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Si nunca viste un documental de Néstor Frenkel ya sabés que tenés que hacer cuando termines de leer esto. Son realmente increíbles e imperdibles todos y cada uno de ellos. Pero en esta ocasión: Si nunca viste Un buen día “la mejor película argentina” según el título de youtube que la mayoría clickeó para verla por primera vez (y posiblemente más de una) ya sabés lo que tenés que hacer, incluso antes de leer esto.
Después de Un buen día es el nuevo documental de Frenkel y en esta ocasión va a explorar con los protagonistas del FENÓMENO que es Un buen día, porque es mucho más que una película. Tendremos de primera mano la experiencia del antes, durante y después de la creación de Un buen día por parte de su autor, Enrique Torres, que si aún no lo conocés no importa, te va a encantar de igual manera, o incluso más por descubrir a esta persona gracias a este documental. Quique estuvo en el estreno del documental junto a nosotros y respondió todas las preguntas del público. ¡Gracias Enrique!
Además de Enrique también tenemos los testimonios para la reconstrucción de la experiencia que fue ser parte del rodaje a Aníbal Silveyra, el flamante protagonista de la película, abriéndose con nosotros por primera vez y contándonos cómo repercutió en él haber actuado en Un buen día. ¡Gracias Aníbal!
Añaden su experiencia Anabella del Boca, pareja de Enrique y productora; Andrea del Boca, la actriz que nos hizo llorar o reír con uno de los más míticos plot twist de la historia de nuestro cine. Y por último pero no menos importante, a los fanáticos del film, los grandes causantes de la existencia de este documental ya que por ellos se despertó el interés de Frenkel para descubrir la historia detrás de la película. ¡Muchas gracias Néstor! Por este documental, por los anteriores y por los que llegarán.
Todo lo bueno y todo lo malo de la películapero también lo más importante de esta experiencia, el post película, y acá sí ganan el protagonismo los fanáticos que se fueron encontrando online para debatir (y reírse un poco) gracias a un grupo de Facebook donde ellos mismo se hacen llamar ‘Grupo de Apreciación de Un Buen Día‘. A raíz de ese grupo, la experiencia de la película no quedó sólo em un film sino que empezó a crecer el fenómeno de la «mejor película del cine argentino» donde estos fanáticos tan acérrimos de la obra original, entre tantísimas otras cosas que desarrolla el documental, hasta hicieron una propia versión fan film del mismo. Una locura hermosa digna de los mejores fanáticos argentinos. ¡Gracias!
Llega la edición 25° del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente. 12 días y alrededor de 280 películas. 13 salas en 6 sedes. 500~ funciones programadas. Del 17 al 28 de abril de 2024. BAFICI 25°
La Butaca Web estuvo presente en la conferencia de prensa del festival de cine independiente más importante de Latinoamérica en la que se mencionó una cifra cercana a unas 3500 inscriptas de las cuales han sido seleccionadas menos del 10% tras la curaduría, una cifra cercana a las 280 películas entre cortos y largometrajes, sean ficciones o documentales.
El dato más importante que tenés que saber es que las entradas salen a la venta este martes 9 de abril a las 10am y las podés comprar en la nueva web del festival https://bafici.org/ (¡al fin!) o en las boleterías de los cines.
Ya tenemos en la web del festival el catálogo de la programación y grilla horaria completa del festival. Así que ya mismo podés entrar a conocer el listado de las películas seleccionadas este año. https://bafici.org/noticias/programacion-completa-del-25-bafici/
Vemos gran presencia de cine argentino, no sólo inscripto sino también programado en el festival. Así que es récord absoluto de cine argentino en esta edición 25 del BAFICI. Donde más del 50% de la programación son de estreno mundial o internacional, es decir, que no han sido vistas antes. No sólo los cineastas argentinos confían en el BAFICI como lugar de estreno para sus films sino que también muchísimas películas extranjeras harán su estreno mundial o internacional en el festival de la ciudad.
Como dijimos, tendremos 6 sedes para las aproximadamente 500 funciones exclusivamente presenciales que tendrá esta edición del festival. Y acá te dejamos toda la data necesaria de las salas para que ya te vayas preparando.
Teatro San Martín – Sala Lugones Av. Corrientes 1530
El Cultural San Martín – Salas Graciela Borges y Manuel Antín Sarmiento 1551
Espacio INCAA Cine Gaumont – Salas Leonardo Favio y María Luisa Bemberg Av. Rivadavia 1635
Cinépolis, Plaza Houssay – Salas 1, 2, 3 y 4 Av. Córdoba 2135
Cacodelphia – Salas 1, 2 y 3 Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1150
Museo del Cine “Pablo Ducrós Hicken” Agustín R. Caffarena 51
Desde clásicos internacionales de reconocidos directores como After Hours (1985) de Martin Scorsese o París, Texas (1984) de Wim Wenders a clásicos nacionales y en 35mm como serán las proyecciones de Adiós Sui Generis (1976) de Bebe Kamin o Los inconstantes (1963) y Pinamar (1956) de Rodolfo Kuhn.
