Crítica: Cabrini

Por Gustavo Condano

La verdadera novicia rebelde.
Esta película es la historia real de una monja italiana que se tuvo que oponer a todo para crear lo que ella llamaba un imperio de la esperanza y se terminó convirtiendo en la santa patrona de los inmigrantes (spoiler). ¿Valdrá la pena o será menos divertida que ir a la iglesia? Lo vemos más abajo.



La historia:
Francesca Saverio Cabrini, interpretada por Cristiana Dell’anna, es una monja italiana de frágil salud pero con mucha motivación para crear orfanatos en todo el mundo, comenzando por China. Desde la santa sede no están de acuerdo porque conocen su estado de salud y también porque es mujer, por lo que intentan impedirlo. Pero es tal su insistencia que llega a ver el papa que le da su apoyo pero quiere que comience en América, especialmente en Nueva York, donde los niños inmigrantes italianos mueren en las calles a diarios.
Ya en el lugar descubre que nadie le hará la vida más fácil, toma control del orfanato de five points, una zona marginal de la isla de Manhattan que se parece más a un aguantadero de delincuentes y proxenetas que a lo que uno podría imaginar de la gran manzana. Junto a sus hermanas y con mucho esfuerzo pone en orden las cosas y comienzan a recibir chicos pero los conflictos y la oposición a su misión sólo están comenzando.
¿Podrá esta frágil monja italiana superar todos los obstáculos que atraviesan su camino, y realmente son muchos, o deberá volverse a Italia con el corazón roto? Calculo que todos podemos adivinar el resultado sino no hubiesen hecho la película, pero en este caso lo importante es conocer y atravesar esta historia.

¿Qué me gustó?
La actuación de Cristiana Dell’Anna es realmente épica y fundamental para que nos metamos en la historia y creamos en la lucha de este personaje contra todo lo que se le pone enfrente.
Los planos y la ambientación de época están muy bien cuidados y dan un muy bien marco a esta historia.



¿Qué no me gustó?
Se entiende que esta santa (literalmente), se ha enfrentado a muchos problemas y obstáculos para lograr su misión. Pero la película por momentos nos intenta hacer creer que el alcalde de Nueva York no tiene mejor cosa que hacer que perseguir a los huérfanos y las limosnas que reciben, quizás es una mirada algo sesgada sin necesidad ya que no hace falta resaltar tanto la bondad de la protagonista, incluso puede poner en duda el rigor histórico de toda la pieza.

¿Aporta algo nuevo al género?
Es un drama histórico bien contado de forma lineal, no hay nada innovador en este caso y quizás no haga falta. Simplemente interesa que conozcamos la historia de Cabrini y nos identifiquemos con ella y su lucha. 

¿A quién recomiendo está peli?
A los amantes de un buen drama histórico y todas las personas que aprecian una historia de superación que logre hacernos sentir que por más ambiciosos que sean nuestros planes, todo se puede lograr a pesar de los obstáculos. Y si este mensaje viene atado a un hecho histórico mucho mejor.

Calificación: 7/10


Estreno: Se estrena en cines el 21 de marzo.
Duración: 142 minutos

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Crítica: El libro de las soluciones

Reseña por Santiago Merlini

Duración: 102 Minutos

Dirección: Michel Gondry

Guión: Michel Gondry



En el marco del “Festival de cine francés”, que se llevará a cabo entre el día 21 y el día 27 del mes de marzo, nos encontramos con esta comedia dramática titulada “Le livre des solutions” o por su traducción al español: El libro de la soluciones. Su título se verá rápidamente reflejado en pantalla.



Marc (Pierre Niney), un ciclotímico cineasta, se llevará a su productora y a su editora a la vieja casa de su abuela con el objetivo de terminar su película lejos de las observaciones y límites que le pone la compañía productora que financia su largometraje. Mientras lucha contra su bloqueo creativo, diseña un libro al que bautiza como “el libro de las soluciones”, el cual tendría la utilidad de responder ante cualquier crisis que enfrente un ser humano en su vida.

No será muy difícil para el espectador darse cuenta que el personaje de Marc es un reflejo ficcional del propio director y guionista del film, Michel Gondry. Cabe aclarar que, acompañado de una gran dosis de humor y algunas escenas fantásticas, el relato no busca ser una muestra fidedigna de lo que vivió el autor en algún momento de su vida, si no más bien busca acercarse a ese sentimiento de incertidumbre que sufren los artistas de los que se esperan cosas de ellos y no saben si lograrán estar a la altura de las expectativas.

