Análisis: Wuchang: Fallen Feathers para PS5



Si hay un género que se podría decir que ya están sobreexplotando a día de hoy, es el de los soulslike. Los lanzamientos de juegos de dicho estilo se acumulan año tras año, intentando innovar la fórmula, o al menos, sobresalir un poco. Veamos si lo nuevo de 505 Games junto con Lanzee, llamado Wuchang: Fallen Feathers, logra dicho objetivo.



Ambientado en el final de la dinastía Ming, Wuchang: Fallen Feathers nos presenta a una China que está padeciendo una maldición, la cual implica el surgimiento de plumaje en el cuerpo, para que eventualmente la víctima vaya convirtiéndose, de forma gradual, en un monstruo violento y agresivo.



Tomando la historia real como referencia (al grado que aparece Magallanes), Wuchang: Fallen Feathers presenta un mundo sombrío, que bien al estilo de su gameplay, exige que el jugador preste atención no solo a los diálogos, sino a que lea la descripción de todos los objetos que vamos consiguiendo, para ir haciéndonos una idea de lo que está sucediendo en este mundo sumido en la enfermedad; y del porqué nosotros parecemos tener un poco más de resistencia.

En el apartado visual, el Unreal Engine 5 utilizado cumple bastante bien, el contraste entre los escenarios coloridos vs los litros de sangre que desprenden nuestros enemigos, es bastante grotesco y brutal. Aunque si buscan algo que sea casi foto realista, Wuchang: Fallen Feathers no estaría siendo el caso.



Otra cosa que podríamos decir que no destaca mucho, es que quitando lo bien que está aprovechada la cultura china, el juego no destaca demasiado por sobre obras similares del mismo estilo. Y esto no hace que Wuchang: Fallen Feathers sea malo, pero si habla de una ya sobresaturación en el mercado, con la misma temática y gameplay.

De todas formas, y para volver a lo bueno, tenemos que decir que el sistema de armas y combates que tenemos, es bastante variado. Y a las mismas se les puede ir mejorando (porque nuestro personaje no sube de nivel) hasta encontrar nuestro estilo de juego preferido. En ese sentido, la experiencia no se vuelve monótona.

Para ir cerrando, Wuchang: Fallen Feathers es un buen juego, eso no se puede negar. Pero tampoco podemos negar que los soulslike son los sandbox de esta generación. Aquellos que gusten de estos juegos, no le verán nada de malo, pero aquellos que somos un poco más objetivos, vemos la evidente saturación.



Lo mejor: la ambientación, un combate simple, pero dinámico.

Lo malo: salvo algunos detalles, no destaca en el ya sobrepoblado mundo de los soulslike.

Calificación 7/10

Chicas Doradas Rock se Presenta en Argentina por Primera Vez

El grupo de rock «Chicas Doradas Rock» está causando sensación en la escena musical con su talento y energía en el escenario. Lideradas por Aixa Sosa, la banda ha demostrado su habilidad musical en presentaciones exclusivas y ahora se prepara para conquistar al público argentino.



La Banda se presentará por primera vez en Argentina el 13 de agosto en Makena, un lugar emblemático para la música en vivo. Los fanáticos argentinos podrán disfrutar de la energía y el talento de la banda en un show en vivo.

«La música es una de mis pasiones y en ‘Chicas Doradas Rock’ he podido cristalizar un gran proyecto junto a talentosas mujeres que amamos el rock tanto en español como en inglés», enfatizó Aixa Sosa, líder de la banda.

Actualmente presentan su primera gira por América la cual comenzó en Perú en julio del 2025 continuando en agosto por Argentina, en septiembre por Cuba, y Panamá luego en octubre desembarcan en México culminando la misma en diciembre del 2025 cerrando el año en Estados Unidos, en Miami, y Las Vegas.



Biografía

Chicas Doradas Rock nace como un novedoso proyecto musical gracias al encuentro entre Aixa Sosa bajista y Jordana Micol segunda guitarrista y voz en Perú mientras trabajaban juntas en una campaña para la emblemática marca Rústica quienes entre charla y acorde descubrieron una pasión en común el rock.