Tendremos presencia argentina en la competencia oficial internacional con tres largometrajes y dos cortos, los cuales son: El placer es mío (Sacha Amaral, 2024, 95′) La odisea de Kamatsu (Leo Liberman, Sofía López Mañán, 2024, 60′) La pasión (Lorenzo Ferro, Lucas A. Vignale, 2024, 15′) La vuelta (Gastón Urquía Romano, 2024, 15′) Lenny (Nicolás Gontovnikas, 2024, 19′)
La apertura del festival será school privada alfonsina storni de Lucía Seles (Argentina, 2024, 128′) y la clausura Fuck you! El último show de José Luis García (Argentina, 2024, 83′)
El festival contará con 3 competencias con diferentes premios en esas categorías: COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL, COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA, COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO. Y además el premio del público al mejor largometraje argentino siendo un premio transversal a las tres competencias.
¿Precio de las entradas? Entrada general: $1500 Entrada con descuento para estudiantes y jubilados: $1200 (Y si tenés tarjetas del Banco Ciudad averiguá por la promo 2×1)
Repetimos lo más importante que tenés que saber la VENTA DE ENTRADAS será a partir de este MARTES 9 a las 10am, desde la nueva web oficial del festivalhttps://bafici.org/ y desde la boleterías de las salas.
Ahora ya tenés toda la info necesaria para esta nueva edición del BAFICI pero si querés seguir el día a día del festival y no perderte de nada no te olvides de seguirnos por Instagram en @labutacawebes
Es una historia y mirada que enriquece, vayamos al cine. Y no lo digo porque hay que apoyar el cine argentino, sólo porque sea cine argentino. Sino porque nuestro cine es buenísimo.
Hay que apoyar a las directoras argentinas, y no sólo porque sean mujeres directoras. Sino porque tenemos directoras argentinas que son buenísimas.
Amanda, o Ada como la llaman, es una veterinaria rural que durante una tormenta se encontraba asistiendo a una vaca que estaba por dar a luz a su cría, por azares o destino de la vida justo en ese momento cae un rayo que la impacta, al que sobrevive y tras un tiempo en coma despierta para notar que su vida y cuerpo cambió para siempre. Mientras Ada estaba internada recuperándose de las heridas del rayo; Juan, un misterioso médico, la invita a un grupo de personas que tal como ella vivió también padecieron el impacto de un rayo, juntos intentan sanar y entender el porqué les pasó lo ocurrido.
Lucía Puenzo sin duda no sólo es una gran directora sino también una autora. Su cine es propio, retrata a mujeres con conflictos particulares que a su vez pueden reflejarse en nuestras realidades, o de cierta manera son extrapolables a lo que vivimos sin que nos haya ocurrido a nosotros mismos. Tiene excelentes trabajos en su filmografía que demuestran su sello autoral y una particular sensibilidad mezclada con rudeza, no sólo es brillante para poner el ojo en estas historias cinematográficas sino también para escribir y dirigir obras como XXY, su ópera prima del2007, su anterior película La caída de 2022, o también El niño pez (2009), Comodoro (2014) y Wakolda de 2013.
En Los impactados encontramos fotografía, arte, sonido, VFX, maquillaje, música, actuaciones, dirección; todos apartados de un excelente primerísimo nivel. Protagoniza la película maravillosamente Mariana Di Girolamo interpretando a Amanda; Germán Palacios es Juan el médico y líder de los impactados; Mariana Anghileri es Ofelia, una de las impactadas; Guillermo Pfening es Jano, la pareja de Ada; Osmar Núñez es el padre de Ada y Malena Sánchez es la madre de la protagonista.
Aplausos por los y las cineastas que se animan a un poco más, en este caso al echarse a explorar con la temática y mezcla de géneros creando un cine que no apunta a ser mainstream pero sí a poder encontrar el público que sepa apreciarlo. Lo dicho, Lucía Puenzo se anima a más, un ejemplo concreto de esto puede ser que decida enseñar la escena donde Amanda es impactada. Todo el diseño sonoro y los VFX de los rayos son de primer nivel. Un cine nacional que no tiene nada que envidiar. Las escenas de los rayos realmente te impactan sentado desde la butaca, de sólo pensarlo al escribir me gustaría volver a ver esas escenas nuevamente en el cine. Aplausos y todo mi respeto por querer mostrarlo, ya que alguna otra persona a cargo de la dirección posiblemente decida no retratarlo por el esfuerzo de producción que eso conlleva y lo termine resolviendo con un fuera de campo.
Un párrafo dedicado únicamente a todas las escenas de Malena Sánchez interpretando a la madre de Ada que son sublimes y hermosas, como la primer escena del film. Creo que la cantidad de minutos en pantalla es perfecta y no pido más de esos recuerdos o secuencias oníricas, pero me hubiera gustado que sea vea un impacto más directo de eso en la consciencia de Amanda en su presente, ya que esto marca una herida y sanación importante para ella, o que en algún cuestionamiento, se plantee qué hubiera pasado si su madre estaría con ella y no sea sólo un traumático recuerdo; bonito pero traumático.
La mirada de Jano y Amanda en el ascensor. CINE. Creo que es mi plano favorito de toda la película por más sencillo que este sea ¿Interpretación y subtexto puestas en imágenes en movimiento? Eso es cine. Y eso que la película tiene muchos hermosos planos, y no me refiero sólo a lo estético visualmente, pero esa mirada del ascensor después de recibir esa importante noticia para Amanda, y su pareja, me cautivó al instante por lo que significaba.
