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En los años 50, un chico tira una moneda sobre un restaurante giratorio provoca que toda la estructura se desplome aniquilando a todos los asistentes, pero esta vez, la premoción de esta serie de accidentes mortales la tiene Stefani, que vive en el presente e identifica a la protagonista de esta pesadilla recurrente que tiene como su abuela de la que sabe muy poco.
Antes de volverse loca con estas imágenes que se siguen reproduciendo en su cabeza, y en lugar de consultar a un profesional, decide visitar a su familia para averiguar más de su abuela que ha cortado vínculos con ellos hace años. Luego se entera que esas visiones sobre la posible muerte las compartía con su abuela y por ese acoso constante decidieron cortar vínculos con ella.
Pero un dato de su tía le permite a Stefani dar con su dirección. ¿Podrá Stefani descubrir la verdad con su abuela y no morir en el intento? Habrá que verla para averiguarlo. Aunque la verdadera pregunta cuando te sentás en el cine es ¿con qué muertes originales nos sorprenderán esta vez?
¿Qué me gustó?
Las muertes accidentales siguen a la orden del día, aquí las muertes son originales pero si uno es fan de la saga ve que hay ciertos guiños a “accidentes” que ya vimos.
En esta entrega hay una mayor dosis de humor que en las anteriores, necesario para que siga siendo atractivas estas pelis y no simplemente una seguidilla de muertes extrañas.
Esta entrega también linkea con las anteriores dándole una suerte de continuidad a la saga, lo que intenta diferenciar esta entrega de todas las anteriores.
¿Qué no me gustó?
No innova en nada, uno se pasa toda la película tratando de proveer cómo será la próxima muerte, lo que es divertido al principio pero se desgasta rápidamente. Además no haces empatía con los personajes ya que sabes cómo van a terminar.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Por supuesto a los fanáticos de la saga, no van a estar decepcionados de ir a verla ya que todos los elementos que identifican a esta saga están allí. Si no vieron ninguna película de las anteriores, esta puede servir como primera incursión teniendo en cuenta que habrá algunas cosas que conectan con las anteriores (más que nada guiños) pero que permiten entender la historia perfectamente.
Dato: Esta es la última aparición de Tony Todd, el actor de candyman, icono de esta saga y que apareció en todas las entregas. Lamentablemente falleció el año pasado
En un remoto pueblito de una isla remota, Yuri, una niña descubre una pequeña criatura Occhi en el bosque con la patita lastimada por una de las trampas, el problema es que su papá adoptivo, interpretado por William Dafoe, odia a estas criaturas e incluso lidera un pequeño ejército conformado por los chicos y adolescentes que están encargados de eliminarlos ya que los ven como bestias que se comen a los animales y destruyen la cosecha.
Yuri sabe que no puede seguir por mucho tiempo en su casa cuidando a la criatura, por lo que arma su mochilita y ambos parten a la aventura, pero la gente del pueblo no tarda en darse cuenta de esta peluda presencia entre ellos.
Finalmente termina refugiándose en la casa de su madre que vive en medio de la montaña. ¿Podrán escapar de todos los que lo buscan, o esta pequeña milicia los encontrará y aniquilara a este primito peludo del maestro Joda? Habrá que verla para descubrirlo.
¿Qué me gustó?
La estética de la película es bastante interesante, incorporando diferentes técnicas que hace años que no se ven, como el uso de animatronics, pinturas mate, miniaturas. Todo esto, en tándem con la trama en sí, le dan una estética muy de los ochentas.
La actuación de Willem Dafoe con todos los matices y cambios de su personaje es muy buena, aunque reconozco que no se destaca particularmente de sus trabajos anteriores.
Es un lindo mensaje de inclusión para los más pequeños que enseña a convivir con la naturaleza más que considerarla una amenaza.
¿Qué no me gustó?
Se toma su tiempo con algunos planos y reacciones de los personajes, especialmente de la protagonista. Lo que se entiende por lo que tiene que transmitir en pantalla, pero puede considerarse como algo lenta y larga, pese a su corta duración.
¿Aporta algo nuevo al género?
Es una historia de fantasía que busca emular a películas de los ochentas como E.T. (1982), Gremlins (1984), Los Goonies (1985). Donde los chicos eran los protagonistas y se entendían con algún ser mitológico o fuera de este mundo.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
Está dirigida a un público más joven, me atrevo a decir chicos de entre 5 y 12 años. Los adultos posiblemente no la disfrutemos como ellos.