El deseo de formar una banda fue inmediato motivo por el cual compartieron la idea con su productor Mauricio Diez Canseco, quien no dudó en apostar en el proyecto.
Luego de un proceso de casting intenso se sumó Bárbara Rojas como vocalista una cantante con años de trayectoria en México donde brilló en escenarios de renombre, luego llegó Josefina Anselmo como primera guitarrista con experiencia internacional y un recorrido que incluye haber tocado con músicos de gran trayectoria como por ejemplo la banda de Charlie García y finalmente la formación se completó con Mara Flow en la batería un artista versátil por su actriz y música.



Próximas presentaciones

10/08 Gorriti Art Center

13/08 Makena

23/08 Ferona

31/08 Hard rock Buenos Aires



«Chicas Doradas Rock» se completa con la participación de:

– Marisleydis Avila (percusión menor)

– Mara Flow (batería)

– Josefina Anselmo (guitarra)

– Jordana Micol (guitarra)

– Bárbara Rojas (vocalista)



Redes: @chicasdoradasrock
Youtube: Chicas Doradas Rock – Mix Rock en Ingles (Covers)

Crítica: Los tipos malos 2


Por Pablinteve
Sinopsis:
Cinco años Y después de los acontecimientos de la primera película, los Malos están luchando por encontrar confianza y aceptación en sus nuevas vidas como Buenos, cuando son sacados de su retiro y obligados a hacer «un último trabajo» por un escuadrón de criminales compuesto exclusivamente por mujeres.



Lo que me gustó
El arranque de la película es espectacular, con una secuencia de acción que nos remite a uno de los golpes de la banda de los vejos tiempos, que culmina con una persecución a toda velocidad por El Cairo.
Esta secuela no escatima en medios, pero sí es un puntito más oscura y madura en sus mensajes. Además de mostrar relaciones más maduras y complejas y tentar a nuestros protagonistas de manera muy realista con la vida que tanto echan de menos, sabe apuntar hacia el futuro: nos quedan tipos malos y tipas malas para rato.

Lo que no me gustó
la secuela puede resultar predecible, con un humor menos equilibrado y un enfoque en la acción que diluye los valores de amistad y bondad presentes en la primera entrega, y no sorprende mucho la verdad. Es muy dificil innovar en este genero, y en ese sentido se queda a mitad de camino lamentablemente. Pero entretiene, que es lo importante.

Puntaje : 7/10

Reseña: Menos Detalles



Después de tres funciones en el mes de julio, el miércoles 6 de agosto vuelve “Menos detalles” al Galpón de Guevara.





Madre e hija. Un viaje. Parten las dos. Vuelve sólo una, la hija. La vida dada vuelta. La pérdida, la ausencia hecha sombra, el recuerdo borroso, el intento imposible por comunicar. Silencio. Silencio. Silencio. Por favor, menos detalles. 

“Menos detalles” apuesta por contar una historia con la menor cantidad de palabras posibles. ¿Cómo narrar la ausencia? ¿Cómo describir la contundencia de una vida que cambia radicalmente? ¿Y el dolor? ¿Y la pérdida? Teatro de objetos, teatro de sombras, humor y drama, canción. Ella ahí, en soledad, se vale de todo lo posible para dar vida al recuerdo. En cuanto el fluir de la palabra asoma, pausa. El afuera pide menos. Siempre al borde del llanto que no sale, la risa que brota y frena, Carolina Saade encarna a la niña- mujer- hija que vaga en este nuevo presente. De un viaje que prometía ser maravilloso a una realidad marcada por el desconcierto y la oscuridad, la actriz encuentra el humor sutil con el cual abordar esa, su nueva vida. Carolina Saade baila, canta,  actúa en distintos registros, construye la densidad de un momento lúgubre para pasar a la alegría inocente de quien aún no se ha dado cuenta de que debajo del mar navega un monstruo por momentos horrible, por momentos hermoso… Como la memoria, quizás. Carolina no está sola, comparte el escenario con Gerardo Porión, responsable del manejo de objetos y marionetas en escena. Entre ambos, logran dar vida a los extraños con los que esta hija se va encontrando: un elenco formado por hombres de goma eva, peces monstruosos, gatos negros. Sola y no tanto.