Los impactados es una película que me gustó mucho pero no es perfecta (y no tiene porqué serlo) pero siento que hay momentos donde algo me faltó para que me impacten de la misma forma como en sus mejores escenas. No sé si es el guion y hacia dónde se dirige, la interpretación, el montaje o el ritmo. Algo que no logro entender aún qué, pero obviamente volveré a repasar en cines para ver si esta vez sí me funciona, me encantaría que así fuera. Por ejemplo la escena donde Amanda tiene una especie de crisis cual Chuck en Better Call Saul.
«Nada hace sentir al cuerpo como la electricidad», eso lo deja bien claro pero me hubiera gustado que se profundice en eso desde una perspectiva más íntima y personal de parte de Amanda, y no que la mayoría de las veces tenga que incluir a Juan o al grupo. Cuando la veo sola pasar por cada etapa del reconocimiento de su nueva identidad es algo que me encanta pero cuando me lleva a las subtramas de los terceros siento que me aleja y vuelvo a apoyar la espalda en la butaca. Así que me hubiera encantado que se explorara más el interés de Amanda en la búsqueda de la electricidad ya sea en el miedo generado por la misma, el anhelo para sentirse balanceada nuevamente o ¿Por qué no? La búsqueda de placer en esta atracción, que siento que se podría haber desarrollado aún más, pues el título en inglés de la obra es ‘Electrophilia’ y aunque lo llega a abordar no del todo.
Algo que me choca es que frente a la gran sensibilidad que la directora tiene para crear esta historia y lo que creo que la subyace, además de todos sus anteriores trabajos, haya tantos diálogos que en un primer visionado me hayan parecido demasiado explicativos. Obviamente no somos fanáticos acérrimos que corren detrás de una detallada verosimilitud realista, podemos dejar pasar alguna que otra conveniencia del guion siempre y cuando sea en pos del conflicto de la película y su protagonista sin que nos entorpezca la experiencia. La cual es muy buena cuando se enfoca en Ada y en lo que le pasó. Siento que abre demasiadas subtramas que por más que tengan premisas super interesantes no terminan siendo tan efectivas como otros tópicos que sí toca pero no llega a profundizar tanto como me gustaría.
Si experimentás un evento que de un segundo a otro te cambia la vida para siempre… que te reconfigura tanto física como psíquicamente, donde hay algo que se rompe y nace una nueva persona en vos, algo que te duele y que te lastima, algo que tenés que asimilar para emprender esta nueva identidad y esto te aleja de lo que solías ser. Esta crisis, ¿No te sacaría más de una lágrima en el proceso? Creo que me faltó ver en qué punto exacto Amanda toca fondo y ya no se halla a sí misma con la nueva realidad que la rodea, el momento que ya no puede conectar con la que era antes de su impacto. No veo en pantalla claramente ese punto de inflexión íntimo que la hace retomar su nuevo camino.
Juan es algo misterioso y la historia juega con la dicotomía de si él realmente está ayudando a Ada por genuino interés en su salud o actúa como un líder sectario para seguir experimentando con impactados luego de un escándalo por el cual le retiraron su licencia de médico. Eso es un gran acierto, pero también considero que es un personaje que por más que busque tener su redención, que parece tenerla muy internamente, no logra tener la importancia necesaria para la historia, sino que este perdón o redención se lo aplica Amanda desde antes que suceda pero sólo desde su perspectiva, tratando de trasladarlo a toda la película y a los hechos en sí.
«Nada hace sentir al cuerpo como la electricidad», y aunque vemos a la protagonista buscar esa electricidad en su intimidad, y también junto a los impactados del grupo; me faltaría un poquito más de qué siente Ada, qué se le cruza por la cabeza, qué le hace sentir realmente y porqué vuelve tras eso. Tampoco quiero que me expliquen y muestren todo pero ya habiendo algo de diálogo que subraya hubiera preferido que sea por parte de Amanda cuestionándose lo que está atravesando y no de otros personajes hacia ella.
El primer acto me parece muy bueno, los primeros minutos son realmente fascinantes, luego creo que al abrir tantas ramas en el segundo acto que aborda superficialmente o por lo menos no toca en profundidad las subtramas que más me hubiera gustado personalmente (aunque frente a esto me la tengo que aguantar y listo, pues un autor, autora en este caso, no puede satisfacer las expectativas generadas por cada espectador, sino retratar la propia historia que quiere contar) y sí aborda, por ejemplo, un interés amoroso que demasiado no me interesó y cuando logra que me interese me cuenta que el suceso más trágico que le podría ocurrir a una persona sin que se le caiga una lágrima, incluso narrando lo ocurrido en el lugar de los hechos, y aunque claramente quien cuenta esa experiencia intenta minimizar el dolor no utilizando palabras que le duelan al mencionar tan directamente lo ocurrido para no reabrir esa herida, no me llega como debería. Si a esa escena se la hubiera cargado de más drama ya sea en el guion, puesta en escena o en la actuación me hubiera funcionado mucho mejor. Y obviamente no está para nada mal lo que tenemos en pantalla, al contrario, está muy bien pero son puntos altamente subjetivos desde el espectador y las decisiones plasmadas de dirección, guion e interpretación.
Fuera de lo que es el cine en sí y suponiendo… Que está mal pero no tan mal, debe haber mayor metraje que no quedó en el corte final de lo que sería el tercer acto, me hubiera gustado ver un poco más de Amanda con su pareja, su comunicación y vínculo. Además de ver ella como intenta retomar su vida y el futuro que ahora le espera. Y no es que quiera ver que pasa después del último plano de la película, que me parece un hermoso cierre, sino los días o semanas previas a eso para poder tratar de entender como Amanda enfrenta su situación con todo lo aprendido a partir del rayo y las reuniones con los impactados.