Es una película altamente recomendable para los que ya conozcan la filmografía de Gondry y que estén un poco familiarizados con su manera de narrar. El largometraje cuenta con la sorpresiva aparición del reconocido músico Sting interpretándose a sí mismo y componiendo la música de la película que realiza el protagonista. Incluso uno ahí podría encontrar otro guiño entre la realidad y la ficción, ya que Michel Gondry comenzó su carrera en la industria audiovisual como director de videoclips musicales.

Quizás el mayor defecto de la película sea que cuando intenta mostrar los defectos de su personaje principal lo vuelve demasiado irritable y lo pone en situaciones donde es difícil para el espectador lograr empatizar. Por momentos algunas de estas escenas quedan aisladas y se pierden dentro del tono cómico general que recubre a la historia. A pesar de estas escenas en particular, el guión fluye bastante naturalmente sin demasiadas dificultades y con algunas sorpresas que descolocan al espectador.

Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.

Estreno en cines: El Libro de las soluciones se encuentra dentro del marco del festival de cine francés que se lleva a cabo del 21 al 27 de marzo.  La película tendrá dos funciones, una el Viernes 22 y otra el Lunes 25.

Calificación: 7/10

Reseña: La Falcón

Declarada de interés cultural y varias veces premiada, “La Falcón” comienza su cuarta temporada en el teatro El Extranjero todos los viernes a las 20:30.

Buenos Aires, años ´30. La propuesta de un viaje basado en la vida de Ada Falcón, “La Emperatriz”, una de las cantantes más importantes y relevantes de la historia del tango. 

La obra escrita por Augusto Patané, recorre la vida de Ada, centrándose en la relación amorosa y prohibida entre la cantante y el célebre Francisco Canaro y en cómo esta repercutió en el reconocimiento, la fama y la retirada de la cantante. La obra expone la relación entre Ada y su público, el vínculo con su hermana menor y su madre, con la esposa de Canaro, con Canaro mismo y, finalmente, con su propio hacer y profesión. 

“La Falcón” es un musical, pues entre momentos dramáticos y otros de tinte biográfico encarnados por la madre- narradora, se cuela un repertorio de las canciones más famosas interpretadas por Ada, como «Yo no sé qué me han hecho tus ojos» y «La morocha». Este repertorio se interpreta con guitarras en vivo ejecutadas con gran calidad. Los arreglos que Carlos Ledrag y Florencia Craien realizaron son exquisitos. Suenan las canciones y quienes están en el público y conocen, cantan; quienes no, se entregan al viaje.

El vestuario y la escenografía recrean con  precisión los años ´30. El espacio está dispuesto como si el propio público asistiera a la transmisión en vivo de Radio El Mundo, donde Ada se presentó innumerables veces junto a su mentor, Canaro. En ese mismo espacio ocurren las escenas que dan cuenta del devenir de su carrera. Mesas con lamparitas alrededor del espacio, un cortinado adamascado, un micrófono de época, vestidos antiguos, todo lleva hacia un tiempo otro. 

El elenco está conformado por  María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez. María  combina lo lírico y lo popular, encarnando, así, una Ada elegante que llama la atención y despierta curiosidad. Carlos es Canaro, en la obra actúa, canta y toca la guitarra con gran virtuosismo. Florencia demuestra versatilidad, es música y también por momentos se transforma para ser la esposa engañada de Canaro. Tanto Florencia como Federico, deslumbran por su talento y calidad en las guitarras. Victoria y Mónica son los personajes que se dedican exclusivamente a la actuación y llevan con entereza los roles de hermana y madre, respectivamente, dando aire y dinamismo a la obra. 

La Falcón propone, entonces, un viaje hacia la vida de esta cantante oculta por la historia. Su retiro a un convento en Córdoba fue repentino, su silencio abrupto le dio a su carrera un tinte misterioso. La obra invita al disfrute tanto a los conocedores de la vida de “La Emperatriz” como a quienes por primera vez escuchan de ella. “Tus ojos para mí son luces de ilusión, que alumbran la pasión que albergo para tí (…)”, del teatro se sale queriendo saber más y tarareando, por qué no. 

