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Zoet, el artista español emergente de la escena musical, presenta su nuevo EP «Bravata», un proyecto muy personal que explora las cuatro fases emocionales que vivió antes de salir del armario: represión, ira, aceptación y superación.
Música que Conecta La música de Zoet es un refugio para aquellos que necesitan sentirse vistos y comprendidos. Con un sonido que bebe de muchas fuentes, desde Backstreet Boys hasta Sam Smith, Troye Sivan y Ariana Grande, Zoet crea un universo musical que es auténtico y emocional.
El EP «Bravata» incluye cuatro canciones que exploran la emoción y la vulnerabilidad: – Wake Me Up: Un tema que te hará despertar a un nuevo ritmo. – Disparo: Un tema intenso y enérgico que no te dejará indiferente. – Me Mucho: Una canción que habla de la aceptación y el amor propio. – De Barcelona a UK: Una explosión de luz y alegría que te llevará en un viaje musical.
Zoet quiere ser un referente para aquellos que necesitan escucharse a través de alguien más. Con su música, busca conectar su verdad con la de los demás y ofrecer un espacio seguro para sentirse visto y comprendido.
Sinopsis Cassandra nos cuenta a través de esta historia los fragmentos de su vida en un recorrido por las diferentes casas en las que vivió. Los vínculos que la acompañaron en este camino, y las experiencias aprendidas. Una comedia dramática para sentirnos identificarnos, que nos lleva a reflexionar sobre la fragilidad de las conexiones humanas.
Reseña Comedia con un poco de drama, mucha buena música, un poco de acrobacia y grandes buenos momentos. Que a través del recorrido por las vivencias de su protagonista Cassandra, nos sumerge en una historia que nos habla de relaciones humanas, la búsqueda constante del verdadero amor, y el redescubrirnos con una mirada amorosa a nosotros mismos con nuestros propios temores y desencuentros personales. En este recorrido contado con todos los sentidos, empatizamos ante un relato amoroso plagado de imaginación y adrenalina. Mientras todo parece pasar rápido entre risas e ironías, música dinámica y los cambios constantes de casas que van narrando su propia dinámica, se centra un mensaje profundo que nos invita a reflexionar sobre los inestables vínculos humanos y la dificultad para relacionarse con el prójimo.
Creo que lo mejor esta ahí, en el inevitable encontrarnos detrás de la vivencia y la búsqueda constante de ser bien queridos, mientras en la sabiduría del paso del tiempo vamos conociendo las distintas personas que nos ayudan a encontrarnos con nosotros mismos, en el maravilloso aprendizaje de conocer al otro. Su protagonista, Guadalupe Docampo, carismática y decidida nos dirige hacia ese mundo que ella logra armar armoniosa y prolijamente a toda velocidad en cada capitulo de la historia, tan bien acompañada por Facundo Livio Mejías, Julián Rodríguez Rona y Irene Vivanco, tremenda acróbata, capaz de sorprender y dar otro vuelo al relato.
Gran puesta escénica que crea un mundo nuevo en cada capítulo y requiere un cambio de vestuario y mobiliario constante en la dinámica de la obra. Una obra creativa, entretenida, dinámica y versátil tan bien pensada por la sensibilidad e ingenio de su autora y directora Victoria Almeida, quien recorre con armonía y delicadeza los rincones humanos a un ritmo que invita a estar atenta al momento.
La evolución del personaje principal y el modo en que se va contando su vida hace del texto algo poderoso e interesante. Con lo que la audiencia femenina puede sentirse absolutamente identificada. Para divertirse en un formato que pasa delicadamente por los dramas cotidianos de la vida misma y dejarse llevar por la sorpresa de un mundo bien pensado.
Ficha Técnica Dirección: Victoria Almeida Reparto: Guadalupe Docampo, Facundo Livio Mejías, Julián Rodríguez Rona, Irene Vivanco Duración: 70 minutos Funciones: Domingos a las 20 hs, en el Teatro Armenia, ubicado en Armenia 1366
Experiencia teatral inmersiva que festeja la pasión del hincha de futbol. Inspirada en la euforia colectiva tras ser campeones del mundo en Qatar, Hincha! Ritual Show se transforma en una auténtica fiesta visual y emocional para disfrutar con toda la familia.