Me interesaría saber si el guion se abordó a partir de un caso real (o varios) y se desarrolló a partir de esa experiencia o si desde la necesidad de contar una historia se ficcionó el contexto necesario para sostener lo que realmente Lucía, y Lorena Ventimiglia con quien coescribe el guion, querían hacer y narrar,
Es una de esas películas que al ser independientes y sin demasiado marketing en nuestro país, las encontrás un tiempo después en alguna plataforma de streaming y al verla te preguntás ¿Por qué no habré ido al cine a verla si es tan buena? Y sólo hay dos respuestas, o nunca te enteraste de su existencia o no confiaste en el cine argentino y seguramente priorizaste algún producto anglosajón. Banquemos en las salas al cine argentino de autor.
Gran gran película. Realmente me encantaría que le vaya bien en salas a una obra así y que el público sea quien exija más historias como esta. Aguante el cine argentino.
¿Somos el mesías de nuestras mejores visiones o sólo unos falsos profetas de cuentos imaginarios?
¿Las creencias y religiones sirven para darnos esperanza o sólo existen para esclavizarnos y cegarnos en pos de los intereses de terceros lejanos a nosotros?
Dune parte dos es una película épica, colosal, inmensa y contundente. Muchísimo mejor que la primera parte.
Repito porque esto es algo muy destacable: Dune parte dos tiene todo lo bueno que se le puede pedir a una película épica de ciencia ficción y por suerte deja atrás todo lo mala que fue la primera parte.
Dirigida por Denis Villeneuve, que aunque no sea de mis directores predilectos nadie puede negar que hace un grandísimo trabajo en la adaptación de esta semejante obra, crea un blockbuster de ciencia ficción descomunal y aunque este no sea un género que me agrade demasiado y hayan pasado unos pocos días desde que la vi ya tengo ganas de volver a verla. Que no se confunda mi crítica o poco agrado hacia el director con no saber reconocer que hizo un excelente trabajo que muy pocos podrían realizar. Ahora sí luego de reconocer debidamente al director podemos afirmar que no sólo dirige sino que también la escribe junto a Jon Spaihts basados en la grandísima obra literaria de Frank Herbert. La dirección de fotografía está a cargo de Greig Fraser y Hans Zimmer vuelve a componer las partituras musicales que acompañan excelentemente la película. Entre tantos otros realizadores del film.
Cuenta con un extenso elenco de estrellas clase A, donde alguno que otro destaca pese a tener pocos minutos en pantalla y ninguno desentona. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Zendaya (Chani), Rebecca Ferguson (Lady Jessica), Austin Butler (Feyd-Rautha), Christopher Walken (El emperador), Florence Pugh (Princesa Irulan), Stellan Skarsgård (el barón Harkonnen), Javier Bardem (Stilgar), entre otros.
La historia nos sitúa con Paul Atreides, el hijo del rey de una de las grandes casas nobles que reinan en la galaxia y aunque siendo nativos de otro planeta, el emperador de la galaxia les encomienda administrar el planeta Arrakis, anteriormente administrado por la dinastía Harkonnen. Arrakis es uno de los planetas más importantes de la galaxia por su riqueza en especias, que se recolectan para bienes de desarrollo tecnológico y económico.
Paul se encuentra en la búsqueda de su propio camino, es heredero al trono de su difunto padre y también hijo de Lady Jessica, quien lo acompaña en su epopeya estando embarazada de su hija con la cual se puede comunicar aunque aún no haya nacido, su madre es una Bene Gesserit, una integrante de un misterioso grupo secreto de brujas que entretejen el destino de su realidad y creen que Paul Atreides podría ser ‘Kwisatz Haderach’, algo así como un superhumano y primer hombre capaz de tener los poderes que las brujas Bene Gesserit tienen e incluso una habilidad que ellas no poseen.
Paul lucha contra sus propias visiones y presunto destino el cual lo convierte en un mesías salvador no sólo en una profecía sino en dos. Tanto las Besse Gesserit creen que es el elegido, al cual el emperador de la galaxia quiere detener para que la profecía no se cumpla y le termine arrebatando su preciado trono. Y a su vez Paul, en su propio viaje más personal por palabras de su madre hacia él, los rumores que va haciendo crecer en los Fremen más vulnerables. Y también empujado por la fuerte creencia de Stilgar, líder Fremen, que dice que Paul es el ‘Lisan Al-Gaib’, como los Fremen llaman al elegido, y al protagonista negarlo, Bardem afirma que es tan humilde como líder mesiánico que no admitirá serlo. Excelente chiste y excelente interpretación.
Simplificando, es el típico monomito, el periplo del héroe. La historia contada mil veces pero que siempre cautiva. ¿Es realmente un héroe? ¿Es el elegido o es un falso profeta?
Pero ahora sí adentrándonos en la crítica de la película. Por lo menos esta sí tiene su propio arco narrativo, y aunque sea la continuación de una primera parte y la preparación para una tercera, es una película que se sustenta por sí sola, y no es el lento bodrio explicativo que fue la primera parte, que claramente no me gustó para nada por varias razones, entre las que están su nula emoción en cuanto a la dirección carente totalmente de lenguaje cinematográfico, las secas y pobres interpretaciones actorales pero en especial el pésimo montaje que parecía ser la edición de un tiktok sobre un videoclip barato en vez del de una obra de este calibre.