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Augusto Patané/ Actúan: María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez/ Músicos: Federico Justo/ Diseño de vestuario: Paula Molina/ Diseño y realización de escenografia: Victor Salvatore/ Realización de vestuario: Paula Molina/ Diseño De Iluminación: Cintia Miraglia/ Fotografía:Nacho Lunadei/Prensa: Natalia Bocca/ Arreglos musicales: Florencia Craien, Carlos Ledrag/ Producción ejecutiva: Carambola Artes Escénicas/ Producción: Augusto Patané /Dirección: Cintia Miraglia

“La Falcón”- Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)- Viernes – 20:00 hs (Hasta el 29/03/2024) /Sábado – 20:00 hs (Del 13/04/2024 al 04/05/2024)

Escribió: Micaela Steinbach

Análisis: Prince of persia: The lost crown

Antes de que llegara el éxito enorme que fue Assassins Creed, prince of persia era de una de las grandes franquicias que venía de la mano de Ubisoft. Luego de unos últimos título que no llegaron a tener el alcance que nos tenia acostumbrados, la franquicia se fue al cajon. Ante la fallida intención de hacer un remake de las arenas del tiempo, llegó «The lost Crown » un juego que realmente no esperabamos por su estilo 2D y género metroidvania, pero la realidad que termino siendo un gran juego y uno de los mejores de ubisoft en tantos años.

El título comienza con un grupo de guerreros que comienzan a luchar contra un ataque a persia. Nos ponemos en la piel de Sargon, uno de los miembros más jóvenes de los inmortaöes y que tras una gran hazaña logra derrotar al líder del ataque. Es así que se gana la confianza de la reina y es en ese momento en el que secuestran al principe y debe emprender el viaje para su rescate en el Monte Qaf, que será un laberinto con muchas amenaza a alrededor. 

Su inicio esta orientado a la acción, donde nos presentan los primeros combates, cuales son sus principales mecánicas y la aparición de algunas cinemáticas para adentrarnos en la historia. Una vez pasado eso, estas características siguen estando presentes pero también empezamos a tener libertad en un mapa extenso. También comenzamos a adquirir habilidades que nos permitiran acceder a nuevos sitios del mapa y que sirven para tener una mejor estrategia para ir contra enemigos. Si bien hay habilidades muy interesantes y en líneas generales esta bien planteado, puede que algunas están hechas para usar en algún apartado pero luego pierde toda ulilidad y terminan desaprovechadas.

Prince Of Persia es uno de los mejores juegos que ubisoft nos entregó en años, viene de la mano del equipo que trajo Rayman Legends, demostrando su talento en los juegos de plataformas pero en este caso, acentuando mucho más la exploración y el combate en un juego, que no debes juzgar por su portada, porque la realidad es que termina siendo una gran sorpresa.

Calificación 9/10

Reseña: El sentido de las cosas

«El Sentido de las Cosas», una obra deliciosa desde el minuto en que comienza. Escrita por Sandra Franzen, narra el encuentro ¿imaginario? entre un viejo y ermitaño poeta y un joven con sueños de convertirse en escritor, en una isla del Paraná durante una crecida implacable. Ambos personajes se encuentran perdidos y a la deriva, buscando su destino en medio de la inestabilidad, flotando y hundiéndose mientras reflexionan sobre el sentido de la vida. Con un texto simple, sencillo y maravilloso ¿acaso lo realmente importante de esta vida no es eso? ¿No está allí el sentido de las cosas? En la simpleza.



La trama sirve como pretexto para explorar tanto las penas como las alegrías que todos los seres humanos experimentamos en tiempos turbulentos, ofreciendo una visión esperanzadora en medio de la incertidumbre. Y el cierre nos devuelve una sonrisa, nos hace saltar de la butaca y aplaudir hasta que nos duelan las manos.

Dos artistas enormes (Víctor Laplace en el papel del poeta y Gastón Ricaud interpretando a Josecito) arriba de un escenario despojado, sólo con los elementos esenciales. El resto lo llenan estos dos actores, con un decir exquisito, en donde cada palabra encaja en un rompecabezas perfecto.

Las funciones serán los domingos a las 19.30hs en el Centro Cultural de la Cooperación – Sala Solidaridad, Av. Corrientes 1543, Ciudad de Buenos Aires.

FICHA TÉCNICA

El Poeta: Víctor Laplace

Josecito: Gastón Ricaud

Músico en Escena: Gonzalo Domínguez

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Diseño de Escenografía: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Vestuario: Carlos Di Pasquo APDEA

Diseño de Iluminación: Horacio “CHINO” Novelle

Fotos: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: Sol Collantes

Prensa: Natalia Bocca

Operación Técnica: Ramiro García Zacarías

Asistente de Escena: Adrián Rallap

Productora Ejecutiva y Artística: Alejandra García

Dirección General: Andrés Bazzalo



Andrea Parise Calamera

Reseña: La casa del río

Reseña: “La casa del río”


El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Teatro Timbre 4 al reestreno(segunda temporada) de “La casa del río”, primera obra de Jorge Castaño como dramaturgo y director. Actúan Franco Campanela, Gustavo Ferrando, Claudia Fieg, Mateo Isetta, Antonella Jaime, Rita Nuñez, Verónica Vergottini.



