Análisis Ninja Gaiden: Ragebound para PS5


Pixel art con acento andaluz. Aunque a priori esta combinación puede resultar extraña (e incluso arriesgada) puedo prometer que os va a encantar. De esto bien sabe The Game Kitchen (estudio español fundado en 2010 y creadores de la famosa saga Blasphemous).
Nos encontramos con un juego que se mantiene fiel a la saga original a la vez que amplía el universo de la misma. La historia se desarrolla en paralelo con la primera entrega publicada en 1988 para NES. En esta ocasión nos pondremos en la piel de Kenji (discípulo de Ryu Hayabusa) cuya misión consistirá en defender la aldea y el honor de los Ninjas Dragón de las garras de un Señor Demoníaco. Además de este personaje podremos controlar a otro personaje jugable (Kumori) lo que nos abre un abanico jugable muy rico puesto que cada uno de ellos cuenta con habilidades totalmente diferentes. Mientras que Kenji se caracteriza por un potente ataque clásico cuerpo a cuerpo, Kumori es un maestro de los ataques a media distancia utilizando armas como shurikens y kunais entre otras.


A nivel jugable se trata de un título con una profundidad jugable muy interesante. Cada fase nos obligará a estrujarnos la cabeza para conseguir ciertos objetivos adicionales y que los enemigos no nos provoquen mucho daño en nuestra barra de salud. Algunos enemigos cuentan con un aura azul por lo que deberemos eliminarnos mediante ataques cuerpo a cuerpo mientras que otros poseen un aura rosa que deberán ser eliminados utilizando ataques a media distancia. Esta combinación nos exigirá que seamos bastante selectivos a la hora de afrontar los combates con las diferentes oleadas de enemigos y también hará que evitemos caer en la monotonía según vayamos avanzando en la aventura. Como mención especial hay que destacar a los jefes finales cuyos patrones y tamaño os hará sudar la gota gorda. Sus ataques irán evolucionando según vayamos acabando con su barra de salud.
Por lo que respecta al apartado sonoro se trata de un juego que cuenta con reminiscencias sonoras que nos recordarán inevitablemente a los primeros títulos de la saga, pero adaptadas a la época actual por lo que serán del agrado de fans de la misma así que como todos aquellos que se aproximen a este título sin conocer la saga original.
En cuanto al apartado técnico es una auténtica delicia. El nivel de detalle del estudio desarrollador se nota en múltiples detalles de cada escenario. Aunque se traten de niveles con una cierta linealidad, podemos descubrir una gran cantidad de desafíos opcionales, secretos y coleccionables que enriquecen nuestra progresión y nos invitan a realizar una exploración más minuciosa de cada nivel.




Hay que destacar un apartado muy positivo de este título. Aunque se trate de una aventura con un nivel de dificultad bastante exigente no penaliza a los jugadores menos habilidosos. Cuenta con numerosos puntos de control situados a lo largo de cada nivel, así como objetos curativos que nos permitirán recuperar una cierta parte de vida para poder afrontar con garantías los enfrentamientos contra los diferentes enemigos que querrán convertirnos en su aperitivo favorito. Un detalle que se echa en falta es que este juego carezca de voces, aunque sí cuente con textos tanto en inglés como en español.
Respecto a la duración se trata de un título con una duración aproximada entre 5 y 6 horas, aunque para los más completistas os llevará entre 20 y 30 horas.


En resumen, nos encontramos con un juego redondo que hará de las delicias de todos los amantes de los títulos de corte metroidvania con una deliciosa estética pixel art como pocos títulos he podido saborear durante mi vida como jugador de videojuegos.
Supone un soplo de aire fresco a la saga (a la espera del lanzamiento de Ninja Gaiden 4 el próximo 21 de octubre de este año) invitando a que una amplia gama de jugadores (veteranos y noveles) se acerquen a esta excelente IP y aportando una variedad jugable que rara vez se encuentra en títulos de este tipo.



P.D. Para los jugadores completistas os invito a conseguir todos los escarabajos dorados y cuando hayáis acabado la aventura intentéis volver a jugarla en el nuevo modo difícil puesto que supone un reto sumamente adictivo y desafiante (cambios en la ubicación de los enemigos, variantes nuevas y diferentes trampas).

Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.


Os quiero 3000:)
Calificación: 9/10
Rodrigo Andrés Puebla

Reseña: Coherencia


Tuve el placer de ver «Coherencia», una obra teatral que desafía las fronteras del teatro comercial. Basada en la aclamada película de 2013, esta adaptación se sumerge en el suspense psicológico y la ciencia ficción, explorando la fascinante idea de los mundos paralelos.


La trama nos presenta a un grupo de seis viejos amigos que, reunidos para una cena, se ven envueltos en un inexplicable fenómeno tras el paso de un cometa. Un apagón repentino los aísla y los empuja a una realidad fluida, donde empiezan a encontrarse con versiones de sí mismos. Este encuentro con sus «copias» desata el caos, obligándolos a confrontar dilemas íntimos y viejas heridas. Aislados, comienzan a desconfiar de sus propios recuerdos y de los lazos que los unían, debatiéndose entre aceptar su imperfección o perderse persiguiendo una versión idealizada de ellos mismos.


La obra utiliza la paradoja del gato de Schrödinger para ilustrar cómo varias realidades coexisten hasta que una decisión «abre la caja» y elige un resultado específico. Esto no solo genera una lucha por la supervivencia, sino que también explora la maldad inherente del ser humano y cómo las personas pueden cambiar drásticamente bajo presión.


La verdadera fortaleza de esta adaptación reside en el ingenio de su puesta en escena. Adaptar una historia con múltiples realidades y dobles al teatro es un desafío enorme, pero la obra lo resuelve con astucia. Utiliza trucos visuales como una pantalla para proyectar lo que sucede fuera de la casa, así como el uso de luces y colores para diferenciar entre las distintas realidades. También, sin necesidad de actores dobles, se las arregla para mostrar los enfrentamientos entre las diferentes versiones de los personajes, empleando a los mismos intérpretes en escena de manera ingeniosa. Este es un trabajo que requiere de la atención del público, pero logra sumergirlo por completo en su compleja trama.


Si bien el enfoque está en la adaptación, es importante reconocer el buen trabajo del elenco. Gonzalo Heredia, Mey Scápola, Vanesa Gonzalez, Guillermo Pfening, Nicolás Pauls y Laura Cymer logran dar vida a sus personajes, navegando con destreza entre las distintas versiones de sí mismos y las emociones que esta situación tan particular desencadena.


En resumen, «Coherencia» es una propuesta teatral valiente y particular, de esas que se agradece ver en el circuito comercial. Es un relato de ciencia ficción bien logrado que ofrece algo diferente a las habituales comedias y nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de la identidad y la realidad.





Ficha técnica
Elenco: Gonzalo Heredia, Mey Scápola, Vanesa Gonzalez, Guillermo Pfening, Nicolás Pauls, Laura Cymer
Dirección: Hernán Guerschuny
Asistente de dirección: Constanza Urrere
Colaboración artística: Juan Branca
Diseño de escenografía: Lula Rojo
Diseño de luces: Matías Sendón
Diseño gráfico: Nicolás Rejlis
Fotografía de estudio: Ale López
Fotografía de escena: Rosario González del Cerro
Diseño de Vestuario: Roberta Pesci
Asistente de vestuario: Bernarda Crudo
Vestidora: Victoria Wallace
Música original: Nico Posse en colaboración con TEIAO
Dirección de comunicación: Rebeca Crespo Díaz
Redes sociales: Lucía Peralta
Prensa: SOY Prensa
Producción ejecutiva: Laura Manganelli Zuviri
Dirección de producción: Rocío Gómez Cantero
Producción general: Bautista Laviaguerre, Joaquín Laviaguerre y Tomás Rottemberg

Funciones de miércoles a domingo, entradas por Plateanet.com

El tráiler de la historia de SILENT HILL f revela un personaje misterioso durante Gamescom 2025

Konami Digital Entertainment, Inc. (KONAMI) ha revelado un aterrador nuevo tráiler de la historia en la exhibición Opening Night Live de gamescom el 19 de agosto, dando a los fanáticos una mirada más profunda al horror psicológico que los espera en SILENT HILL f. El tráiler de la historia también reveló un nuevo y misterioso personaje con máscara de zorro.