Algo a destacar y una gran mejora con su primera parte es que en esta entrega los personajes importan, y no como en su predecesora que te daba exactamente igual si un personaje vivía o moría, si quería estar de un bando o del otro, en la primera parte no había empatía alguna con prácticamente ninguno de los personajes y en este caso sí. Los personajes a los que se les da minutos de pantalla sí son relevantes, sus acciones y consecuencias repercuten en la historia, no te da igual si mueren o no, si son leales o traicionan a su gente. Y mientras más avanza la trama más importancia ganan, aunque no está de más decir que al tener unos muy buenos dos actos el tercero parece no impactar con la misma épica que el planteamiento y desarrollo de la película. Aún así yo no le exigí demasiado al tercer acto y me gustó pese a parecer algo apresurado para la importancia que los desenlaces se merecían.
Paul Atreides ve en sus visiones la posibilidad de que se desate una guerra santa por la culpa de creerse el mesías salvador del pueblo Fremen, quienes pagarán las peores consecuencias de la guerra, así que intenta no volverlas realidad. Mientras va aprendiendo las costumbres Fremen y ganándose su confianza, en especial la del líder Stilgar, que es interpretado excelentemente por Javier Bardem, y sobretodo de Chani, interpretada por Zendaya, que aunque intentan cargarla de profundidad queda enmarcada en el interés amoroso del protagonista, ojalá en la tercera parte gane mucho más protagonismo, yo creo que así será. Stilgar y Chani le enseñan cómo sobreviven en el desierto de Arrakis mientras defienden la riqueza de su planeta contra los saqueadores de la casa Harkonnen, que luego de traicionar a los Atreides vuelven a ser quienes administren el planeta.
Tiene grandes secuencia de acción, los protagonistas destruyendo una de las cosechadoras, realmente te pone tenso por la forma en la cual está dirigida, o también la grandísima escena donde Paul Atreides tiene que aprender a montar los gusanos de arena para ser por fin aceptado como un Fremen natural, una secuencia espectacular y un show cinematográfico. Excelente momento de prueba para el héroe.
Y hablando de los Harkonnen, tenemos en el final del segundo acto la secuencia en blanco y negro donde vemos el ascenso del principe Feyd-Rautha mientras a su vez intentan recuperar el control total del planeta Arrakis frente a la resistencia Fremen. Feyd-Rautha, interpretado diabólicamente por Austin Butler, heredero al trono de su tío el barón Harkonnen y aunque sin saberlo también podría ser el elegido por las Bene Gesserit. Tiene una excelente secuencia donde nos revelan algo más del entramado y tenemos una fuerte acción acompañada de una impactante fotografía. Y aunque esta parte es buena y muy aclamada por la crítica, tampoco es que me haya vuelto particularmente loco pero entiendo que sea para muchos de su agrado. Me gustó.
Me destruye que Denis Villeneuve le de gran importancia a las visiones que tiene Paul, eso es un acierto, pero la visión más importante de todas, la que más va a cambiar el transcurso de la historia, la que va a definir la identidad de Paul y la imagen que empezará a reflejar hacia el exterior no sea una visión en sí, sino que se revele mediante el diálogo, aunque apoyada con uno o dos planos es revelada por el diálogo. Lo más importante de todas las visiones que Paul tiene es simplemente un comentario que le hace a su madre, cuando en realidad es algo importantísimo no sólo para él sino también para su familia y aunque al final quiere cargar de épica la revelación de esa visión no logra impactar por el modo en el cual esa información es dada al espectador, podría haber resultado en una de las grandes escenas del film y pasa a ser un torpe diálogo sin más, una pena.
Lo que me pareció un gran acierto es que la película intenta retratar todas las perspectivas de lo que es una religión. Tenemos al mesías, el elegido, quien vuelve realidad la profecía, este mesías, como casi todos los elegidos, no está seguro de serlo y en tal momento tiene que aprovechar a que confían en él para imponerse. Por otra parte tenemos a quienes tejen y crean las religiones, quienes van haciendo correr rumores para manipular la fé de los más necesitados y así utilizar la religión para sus propios intereses. Obviamente tenemos a quienes creen, quienes necesitan que Paul sea el elegido para aún tener la esperanza de ese paraíso verde prometido. Y también la contracara, quienes no creen para nada en Paul ni en ningún falso profeta. Quienes creen en los hombres y mujeres que los rodean, y ponen su cuerpo en la lucha por su pueblo.
Muy interesante tener todas esas perspectivas y que no parezca algo super forzado al hacer la crítica, ahí sí Denis, mis aplausos. Por último quiero dejar algunos comentarios algo aislados pero que no puedo dejar sin mencionar para cuando también la vean:
Para lo laaaaargo que fue el planteo de la historia en la primera película me pareció muy abrupto el arco de Lady Jessica transformándose en la Santa Madre de los Fremen. Pero es muy interesante verla ya transformada y no entender del todo cuales son sus verdaderas intenciones.
Javier Bardem se come la pantalla cada vez que aparece, me encantó su personaje, me fue un gran alivio que en este solemne film me sacó 2 o 3 sonrisas con sus buenas intervenciones pero también le agregó el drama necesario para su personaje.
