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En esta ocasión probamos el título Honeyland para Nintendo Switch. Un juego con un aspecto casual pero que trae un peculiar rompecabezas en la que debemos ser estratégico y esperar nuestro turno para hacerlo.
El objetivo del juego es ayudar a un oso a llegar a su preciada miel para que pueda consumirla. Para eso debemos atravesar una pista donde nos otorgan una serie de movimientos en cuadriculas que debemos elegir bien para poder llegar con los pasos justos. Es así como avanzamos en una serie de niveles que va aumentado la dificultad y nos hace pensar sobre como vamos a lograr el objetivo. El juego funciona bastante bien en su función de entretener y ser estratégicos, y más allá de su simplicidad, nos ha entretenido.
Vamos a decir que en cuanto al aspecto visual, se ve como un juego móvil y el diseño del oso es bastante feo. Aún así su gameplay es funcional y cuenta con sonidos que son agradable para lo que esta jugando.
Puede que no tenga mucho más que decir, pero honeyland es un juego super sencillo que tiene la finalidad de que usemos la mente para que podamos llegar al objetivo. Su cuadricula de movimientos es interesante y nos termina enganchado por unos tantos niveles donde el desafio es mayor, aunque su aspecto sea algo cutre.
El pasado 21 de agosto pudimos presenciar »Manual para armar un sueño «, obra original de la compañía andaluza La Zaranda. Gracias al Complejo Teatral de Buenos Aires se dio el estreno en el Teatro Regio el cuàl estará solo por tres funciones, los miércoles hasta el 8 de septiembre.
»En el breve espacio que va de un camarín al escenario, un actor realiza un viaje infinito por la historia. Un sueño tan delgado como el hilo de un barrilete, aunque capaz de resistir tempestades». Así resume Eusebio Calonge su texto original.
Es importante señalar que »Manual para armar un sueño» es una obra que valga la redundancia, posee una narrativa y estilo onírico. Nos vamos a sumergir en la mente del hombre entre sus pesadillas, anhelos y viajes astrales. Para ello tendremos a dos actores que interpretan a un mismo personaje y un narrador presente en la última parte interpretando a Morfeo o al mismo diablo.
Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos son los actores veteranos de esta obra. Los tres se van a desenvolver en un escenario a oscuras, con una narrativa poética y exageraciones. tal cual representa un sueño. Con su jocosidad andaluza harán reír a los asistentes del Teatro Regio.
Paco de la Zaranda además de productor y director de la obra, es el escenógrafo de la misma. Solo una luz amarilla y lámparas guiarán a los personajes dentro de una escena que no podremos ver, es en esa oscuridad donde ocurrirán efectos prácticos para darle el aspecto físico a la narrativa. Metales, leds, lámparas de cabeza, tablas y fierros son los elementos que se mezclan en tablas, solo se va a revelar cuando se enciendan las luces de sala
Manual para armar un sueño es una obra diferente y muy andaluza que llega a Corrientes y con la calidad que solo puede traer el Complejo Teatral de Buenos Aires.
Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web. .
Una divertida obra con una temática muy actual que nos entretiene durante 80 minutos, que parecen muchos menos gracias a un texto ( de Eva Halac) plagado de situaciones reconocibles para la mayoría de los espectadores, pero aquí tratadas con mucho humor; y una puesta en escena ( de la misma Eva Halac junto con Hernan Marquez) muy ágil y con un ritmo arrollador.
Si bien el texto va abriendo distintas ventanas temáticas con humor, hay un tema central en donde la obra se pone profunda e interesante que tiene que ver con la soledad, la carencia de afecto y la inmediatez de pensamiento/deseo de los personajes.
Con un uso inteligente del espacio y los objetos escenográficos, que van transformando el ámbito de las distintas escenas sin apagones ni grandes movimientos que atenten contra el ritmo del relato; nos va llevando de las narices entre chistes y guiños a identificarnos con alguno de los personajes y cuestionarnos sobre nuestras conductas. Apoyada en muy buenas actuaciones (Fernando Migueles, Natalia Giardinieri, Mora Monteleone y Nahuel Monasterio) que componen unos personajes contradictorios pero queribles, con los que es imposible no verse representado.