Si hay una franquicia de terror que caló hondo en el espectador, es la de Destino Final. Ya sea porque los accidentes si son algo palpable que nos puede pasar, o quizás el pensar que la parca tiene un plan para todos nosotros y que no hay forma de evitarla. Y ahora, tras varios años de ausencia en las salas, nos llega Destino Final: Lazos de sangre.
Esta vez nos centramos en la familia Campbell/Lewis, en especial, a Stefani, quien es nieta de una mujer que tras una visión, salvó a varias personas de un accidente fatal décadas atrás. Ahora, perseguida por una horrible pesadilla, indagará en su pasado mientras se da cuenta que es parte del plan macabro de la muerte.
La verdad es que esperaba bastante poco de esta película, quizás porque la fórmula de la saga ya estaba un poco desgastada, o porque se sentía como una excusa para usar una última vez a Tonny Todd colgándose de su triste descenso; pero no. Porque sin ser una joya, Destino Final: Lazos de sangre es un soplo de aire fresco para la saga, en especial, por la implementación del humor negro.
Si, sabemos que siempre presenciamos muertes grotescas, violentas y bastante explícitas, pero las situaciones en las que se daban, siempre eran serias. Bueno, en esta ocasión, exageraron todo; desde las situaciones que desencadenan las muertes, hasta los propios decesos, siendo bastante exagerados y grotescos, pero en el sentido que causan gracia y no repulsión.
A eso hay que sumarle que los personajes, pese a estar rodeados de muertes (de seres queridos, para colmo), siempre están haciendo bromas, y parecen no tomarse la situación en serio. Pero como digo, no es algo que rompa la película, a menos que uno no capte que está ante una comedia con terror.
Eso sí, no vayan esperando ver una genialidad. La película es bastante entretenida y la hora y cuarenta que dura se pasa volando, pero tampoco propone nada nuevo en el sub mundo que mezcla la comedia y el terror. De hecho, tampoco se acerca a ser la mejor de la saga (puesto que se disputan la 1 y la 5 para mi).
Destino Final: Lazos de sangre es una entretenida película de terror, si se tiene en cuenta que aparte tiene muchísima comedia negra. Si buscan algo pasatista, acá tienen una buena opción entre tanto mega tanque que nos está llegando. Pero si quieren algo que ofrezca un poco más que la media de películas actuales, bueno, depende de ustedes.
Micaela es una cantante de ópera y actriz que nunca pudo entrar en la escena lírica de Buenos Aires. En clave documental decide hacer su propio proyecto personal bio-dramático, para contar su historia, su camino en el arte, ocupar espacios por sí misma y recibir ese aplauso que no pudo encontrar en el universo de la ópera. La consagración de nadie regresa por 8 únicas funciones antes de su gira por Europa. La temporada se llevará a cabo los días sábados y domingos, desde el 10 de mayo hasta el 1° de junio a las 20 h en el Espacio Infinito del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA).
La consagración de nadie es de esas obras que parecen estar construidas con una fibra invisible, como si se tejiera entre hilos de recuerdos, sueños frustrados y una voz que no se resigna al silencio. Micaela Fariña se impone en el espacio para contar(se), sin máscaras, sin pretensiones, sin vueltas, con una mezcla de vulnerabilidad y potencia que desarma. Lo interesante de la dirección de Gonzalo Quintana y la dramaturgia que ambos escriben (Fariña y Quintana) es que no intentan embellecer la herida: la muestran tal como es, con momentos de ternura, de humor y también de desgarro. No es un relato de triunfo, ni mucho menos, sino una especie de carta íntima al deseo de ser artista o, mejor dicho, al deseo de ser vista.
Desde que comienza la pieza teatral se siente que el cuerpo de Micaela es todo un archivo vivo. Su voz -que canta, recuerda, se quiebra- se convierte en el eje de una narrativa que mezcla la memoria emocional de la infancia, los mandatos familiares, su fascinación por la ópera, el teatro musical, los intentos fallidos de “llegar” y ese sentimiento que flota en muchos de nosotros: el de no estar a la altura de lo que se espera. Y sin embargo ahí está, parada frente a nosotros, habitando esa aparente “no consagración” como un acto profundamente político. Lo que conmueve no es sólo lo que dice, sino cómo lo dice: sin grandilocuencia, con mucha verdad.