SILENT HILL f | Tráiler de la historia en inglés: miralo acá

El elenco completo de actores de voz en inglés de SILENT HILL f fue revelado en una nueva entrevista en video con el elenco detrás de escena. Se reveló por primera vez que Suzie Yeung es la actriz de voz en inglés de la protagonista principal, Hinako Shimizu, de SILENT HILL f durante gamescom la semana pasada.



Elenco de actores de voz en inglés revelado:

• Suzie Yeung: Hinako Shimizu

• Nicholas Leung: Iwai Shu

• Frankie Kevich: Nishida Rinko

• Courtney Lin: Igarashi Sakuko

• Caleb Yen: Máscara de zorro

Los actores de doblaje en inglés de SILENT HILL f incluyen una lista talentosa de artistas con voces reconocibles que se encuentran en otros programas y películas populares.

“Me siento increíblemente honrada de ser parte de la franquicia SILENT HILL y estoy muy entusiasmada por una nueva versión de esta serie clásica que está profundamente arraigada en la cultura japonesa”, dijo Yeung. “Pude experimentar el viaje de emociones extremas de Hinako a través de la lente de la brillante Konatsu Kato, de quien tomé pistas durante el proceso de actuación. ¡Estoy ansiosa por que todos ustedes sean testigos de los esfuerzos de todos en este mundo maravillosamente inquietante!”.

SILENT HILL f llega el 25 de septiembre a PlayStation®5, Xbox Series X|S, Steam®, Epic Games y Microsoft Windows. Los jugadores ya pueden preordenar las ediciones Standard y Deluxe para versiones digitales y físicas.

Para mantenerte al día con las noticias sobre SILENT HILL, sigue nuestros canales oficiales:

https://x.com/SilentHill

https://www.facebook.com/silenthill

https://www.konami.com/games/silenthill/

Sitio web oficial de SILENT HILL f: https://www.konami.com/games/silenthill/f/us/en/

METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER se lanza  para PlayStation®5, Xbox Series X|S y Steam®

METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER vuelve a presentar a una nueva generación de jugadores y fanáticos veteranos de la serie para una experiencia de juego inolvidable con inclusiones de accesibilidad mejoradas



• Más juegos especiales desde el lanzamiento, con contenido adicional disponible próximamente

Konami Digital Entertainment, Inc. (KONAMI) anunció  que METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER está disponible en PlayStation®5, Xbox Series X|S y Steam®. METAL GEAR SOLID Δ: SNAKE EATER, una nueva versión fiel de Metal Gear Solid 3: Snake Eater, que se lanzó originalmente en 2004 para PlayStation®2, presenta a una nueva generación de jugadores, y a los fanáticos de siempre, los orígenes de la saga Metal Gear.

El agente de FOX con nombre en clave “Naked Snake” se infiltra en territorio enemigo para evitar un conflicto nuclear entre superpotencias en plena Guerra Fría. Su misión rápidamente se convierte en una lucha por la supervivencia en un entorno duro e implacable donde Snake debe enfrentar la prueba final. En la nueva versión, aparecen los personajes de voz originales, una rica historia y amplias características de supervivencia en combate evolucionadas con gráficos sin precedentes y sonido envolvente.

El videojuego Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles adelanta introducción extendida

A finales de este mes, podremos disfrutar de Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles en consolas y PC.



Esta versión del videojuego RPG de estrategia para PlayStation de 1997 ofrecerá mejoras visuales y de jugabilidad, además de una versión clásica fiel.

Pueden ver el video con la intr mejorada y extendida a continuación:

https://youtu.be/5mvuuZG0pqA

Reseña: Incógnito

El pasado lunes, el Teatro Ítaca nos abrió sus puertas para presenciar una obra teatral fascinante y sumamente interesante: «Incógnito», dirigida por Marcelo Moncarz. Esta pieza es una exploración brillante y vertiginosa de la identidad humana y la naturaleza de la conciencia, un desafío intelectual que deleita y exige al espectador en igual medida.