En síntesis, un espectáculo altamente recomendable que combina el humor con la profundidad de planteos; que divierte, entretiene y que vale la pena ver. Teatro Del Pueblo (Lavalle 3636), Viernes 20 hs.
La dicha del reencuentro. La incomodidad en los cuerpos, ¿se acordará de mí?, los miles de pensamientos inseguros, los abrazos que destapan recuerdos y las anécdotas que sirven como puente a ese pasado tan lejano y delicado como es la infancia. Ese reencuentro de ex compañeros con su maestra de primaria es lo que “La habitación blanca” nos viene a mostrar, de manera única, en Timbre 4 (México 3554) todos los domingos a las 19 horas.
Con autoría de Josep María Miró y dirección teatral de Lautaro Perotti, ésta obra nos cuenta la historia de Carlos, Laura y Manuel y su reencuentro con la señorita Mercedes, la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran chicos. La historia nos posiciona en esa habitación blanca donde se abrirán nuevas y viejas heridas del pasado que se entremezclan en un diálogo activo lleno de conmociones e interrogantes.
Las actuaciones (Andrés Ciavaglia, Melisa Hermida, Miriam Odorico y Alfredo Staffolani) son el verdadero corazón de la pieza. La dirección de Perotti se centra en la interpretación emocional y el realismo psicológico, lo que permite a lxs actores transmitir las capas de complejidad que atraviesan sus personajes de manera impecable. Sus actuaciones mantienen la tensión y el misterio a lo largo de toda la obra, generando en el espectador una sensación de querer saber que hay detrás de toda esa nostalgia dialogada entre los personajes. Lxs actores logran transmitir la angustia, el desconcierto y la búsqueda de sentido. Podemos dar cuenta de que las emociones en sí no se desbordan dentro del límite de la puesta en escena, sino que están contenidas haciendo que el espectador participe activamente al leer entre líneas y silencios.
Es de llamativa atención la minimalista puesta en escena compuesto únicamente por una habitación limitada, blanca y con alguna que otra mesa y silla. Éste diseño amplifica las emociones dejando que el foco principal recaiga sobre los personajes y sus interacciones. Resalta, de alguna manera, como una metáfora del vacío existencial y la confusión emocional que rodean a los personajes. La iluminación también juega un papel crucial, con una predominación de tonos blancos y fríos que acompañan el tinte introspectivo de la obra constantemente.
“La habitación blanca” es una obra íntima que dialoga (in)directamente con nosotros mediante el humor y el drama. Nos enfrenta y obliga a reflexionar sobre esos niños/as que alguna vez fuimos. La pieza teatral pone en valor el rol fundamental del docente, del ámbito escolar y de las relaciones entre compañerxs de escuela. Refleja los primeros años de nuestra infancia y en cómo eso influye en la naturaleza de las personas que somos hoy en día.
En su debut como directora, Zoë Kravitz nos ofrece «Parpadea dos veces», una película que mezcla comedia y terror con una crítica mordaz al poder y privilegio de los billonarios. La trama sigue a Frida, interpretada por Naomi Ackie, quien se adentra en un mundo de lujo y peligro tras aceptar la invitación de un multimillonario a su isla privada. Lo que comienza como un viaje de placer se convierte en una lucha por la supervivencia, desvelando los oscuros secretos de los poderosos.
Lo que me gustó: La dirección de Kravitz, que mantiene la tensión y el misterio en la primera mitad de la película. Las actuaciones destacadas de Naomi Ackie, Adria Arjona y Alia Shawkat, quienes aportan profundidad a sus personajes. La banda sonora, repleta de temas de James Brown, que añade un ritmo vibrante a la narrativa. La crítica social directa a las élites y su percepción de impunidad.
Lo que no me gustó: El tono satírico se siente a veces fuera de lugar, especialmente cuando la trama se vuelve más oscura. Channing Tatum no logra convencer como un personaje inicialmente ambiguo, lo que resta sorpresa al desarrollo de la historia. La película pierde algo de su impacto a medida que los giros de guión se acumulan,haciendo difícil mantener la coherencia narrativa.
