Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Análisis: SlavicPunk: Oldtimer para PS5


SlavicPunk: Oldtimer, desarrollado por Red Square Games, nos sumerge en un mundo cyberpunk basado en las obras del escritor polaco Michał Gołkowsk. Red Square Games, un estudio con sede en Cracovia, Polonia, ha expandido su experiencia desde proyectos para otras empresas hasta la creación de juegos de mesa y RPG.


El juego hereda la atmósfera sombría y opresiva característica del estilo de Michał Gołkowsk, conocido por sus mundos distópicos y post-apocalípticos que fusionan ciencia ficción y fantasía oscura. En SlavicPunk: Oldtimer, seguimos a Yanus, un detective privado con un pasado turbulento, mientras investiga un robo de datos en una ciudad decadente. A lo largo de su viaje, Yanus se enfrenta a sus demonios internos, pandillas urbanas y una corporación todopoderosa. Sin embargo, la narrativa, a pesar de tener una base sólida, carece de claridad y puede resultar confusa en ocasiones.



Visualmente, SlavicPunk: Oldtimer presenta una perspectiva isométrica al estilo Diablo, con una vista cenital clásica. Los entornos son detallados y variados, mostrando calles bulliciosas, pasajes subterráneos peligrosos, edificios abandonados y zonas comerciales en ruinas. No obstante, los efectos de iluminación, las texturas y las sombras carecen de realismo, lo que afecta la inmersión en la atmósfera del juego.

SlavicPunk: Oldtimer es un Twin-Stick Shooter que ofrece un sistema de control bien implementado y divertido. Los jugadores avanzan por los escenarios eliminando enemigos, pero el juego se aleja del típico «looteo» del género. En cambio, solo se pueden recoger consumibles de vida, dinero e inyecciones para ralentizar el tiempo. El arsenal es limitado y las mejoras se obtienen en las tiendas a cambio de dinero. La ausencia de armaduras, equipamiento y un árbol de talentos restringe la jugabilidad.
Por otro lado, el sistema de combate es uno de los puntos fuertes del juego. Los jugadores pueden usar rifles, revólveres y escopetas, además de aprovechar los objetos del entorno como cobertura. Un sistema de teletransporte corto añade dinamismo a los enfrentamientos.


SlavicPunk: Oldtimer combina una historia interesante con una narrativa que no termina de cuajar. La jugabilidad, aunque adictiva al principio, se vuelve repetitiva con el tiempo debido a la falta de profundidad en el sistema de progresión. Algunos errores técnicos, como los puntos de guardado, también afectan la experiencia general. A pesar de sus fallos, SlavicPunk: Oldtimer ofrece un diseño artístico atractivo y una ambientación lograda.

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Análisis: Loco Motive


«Loco Motive» entra por los ojos gracias a su peculiar y atractivo pixel art. Si bien la estética retro domina escenarios y personajes, el juego se permite ciertas licencias modernas en menús e iconos, creando un contraste interesante. El estilo colorido y estilizado, con una marcada influencia art decó en la ambientación del tren de los años 30, es un auténtico deleite visual. Sin embargo, los personajes redondeados y de corte cartoon, con sus movimientos exagerados y cómicos – como el divertido efecto elástico al usar el inventario – le otorgan una personalidad juguetona y distintiva.


A pesar de la premisa de resolver el asesinato de Lady Unterwald, «Loco Motive» abraza un enfoque humorístico que recuerda, en espíritu más que en forma, a clásicos como «Monkey Island». Los personajes estereotípicos llevados al extremo, las soluciones de puzles alocadas y, sobre todo, los diálogos y situaciones hilarantes garantizan más de una sonrisa, e incluso alguna carcajada. El juego destila una personalidad propia y bien definida.
En cuanto a la jugabilidad, «Loco Motive» se adhiere a controles clásicos de point-and-click, utilizando ambos botones del ratón para interactuar y obtener información. Se agradece la opción de resaltar los puntos de interacción cercanos, facilitando la exploración sin hacerla demasiado obvia. El inventario ilimitado es un estándar del género, donde acumularemos objetos cuyo uso futuro es, a menudo, una incógnita.


Una característica destacable es su duración considerable, alrededor de quince horas, algo inusual en este tipo de aventuras. Esto se justifica por la mecánica de controlar a tres personajes distintos: Arthur, el abogado; Herman, el detective; y Diana, cuya identidad y rol se desvelan progresivamente. Experimentar la trama desde sus diferentes perspectivas y situaciones añade profundidad a la narrativa. La mayor parte de la acción transcurre en el lujoso tren Reuss Express, el escenario principal del misterio. Aunque se echa en falta un sistema de viaje rápido entre vagones, la posibilidad de correr (con una animación cómica) alivia un poco los desplazamientos.
El teléfono de a bordo se presenta como una ayuda integrada y bien diseñada, ofreciendo pistas con diferentes niveles de detalle sin interrumpir la inmersión. Sin embargo, su exclusividad al tren puede ser un inconveniente en las escasas ocasiones en las que nos movemos fuera de él, especialmente considerando que los puzles priorizan la originalidad y el humor sobre la lógica pura, lo que puede llevar a algún que otro atasco.