«Incógnito» entrelaza tres narrativas aparentemente dispares en un tapiz complejo y no lineal. En Princeton, 1955, el doctor Thomas Stoltz Harvey realiza la autopsia de Albert Einstein y roba su cerebro para la ciencia. Paralelamente, en Bath, 1953, Henry se somete a una cirugía cerebral pionera que le cambia la vida y marca un hito en la neurociencia. Finalmente, en el Londres actual, la neuropsicóloga clínica Martha lidia con el colapso de su matrimonio, lo que la impulsa a tomar decisiones radicalmente diferentes. A medida que avanza la obra, estas historias se van conectando, revelando que el cerebro, con su habilidad para construir narrativas, es la clave para entender la ilusión del «yo» y la compleja relación entre memoria e identidad.



Lo que hace que «Incógnito» sea una experiencia teatral tan memorable es la audacia de su puesta en escena.  La escenografía, sencilla pero efectiva, presenta un dibujo de un cerebro en el suelo que sirve como mapa de este viaje temporal. La música en vivo, a cargo de Herlene Mattos, es una partitura que se fusiona perfectamente con la obra, en sintonía con cada escena. El diseño de iluminación de Ricardo Sica añade detalle y sensibilidad, realzando la atmósfera de cada momento.


Pero el corazón de la obra son sus intérpretes: Mateo Chiarino, Tom CL, Cecilia Cósero y Anna Fantoni. Cada uno asume múltiples personajes con una plasticidad exquisita, entrando y saliendo de ellos sin preámbulos. Su capacidad para transitar entre las distintas tramas, caracterizando a cada personaje con matices únicos, es lo que permite que el espectador no se pierda en este fascinante laberinto narrativo. Su trabajo es de una profundidad notable, resultado de una elaboración minuciosa de cada rol.


En sus casi dos horas de duración, «Incógnito» es un espectáculo movilizador y pensante que respeta la inteligencia del público, invitándolo a mantenerse concentrado y expectante. La recompensa es un final satisfactorio que une todas las piezas de este complejo rompecabezas. Es una obra de calidad que definitivamente vale la pena ver.

Funciones: Lunes 20:30 hs. Ítaca Complejo Teatral – Humahuaca 4027- Entrada general $17.000. Compra online: http://www.alternativateatral.com

Autoría: Nick Payne

Traducción: Nicolás Zaharya

Actuación: Mateo Chiarino, Tom CL, Cecilia Cósero, Anna Fantoni

Dirección y Puesta en escena: Marcelo Moncarz


Duración: 100 minutos

Crítica: Nadie 2

Bob Odenkirk vuelve con más acción, humor negro y adrenalina


Descripción breve:
La secuela de Nadie regresa con más violencia estilizada, coreografías espectaculares y un Bob Odenkirk que confirma su lugar como héroe de acción inesperado.


Resumen:
En Nadie 2, Hutch Mansell (Bob Odenkirk) intenta dejar atrás la violencia para saldar una deuda y retirarse en paz. Pero durante unas vacaciones familiares en un parque acuático de Plumerville, el pasado lo alcanza y lo obliga a regresar a la acción. Dirigida por Timo Tjahjanto, la película mantiene la esencia de la primera entrega con escenas de acción creativas, humor negro y un ritmo trepidante. Aunque carece del factor sorpresa del original y la trama es sencilla, la incorporación de la familia en la acción y el estilo visual le otorgan frescura a esta secuela.


Lo que me gustó:
Lo más destacado es cómo la película logra que toda la familia de Hutch tenga un rol activo en la historia. La esposa, los hijos, su hermano y su padre no son simples espectadores, sino que encuentran en la violencia un canal de liberación de sus tensiones. Esto no solo refuerza la idea de que debajo de la fachada de una familia feliz existe un cúmulo de instintos reprimidos, sino que además le da un giro entretenido y hasta catártico a la trama.