¿A quién se la recomiendo? «Parpadea dos veces» es ideal para quienes disfrutan de películas que combinan elementos de sátira social con tensión y misterio. Los fans de cintas como «El menú» o «Huye» encontrarán aquí un enfoque fresco y entretenido sobre el poder y la moralidad en tiempos modernos.
Que se puede decir de “Relatos Salvajes” que no se haya dicho. Eso es lo primero que uno piensa normalmente cuando toca hablar de obras de este calibre pero lo interesante es que cuando uno tiene la oportunidad de volver a verla se da cuenta que está equivocado, de películas como esta siempre hay algo más que decir.
“Relatos Salvajes” es hoy en día aún más actual y conectada con el mundo en el que vivimos que hace 10 años, no es casualidad que Szifron mientras realizaba la gira de entrevistas para Misántropo, su última película, haya revelado que estaba en su cabeza la idea de una segunda parte al que él mismo describió como “Más Relatos y Más Salvajes”.
Es difícil encontrar algo para destacar sobre los demás porque los elementos de la película funcionan en perfecta armonía. Sus actuaciones son cada uno más memorable que la otra, pasando todas por distintos registros y maneras de actuar ante las distintas situaciones que afrontan siempre poniendo por delante la premisa: ¿Qué pasaría si por un rato le hacemos caso a nuestro instintos más animales y nos olvidamos de lo que la sociedad nos dice que deberíamos hacer?
La variedad de sus escenarios nos mueve por los distintos lugares de la Argentina en solo 2 horas desde un restaurante en un terminal de pueblo, una ruta en el interior del país, El microcentro más asfixiante y concurrido que conozcas, Un country en los suburbios y por ultima una fiesta sin lugar pero en la que todos rápidamente logramos situarnos.
También me parece interesante hablar de la unidad de los relatos y dejar en claro que no simplemente los une su temática violenta y su premisa que fue marcada antes, existen en todos las historias elementos que se repiten e incluso pequeños guiños que conectan las historias. Szifron hace un claro hincapié en la cuestión de los vehículos/ el transporte comenzando con un avión, siguiendo con una micro de larga distancia, pasando por autos que van ser partícipes fundamentales de crímenes (una explosion uno y un choque y huida en otro). Después podemos encontrar algunas vinculaciones entre relatos como lo es la tormenta en el relato de “Las ratas” y en relato del “Casamiento” o también la idea de la cárcel que presenta el personaje de Rita Cortese en “Las ratas” que vamos a retomar y finalmente conocer en el relato de el celebre “Bombita” protagonizado por Ricardo Darin.
Estos son solo algunos ejemplos para dar cuenta de que los relatos no están sólo vinculados por su temática, sino que además podemos encontrar elementos que son constantes en todas las historias.
Si tuvieron la oportunidad de verla en el cine cuando salió hace 10 años les recomiendo que vuelvan una vez ya que es una película interminable que hoy es más actual que antes. Si eran chicos cuando salio y no pudieron ir a verla, es el momento perfecto para poder vivirla en una pantalla grande ya que la sensación que genera en una sala de cine no es ni remotamente comparable a verla en tu casa y por último si no aún no la vieron de ninguna manera, ni en cines ni en su casa, no se que estan esperando para ir a verla ya que se encuentran en las salas ahora mismo.
Espero que puedan (re)ver la película y formular sus propias opiniones. Saludos.
Tuvimos el gusto de asistir en Ítaca Complejo teatral a la obra “Guacho” escrita por Sandra Franzen y dirigida por Cintia Miraglia, actúa Martín Urbaneja. Es una obra gauchesca en forma de unipersonal que relata la cruda historia de un hombre marginal de campo que vive un penoso destierro en el monte y que ha encontrado, oculto con paja para que no se lo coman los perros salvajes, un bebé abandonado.
De rancho; de peón y patrón; de “La Girasol” vaca flaca; de mal tiempo y malos presagios y de dolor e injusticia están compuestas sus escenas. Una botella de bebida blanca que de a ratos este rudo hombre traga cuando se le nubla la mente y el espíritu de tanto sufrimiento, sin embargo surge un brillo en sus ojos y una esperanza de vida. Interpretado con maestría por Martín Urbaneja.
