia. La selección de canciones es excelente, con temas clásicos de rock y punk que se ajustan perfectamente al tono de los juegos. Los efectos de sonido también están bien hechos, con sonidos de patineta y efectos de impacto que se sienten auténticos.
La banda sonora es excelente y presenta una variedad de temas clásicos de rock y punk. Las canciones están bien seleccionadas y se ajustan perfectamente al tono de los juegos. Los efectos de sonido están bien hechos y se sienten auténticos. Los sonidos de patineta y efectos de impacto son especialmente realistas.
La jugabilidad es donde los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 realmente brillan. Los controles son precisos y responden bien a los movimientos del jugador. La física de la patineta es realista y permite una gran variedad de trucos y combinaciones. Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración, lo que permite a los jugadores encontrar sus propios caminos y secretos.
Los controles son precisos y responden bien a los movimientos del jugador. Los jugadores pueden realizar una variedad de trucos y combinaciones con facilidad. La física de la patineta es realista y permite una gran variedad de trucos y combinaciones. Los jugadores pueden realizar trucos complejos y combinaciones con facilidad. Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración. Los jugadores pueden encontrar sus propios caminos y secretos en los niveles.
Conclusión
En conclusión, los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 para Nintendo Switch son una excelente opción para los fanáticos de la serie y para aquellos que buscan una experiencia de juego divertida y adictiva. Aunque los gráficos no son perfectos, la jugabilidad y el apartado sonoro son excelentes, y el rendimiento técnico es sólido. Si eres un fanático de la serie o simplemente buscas un juego divertido para jugar en tu Switch, estos remakes son definitivamente worth it.
Sinopsis Una actriz en crisis entra por voluntad propia a una clínica de rehabilitación para enfrentar sus adicciones. En su intento por recuperar el control de su vida, atraviesa un viaje crudo, conmovedor y profundamente humano de aprendizaje. Un relato valiente sobre como alejarse de las personas, lugares y cosas que nos lastiman contado con inteligencia y sensibilidad.
Reseña Una propuesta inteligente, con una puesta en escena que irrumpe y provoca. Entiende como contar el humor en medio de una historia dramática que nos busca volverse rosa, sino que eleva la apuesta abriendo un camino sin anestesia a la reflexión personal. Humana y profunda; cruda y honesta. La narración te sumerge en una trama dinámica, visualmente lograda e ingeniosa, con un recorrido escénico interesante sin momentos forzados. La obra tiene una duración de 2:30 que entretienen y atrapan, con el tiempo preciso muy bien estructurado. Flor Otero, tiene el poder de traspasar la escena, dejándose llevar por un personaje complejo que atraviesa todos los estadios difíciles de una desintoxicación. Hay un trabajo cuidado que le permite arriesgarse a vivir los diferentes climas emocionales que tiene su interpretación con mucha soltura y naturalidad.
Cada uno de los artistas que acompañan y contienen a la protagonista son empáticos, divertidos y se animan a jugar entre los espacios emocionales y el humor negro. Resulta interesante que la obra se atreva a abordar un tema tan difícil de una manera atractiva y equilibrada. Como en la vida misma los finales no siempre son cerrados ni felices. Sin embargo, el camino está ahí, para arriesgarnos a vivir de la mejor manera que somos capaces de animarnos en el día a día.
Detalle La obra tiene un intermedio en el que se invita al a público que desea a subir a bailar en el escenario con un dj en vivo. La idea que se recibe con entusiasmo y le sienta perfecto al momento.
Ficha Técnica Dirección: Julio Panno Reparto: Flor Otero, Carlos Kaspar, Nelson Rueda, Estela Garelli, Santiago Racca, Fiore Provenzano, María Latzina, Rocco Sáenz, Diana Santini Duración: 150 minutos Funciones: Martes 20 hs en el Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639
Y también se lo que hicieron en las dos películas anteriores.
La historia: De vuelta en Southport tenemos a cinco adolescentes en un auto, tomando alcohol y fumando cosas raras. Paran un momento y jugando en el camino provocan un accidente fatal, uno de ellos llama a su padre para que arregle las cosas con la policía y no los vinculen con el accidente. Todos terminan accediendo al plan, salvo Ava que quiere declarar en la comisaria pero termina cediendo ante la presión de los demás. Un año pasa y casi todos se vuelven a reunir en el pueblo pesquero para asistir al cumpleaños de Danica, mientras abre los regalos descubre una cartita que dice: “soft reboot”…perdón, dice “Sé lo que hicieron el verano pasado”. De allí en más es una carrera contra el tiempo para descubrir quién es el misterioso pescador que va asesinando con un gancho uno a uno a los protagonistas de la misma manera en que ocurrió en el mismo lugar en 1997. ¿Lograrán descubrir quién es el asesino antes de ser asesinados? Y lo que es más importante, ¿lograrán arreglar con el elenco original para que hagan al menos un cameo en esta peli? Habrá que ir a verla para enterarse.
¿Qué me gustó? La frescura de los adolescentes exitosos y hegemónicos sigue allí, que por una noche de parranda descarrilan su acomodada vida para siempre. Trajeron a gran parte del elenco original, lo que le da otra lectura a la película.