Las coreografías de acción diseñadas por Timo Tjahjanto son otro punto alto: creativas, vertiginosas y con ese toque de humor negro que evita que la violencia resulte solemne. También destaca la banda sonora, que juega de forma ingeniosa con clásicos musicales como contrapunto a los combates, lo que potencia la experiencia visual y sonora. Y, por supuesto, Bob Odenkirk, que una vez más demuestra que puede cargar con el peso de un personaje contradictorio y fascinante: un don nadie que, en realidad, es mucho más.


Lo que no me gustó:
Si bien la película cumple con lo prometido, pierde parte de la sorpresa que tuvo la primera entrega. El humor, aunque presente, se siente menos fresco y algunas situaciones parecen más previsibles. También resulta una oportunidad desaprovechada el hecho de no profundizar demasiado en personajes secundarios de lujo como Sharon Stone o Christopher Lloyd, que podrían haber aportado todavía más a la trama. La historia en sí es bastante básica y funciona más como excusa para las secuencias de acción que como un relato sólido por sí mismo.


Recomendado para:
Amantes del cine de acción estilizado, fans de Bob Odenkirk y de la primera Nadie, y quienes disfrutan de películas con violencia catártica, humor negro y un estilo visual atractivo. Es ideal para quienes buscan entretenimiento directo, cargado de adrenalina, con una familia que demuestra que bajo la fachada de normalidad se esconden instintos mucho más oscuros.

Puntuación: 8/10

Reseña: 4×4 Ron Lalá


Cuatro obras madrileñas, cuatro millones de risas



Hace menos de un mes, el Teatro San Martín tuvo la oportunidad de recibir al grupo catalán »La calórica». El público porteño recibió con abrazos abiertos y con carcajadas la propuesta de la adaptación de »Las aves» de Aristófanes. Anoche, Madrid tuvo la oportunidad de presentar con 4×4, cuatro obras del grupo Ron lalá.

Ron Lalá, compañía madrileña de teatro, humor y música fundada en 1996, regresa a Buenos Aires con una retrospectiva de sus primeros cuatro espectáculos. Con música en vivo, humor crítico y poesía escénica, los “ronlaleros” presentan su inconfundible estilo. Sus productores y creadores son Ron Lalá y Emilia Yagüe. 

Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana y Daniel Rovalher son los actores en escena, los primeros cuatro, miembros originales; además de interpretar, son músicos en escena. El talento y energía es incomparable y el público se dará cuenta apenas se abra el telón.



Con poca utilería y un escenario austero, los actores se las ingenian para desarrollar la narrativa frenética e hilarante que se les propone. Los instrumentos musicales suben el nivel pero los ligeros cambios de vestuario junto al plausible diseño de luces, complementan la puesta en escena,



Cuatro obras al mejor estilo del microteatro interactivo: La primera habla sobre el poder las palabras y las personas capicúas, la segunda relata el fin del mundo, la tercera los últimos minutos de una flor recién cortada y una abeja y la última es una parodia a la España del siglo de oro.



El humor absurdo, las onomatopeyas, rompimiento de la cuarta pared, la improvisación y el clown son los elementos actorales que podemos ver en Ron lalá 4×4. Es una retrospectiva y homenaje al grupo que, a sus casi treinta años, sigue haciendo largar carcajadas a los espectadores y ahora, Buenos Aires es la ciudad que más ríe en Avenida Corrientes.



Buenos Aires tiene mucho del alma de Madrid: Noches interminables, cultura, amigos, fiesta, cenas de casi medianoche y teatro, mucho teatro; por suerte el acento madrileño no es impedimento pues, el porteño también comparte algo  de este humor tosco; lo más importante es que el público gozó cada minuto de la obra.



4×4  de Ron lalá, se presentó el 29, 30 y 31 de agosto en la maravillosa sala Casacuberta del Teatro San Martín.



Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.




Análisis: Echoes of the end para PS5



Volvemos con las reseñas y hoy toca hablar de Echoes of the end, que nos llega de la mano de Myrkur Game Studio y que busca colarse en el mundo de los hack ´n lash al más puro estilo God of War en su versión nórdica. Veamos qué tal salió esta ópera prima.



La historia se centra en Ryn, quien, junto a su aprendiz, deben embarcarse en una travesía para salvar lo que queda de un mundo, que pese a desprender magia por todos lados, se está corrompiendo y cayendo a pedazos poco a poco.