La escenografía por Víctor Salvatore y el vestuario por La Maine están muy bien realizados y denotan trabajo y esfuerzo! Las luces a cargo de Mateo García y Cintia Miraglia lograron sombríos efectos con una buena gama de claros y oscuros que la obra necesitó en su desarrollo.
La música con guitarras, bombos y la voz de María Colloca es original de Gonzalez Dominguez. Su interpretación es cálida y musical, ¡destaca también que está muy bien grabada!
La obra “Guacho” con contemporaneidad hace gran honor al teatro nacional argentino, una obra con compromiso social y artístico. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Jueves 20hs en Ítaca complejo teatral, dirección Humahuaca 4027, CABA.
A finales del siglo 18 en la región de Champagne en Francia, una mujer se atreve a hacer lo impensado, llevar adelante el viñedo de su difunto esposo ¿Podrá superar todos los obstáculos para lograr ese objetivo? Y aún más importante ¿Dan una degustación después de la película? La respuesta a la segunda pregunta es “no”, por lo demás lo vemos debajo.
La historia: Barbe Nicole, interpretada por Haley Bennett, es la joven esposa de François, un soñador que está a cargo del viñedo de su familia llamado y experimenta con sus vides al nivel de no hacerlo rentable. Cuando fallece a temprana edad su esposa decide hacer lo impensado para esa época, hacerse cargo en lugar de venderlo.
Desde ese momento debe enfrentar a todos los que están en contra de esta inesperada decisión que prácticamente son todos los demás. Desde los otros socios del viñedo, pasando por los mismos empleados que en su mayoría no creen a una mujer capaz de semejante tarea, hasta Napoleón que por sus conflictos bélicos generó bloqueos que dificultan la exportación de la producción.
Los únicos que están de su lado, y con varias reservas, son el padre de François, interpretado por Ben Miles, que ve en ella los mismos destellos de genialidad de su hijo y su distribuidor Louis, interpretado por Sam Riley, que acepta hacer una peligrosa ruta alternativa para tratar de evitar los bloqueos. ¿Logrará producir el mejor champagne de la región y venderlo? Si hicieron una película sobre esta historia calculo que ya imaginan la respuesta.
¿Qué me gustó? La campiña francesa le da un excelente marco a esta historia y es vital para enamorarse del lugar e interesarse por el tema en general. Haley Bennett, la protagonista, básicamente lleva a cuestas la película y nos permite conectar con los desafíos y sentimientos que va enfrentando este personaje.
¿Qué no me gusto? Ya a esta altura representar a alguien creativo que sale del molde como alguien que vive descalzo y se sube a los muebles para recitar sus ideas innovadoras me parece un cliché. El discurso final está algo de más, sin spoilers demasiado vemos cómo está mujer se enfrentó a una sociedad machista (si se quejan ahora imagínense lo que era alrededor del 1800), no hace falta que se lo hagan hacer toda una exposición de lo que pasó frente a un tribunal habiendo vivido con ella toda la película, creo que se podría haber resuelto mejor de otra manera.
¿Aporta algo nuevo al género? Es un drama clásico. Es buena la decisión de ir contando la historia en paralelo, la de ella sola con el viñedo y la progresión de su relación con su marido. Aparte de darle dinamismo a la historia también hay cuestiones en la trama y emociones que se van explicando mejor a medida que nos adentramos en la historia.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los que disfrutan de un drama histórico que se desarrolla en un entorno inmejorable y con buenas actuaciones. No hace falta conocer mucho de vinos para disfrutarla, con saber qué es un espumante basta.
Disponible el 22 de agosto en cines Calificación: 8/10 Duración: 89 minutos
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El sábado 17 de agosto estuvimos presentes en el teatro «El Espión» en un Ciclo de obras cortas que se podrá disfrutar los sábados de agosto y septiembre en el espacio de la calle sarandí y que ofrece una propuesta muy agradable en el que pudimos observar tres obras muy distintas pero cada una con su propio encanto.
La primera propuesta con la que empieza el ciclo es con «Un Banco» que tiene como escenario un banco de una plaza en la que se genera una divertida situación entre sus participantes. Aquí vemos a alguien que adora un preciado tesoro, a otro que esta sufriendo por una mujer llamada Mónica y un último oportunista que entra en la confusión de estos personajes. Aquí lo interesante es la estética de los actores, que utilizan máscaras con un tono caricaturesco y que predomina lo físico y gestual sobre los diálogos pero dejando una historia muy divertida.