Obra situada y ambientada en 1985 en Argentina, en una casa de verano junto a un río donde viven Olga(Verónica Vergottini) y su hija Miriam(Rita Nuñez). Ese verano reciben la visita de sus parientes porque así fue el deseo de la abuela(la suegra de Olga) que se busca respetar y honrar, que todos los veranos se reúna la familia en esa casa. El marido de Olga desapareció en la última dictadura militar. Drama de incógnitas, de secretos de familia, de silencio y de ruido.

Destaca el trabajo de escenografía, denota esfuerzo técnico y amor por la puesta. Una cocina construida, con una ventana que nos lleva con la imaginación al campo y al río. Empleo de maderas para las paredes; una cama; un juego de mesa y elementos de época como revistas, walkman, jarras, platos decorativos. Ambienta muy bien ese período que propone el guión y nos transmite sentimientos nostálgicos y pensamientos reflexivos sobre el tiempo y sus formas.

En lo musical la puesta es sencilla pero funcional. Una guitarra con algunos acordes; un cajón peruano con rítmica de redoblante que ambienta unipersonales a tenue luz; y una canción. Todo esto en vivo e interpretado por los mismos actores. También es de felicitar el trabajo de fotografía en la preproducción de la obra, sesión de fotos de todo el elenco en un escenario natural.
El elenco hizo buena actuación, es un equipo donde todos se complementan bien y se llevan bien. Es una obra emotiva, con temáticas que tal vez ya se han hecho y explorado mucho pero que logra frescura y propuesta. Una obra que nos regaló un momento muy lindo. Destaco las imágenes poéticas del río, del campo y los caballos. Se pasó muy bien y se recomienda! Las funciones son domingos 18 hs. en Timbre 4.



Matías Vanacor para La Butaca Web

Crítica: Lazos de vida

Por Jhon Wolf



Lazos de Vida tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Toronto hace algunos meses, y cuando las luces se prendieron al final de la función, era difícil encontrar un ojo sin lágrimas en aquella sala. No era para menos: si Anthony Hopkins llora, todos lloramos.



En 1938, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba a punto de estallar, el corredor de bolsa Nicholas Winston visitó Checoslovaquia y se dio cuenta del peligro que corrían las familias judías ahí. Con la ayuda del comité de refugiados local y varios voluntarios británicos y canadienses como Trevor Chadwick y Beatrice Wellington, Winston se propuso hacer lo posible para sacar de ahí a cuántos niños pudiera, eventualmente ganándose el apodo del “Schindler británico”.

Sus acciones se mantuvieron fuera del ojo público hasta 50 años después, cuando -como lo vemos retratado en la película- su esposa Grete (Lena Olin) descubre un álbum lleno de fotos y nombres, y se lo entrega a la investigadora Elisabeth Maxwell (Marthe Keller).

La ópera prima del veterano de la televisión James Hawes sigue dos vertientes. Por un lado, a un joven Winston (Johnny Flynn) llevando a cabo lo que se conoció como la Operación Kindertransport, con su propia madre (Helena Bonham Carter) tomando un papel crucial en Inglaterra, mientras los voluntarios se jugaban la vida en territorios prácticamente nazis.

A pesar de conocer el desenlace de la historia, Hawes logra sostener el nivel de suspenso de principio a fin, y no busca imprimirle una visión artística particularmente singular, sino simplemente dejar que los hechos hablen por sí solos. En este sentido, la producción entera se siente como un drama británico bastante convencional, pero siempre mostrando un sólido nivel de producción.

Lo que me gustó:
La película logra mantener un nivel de suspenso convincente a pesar de que los espectadores conocen el desenlace de la historia. La emotividad de las actuaciones, especialmente la de Anthony Hopkins, contribuye a hacer la narrativa aún más impactante. Además, la recreación de los eventos históricos está bien ejecutada, ofreciendo un vistazo auténtico y respetuoso a un período crucial de la historia mundial.