Si, la historia no es la gran cosa, y si bien siempre tratamos de ser buenos con todos los estudios, en especial, con aquellos que recién están empezando. Pero Echoes of the end, por desgracia, creo que no llega a destacar en casi ningún apartado. Aunque irónicamente, tampoco es un desastre en los mismos.



Empecemos por los gráficos y todo lo referente al mismo. Echoes of the end fue probado en una PS5, y no lo parece. No queremos decir que a nivel gráfico pareciera de hace dos generaciones, pero lo que sí lo parece, es su sistema de colisiones. Ya se ve feo que en pleno 2025, los personajes se atraviesen entre sí cuando chocan. Esperemos que esto termine siendo arreglado en futuras actualizaciones.

En cuanto al sistema de combate, es bastante básico. Apenas un botón para esquivar, otro para bloquear (y hacer parry), atacar y magia, que, combinado con otros botones, podemos tener diferentes resultados. Y ya. Al menos en gran parte del juego no podemos cambiar de armas, ni subir de nivel la que tenemos. Eso sí, podemos darle comandos a nuestro compañero, todos muy simples.



En lo personal no creo que estemos ante un mal juego, pero si ante uno, que, por desgracia, no destaca en casi nada. Tanto a nivel diseño y jugable, recuerda bastante a otros exponentes del hack´n lash. Lo mejor que podrías decirles, es que se guarden alguna rebaja y ahí sí aprovechen para darle una oportunidad a Echoes of the end.

Lo mejor: no aburre en ningún momento.

Lo peor: no destaca en nada.

Calificación 6/10

Crítica: The Storm


Por @cronicadeunavidacualquiera

La eterna lucha entre la luz y la oscuridad



La historia:
Cuenta la leyenda que un arca antigua emergerá de las profundidades y dentro hay mucha maldad pero también muchas riquezas. Detrás de ellas están un fugitivo, un hombre rico con un importante ejército y una pareja de guardianes de la luz. Y en medio de todo eso, un pequeño niño que sólo quiere llamar “papá” a su padre adoptivo.
Cuando llega la el arca deciden ir en su búsqueda pero descubren que hay seres que viven en ella y están poseídos por una extraña sustancia. Ambos son alcanzados por este virus y  deben consumir un pequeño hongo azul para poder curarse. En ese momento llega el ejército en busca de riquezas y complica todo.
¿Podrán este padre adoptivo y su hijo sobrevivir a todos sus problemas y llevarse alguna riqueza en el camino o terminaran coptados por las fuerzas de la oscuridad? Tendrán que verla para enterarse.

¿Qué  me gustó?
La película es visualmente interesante, pero es inevitable comparar esta animación China con la animación japonesa, particularmente al estudio Ghibli responsable de películas como Mi vecino Totoro (1988) o El viaje de Chihiro (2001), y realmente no hay punto de comparación posible.  Ambas se centran en mundos cotidianos o reconocibles intervenidos por elementos fantásticos, pero ahí terminan las similitudes.
El mensaje final de la peli, que refleja que cada momento de oscuridad genera algo de luz que eventualmente se acumulará y equilibrará a la otra fuerza. 

¿Qué no me gustó?
La traducción no es buena, esta película sólo tiene versión en español, pero a veces se mezcla el audio original (por lo menos esto pasó en la función de prensa), aparte falta agregar sonido ambiente para que uno sienta que está en ese lugar rodeado de naturaleza.
El mito en si es interesante pero algo visto, la lucha de la luz y la oscuridad ya fue representado de mil maneras, y esta historia no lo cuenta de una forma particularmente atractiva, ni siquiera está tan bien relatada para que la entiendan bien los más pequeños. 

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los que disfruten del anime y quieran ver las diferencias con la animación China. Quizás para chicos también sea una linda historia pero tienen que tener en cuenta que se toma sus tiempos para hacer las cosas, no apta para ansiosos, y que no tiene la misma calidad que otras producciones que apuntan al mismo público.   

Calificación: 6/10
Duración: 102 minutos
Disponible 28 de agosto en cines