Casi no hay información concreta, datos. En los huecos, el relato silenciado surge de otro modo por y a pesar del entorno que pide “Por favor, menos detalles”. El silencio, lo que no se dice, encuentra su cauce en otros lenguajes escénicos que se combinan para narrar el todo. El aspecto visual cautiva y sorprende. Además de los objetos y marionetas, la obra exprime las posibilidades del teatro de sombras, creando un espacio onírico propio del recuerdo. La sombra, también como modo de abordar la ausencia, lo fantasmal: siempre presentes a la vez que intangibles. La música y el sonido también tienen un lugar especial. Las canciones dan aire y cuentan. Canciones jugadas, canciones que atraviesan, canciones que se hacen propias. La obra se construye como un material con fuerte identidad visual, sonora y actoral.

Espacio de ensueño, de inanimados animados, de recuerdo hecho cuerpo y canción, de imágenes y climas, de fantasmas que sólo hablan a través del yo que los convoca. “Menos detalles” y el dolor, la pérdida, el humor, la magia y la ilusión. Una forma otra de narrar en escena.


FICHA ARTÍSTICO- TÉCNICA
Guión: Gustavo Tarrío// Texto: Rocío Gómez Cantero// Actúan:Gerardo Porión, Carolina Saade// Vestuario: Paola Delgado//  Diseño de arte: Paola Delgado// Diseño de títeres: Gerardo Porión// Realización de escenografia: Francisco Arando, Agustin Valle// Canciones: Gustavo Tarrío, Pablo Viotti// Realización de títeres: Gerardo Porión// Música original: Pablo Viotti// Diseño De Iluminación: Fernando Berreta// Fotografía: Nacho Lunadei// Comunicación: Rebeca Crespo Diaz// Diseño gráfico: Estudio Gráfico Trineo// Asistencia de dirección: Julian Gimenez Zapiola// Prensa: Marisol Cambre// Producción general: Valeria Casielles, Rocío Gómez Cantero// Diseño de movimientos: Milva Leonardi// Dirección: Gustavo Tarrío


“Menos detalles”-  Galpón de Guevara (Guevara 326) – Miércoles – 20:30 hs


Escribió: Micaela Steinbach

Análisis: Ready or not para ps5


Mas vale tarde que nunca. Es lo que muchos que ya peinamos canas jugando a esto de los videojuegos sentimos a menudo (mas veces de las que deberíamos, por cierto). Os pongo en antecedentes. Allá por 2001 este título fue lanzado en acceso anticipado en Steam por VOID Interactive (estudio irlandés fundado en 2016).

Mucha gente empezó a reseñarlo con muy buenas críticas ya que venía a cubrir el vacío dejado por grandes sagas como fue SWAT y más recientemente la malograda Rainbow Six. En este shooter táctico encarnamos a un aguerrido equipo de operaciones especiales del departamento de policía de una ciudad ficticia llamada Los Sueños (claro homenaje a Los Ángeles). Como ya os podéis ir imaginando deberemos resolver diferentes misiones cargadas de altas dosis de adrenalina, tensión y rehenes.


A nivel jugable nos encontramos ante un título solido donde deberemos coordinar un equipo de cuatro personajes para conseguir cumplir diferentes misiones (como por ejemplo un atraco en una gasolinera o un intento de asesinato de un senador de los EE.UU.) El componente estratégico está muy bien implementado porque no solo debemos llevar a cabo estas misiones, sino que deberemos conseguir rescatar a los rehenes y dar matarile a los malos.

Dependiendo de nuestra forma de jugar (más táctica o más directa), algunos de estos últimos se resistirán e incluso abrirán fuego cuando se vean acorralados. Este punto es muy positivo porque dota de personalidad a los NPC y nos ofrece la posibilidad de afrontar cada misión de manera diferente sin caer en la reiteración.