La obra se construye desde una estética muy simple, artesanal, casi desnuda, pero todo está perfectamente medido. La puesta en escena evita los artificios innecesarios permitiendo que la historia y la interpretación sean el centro de atención. Hay proyecciones audiovisuales, fotografías, videos caseros, documentos, textos que aparecen en la pantalla como si alguien estuviera tipiando en vivo, pero todo está al servicio de una historia que es mucho más fuerte que cualquier recurso visual. Cada elemento parece surgir de la memoria misma de la actriz, como si estuviéramos dentro de su cabeza, escuchando sus pensamientos más secretos y sinceros. Hay algo generoso en su exposición, ya que uno se encuentra pensando en sus propios fracasos, en sus propias preguntas sin respuesta.
Es interesante cómo la obra trabaja con esa sensación de no encajar. Micaela habla de su educación, de sus maestros, de su familia, del canto como un lugar de exigencia y de deseo a la vez, y todo eso construye un mapa emocional que muchos podemos reconocer. No se victimiza, pero tampoco se vuelve épica. Más bien, habita una especie de hibridez: los que no llegaron a ser “alguien” según criterios del éxito, pero que igualmente encontraron una forma de sostener la chispa.
Después de ver la obra, recuerdo haber tenido una sensación extraña. No es una obra que cierre con una gran revelación ni con una resolución catártica. No hay tal liberación, ni aplausos internos, no hay victoria. Pero sí hay algo profundamente reparador: el haber escuchado una voz sincera, que no busca gustar, sino decir. Reconocer en la voz de Micaela algo de nuestras propias dudas, de nuestras propias heridas. Y también, reconocer la belleza de seguir intentando, de resistir desde un lugar silencioso, desde lo no legitimado. La obra no busca convencer, ni impresionar. Y es por eso que justamente conmueve. Porque lo que hace es abrir un espacio donde el fracaso deja de ser una vergüenza y se vuelve una forma de estar en el mundo, honesta, frágil y luminosa. La consagración de nadie no necesita consagrarse porque, en el fondo, ya lo hace con cada espectador que se atreve a mirar desde ese lugar compartido de las vidas no épicas, pero profundamente verdaderas.
El pasado domingo 11 de mayo estuvimos presentes en el Teatro Vorterix para disfrutar de «The Amy Whinehouse Band «, un espectáculo que reúne a la banda original la artista para celebrar su vida musical y su legado. Se trató de una hermosa velada, que junto a la voz de Bronte Shandé, dio un excelente homenaje para todos los fanáticos de Amy.
La noche comenzó con Tamy & La Camorra, una banda que toca su música com estilo de rock y jazz de los 50′ y en el que versionaron canciones como «Bad Romance» o «All about that bass» en este estilo . Luego de esto , a las 21 horas puntual comenzó el show que inició con canciones como «Know you now» «Mr Magic» «In My Bed» en la que se denota la pasión por la música de Amy y el talento tanto de los músicos como de la cantante en escena.
El público pudo disfrutar también de grandes temas como «Back To Black» «Me & Mr Jones» «You Know im no good» con grandes interpretaciones donde el público entonó cada uno de esos temas.
El cierre de «The Amy Whinehouse Band » fue con la canción «Valerie» y demostró ser un hermoso viaje en el mundo de canciones de esta gran artista, llevado a cabo con mucho respeto y talento.
Sinopsis Un político en ascenso se enfrenta a sus propios fantasmas, ambiciones y contradicciones. Entre llamadas urgentes, recuerdos familiares que lo interpelan y discursos ensayados se despliega este vertiginoso unipersonal que expone la vida de un hombre casi común frente al seductor camino del poder. Una historia que puede parecer demasiado a la vida misma.
Reseña Un recorrido inmenso de emociones que trasciende el escenario con un texto jugado y atrevido. Con la impertinente y audaz interpretación de Germán Rodríguez, un actor capaz de recorrer sin dificultad los espacios filosos por los que su complejo personaje lo lleva a desdoblarse, transformándose en esa figura que no deja de compararse con su padre y tratando todo el tiempo de ser una imagen paterna presente para su hija adolescente. Y en ese recorrido, también riesgoso, caminar sin cruzar los límites de lo caricaturesco, se ve al hombre en busca del poder a cualquier costo. Dibujando la imagen posible sin temor a desbarrancar por el puesto que creer merecer, topándose en una doble moral que sale de la ficción y se parece bastante a la realidad; o en ese juego donde lo real y lo inventado se parece demasiado a cualquiera noticia de la televisión, es donde se crea un maravilloso vértigo del que podemos reírnos, y animarnos también, a jugar con la ironía mientras la pasamos bien.