¿Qué no me gustó? No busca innovar demasiado en la fórmula original salvo por algunos pequeños giros al final, lo que hace que se sienta algo predecible. Tiene muy poco humor, a diferencia de otras sagas de terror de la misma época que vuelven a la vida y buscan agregar un poco de risas a la fórmula para no tomarse tan en serio, cosa que aquí no sucede. El elenco de jóvenes no está mal, pero utiliza los mismos estereotipos de la original, no busca mezclar ni innovar con eso tampoco, lo que hubiese aportado algo de frescura. Al final de la peli hay un comentario feminista intentando explicar la dinámica de esta saga, lo que para mí no suma y le baja un poco el precio.
¿Aporta algo nuevo al género? Es una película slasher clásica de los noventas, de un estilo parecido a Scream (1996), ambas del mismo creador, donde la mecánica es similar: Un asesino misterioso, normalmente con alguna característica particular, va aniquilando uno a uno a los protagonistas (del más secundario a los más protagónicos) mientras la audiencia trata de adivinar quién es el asesino, mezclando un poco con otro género llamado who did it.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de estas películas, esta peli no los va a defraudar ni sorprender demasiado tampoco.
Calificación: 7/10 Duración: 111 minutos Disponible 17 de julio en cines
El destacado cantautor salteño Juan Fuentes lanza una nueva versión de su emotiva “Zamba de la Higuera”, con la participación especial de una figura esencial del folklore argentino: el Chaqueño Palavecino.
Compuesta por el propio Juan Fuentes y Marcelo Predacino, “Zamba de la Higuera” es un canto a la memoria, a la tierra ya las emociones que habitan el paisaje y el alma del norte argentino. En esta reedición, la fusión de voces entre Fuentes y el Chaqueño dan vida a una interpretación profundamente sentida, que una generaciones y estilos con una misma raíz: la zamba tradicional.
«Esta zamba nació de mi corazón, bajo la sombra de una higuera (donde aprendí a cantar) que guarda historias. Que hoy el cante conmigo el Chaqueño es cerrar un círculo de amor por nuestras raíces», expresó Juan Fuentes.
El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, acompañado de un videoclip oficial grabado en la casa del Chaqueño Palavecino, (estudio Juan Angel) en Rosario de Lerma en Salta, dentro del estudio donde ambos artistas compartieron el proceso de grabación. El video captura la intimidad y la emoción de este encuentro artístico, en un entorno profundamente simbólico para ambos.
Con “Zamba de la Higuera”, Juan Fuentes reafirma su compromiso con la identidad folklórica y celebra el encuentro con un ícono que marcó el camino de toda una generación de artistas.
ANTRO, el debut de Gatera Studio, te sumerge en un futuro distópico donde la expresión es un crimen y el sonido de la rebelión es la única esperanza. Este juego de plataformas, puzles, acción y ritmo en 2.5D se desmarca de lo convencional, apostando por la libertad y un pulso constante de hip-hop, drum y electrónica que insufla vida a la ciudad. Cada movimiento, ya sea corriendo por los tejados o explorando los bajos fondos industriales, está en sintonía con el ritmo de la revolución. En la piel de Nittch, un astuto mensajero y apasionado grafitero y rapero español, tu misión es entregar un paquete misterioso en las entrañas de este mundo opresivo. Sin embargo, esta tarea te transforma en algo más grande: un símbolo de la resistencia, un hilo conductor para Los Discordantes, quienes luchan contra el régimen de La Cúpula.
La jugabilidad de ANTRO es sencilla pero fluida. Deberás correr, saltar, trepar, deslizarte y, cuando sea necesario, aplastar robots, drones y obstáculos. Las secciones de parkour, con carreras por las paredes y saltos precisos, son el núcleo de la experiencia. No esperes sistemas complejos; el juego se centra en la velocidad y el ritmo, con niveles diseñados como corredores de speedrun donde la experimentación queda en segundo plano. La precisión en el movimiento es clave, especialmente en las persecuciones más intensas donde un paso en falso puede ser fatal. La voz sarcástica que se burla de tus errores añade una capa de frustración, pero también te impulsa a seguir adelante, haciendo eco del mantra de la hermana de Nittch: «No mires atrás. Salta cuando haya un precipicio».
En el apartado gráfico, el motor Unity rinde de manera impecable en PS5, ofreciendo un diseño artístico atractivo y con personalidad que varía según los distritos, todo ello con una fluidez notable. El diseño sonoro ambiental es de gran nivel, pero es en la música donde ANTRO realmente brilla. Los temas son pegadizos y hacen que las secciones rítmicas sean el punto fuerte, invitando incluso a explorar a los artistas presentes en su banda sonora.
ANTRO se siente como una buena banda sonora que trae un juego. Si bien el mensaje es relevante, quizás está sobreexplotado, y aunque la jugabilidad es divertida, experimentarla una vez puede ser suficiente. Sin embargo, su propuesta rítmica y su estilo visual lo convierten en una experiencia única que vale la pena probar si buscas algo diferente.
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