Reseña
Hincha! Ritual Show es una propuesta teatral diferente, que nos sumerge en la pasión desbordante que solo el futbol puede despertar. La entrega fervorosa que celebra el amor incondicional por los colores de la camiseta, con ese entusiasmo a veces desmedido, que nos identifica como hinchas argentinos.
Así, con la fuerza de un gol que se grita desde el alma, saltando y bailando desenfrenadamente se vive ser Hincha de este maravilloso y atrevido Ritual Show. Un espectáculo que se toma su tiempo para contar, desde sus raíces, el nacimiento y crecimiento de una costumbre que une millones. Una aventura dinámica que sorprende emociona y celebra la pasión de ser parte del público con orgullo.
Porque uno deja de ser solo un espectador para transformarse en parte fundamental de una tribuna bochinchera, intensa y vibrante en esta maravillosa aventura que te va llevando a festejar el poder ser parte del espectáculo.
Con una cuidada dirección de arte, proyecciones impactantes y un ensamble artístico de calidad, el relato responde a un orden perfecto para contarnos parte de nuestra propia idiosincrasia, atravesada por tres campeonatos mundiales y los contextos históricos que acompañaron cada uno de esos triunfos. La suma de las partes hace del total del evento algo innovador, provocativo, lleno de energía y significado.
Detalle
Una obra inmersiva que te arrastra a la alegría y euforia de ser parte de la hinchada. Pero no de cualquier hinchada, una hinchada argentina; apasionada e inmensurable, cargada de sentimiento y adrenalina. Una experiencia que las palabras no alcanzan a describir y que, sin ninguna duda, vale la pena vivir. Super mega recomendada.
Ficha Técnica
Dirección: Pichón Baldinu
Reparto: el equipo artístico está compuesto por doce performers que actúan, bailan y vuelan, junto a cinco músicos que forman parte de la banda sonora en vivo.
Duración: 90 minutos
Funciones: Viernes y Sábados a las 19 hs da comienzo el Fan Fest y a partir de las 20 hs empieza el show en El Polo Cultural y Deportivo Saldias, ubicado en Jerónimo Salguero 3451
Si hay una saga que marcó el mundo de los shooters allá por los lejanos noventa, es la de S.T.A.L.K.E.R. La libre adaptación de la novela de Borís Strugatski se hizo un hueco en el corazón gamer, debido a su estética un poco creepy, un mundo lleno de misterios, y una jugabilidad adelantada a su época. Y ahora a falta de uno, nos llegan el remaster de los tres juegos principales.
Compuesto por Shadow of Chernobyl, Clear of Sky y Pray of the Zone, Legends of the Zone Trilogy Enhanced Edition. Con el primero presentando un mundo que pareciera estar empezinado en matarnos, mientras justamente nosotros (estando amnésicos) debemos acabar con otra persona. El segundo apuntado más a la acción y con una guerra de facciones, y el tercero siendo casi una cohesión de los dos anteriores.
Con este breve repaso, aquellos que no habían nacido en la fecha de estreno de estos juegos, ya tienen la información necesaria para saber a que se van a adentrar con esta trilogía remaster. Porque una de las primeras novedades que nos vamos a encontrar, es la selección de rendimiento que se nos ofrece; pudiendo jugar a la franquicia tal cual salió en su momento, o con los fps actuales que tanto gustan algunos.
Esto se refleja en el apartado visual, con varios elementos del escenario reaccionando a los cambios de clima, y en especial el agua, que ahora si funciona como tal, reflejando todo lo que se le cruza. Impresionante el salto técnico en este apartado.
Pero entrando en lo flojo, quizás las físicas a la hora de los combates, en las tres entregas, se sigan sintiendo un poco obsoletas. Y esto es algo que va a alejar a aquellos que no están acostumbrados a juegos viejos.
Poco más se puede agregar de Legends of the Zone Trilogy Enhanced Edition, para aquellos que jugaron a cada uno de estos juegos en su respectivo momento, es una buena excusa para regresar a La Zona. Mientras que para los que nunca tuvieron la oportunidad de hacerlo, adéntrense en el extraño mundo post apocalíptico nuclear.