La segunda obra toma un tono más dramático, teniendo como protagonista a una persona que dejó escrito un deseo para que su pareja vuelva de la muerte luego de su deceso. La cuestión es que esa mujer regresa 8 años después cuando nuestro protagonista ya volvió a hacer una nueva viva y se encuentran en la noche que el le va a proponer matrimonio a su actual pareja. Lo interesante de esta obra es la forma en que realiza una satira de la burocracia «Celestial» y el dilema que tiene el hombre al querer o no explicarle todo lo que ha cambiado su vida en el tiempo que pasó. Cuenta con una buena dosis de humor y un final inesperado.
Para el final tenemos a «Piramide» donde encontramos una disnastia que padece el desquicio de sus personajes. Un aparente fantasma regresa para reclamar venganza y notar que su cuerpo ha sido profanado sin una razón consistente, lo que provoca una lucha entre los personajes. Es una propuesta muy hilarante, que destaca por sus actuaciones.
Les recomendamos a asistir a este ciclo de obras breves, ya que presenta un combo de tres historias distintas, compactas y con un encanto que nos hará pasar una agradable noche de teatro. Ya ustedes diran cual fue su historia favorita…
Dramaturgia y dirección: Gustavo Condano Intérpretes: Micaela Acevedo, Rodrigo Distefano, Florencia Auruccio (voz en off)
Piramide
Dirección e Intérpretes: Thiago Abalo, Nicolás Concilio, Nacho Tabaré Demartino y Tomas Emiliano Rodini. Dramaturgia: Una versión libre basada en un cuento de COPI.
Duración total: 60 minutos Teatro: El Espión, Sarandí 766, CABA Funciones: Sábados de agosto y septiembre 19:30 hs (puntual)
Llega a salas argentinas este jueves 22 El reino de Kensuke (Kensuke’s Kingdom) es una película británica dirigida por Neil Boyle y animada por Kirk Hendry con las voces originales de Cillian Murphy, Sally Hawkins, Raffey Cassidy y Ken Watanabe; aunque en el país se proyectará doblada al español, es importante señalar los grandes actores que están en la versión original.
El pasado sábado 17 se realizó la función especial de prensa en el Showcase de Belgrano en el marco del día de las infancias, padres con sus hijos, familias y periodistas se acercaron a ver esta película que en lo personal, no sabía mucho de la historia y luego averigué que es basada en un libro de Michael Morpurgo, responsable de War Horse, pudimos ver su adaptación en 2011 de la mano de Steven Spielberg.
Michael Morpurgo es un escritor infantil británico que para crear El reino de Kensuke se inspiró claramente en Tarzán, sin embargo, el enfoque es distinto ya que no es una aventura con animales parlantes, es una experiencia intimista y un coming of age.
Michael vive en un barco navegando por los océanos luego de que sus padres decidieran dejarlo todo para embarcarse en esta aventura, en una desobediencia cae al mar en medio de una aventura y termina en una isla desierta, con la compañía de su mascota, sin agua, sin comida y sin conocimientos de supervivencia, se encontrará con Kensuke, un anciano japonés que vive en esa isla.
El viaje de Kensuke es un viaje emocional que va a gustar más a los padres que a sus hijos. El nivel de sensibilidad que hay en esta historia es invaluable. La trama rompe con lo convencional pues nos ofrece dos protagonistas difíciles de emparejar: un niño británico desobediente y un japonés estricto y solitario; todo esto marcado por una gran barrera lingüística y el paso del tiempo ante la soledad y el aislamiento de la isla.
El filme es efectivo en lo que quiere mostrar, funciona como un cuento de hadas para niños pero con un mensaje más adulto; sería interesante ver un live action pues la historia tiene mucho potencial para el mismo. La música es preciosa y sabe cómo manipular las lágrimas en el momento justo.
El Reino de Kensuke es una enseñanza sobre la humildad, la paciencia, la esperanza y las amistades improbables. El contexto histórico que guarda es fuerte y sus personajes son entrañables. Sin duda, una opción ideal para asistir a salas con chicos o solos.
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