La sala elegida del Camarín de las musas es un pequeño espacio que le da otro sentido a la obra, permitiendo que la cercanía con el público vuelva inmersiva la experiencia. Esa proximidad potencia el texto verborrágico y la adrenalina de un personaje que recorre cómodamente los desbordes y se impulsa a la aventura de una narración cuidadosamente pensada, y llevada a escena remarcando el valor de los diálogos a lo que el personaje se enfrenta.
Mucho más que una obra sobre la ambición política y la búsqueda del poder, una historia de un hombre común mirando y reacomodando sus vínculos familiares mientras atraviesa sus propios temores. Su autor y director, Francisco Estrada, remarco el trabajo a la hora de escribir el guion, y la importancia de saber tomar distancia de los textos para, junto con el personaje, descubrir minuciosamente las distintas facetas que deben enfatizarse, y así volver creíbles los diálogos con las personas más relevantes de su vida.
Gran puesta de escena que logra desde una escenografía minimalista transmitir el recorrido profundo del personaje. Buena puesta de luces que fortalecen el relato y le dan impulso a los diálogos. Excelente elección musical que recorre correctamente los estados de ánimo del personaje.
Detalle ¿Germán Rodríguez encuentra el personaje o el personaje lo encuentra a él? Este maravilloso juego en el que se encuentran hace que personaje y actor se potencien, y se alíen para convencernos de la hipocresía política y el maquillaje comunicativo que se dibuja tras bambalinas. Se siente muy bien la cercanía con la audiencia y el recorrido seguro con que el artista recorre cada espacio para acomodarse a los diferentes sentimientos que el personaje transita.
Ficha Técnica Dirección: Francisco Estrada Reparto: Germán Rodríguez Duración: 55 minutos Funciones: Sábado a las 20.45 hs en el Teatro Camarín de las musas, ubicado en Mario Bravo 960
Un pobre leñador y su mujer vivían en un gran bosque. El frío, el hambre, la pobreza y una guerra a su alrededor hacían que sus vidas fueran muy duras. Un día, la mujer del leñador rescata a un bebé. Una niña arrojada desde uno de los muchos trenes que atraviesan constantemente el bosque. Este bebé, ‘la más preciada de las cargas’, transformará las vidas de la pobre mujer del leñador y de su marido, así como las de aquellos en cuyo camino se cruzará la niña, incluido el hombre que la arrojó desde el tren. Y algunos intentarán protegerla, cueste lo que cueste. Su historia revelará lo peor y lo mejor del corazón de los hombres.
Lo que me gustó Es una película de animación muy bonita que, me parece, podría ser un interesante apoyo educativo cuando se aborda el tema de la Segunda Guerra Mundial. Algunos pasajes son un poco difíciles, duros. Visualmente interesante y la vería de nuevo.
Lo que no me gustó La carga más preciada es una película imperfecta desde su fondo, pero conmovedora y poética por su capacidad de mostrar el horror desde sus formas, con una elegante y bella animación de momentos clave de la historia, y cómo compaginan para darle un ritmo amable y efectivo para cualquier espectador, así caiga en el exceso dramático de mostrar los hechos, y de convertirse, por momentos, en una lección moral enfocada en un aspecto.
El pasado miércoles asistimos al estreno de «Somos Only Fans» en el teatro Regina, una propuesta que, lejos de centrarse en la plataforma digital homónima, utiliza su nombre como trampolín para explorar el absorbente universo del fanatismo. La obra nos sumerge en la vida de un grupo de fervientes seguidores de una producción teatral, individuos cuya devoción los lleva a asistir a cada función y a obsesionarse con cada detalle de la vida de sus ídolos, alcanzando niveles de intensidad que rozan lo inquietante.
En un inteligente juego de espejos, la obra también dirige su mirada crítica hacia las producciones teatrales que, a pesar de su cuestionable calidad, se aprovechan de la incondicionalidad de sus seguidores, quienes están dispuestos a pagar cualquier precio por ver a sus estrellas del momento.