Lo mejor: la esencia de los juegos originales sigue ahí, una mejora en casi todos los apartados.
Lo peor: sobre todo la mecánica de disparos puede sentirse obsoleta pese a la modernización.
La reciente llegada al Teatro Metropolitan de «Cuestión de género» trae al escenario a la aclamada dupla conformada por Jorge Marrale y Moria Casán. Esta obra, lejos de ser una comedia más, se sumerge en las profundidades de la identidad y los prejuicios contemporáneos, provocando tanto carcajadas como momentos de reflexión.
La trama nos presenta a Jade y Francisco, un matrimonio que lleva 30 años juntos. Sin embargo, su unión se ve sacudida cuando Jade decide confesarle a su esposo, un político en plena campaña electoral, que padece cáncer de próstata. Esta revelación no solo impacta por la enfermedad en sí, sino porque desvela una verdad oculta: Jade nació biológicamente como hombre y es una mujer transgénero que realizó su transición mucho antes de conocer a Francisco, un detalle que nunca le había revelado.
La noticia desata el lado más homofóbico de Francisco, quien hasta ese momento se había mostrado públicamente a favor de la diversidad sexual. Su hipocresía se hace evidente al negarse a seguir viendo a Jade como su esposa, llegando incluso a buscar la nulidad del matrimonio. Es en este punto donde Jade emerge con una fuerza conmovedora, defendiendo su identidad y recordando su compleja trayectoria de vida, desde su niñez hasta su transición. Aunque la obra no evade la realidad de que ella ocultó detalles importantes, como la razón por la que no podía tener hijos (lo que llevó a la pareja a adoptar), este punto añade capas a la complejidad del personaje. La situación se vuelve aún más disparatada con la llegada de la hija adoptada de la pareja, quien revela estar en una relación con un adversario político de Francisco, sumergiendo la trama en situaciones aún más hilarantes.
Sin duda, uno de los grandes aciertos de «Cuestión de género» reside en la brillante química entre Marrale y Casán. Moria Casán se luce en un personaje imponente y con convicciones inquebrantables, demostrando su capacidad para transmitir un mensaje poderoso sobre la diversidad sexual y la importancia de silenciar los prejuicios hacia la comunidad LGBT. Su personaje resuena con su propia personalidad, dejando una huella de empoderamiento. Por su parte, Jorge Marrale encarna a un contrapunto homofóbico, logrando parodiar con humor las reacciones y la hipocresía que surgen al enfrentarse a una realidad personal que choca con las convicciones públicas. Si bien se podría desear un mayor desarrollo o aprendizaje en los personajes a lo largo de la historia, el enfoque cómico de la obra logra su cometido a la perfección.
«Cuestión de género» es una propuesta sencilla que tiene como principal objetivo hacer reír al público a través de una comedia desopilante. Sin embargo, va más allá al enaltecer la figura de Moria Casán como una verdadera diva, que, además de entretener, nos regala un mensaje contundente y necesario.
Sinopsis El vinculo de una madre con su hijo se ve modificado ante la llegada de una nieta adolescente que llega a conocer a la abuela; y la presentación oficial de un viejo amor al círculo familiar que cambiara sus vidas. Una historia sincera que interpela los vínculos familiares y las relaciones que nos rodean, el amor verdadero y la sexualidad sin límite de edad.
Reseña Comedia dramática que, a partir de un relato simple, encuentra la forma de abordar temas profundos y universales. Desde el humor, invita al espectador a replantearse la complejidad de los vínculos familiares, las elecciones que tomamos en las distintas etapas de nuestra existencia, el amor, el deseo y la sexualidad.
Sin golpes bajos, con una narración sensible y cercana, la obra te permite empatizar con los personajes y dejarte llevar a través de sus historias. Propone un dialogo sincero sobre del amor verdadero como una apuesta por la que vale la pena luchar, sobre las relaciones que nos rodean y las decisiones que marcan nuestro recorrido.