Respecto al apartado sonoro es un juego bien diseñado donde el sonido de las armas, los gritos de los rehenes y de los enemigos nos mantienen en tensión casi todo el tiempo. Como punto negativo cabe destacar que las voces no han sido dobladas al español (solo los textos) por lo que la inmersión se siente un poco coja en este sentido.
En cuanto a los gráficos se trata de un título bien diseñado donde los escenarios nos permiten desplegar a nuestro equipo por las diferentes zonas, hacer coberturas, rescatar a los rehenes y probar las diferentes armas que disponemos en nuestro arsenal.


Un punto muy positivo de este juego es que no se anda con rodeos. El nivel de realismo es muy alto (sangre, desmembramientos y fuego cruzado) por lo que el nivel de inmersión gana muchos enteros. Se nota que el estudio desarrollador ha hecho un gran esfuerzo para que los jugadores disfruten sintiéndose por momentos como un verdadero SWAT.
Para poder completar este título (que consta de 18 misiones) necesitaremos entre 15 y 18 horas, aunque los más completistas vais a necesitar en torno a 30 horas.


En resumen, nos encontramos con un shooter táctico en primera persona que supone un soplo de aire fresco para el género. Cuenta con buenos gráficos, una gran rejugabilidad, un apartado sonoro inmersivo y algunos aspectos negativos (falta de traducción al español y algunos momentos donde el uso del menú se hace bastante complejo). Todo esto hace que este juego se convierta en un título altamente disfrutable en esta época estival y podamos decir que juegue en la misma liga que otros grandes juegos AAA.


Os quiero 3000:)


Calificación: 7/10
Rodrigo Andrés Puebla


Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Reseña: Circo Anima: Abre tus alas



Por @soynancybenegas


Sinopsis
Abre tus alas es el nuevo espectáculo del Circo Anima creado por Flavio Mendoza. Un show plagado de magia, color y música, que reúne a talentosos acróbatas, trapecistas, contorsionistas y artistas de múltiples disciplinas. Una propuesta interesante que no puede faltar en tu agenda, para estas vacaciones de invierno.


Reseña
Escandalosamente atractivo, provocador e irreverente. Un cachetazo de belleza visual, tallado con la calidad estética y el cuidado tan característico de Flavio Mendoza. Sí, Flavio Mendoza, un profesional capaz de provocar asombro y emoción no solo a niños, sino también, a adultos fascinados ante esta puesta en escena.


Con un vestuario que deslumbra y se destaca en calidad y extravagancia. Desde una estética visual que cuida el detalle de los pequeños momentos, en donde cada elemento cobra vida detrás de un artista, con coreografías que derrochan talento y se atreven a ir a jugar con el riesgo.
La presencia de Flavio Mendoza enaltece cada instante que está en escena; siempre es grato descubrirlo en su constante búsqueda de la perfección, transmitiendo su entrega absoluta a todo lo que ofrece. Sin temor a las alturas, a la adrenalina, a cada truco con obstáculo que enfrenta desafiante, es hermoso encontrarlo entregándose a cada disciplina.


Todo en el universo de Circo Anima respira vida propia, y lo atractivo de ese movimiento constante lo hace bellamente pretencioso, no deja de sorprender desde todos los ángulos que es posible que todo pase y nos lleve a su universo inmersivo.


Pero hay algo mejor, entender el motivo que mueve la pasión e impulsa a un espectáculo que, en la calma del final, cuando en lo simple, se encuentra al artista hablando del verdadero sentido de todo. En ese pequeño instante de emoción uno entiende lo que mueve a un protagonista capaz de crear su propio mundo y compartirlo con los que quieran apreciar la belleza y su universo de magia.


Ficha Técnica
Dirección: Flavio Mendoza
Reparto: Acompañan a Flavio Mendoza en el espectáculo músicos, cantantes, bailarines y artistas que se desempeñan en múltiples disciplinas.


Duración: 120 minutos
Funciones: De Miércoles a Viernes a las 20 hs, Sábados y Domingos doble función a las 17 y a las 20 hs. en la Carpa instalada en el predio del Casino de Puerto Madero, Avenida Elvira Rawson de Dellepiane 1.