Lo que no nos gustó:
Aunque la película logra mantener el interés a lo largo de su metraje, en algunos momentos puede sentirse como un drama británico convencional, sin aportar una visión artística particularmente innovadora. Además, la falta de un enfoque más profundo en algunos aspectos de la historia podría dejar insatisfechos a aquellos espectadores que buscan un análisis más detallado de los eventos y sus implicaciones.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?
Recomendamos *Lazos de Vida* a todos aquellos que buscan una experiencia cinematográfica emotiva y conmovedora. Los amantes del drama histórico encontrarán en esta película una narrativa cautivadora que ofrece una mirada íntima a un momento crucial de la Segunda Guerra Mundial. Asimismo, los admiradores del talento actoral de Anthony Hopkins no querrán perderse su destacada interpretación en este filme.

Calificación 6.5/10

Critica: La Plaga

Por Gustavo Condano

Aracnofobia con acento francés. Quién hubiese dicho que el país de los enamorados y  de los buenos quesos nos traería esta peli de terror donde unas extrañas arañas de afganistan son liberadas por accidente en un gran edificio de los suburbios de Paris. ¿Valdrá la pena o mejor tiramos mata insectos y vamos a ver otra cosa? Lo vemos más abajo.



La historia:
Kaleb, interpretado por Théo Christine, es un joven de clase media baja que vive en los suburbios de París. Es fan de los bichos raros y adquiere una extraña araña traída ilegalmente de Afganistán.  La lleva a su casa donde se queja con su hermana porque le bajó la calefacción a sus serpientes y sigue su vida en esa comunidad que él considera una gran familia, especialmente después de la muerte de su madre.
Pero todo cambia cuando uno de los vecinos muere en su departamento por causas desconocidas y las autoridades deciden poner a todo el edificio en cuarentena.
Al poco tiempo y después de descubrir que su araña había escapado y que se estaba reproduciendo por todo el edificio, deciden escapar junto a su hermana, su amigo y otro ex amigo con el que se habían peleado hace años. ¿Lograrán sobrevivir a la amenaza de ocho patas?

¿Qué me gustó?
El sentido de comunidad que le imprimen a la peli, realmente es creíble y como decimos en estas pelis de terror siempre es importante que uno se identifique y tenga una conexión emocional con los personajes.
También es interesante la búsqueda de un claro paralelismo con lo que fue la pandemia, poniendo el foco en cómo las autoridades aislaron a las grandes concentraciones de gente sin informarlos demasiado o interesarse por su supervivencia, sólo había que contener “la plaga” para que no se esparza.
Los efectos están muy bien logrados, no parecen falsos, ni exagerados en ningún momento lo que logra que nos metamos en la trama. Los sonidos también están muy bien trabajados y ayudan al suspenso. Recomendable verla en el cine o con un buen equipo surround.

¿Qué no me gustó?
Las autoridades oficiales o cualquier figura de autoridad en el film están representadas de manera exageradamente necia y poco comunicativa, siempre sospechando lo peor de los protagonistas. Entiendo que esto es adrede y busca hacer una crítica sobre la mirada de las otras clases a las clases bajas pero me hizo ruido la exageración por momentos.

¿Aporta algo nuevo al género?
No hay nada nuevo sino que está bien hecho, y no es habitual ver una película de este estilo con esta calidad proveniente de Francia, de donde si esperamos romances no correspondidos y algún que otro drama de época, por lo que se entiende que se destaque del resto.

¿A quién recomiendo está peli?
A los amantes del terror, no van a salir decepcionados con esta peli, los efectos están bien hechos, los personajes son bastante creíbles y el ritmo está correcto también.
A quien no recomiendo esta peli es a cualquier persona que le tenga fobia a las arañas. Realmente la va a pasar muy mal.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine francés del 21 al 27 de marzo en Cinépolis Recoleta.
Duración: 105 minutos

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Crítica: El Bastardo

Por Gustavo Condano

Un hombre con un plan y su eterna lucha contra el caos.  Este es el planteo de esta película donde el ya conocido tipo recio Mads Mikkelsen, hace la expresión seria que mejor le sale ante todos los obstáculos que se le presentan ¿Valdrá la pena verla o será una píldora para dormir de dos horas? Lo vemos más abajo.