¿Es acaso el beso más forzado a pasar y peor grabado de la década? y como si fuera poco, ¿Cómo vas a hacer que Zendaya se ponga celosa? No vale la pena ni aunque te prometan ser el emperador de todo el universo conocido hacerla poner así (aunque en ese plano su interpretación sea brillante).
En resumen es un gran y excelente blockbuster, muy recomendable para quienes le gusten este tipo de películas o quienes quieran pasar un buen rato de entretenimiento, si te gustó la primera parte la segunda te va a encantar pero si no te gustó la primera parte tranquilamente esta sí puede gustarte mucho. Lo que sí: Es una película para ver en una pantalla gigante, con el mejor sistema de sonido posible y lo más cerca de la pantalla que se pueda. Si pueden véanla en IMAX, sé que es mucho más lejos y más caro pero creo que realmente vale la pena verla así, no se van a arrepentir.
¿Cuánto de uno mismo somos a partir de los traumas vividos?
¿Terminamos de conocer a las personas que nos rodean?
¿Qué es eso de tu relación que nunca pudiste sacar a la luz para hablarlo?
May December (o Secretos de un escándalo por su título en español) es un peliculón, inicio así para dejarlo en claro ya que me llevé una muy grata sorpresa porque pese a que me habían comentado que era una buena película, fui a al cine sabiendo poco más que la premisa y recomiendo verla sin saber nada, o lo menos posible.
Dirigida impecablemente por Todd Haynes. Protagonizada por las estelares Natalie Portman y Julianne Moore en los papeles de Elizabeth y Gracie respectivamente pero además tenemos a Charles Melton interpretando excelentemente a Joe, el marido de Gracie. El film nos pone en la perspectiva de Elizabeth una actriz que está pronta a rodar una película sobre la historia de ese matrimonio que tiene la particularidad de ser un caso muy famoso porque al conocerse Gracie tenía 36 años y Joe sólo 13. Cuando se descubrió la relación Gracie fue presa por ser una delincuente sexual y tuvo su primer hija con Joe desde la cárcel. Pero los hechos nos sitúan más de 20 años después de ese momento. Gracie y Joe están casados y siguen en pareja desde entonces, tienen 3 hijos que ya son mayores y están por ingresar a la universidad.
Elizabeth quiere pasar unos días junto a Gracie y su familia para poder conocerla y así poder crear el personaje que tiene que interpretar sobre ella en el film, hace un estudio profundo de personaje donde poco a poco busca mimetizarse con ella, le pide que le muestre cómo Gracie se maquilla y con qué productos, conoce a uno de los hijos de su antiguo matrimonio y a su ex esposo quien fue engañado con un preadolescente de 13 años. Así, poco a poco Elizabeth se va adueñando de la historia de Gracie para hacerla propia y no sólo su historia sino también su psiquis, lo que la hace ser la persona que es, intenta comprender por qué decide lo que decide y qué es lo que siente por eso que vivió y sigue viviendo.
En los primeros minutos de este drama el director lo plantea con unos tonos de comedia negra por el tópico principal y como lo aborda. Al principio tiene 3 o 4 chistes que funcionaron perfectamente en mí, que te muestran lo absurdo, la banalidad con la que los protagonistas afrontan la realidad de sus vidas ocultando muy profundo esos pecados, dolores y traumas que no quieren dejar salir porque saben que los romperá. Tras unos minutos los chistes se diluyen, y nos adentramos en la perspectiva íntima de víctima-victimario que por momentos creemos que es uno y por momentos nos hacen creer que es otro, lográndolo espléndidamente.
Con el avance de la trama esos tonos de comedia empiezan a desdibujarse y lo gracioso ya no está explícito en el diálogo sino en la mirada que el director le da a la obra, la crítica al morbo y cómo se lo alimenta para los ojos de la sociedad, la crítica a cómo Hollywood se adueña de historias de vidas para hacer películas y seguir alimentando ese morbo amarillista para hacer plata. Cómo en todo momento Elizabeth intenta ser amable y no sofocante pero en realidad está escarbando en el pasado e interior de esas personas mucho más de lo que debería. ¿Qué tan necesario es el estudio de su personaje si puede que nunca lo llegue a entender? ¿Al terminar su estudio sobre Gracie la termina entendiendo o se siente más perdida que antes de conocerla?
Buen guion, una historia compleja y complicada de abordar, muy buena dirección por Haynes. Excelentes pero excelentes interpretaciones de las protagonistas, ambas brillan durante toda la película pero la escena de Elizabeth en el teatro de la escuela de Mary (hija de Gracie y Joe) y delante de todos sus compañeros es brillante, el manejo de la interpretación y la tensión apoyada en el silencio, Natalie Portman una absoluta REINA y necesitaría mayúsculas más grandes para describirla a ella en esa escena. Hay un plano mirando a cámara (de esos que los Oscar aman) de un íntimo ensayo de Elizabeth metiéndose en el papel de Gracie que podría haberse robado la película con la interpretación pero lamentablemente esa escena no me cautivó como me hubiera gustado y aunque no es para nada grave siento que la película tiene una o dos escenas que aunque no parecen subrayadas sí las siento algo marcadas en lo que es una estructura de guion para avanzar en las subtramas.