Reseña: Don Quijote en el Teatro Colón

Bajo el impulso visionario de Julio Bocca, el Teatro Colón ha presentado una revitalización de «Don Quijote» que trasciende la mera representación para erigirse como un hito en la recuperación del ballet clásico. Esta nueva producción, que ha capturado la atención de la élite cultural de Buenos Aires, se alinea con una línea de trabajo que busca honrar y reinterpretar las obras fundacionales del ballet académico, infundiéndoles una vitalidad contemporánea sin sacrificar la excelencia técnica que define a las grandes tradiciones.


La dirección coreográfica de Silvia Bazilis y Raúl Candal, anclada en la versión seminal de Marius Petipa, es una demostración de erudición y destreza. Su interpretación respeta la estructura y el espíritu originales, mientras que la incorporación de la icónica Variación de las copas de Mikhail Baryshnikov en la Taberna no es un mero adorno, sino un puente que conecta el rigor de la tradición con la innovación de las grandes figuras del ballet mundial. Este diálogo entre épocas y estilos, mediado por la repositora invitada Lorena Fernandez Saez y la producción del Sodre, eleva la obra a una esfera de sofisticación artística que deleita tanto al conocedor como al neófito.
El corazón pulsante de esta producción, sin embargo, es el formidable trabajo del cuerpo de ballet del Teatro Colón. Su cohesión y precisión, su capacidad para ejecutar con una sincronía casi telegráfica las complejidades de la coreografía, son un testimonio de su dedicación y del alto nivel de entrenamiento. No se limitan a ser un telón de fondo para los solistas, sino que se convierten en una fuerza dramática por derecho propio, un coro griego que comenta y amplifica la acción principal. Cada movimiento, cada arabesque, está imbuido de una musicalidad y una intención que demuestran una profunda comprensión del lenguaje coreográfico.


La música de Ludwig Minkus, bajo la magistral batuta de Manuel Coves al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, es el cimiento sonoro de esta proeza. Coves dirige con un pulso enérgico y una sensibilidad que extrae toda la riqueza de la partitura, creando una atmósfera vibrante que impulsa la danza. La sinergia entre la orquesta y los bailarines es palpable, una conversación armoniosa que culmina en un espectáculo total. El diseño de escenografía y vestuario de Hugo Millán, sumado a la iluminación de Pablo Pulido, completa este cuadro de excelencia. La estética visual, que evoca la España quijotesca con un toque de modernidad, no es un mero decorado, sino un elemento integral que contribuye a la narrativa.


En suma, esta producción de «Don Quijote» en el Teatro Colón es más que una simple reposición. Es una declaración de principios artísticos, una afirmación del compromiso del teatro con la preservación y la evolución de una de las formas de arte más sublimes. Es, sobre todo, una celebración del talento inigualable de su cuerpo de ballet, cuya labor incansable y deslumbrante ha elevado esta obra a la categoría de acontecimiento cultural imperdible.

Crítica: Amores Materialistas


Por @cronicadeunavidacualquiera

No se puede vivir del amor.



La historia:
Lucy, interpretada por Dakota Johnson, tiene un trabajo inusual, es una casamentera profesional. Y una muy exitosa también, ya que ha llegado a “armar” su noveno matrimonio al que por supuesto está invitada. Pero no todo es luz en su vida, ya que ella misma está sola y dice que no se casará hasta conseguir un candidato rico.
Por supuesto, que en la misma fiesta de casamiento de su clienta conoce a la representación personificada de todos sus deseos materialistas, en la piel del personaje de Pedro Pascal, Harry, que sabe a la vez muy bien lo que ve en Lucy, alguien que entiende el juego y quiera hacer un simple intercambio comercial, o en otras palabras, se case con él.
Pero en esa misma fiesta también está su completo opuesto, John interpretado por Chris Evans, un aspirante a actor que trabaja de mozo para pagar las cuentas y que estuvo casado con ella. ¿Elegirá Lucy al hombre con el que siempre soñó o volverá a su viejo amor que no tiene un peso partido por la mitad? O lo que es más importante, ¿está película nos hará reflexionar sobre el materialismo asociado al amor, o se quedará solamente en el planteo inicial y no profundizará demasiado al respecto? Habrá que verla para enterarse.