El texto propone una gama de matices que se aparta del rosa romántico para acercarse bastante a lo crudo de lo posible. Un guion que aborda de manera inteligente el amor en sus distintas formas; en los vínculos familiares, en la pasión, en la sexualidad en la madurez, y en el maravilloso deseo de permitirse vivir sin censura.
Una puesta en escena sencilla y efectiva, con una buena iluminación que resalta los momentos más significativos. Los pasajes emotivos están bien logrados y el espacio elegido para la función, por su cercanía con el público, potencia la intimidad del relato. Su protagonista, Patricia Alonzo, representa en Bea a una mujer que elige priorizar sus verdaderos sentimientos, reencontrándose consigo misma y buscando el equilibrio para vivir sus emociones con autenticidad. Celebramos el teatro independiente que sigue apostando a obras originales, pensadas e interpretadas por artistas que entregan su pasión en cada función. Felices fiestas reina, es una recomendación interesante para quienes buscan historias que emocionen, hagan pensar y dejen tema para charlar después de la función.
Ficha Técnica Dirección: Gustavo Reverdito Reparto: Patricia Alonso, Charo González, Mili Gurovich, Isaac Jorge Lisorski, Marcelo Saltal, Pablo Turchi Duración: 70 minutos Funciones: Viernes 21 hs en el Teatro Abasto Social Club, ubicado en Yatay 666
«Doom: The Dark Ages» se alza como un gran título de esta trilogía de Id Software, ofreciendo una experiencia visceral y pulida que, si bien pierde el factor sorpresa de sus predecesores, lo compensa con la madurez y la experiencia acumulada de toda la saga. Disponible ya en PS5, Xbox Series X, Xbox Series S y PC, esta entrega promete horas de acción trepidante.
Uno de los pilares fundamentales de la saga Doom, y en «The Dark Ages» no es la excepción, es su apartado audiovisual, que alcanza cotas de notable. Visualmente, el juego se sumerge en una atmósfera gótica y medieval, bañada en un gore explícito que se manifiesta tanto en los entornos como en las brutalmente variadas y satisfactorias ejecuciones. Los escenarios, más amplios y diversos que nunca, invitan a la exploración, recompensando a los jugadores con mejoras y coleccionables que ya son un sello distintivo de la franquicia y que, lejos de aburrir, añaden profundidad a la jugabilidad. En el ámbito sonoro, id Software demuestra una vez más su maestría. La selección y composición de las pistas, aunque sin entrar en gustos personales por el hard rock, son inmejorables y se integran perfectamente con la acción. Además, «Doom: The Dark Ages» marca un hito al ser la primera entrega de la saga en llegar completamente doblada, un añadido que se agradece enormemente dadas las numerosas escenas de vídeo. El doblaje es inmaculado y contribuye a una inmersión aún mayor en la experiencia de juego.
Lo que más aprecio de cada nueva entrega de DOOM es cómo logra innovar en su jugabilidad mientras mantiene viva la esencia de la saga. Aunque elementos clásicos como la gestión de munición, vida y escudo, las llaves, secretos, calaveras de colores y una Big Fucking Gun siguen presentes, cada juego les da un giro fascinante. La filosofía de combate ha evolucionado significativamente: si DOOM (2016) se centró en el «run and gun» (correr y disparar) y DOOM Eternal en el «jump and shoot» (saltar y disparar), DOOM: The Dark Ages propone un enfoque de «stand and fight» (mantenerse y luchar). Este concepto de «luchar» es crucial, ya que el combate cuerpo a cuerpo se vuelve indispensable, no solo una opción. El movimiento y planteamiento de The Dark Ages evoca la nostalgia de los DOOM noventeros, con la acción a ras de suelo y la esquiva de proyectiles como pilares. Sin embargo, la gran novedad es el escudo-sierra, que transforma al Slayer en un tanque inamovible. Este enfoque prioriza la fuerza bruta y un sistema de ataques cuerpo a cuerpo renovado, donde las ejecuciones se sustituyen por parrys y combos, convirtiendo el combate cercano en el centro de la experiencia.