La obra objeto de esta idolatría dentro de la trama, «La condesa sangrienta», se convierte en el epicentro de conflictos internos, donde los egos inflados por la fama de sus protagonistas desencadenan cambios que repercuten en todo el entramado.
«Somos OnlyFans» se presenta como una propuesta teatral con un humor hilarante y deliberadamente exagerado. La representación de los fanáticos es llevada al extremo, mostrando personajes que se toman libertades insólitas, incluso creando canciones dedicadas a ello. Del mismo modo, la crítica a las producciones teatrales para fans se articula a través de una exageración de su superficialidad y falta de rigor artístico. Estos elementos, lejos de ser un defecto, son la clave para generar momentos de genuina comicidad, complementados por números musicales bien logrados, especialmente aquellos integrados dentro de la obra «La condesa sangrienta».
Si bien el elenco es numeroso, el grupo de fanáticos se erige como el corazón de la narración. Sus interacciones y su eventual mensaje de aprendizaje contribuyen a englobar el contexto general de la obra, que se desarrolla a través de diversas historias y escenas secundarias.
En definitiva, «Somos OnlyFans» se revela como una opción musical entretenida para disfrutar los miércoles en el teatro Regina. A través de la parodia, la obra logra ofrecer una crítica divertida sobre el mundo del espectáculo y la dinámica entre artistas y seguidores, garantizando risas en el proceso.
Funciones: Miércoles 20:30 horas en Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA) entradas en boletería y EntradaUno
Death Stranding 2: On the Beach, la esperadísima secuela de la aventura de mundo abierto que redefine el género, se lanza el 26 de junio en PlayStation 5, con un acceso anticipado de 48 horas para ediciones selectas. Hace poco tuve la oportunidad de probar las primeras 30 horas del juego.
La próxima aventura de Sam lo lleva de México a Australia
Death Stranding 2: On the Beach transcurre 11 meses después del juego anterior. Sam Bridges, que ahora vive una vida tranquila con su BB (bebé Bridge), Lou, se encuentra en México a raíz de una solicitud de Fragile. Allí, se ve envuelto en un incidente que lo hace viajar a Australia. En ese lugar deberá emprender la titánica tarea de atravesar el continente para una vez más, reconectar a una sociedad destrozada.
Historia y dinámica de juego vertiginosas
Un aspecto que me llamó la atención durante la prueba del juego fue su narrativa y dinámica de juego vertiginosas. La historia del primer Death Stranding se tomó el tiempo para crear el ambiente y explicar minuciosamente el estado del mundo. En cambio, la historia de Death Stranding 2: On the Beach se desarrolla a un ritmo más acelerado y, en comparación con la primera entrega, accederás a nuevo equipo y estructuras mucho antes.
Quienes jueguen por primera vez pueden ponerse al día con la historia anterior a través del “Resumen de DEATH STRANDING” del menú de inicio y consultar la terminología con la función “Corpus”.
Efectos visuales mejorados junto con una banda sonora extraordinaria
Death Stranding 2: On the Beach aprovecha al máximo las funcionalidades de PS5 para desplegar unos gráficos asombrosos. La representación de la naturaleza resulta impactante: desde la escena inicial en México, en la que caminas por una escarpada cumbre desértica, el realismo me impresionó muchísimo. El suelo rocoso y el polvo que se levanta a los pies de Sam están representados con tal detalle que transmiten la dureza del terreno a la perfección. El juego retrata la diversidad de la flora y la fauna australianas con lujo de detalles, incluido un santuario de animales con exuberante vegetación que alberga animales como canguros, koalas y ualabíes. También existe la opción de cambiar a una “cámara aérea” que sigue a Sam desde una vista panorámica, lo cual te permite contemplar la inmensidad del entorno mientras avanzas poco a poco por el terreno. La banda sonora del juego también es extraordinaria, y me conmovía cada vez que sonaba la hermosa melodía al llegar a un nuevo punto de entrega.
Mayor libertad y más oportunidades estratégicas Este juego ofrece más opciones y mayor libertad en cuanto a estrategia y toma de decisiones.
Uno de los motivos es la gran variedad de equipo y estructuras disponibles desde el principio, y la lista aumenta a medida que avanzas en el juego. Lo mismo ocurre con los medios de transporte, ya que habrá una serie de infraestructuras, motocicletas y camiones disponibles desde las primeras etapas del juego. Respecto al combate, hay muchas boleadoras y armas de fuego para elegir; pero, si el combate no es tu especialidad, puedes construir dispositivos de transporte para sortear las zonas de peligro. También puedes recurrir a granadas de humo para eludir el combate en la medida de lo posible mientras recorres territorios peligrosos.