Por el lado de Gracie, tenemos a Moore que camina sobre la cornisa con su personaje, nunca estamos del todo seguros si ella es completamente una victimaria o también una víctima. Tiene una escena donde me dan ganas de comprarle todos los pasteles que tenga, el peso del dolor de esas lágrimas literalmente lo podemos sentir. Y por último pero no menos importante tenemos a Charles Melton en el papel de Joe, que para mí es la gran sorpresa de esta película porque lo que hace es excelso, tiene una tan pulida como profunda construcción de su personaje una sutil pero precisa forma de retratar a un niño que sufrió un abuso del que cree estar de acuerdo y desde entonces vive encerrado en el cuerpo de lo que ahora es un adulto de casi 40 años. Tiene momentos claves donde expone vulnerabilidad y nos revela a ese adolescente perdido asomándose a la superficie de lo que ahora es ese adulto.
Está muy pero muy bien dirigida, Haynes decide encuadrar de una forma algo particular a los personajes, los planos y contraplanos tienen una puesta diferente a lo que tradicionalmente vemos, cuando nos muestra un plano en una conversación donde está casi cantado dónde estaría plantada la cámara para el siguiente Haynes nos sorprende plantándola en un lugar que no es lo habitual, no utiliza el montaje como lo más clásico y de manual, y es algo que lo distingue dándole un aura enigmática y un tono específico a la película que le suma muchísimo. Y que está tan bien realizado que no llega a ser incómodo o molesto como algunos directores torpemente quieren lograr sino que lo hace excelentemente.
Me encantó el cierre que le da el director a la obra, por un momento tuve miedo de que se convierta en una de esas películas que parecen tener dos escenas finales. Pero por suerte no. Las escenas finales funcionan incluso mejor que el resto de la cinta, que también son muy buenas pero en especial esas últimas dos escenas impactan de la forma que tienen que impactar porque explotan en un tono perfecto por cómo fue construida la tensión en toda la película. Te dan ganas de seguir viendo y aplaudir en el primer segundo que vemos el nombre del director en los créditos finales. Muy recomendada.
Calificación 8.5/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Complicidad para callar y mirar hacia otro lado. La banalidad con la que se trata la crueldad y el egoísmo.
La familia de un general nazi naturaliza al holocausto como una rutina que se deba seguir, como un trabajo o tarea que se tenga que hacer. Donde no se lo cuestiona. Las cosas son como son, y como nosotros estamos bien no hay porqué hacerse más preguntas, siempre y cuando seamos nosotros los que estemos bien.
¿Es una película sobre un doloroso pasado o sobre el más asqueroso presente?
¿Qué es lo importante en una obra artística? En este caso cinematográfica. ¿El mensaje que quiere dar el autor? ¿El objetivo es entretener y gustar? ¿O buscar otro tipo de sentimientos como la incomodidad y el dolor? ¿La meta es que te replantees cosas? ¿Busca el aplauso? ¿Busca fama y explotar la taquilla? ¿O busca quedar grabado por mucho tiempo en tu cabeza? Yo creo que esta última cuestión sin duda logra cumplirla.
Que difícil es escribir acerca de Zona de interés y Jonathan Glazer, porque tanto la película como el director son tan excelentes como inteligentes pero a la vez son tan solemnes y pretenciosos que pueden llegar a alejar más de lo que acercan. Pero eso también puede ser la decisión más acertada por parte del autor, el exigir al espectador quien sea el que haga mérito por entrar en la obra y no que la obra sea quien se esfuerce por llegar al espectador. Considero que hay films o directores que quieren aplausos, otros quieren dejarte mudos; y otros quieren dejarte mudo y a la vez recibir los aplausos, creo que en esta categoría entra Glazer con The Zone of Interest. Tener esas semejantes intenciones es super valorable y está más que excelente, pero es muchísimo.
Apenas terminó la película, a los pocos segundos de que empiecen los créditos finales, hubo tres o cuatro personas que intentaron, muy tímidamente, iniciar un aplauso pero al notar que prácticamente nadie en la sala lo continuó dejaron de hacerlo. ¿Forman parte de una minoría capaz de identificar una obra maestra apenas la terminan de ver, o sin entenderla del todo quisieron aplaudir y al notar que el recibimiento general cambiaron su percepción? Con una duda como tal escribo mi reseña.
¿Cómo hablar de un exterminio sin hablar del exterminio en sí? El horror está retratado pero no en la realidad de los personajes, sino que el horror está en nuestra interpretación, y en alguna que otra pincelada un poco burda pero totalmente funcional por parte del director, que más que nunca afirma ser un fanático de Kubrick haciendo cine en el siglo XXI.
Clase magistral de estilo, Glazer demuestra que no hace falta ser aparatoso y descomunal para ser impecable. Puesta en escena, fuera de campo, composición de cada encuadre. Una dirección de 10. Lástima que si viste el tráiler prácticamente viste la película y podrías entender el mensaje que quiere dar durante 105 minutos, pero que esto no te saque las ganas de ir al cine, si dudás entre un sí o un no, la respuesta es claramente sí, vale la pena. Glazer encierra en cada frame a sus protagonistas, interpretados por los brillantes Christian Friedel y Sandra Hüller (que gran año tuvo ella) en el papel de Rudolf y Hedwig, que te hacen creer totalmente lo que podría estar pasando por la cabeza de un nazi y no es exactamente lo que, casi siempre, se plasmó en el cine y la literatura este último siglo.