En definitiva, Doom: The Dark Ages se consolida como un cierre espectacular para esta trilogía de id Software. Aunque pueda carecer del impacto inicial de sus predecesores, lo compensa con creces gracias a una jugabilidad madura y pulida que innova en cada encuentro. Su impresionante apartado audiovisual, con una dirección artística gótica y un gore explícito que se integra a la perfección con la acción, sumerge al jugador en un mundo brutal y fascinante. La maestría sonora, con su icónica banda sonora y un inmaculado doblaje al español, potencia aún más la inmersión.
Por @soynancybenegas Sinopsis Una mujer se pierde en una reserva natural, allí es rescatada por el guardaparques del lugar, al que le pide por favor que no reporte su presencia. Lejos del ruido de la ciudad, de ese inesperado encuentro surge una conexión especial que los lleva a replantearse el resto de sus vidas.
Reseña Comedia con tono dramático que narra el encuentro entre dos individuos de personalidades radicalmente diferentes que se encuentran en una reserva natural. En ese espacio, alejados de todo y a solas con el sonido de la naturaleza, la sabiduría del tiempo encontrara las cosas en común que hay entre ellos, permitiendo a través de esa conexión, reconstruir juntos el sentido de lo que verdaderamente importa.
Y es allí donde perdidos sin querer o tal vez queriéndolo demasiado, deciden encontrarse en el relato de sus propias historias, descubriendo que a veces el camino que queda por elegir es aquel que no tenías previsto. Dejando un mensaje sincero en donde perderse puede ser la mejor manera de encontrarse.
Que belleza las narraciones simples cuidadosamente retratadas de historias profundas y reflexivas, contadas en un tono divertido y con detalles bellos de los pequeños momentos. Con el tiempo preciso para encontrar el camino sin prisa, para llegar a la emoción y la intimidad a la que el texto se dirige de manera sutil y amorosa, sin golpes bajos, pero apuntando directo a los sentimientos.
El cuidado trabajo de su guionista y director Francisco Lumerman, encuentra en el proceso de su búsqueda ordenar la historia con un humor fresco, dejando el espacio necesario a la emoción. La escenografía presenta un mobiliario preciso y eficiente, con una iluminación justa que recae en momentos claves para elevar la narración y el clima de cada uno de los personajes. Carismática y empática Ana María Orozco, luce cómoda en un personaje que le sienta muy bien. Aunque en la entrevista confiese que se diferencia notablemente de la actriz a la que personifica en la obra, es imposible no comparar un poco su vida personal con la historia, teniendo en cuenta el éxito personal que significo Betty la fea para la interprete. El reconocido actor y ex primer ministro de Perú, Salvador del Solar, acompaña, contiene y eleva con su interpretación la obra. Su desempaño permite un balance armonioso e interesante entre ambos personajes que fluyen muy bien.
El árbol más hermoso del mundo es una obra emocionalmente honesta, que atrapa, entretiene y te permite reflexionar sobre la búsqueda personal de cada uno. Una propuesta encantadora que se luce con un buen libro e interpretaciones muy logradas.
Detalle Luego de la función, ambos actores junto al guionista y director de la obra dieron una conferencia ante el público presente. Cada uno habló de lo significativo de ser parte de este proyecto que fue ganando confianza con el paso del tiempo y lo cómodo que se sienten de trabajar juntos.
Ficha Técnica Dirección: Francisco Lumerman Reparto: Ana María Orozco, Salvador del Solar Duración: 65 minutos Funciones: La obra se encuentra actualmente de gira.
Q’Lokura lo hizo de nuevo. La banda cordobesa, liderada por Nico Sattler y Chino Herrera, regresó al Movistar Arena y lo conquistó con un show explosivo y con entradas agotadas, reafirmando su lugar como uno de los fenómenos más arrolladores del cuarteto actual. La noche de este sábado fue una fiesta inolvidable, marcada por la energía inigualable de la banda, un público entregado y la participación de invitados estelares que elevaron el espectáculo a otro nivel.