Además, podrás hacer uso del nuevo ciclo de día y noche. Con luz solar, el terreno y los enemigos son más visibles, pero también es más fácil detectarte a ti. Por el contrario, de noche es menos probable que los enemigos te descubran y es más fácil escabullirse, pero la cautela es fundamental, ya que la visibilidad es menor.
Respuesta y adaptación a amenazas naturales espontáneas El entorno puede desencadenar diversos peligros naturales, por lo que siempre es necesario estar alerta. Cuando se produce un temblor, es posible perder el equilibrio a causa de los fuertes sismos y el desprendimiento de rocas. Si tienes previsto recorrer terrenos difíciles en la montaña, sería conveniente disminuir la carga ante el riesgo de temblores. También deberás evitar los ríos desbordados cuando llueve mucho. En mi aventura, cada vez que me encontraba con un incendio forestal, lo extinguía con mi “cañón de alquitrán”, una nueva parte del equipo disponible en el juego.
El estilo de juego personal influye en las estadísticas de Sam En el juego anterior, las estadísticas de Sam mejoraban según su nivel de cargador, pero en Death Stranding 2: On the Beach hay 12 nuevos niveles de “habilidad”.
Del mismo modo que puedes mejorar la habilidad con las armas si las usas con más frecuencia durante el combate, tu estilo de juego influirá directamente en las estadísticas y capacidades de Sam. Por ejemplo, si pasas más tiempo en terrenos difíciles con puntos de apoyo inestables, la capacidad de Sam para atravesar este tipo de superficies mejorará más rápido. Las estadísticas variarán en función de las decisiones que se tomen. La especialidad de mi Sam eran las peleas a puñetazos, ya que mi forma de combate se basaba en técnicas cuerpo a cuerpo.
Los rasgos de Sam se pueden personalizar con las mejoras del APAS Otro componente que modifica las capacidades de Sam son las mejoras del nuevo Sistema Automatizado de Ayuda al Cargador. Al consumir los “recuerdos” adquiridos durante el juego, puedes mejorar cuatro rasgos diferentes: cargador, combate, sigilo y servicio. La cantidad de recuerdos que puedes obtener es limitada, así que depende de ti qué rasgos adquirir y mejorar.
Nuevos enemigos, nuevas armas y un combate aún más apasionante Death Stranding 2: On the Beach incorpora un nuevo tipo de CV llamado “acechador”, que puede detectar y atacar a Sam mediante la vista. También se suman diversos antagonistas humanos, entre los que se encuentra un grupo llamado “sobrevivientes armados”, que arremeten con armas de fuego letales.
Para enfrentarte a estos formidables peligros, puedes recurrir a una variedad de armas nuevas que se agregaron al juego. En esta entrega, los postes electrificados (arma predilecta de las MULAS en el juego anterior) se pueden lanzar o usar como armas para electrocutar vehículos y enemigos. Además, se pueden emplear diferentes granadas holográficas para evitar el combate. Cuando una granada holográfica se activa, proyecta la imagen de una CV que hace huir a los enemigos humanos. La amplia selección de armas de fuego favorece un combate electrizante, pero muchas de estas armas también son ideales para el sigilo y las emboscadas.
Death Stranding 2: On the Beach es una clara evolución de su precursor y ofrece mucha libertad y variedad de opciones. Prepárate para enfrentarte a enemigos y obstáculos de otro mundo, y evitar que la humanidad se extinga el 26 de junio en PS5. Quienes compren la Edición de Coleccionista o la Edición Digital Deluxe podrán comenzar su aventura antes con el acceso anticipado de 48 horas, y las bonificaciones por reserva están disponibles en todas las ediciones.
Una comedia romántica, hermosa y divertida protagonizadas por Arnoldo André y Silvia Pérez, producida por Circus Producciones y dirigida por Hernán Krasutzky.
Un encuentro amoroso y distinto : una mujer rebelde y un hombre con Alzheimer. La trama logra dar como resultado no solo hacer reir sino emocionarnos enfocándose en la memoria y el amor a pesar del tiempo.
Bien lograda y actuada. Felicitaciones! la super recomiendo ❤
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