El fuera de campo hecha película. Lo importante no es lo que vemos, no es lo que se habla. No es lo que les pasa a los protagonistas. La película realmente está más allá de esos muros que dividen el hogar de la familia Höss del campo de concentración más espeluznante del nazismo. Una gran obrapero que me genera contradicciones, si me parece que es tan buena… ¿Por qué no me gustó tanto como debería? ¿Las obras maestras pueden ser aburridas?
“Reconocer al matrimonio Höss como seres humanos fue una gran parte de lo terrible de todo este viaje de hacer la película, pero seguí creyendo que, si podíamos hacerlo, tal vez nos veríamos a nosotros mismos en ellos”, confesó el director en entrevista con The Guardian. “Para mí, esta no es una película sobre el pasado. Se trata, de tratar el ahora, de nosotros y de nuestra similitud con los perpetradores, no de nuestra similitud con las víctimas”.
Entiendo que a quienes no les guste digan que es de esas que «no pasa nada», cuando en realidad están pasando un montón de cosas. Entiendo que habrá quienes no les gustará del todo y la considerarán olvidable, otros la elogiarán sólo por meteterse con un tema tan jodido como el holocausto desde la perspectiva de una familia nazi privelegiada por serlo. Y antes de afirmar lo siguiente quiero aclarar que yo no me considero aún un espectador apto, ya que la vi una sola vez, pero creo que quienes puedan palpar e interpretar el mensaje que quiere dar Glazer con su obra realmente les va a encantar, los va a perturbar y puede que sea su film predilecto sobre las atrocidades causadas por el nazismo sobre el pueblo judío.
Por fuera de lo que es lo cinematográfico, el título y su póster son realmente espectaculares y son el moño ideal para cerrar la obra. Como película obviamente la recomiendo pero a pesar de ser excelente no estoy del todo seguro que me haya gustado, considero que algunas escenas ya habían cumplido su cometido y aún así se seguían estirando en un ritmo lento. No creo que gane el Oscar a mejor director, ni es mi favorito, pero Jonathan Glazer hace un trabajo formidable con la dirección del film. Me parece increíble y prácticamente única la forma con la que eligió retratar la historia, y hasta me da curiosidad cómo lo hubiera plasmado otra persona a cargo de la dirección.
Tiene alguna que otra secuencia donde busca ser disruptivo, y por un lado valoro la arriesgada decisión pero por otro siento que es más experimental de lo que me gustaría, hubiera preferido que lo que quiere decir lo diga con herramientas clásicas del cine y no busque tanto ser ese ‘director diferenciado’. Obviamente lo que hace está bien hecho, pero los directores en los que percibo un aire de «miren lo que hice, aplaudan lo inteligente y original que soy» me generan inquietudes.
No me emocionó tanto como debería pero realmente es una maestría de dirección cinematográfica y no una clase de historia o el drama de una biopic de un jerarca nazi reconocido. Voy a recordarla más de lo que me gustó realmente, y por eso siento también que es una gran pero gran película. Donde hoy todos parecen correr detrás de la novedad, donde una película que se estrenó hace 2 semanas ya fue devorada por la vorágine de la actualidad, del scrolleo, de actualizar el feed, y ni hablar de una que se haya estrenado hace un mes o dos, siento que The Zone of Interest puede llegar a ser recordada y revisionada para seguir encontrando detalles en esta cruel historia.
El director afirma que siempre buscó retratar a la familia nazi como personas ‘normales‘, no quería retratarlos como monstruos para que no le sea sencillo al espectador distanciarse, alejarse de los personajes, por más que creamos que jamás le haríamos algo así a otro ser humano, hace no tanto tiempo, humanos de carne y hueso con sentimientos como vos y yo, cometían estos crímenes atroces sobre otras personas y si eso ya ocurrió, aunque nosotros no nos creamos capaces, tal vez deberíamos estar menos seguros de eso.
Gran acierto el atreverse a poner el foco en los perpetradores y no en las víctimas. Pero el foco en unos perpetradores que no son retratados como monstruos sino simplemente como personas que naturalizan o ignoran lo que realmente están haciendo, ella cuida sus propios interés y los de su familia, intenta cuidar su futuro quedándose a vivir en esa villa de Auschwitz, pese a vivir pegado a un campo de concentración donde se escuchan los gritos de los judíos asesinados o como llegan los trenes que cada día traen más personas a ser masacradas. Ella cuida su lugar, su anhelado hogar, que le llevó tiempo hacer realidad y ahora no lo quiere perder, ya sea por poder, estatus o simplemente mantener el privilegio a costa de que tantos otros sufran en la masacre durante.
Lamentablemente siento que hay un momento donde empieza a decaer, donde esperaba que la trama vaya a peor y no fue a peor, sino simplemente el ritmo seguía su curso y una vez ya planteada la historia, situación y personajes era un eco de lo mismo, y parece que eso era exactamente lo que Glazer quería: la película trata de esto y sólo de esto, no de otra cosa ni de lo que vengas a buscar con tus expectativas. No vas a ver en mi película villanos nazis gritando demostrando los monstruos que son, los nazis que más daño hicieron también podrían ser personas promedio, que querían lo mismo que podrías querer vos, vivir bien, amar a tu familia e intentar darles lo mejor a tus hijos. Y eso es lo terrorífico. Cómo una persona que hace tales atrocidades tiene tanta semejanza con uno.
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