En apenas siete años, Q’Lokura ha logrado lo que pocas bandas: no solo dominar la escena local, sino también proyectarse internacionalmente. Su capacidad para llenar conciertos y generar éxitos virales es prueba de su talento y de la conexión única que tienen con sus fans. Con un estilo que honra la esencia del cuarteto clásico, pero que se atreve a explorar nuevas sonoridades, han revitalizado el género y lo han acercado a las nuevas generaciones, como lo demostraron las colaboraciones con artistas de diversos géneros que se sumaron a esta celebración.
Desde que las luces se apagaron a las 21:11, el público no dejó de cantar, bailar y acompañar cada nota. Por casi tres horas, Nico y el Chino desplegaron un setlist arrollador con más de 50 canciones, incluyendo éxitos como «Bailando Bachata», «Espejo», «Cien Años», «No Se Va», «Frágil» y momentos más íntimos como «A un milímetro». La previa, a cargo de Juli Cardozo, había encendido los motores con clásicos como “Cuánto soñé” y “Mil horas”, preparando el ambiente para la gran fiesta que se venía.
Las apariciones de los invitados fueron, sin duda, los puntos culminantes de la noche. Rusherking desató la locura colectiva con «Perfecta», mientras que Luciano Pereyra sorprendió con su interpretación cuartetera de «Si no es muy tarde». Agus Bernasconi sumó su voz en “Creo en mí” y Valentina Olguín brilló con “Aventura”. Cerca del final, la ovación estalló cuando Karina La Princesita se unió para cantar “Otra oportunidad” y “Díganle”, dejando al público en éxtasis. Un Brindis por el Futuro y la Expansión Internacional
El fervor del público no decayó en ningún momento, y el cierre épico con «La Mano de Dios» cerca de la medianoche se transformó en un verdadero himno coreado con fuerza y emoción. En medio de la euforia, Nico y el Chino brindaron por los siete años de Q’Lokura y mostraron con orgullo un cartel que anunciaba «35 mil entradas vendidas para las fechas en el Movistar Arena». Además, lanzaron una «bomba para fin de año» en Buenos Aires, manteniendo la expectativa sobre su próximo gran movimiento.
La puesta en escena fue simplemente espectacular. Dos pantallas laterales, una gigante en el centro y varias más distribuidas en cada tarima, junto a una sincronización impecable de luces, rayos láser, fuego y efectos visuales, le dieron al espectáculo un aire internacional sin perder la esencia popular que los caracteriza. El sonido potente y ajustado, sumado a la formación completa de músicos en el escenario, garantizó una experiencia inmersiva.
Este show en Villa Crespo fue la segunda de tres fechas programadas en Buenos Aires, con la tercera el próximo 26 de junio que promete otro estadio lleno. Antes, Q’Lokura se embarcará en una gira internacional por Estados Unidos en junio, llevando el cuarteto argentino a ciudades como Dallas, Los Ángeles y Nueva York, consolidándose como embajadores globales del género.
Gala y Kiwi, inseparables en la escuela secundaria, se distanciaron a medida que crecieron. Después de seis años, se reúnen para una noche especial llena de baile, actuación y relatos de sus experiencias personales. La narrativa se desarrolla como una obra de teatro, donde la incomodidad de fingir que todo está bien oculta una sutil tensión.
Lo que me gustó Gala & Kiwi transcurre en un único departamento con apenas cuatro personajes, y en su esencia comparte la obsesión por los vínculos tóxicos donde el poder y la sumisión se dan en los contextos más cotidianos. Muy buenas actuaciones, un contexto extraño y la participación de Toto, le suman al film dirigido por Axel Cheb Terrab.
Lo que no me gustó Quiza, me pasa solo a mí, pero me siento socavado cuando las peliculas transcurren en una sola locación, y acá me pasó lo mismo, entiendo la intención del director, de sumarnos a esa noche en la que Gala y Kiwi se redescrubren, pero una tomita en un balcón , algo de exteriores, quizá … Lamentablemente, la película no logra sostener su intensidad durante los 109 minutos de duración. A medida que avanza, la sucesión de enfrentamientos comienza a perder fuerza. La narrativa se vuelve reiterativa, y en lugar de conducir hacia una resolución emocional, Gala & Kiwi opta por sumar nuevas capas de conflicto que diluyen los anteriores.
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