La historia:
Ludvig, interpretado por Mads Mikkelsen como ya dijimos, es un capitán del ejército retirado que presenta un elaborado plan para desarrollar una plantación en un páramo olvidado de Dinamarca del siglo 18.
Los miembros del gobierno no creen que pueda hacerlo pero para complacer al rey que siempre tuvo el deseo de desarrollar esa zona le dan el permiso para trabajar esa tierra. Claro que no le darán dinero para hacerlo sino que tendrá que utilizar todos sus ahorros, que no son tantos.
Pero este militar devenido en agricultor no tendrá que enfrentarse solamente a un suelo árido y al inclemente clima, sino que su principal obstáculo será Frederik, el noble de esa zona, que no quiere gente habitando el páramo y mucho menos un bastardo que a fuerza del mérito se ganó todo lo que tiene. Por lo que hará de todo, literalmente, para que su plan fracase. ¿Logrará el obstinado Ludvig llevar a cabo su plan o ganará el caos como tanto desea Frederik?

¿Qué me gustó?
Las actuaciones son lo más destacado. Por supuesto especialmente el protagonista, Mards Mikkelsen, en un rol que le calza perfectamente como un tipo recio y analítico que piensa cada paso que da, pero también que poco a poco, al relacionarse con los que lo rodean, nos va demostrando que es tierno y se preocupa por las personas que están a su alrededor.
La historia sencilla con pocos elementos pero que plantea muy bien la dicotomía entre la planificación humana y el caos que pueden presentar la tierra, los elementos y los propios seres humanos.

¿Qué no me gustó?
El malo de la película (literal), interpretado por Simon Bennebjerg, está justificado en su accionar pero a veces parece demasiado encaprichado contra nuestro protagonista Ludvig, se entiende que tiene que ver con una rencilla con su difunto padre y lo que el éxito del bastardo significa, pero a veces parece inverosímil tanto ensañamiento.

¿Aporta algo nuevo al género?
Es un drama histórico, algunos hasta pueden catalogarlo como un western fuera de américa. De cualquier manera no aporta nada nuevo pero está contado muy prolijamente y sin complicarse demasiado con el contexto histórico, es simplemente la historia de Ludvig, su proyecto y los que se oponen a él.

¿A quién recomiendo está peli?
A todos los que disfruten un buen drama histórico bien contado y con pocos elementos (lo que no es algo malo en este caso) pero potenciados por las actuaciones.

Calificación: 7/10
Estreno: Se estrena el 14 de marzo en cines

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Reseña: El Emperador (Tres noches)

Por Andrea Parise

El emperador (tres noches)», la obra escrita y dirigida por Clara Charrúa estrenó el 10 de marzo su segunda temporada en el Teatro ÑaCa (Julián Álvarez 924, Villa Crespo). Protagonizada por Andrés Terigi, se presentará los domingos de marzo y abril a las 19h.



Una vez más, Clara Charrúa nos sumerge en un universo cargado de emociones y reflexiones sobre el amor y los desencuentros. Inspirada por las palabras de Barthes en «Fragmentos de un discurso amoroso», la obra nos invita a explorar los matices del sentir y pensar en alguien, donde la ausencia se convierte en un relato vívido de presencia.

Y así nos adentramos en la mente de Tomás, quien se debate entre el deseo y la incertidumbre durante tres días y tres noches. Entre tangos que evocan pasiones ocultas, conversaciones cargadas de significado con amigos, y hasta tiradas de tarot en busca de saber su destino, Tomás se enfrenta a esa dolorosa realidad de no ser correspondido por la persona que ama.

«El Emperador (tres noches)» es mucho más que un simple unipersonal. Es un viaje emocional que nos lleva a cuestionarnos sobre la naturaleza misma del amor y la constancia en medio de la inconstancia. ¿Es posible amar en la incertidumbre? ¿Cómo enfrentar el desencuentro cuando el deseo es tan intenso?
A través de diálogos llenos de frases urbana, guiños con el espectador, miradas y silencios cómplices, la obra es una baldazo de realidad que nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias sentimentales y nos confronta con las complejidades de los vínculos humanos de hoy, en este mundo marcado por la fugacidad y la búsqueda constante de conexiones genuinas.

Su protagonista Andrés Terigi despliega su talento enorme y nos regala una experiencia teatral para reír, emocionarse y, sobre todo, pensar. ¿Qué significa el amor para cada uno de nosotros? ¿qué esperamos de la persona amada? Y ¿que le damos nosotros a esa persona?

Dramaturgia: Clara Charrúa
Actúa: Andres Terigi
Fotografía: Santiago Mai
Sonido y utilería: Emilia Costagliola
Community Manager y Prensa: Alexis Mazzitelli
Diseño gráfico: Julieta Garros
Asistencia de dirección: Ana Laura Castañiza
Dirección: Clara Charrúa