¿Qué  me gustó?
Me gusta el tiempo que se toma la directora en las conversaciones, en mantener las miradas, sin que haya que llenar cada silencio con un dialogo vacío sólo para no aburrir a la audiencia. Claro que eso puede hacer que algunos la sientan un poco lenta, pero para mí es un acierto.
La química del elenco principal está allí, especialmente entre Lucy, el personaje de Dakota Johnson, y John, Chris Evans. Pedro Pascal tiene su charm tambien, aunque su participación es algo más reducida.

¿Qué no me gustó?
La peli se propone analizar el amor de una manera más profunda y adulta que una típica comedia romántica y hace planteos interesantes pero se queda en eso, no ahonda demasiado en la premisa y simplemente resuelve de la manera más obvia posible, como cualquier otra comedia romántica de Hollywood de las que tanto busca diferenciarse.
También se incorpora el tema del acoso al que se pueden exponer una mujer en una cita “a ciegas”, pero al igual que los otros temas que toca la peli, no se llega a ahondar demasiado en eso. 

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los que disfrutan de las películas románticas con una vueltita, eso seguro lo obtendrán con esta peli, claro que hay una posibilidad de que no queden satisfechos con el resultado.

Dato: Ni bien comienza la película hace una analogía con una pareja en la época de las cavernas que decide casarse. Y yo no sé cómo estaba de moda llevar la barba en esa época, pero que yo sepa la afeitadora se inventó en 1901. 

Calificación: 7/10
Duración: 116 minutos
Disponible 31 de julio en cines

George Harris Vuelve al Gran Rex con su Nuevo Show «El Pueblo de Uno»

Después de conquistar escenarios icónicos en EEUU y Europa, el renombrado comediante venezolano George Harris regresa a Buenos Aires para presentar su nuevo show «El Pueblo de Uno» en el Teatro Gran Rex.



La primera fecha del show, el sábado 23 de agosto, ya está TOTALMENTE AGOTADA con un éxito total de ventas, pero todavía hay una nueva fecha el lunes 25 de agosto.

George Harris es un comediante venezolano que ha logrado un éxito impresionante en su carrera. Con más de 75,000 espectadores en sus presentaciones en vivo en 2024, se ha consolidado como una figura destacada en el mundo del entretenimiento. Su talento ha sido reconocido con el prestigioso título de Mejor Comediante por Miami New Times en 2023.

«El Pueblo de Uno» es el nuevo show de George Harris, que ha cautivado audiencias en importantes lugares alrededor del mundo. Con presentaciones en recintos con capacidad para hasta 12,000 personas, este show es una experiencia única.
Entre los lugares donde se ha presentado se encuentran el Hard Rock Live en Hollywood, Florida, el Carnegie Hall en Nueva York y el Movistar Arena en Santiago de Chile.



Palabras de George Harris

«Poder presentarse nuevamente en este teatro tan icónico de Buenos Aires es un sueño hecho realidad. Prometo ofrecer un espectáculo inolvidable para todos los asistentes. Estoy emocionado de volver a compartir mi pasión por la comedia con el público argentino y de presentar mi nuevo show «El Pueblo de Uno» en uno de los teatros más emblemáticos de la ciudad.»


Sábado 23 de agosto (AGOTADO) y lunes 25 de agosto
Teatro Gran Rex – Av. Corrientes 857
http://www.elgeorgeharris.com
Tickets: tuentrada.com

Análisis: PATAPON 1+2 REPLAY para PC

Por Alejandro Corell




“PATA PATA PATA PON”

PATAPON es sin duda un juego fresco, ideal para el verano. Si me preguntáis a mí, os diría que lo relaciono únicamente con este periodo. Posiblemente, porque la primera vez que lo jugué fue en una calurosa mañana de julio, con una PSP con la que luchaba contra el aburrimiento y contra la posibilidad de que esta se derritiera.


No conocía de nada la franquicia, pero debajo de casa había un videoclub donde también alquilaban juegos y, ceremonialmente, lo visitaba una vez a la semana para elegir qué título me acompañaría durante los próximos días. Rápidamente su llamativa carátula me cautivó y me lo llevé a casa sin saber exactamente lo que estaba eligiendo.
Nunca he sido muy fan de los juegos de ritmo, con excepción de una pequeña obsesión por Elite Beat Agents (2006) y en un primer instante, me arrepentí de mi elección al descubrir que no se trataba de un RPG, sino de una fusión entre estos dos géneros. Por suerte, le di una oportunidad (poco más podía hacer, el dinero gastado no volvería) y sólo necesité un par de minutos y unos rítmicos golpes de tambor para cambiar mi opinión hacia el título. Cuando tuve que devolver el juego, tuve claro cuál sería mi siguiente elección: PATAPON 2.
Después de ese verano, perdí la pista a la saga y no volví a acercarme a ella. Hasta ahora. Pese a que el primer y segundo título gozaron de un remaster para PS4, la saga nunca salió de las consolas de Sony hasta la llegada de PATAPON 1+2 REPLAY. Por primera vez, es posible disfrutar de los dos primeros títulos de la franquicia en todas las consolas principales, añadido que facilita sobremanera la llegada de estos títulos a nuevos consumidores y, espero, dirige la saga hacia un repunte de popularidad.
Este remaster aboga, por ofrecer una experiencia 1:1 con la versión original, accesible en todas las plataformas, con audio y resolución mejorados, adaptados a los nuevos estándares. Decisión un tanto controversial, al tratarse de juegos originales de PSP.
“PON PON PATA PON”



Pese a ser perfectamente jugables, los esquemas de control de muchos juegos de la consola se sienten algo toscos a día de hoy. No es que hagan falta demasiados botones para jugar a PATAPON (técnicamente, con cuatro podríamos servirnos), pero habría agradecido un nuevo sistema de menús, más manejable y la opción de acceder a estos en mitad de un nivel, por si es necesario pausar la experiencia.
Más allá de estos inconvenientes, la experiencia PATAPON sigue siendo muy disfrutable a día de hoy, siempre que nos adentremos en esta con las miras abiertas. PATAPON se podría definir como un RPG rítmico, en el cual dirigimos a nuestro ejército a través de cuatro tambores, controlados por los cuatro botones de acción principales del mando.
Cada uno de ellos servirá para usar un tambor con diferente sonido, y la combinación de estos, manteniendo un ritmo adecuado, se traducirá en órdenes para nuestros soldados: avanzar, atacar, defenderse o retroceder, entre otras. Con ello, tomamos el papel de general del ejército PATAPON (o de dios, si les preguntas a ellos). Japan Studio consigue, con una premisa tan sencilla, un sistema fácil de comprender, difícil de dominar.



Tras unos primeros enfrentamientos muy sencillos, las cosas comenzarán a complicársenos enseguida y después de nuestra primera derrota, nos daremos cuenta de que algo falta, necesitamos algo más para poder superar los desafíos. Ese algo tiene nombre: farmeo insano.
Y es qué PATAPON, como otros RPG de la época, recurre al aumento brusco de las estadísticas enemigas; esto nos obliga a dedicar más tiempo del esperado a repetir unos mismos enfrentamientos si mejorar a nuestros personajes lo suficiente para poder avanzar. Esta situación llega a cotas exageradas con algunos enfrentamientos, como el primer gran dinosaurio, logrando que el juego se parezca más a un Monster Hunter que al tipo de producción a la que apunta. Tal fue el revuelo que causó esta situación que en siguientes entregas fue posible encontrar referencias a una cuasi extinción de estas criaturas por su caza descontrolada.
“CHAKA CHAKA PATA PON”



No obstante, PATAPON sigue destacando por su brillante premisa, ofreciendo una experiencia jugable que a día de hoy se mantiene a la altura del resto de juego de su/s genero/s. Si ya conocíais la saga, no creo que tengáis muchas dudas para haceros con esta versión, por una vez más accesible y multiplataforma.
Si es la primera vez que escucháis este nombre, es una gran oportunidad para descubrir la obra musical de JAPAN STUDIO. Incluso si no sois grandes fanes de los juegos rítmicos, PATAPON 1+2 REPLAY puede convertirse inesperadamente en vuestra puerta de entrada al género. ¿Escucháis ya los tambores? Cuentan algo profundo, algo como: PATA PATA PATA PON.


Calificación: 8,5/10