Un punto a tener en cuenta es la ausencia de traducción al español, lo que podría limitar la experiencia para algunos jugadores, aunque el inglés utilizado no parece excesivamente complejo. A su favor, el juego cuenta con un excelente doblaje en inglés que potencia el humor y la caracterización de los personajes. La banda sonora, con melodías de jazz acordes a la época, y los cuidadosos efectos de sonido – incluyendo sonidos únicos para cada objeto del inventario – son detalles que enriquecen la atmósfera del juego.


En resumen, «Loco Motive» se presenta como una divertida y original aventura gráfica que combina un atractivo estilo visual pixel art con un humor inteligente y situaciones disparatadas. Su duración, impulsada por la perspectiva de tres personajes, y su cuidada ambientación sonora son puntos fuertes, aunque la ausencia de traducción al español y la naturaleza a veces ilógica de sus puzles podrían ser un pequeño obstáculo para algunos jugadores. Si buscas una experiencia point-and-click con una fuerte personalidad y muchas risas, «Loco Motive» podría ser tu próximo destino.

Calificación 8/10

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Reseña: Mamá está más chiquita




Hace unos años, «Mamá está más chiquita» conquistó al público en el Teatro La Comedia con su propuesta original y emotiva. Ahora, este encantador musical ha regresado a la vibrante calle Corrientes, instalándose en el Teatro Metropolitan para seguir tocando los corazones del público.



La obra nos sumerge en una historia dolorosa, la pérdida progresiva de un ser querido. Sin embargo, lejos de caer en el dramatismo puro, la narrativa se eleva gracias a la mirada inocente de Diego, uno de los personajes centrales. Esta persona, ante la enfermedad incurable de su madre, construye una peculiar fantasía, que ve en ella una «maldición» que la encoge día a día hasta desaparecer.

En el corazón de la trama encontramos a Diego, cuya necesidad de cuidados especiales por parte de su madre genera un sentimiento de abandono en su hermana. A través de los ojos de estos dos hermanos, somos testigos de la complejidad de la situación familiar. Mientras Diego se refugia en su mundo de fantasía, su hermana lidia con el resentimiento y, a medida que avanza la historia, experimenta una notable maduración.

La propuesta de «Mamá está más chiquita» es un crisol de emociones. La obra teje con habilidad momentos de comedia que alivian la tensión, pero no teme adentrarse en el drama profundo, llegando incluso a conmover hasta las lágrimas. La fantasía, lejos de ser un mero recurso, se entrelaza con la realidad de una manera poética y significativa.

La música juega un papel fundamental en la obra, con números musicales  que enriquecen la narración. Canciones como la ocurrente y divertida «Tenés que elegir a mamá» y la emotiva «Llorar no arregla nada» (cuyo impacto resuena a lo largo de la historia) son solo una muestra del talento musical presente en la obra. (¡Un detalle importante, toda la música está disponible en Spotify!).

En cuanto a las actuaciones, el elenco en su totalidad brilla con intensidad. Sin embargo, es imprescindible destacar las interpretaciones de Tomas Wicz y Deborah Turza, quienes encarnan personajes clave para la esencia misma de la historia, aportando profundidad y autenticidad a sus roles.

En conclusión, «Mamá está más chiquita» es mucho más que un musical; es una experiencia teatral conmovedora y multifacética. Nos lleva de la risa a la tristeza, nos invita a reflexionar sobre la pérdida y la inocencia, y nos mantiene cautivados con su originalidad. Para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de verla, me atrevo a decir que es uno de los musicales argentinos más valiosos y memorables de los últimos años.

Funciones: a partir de 17 de Abril

jueves a las 22.15 hs.

Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343) – CABA.

Duración de la obra 80 minutos.

Entradas a la venta en http://www.plateanet.com o por boletería del teatro

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Reseña: Para Partir

Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre, nos invita a reflexionar sobre la perdida de un ser querido,con maestría y un abanico de sentimientos, evitando golpes bajos; con buenas dosis de humor negro, transitamos esa despedida que no solo tiene que ser dolorosa, pero siempre parece necesaria, cuesta soltar y no intentar retener un poco mas algo que nos recuerde su presencia.

¿Que significa ser familia? Un conjunto de gente muy diferente con proyectos personales; pero con una historia en común que mas allá de los sentimientos que los liguen, los unifica y entrelaza. Si bien el tema de las familias disfuncionales esta bastante tratado en el teatro argentino, aquí se logra sumar una nueva propuesta, con una mirada distinta y que vale la pena considerar.


Nos sumerge en un mundo onírico con ritmo,humor y mucho sentimiento. El juego teatral nos permite ver al muerto participar de  una reunión familiar en su honor, mientras ellos por supuesto que no, reformulando todo y creando momentos desopilantes.
Un elenco (Mara Bestelli, Walter Jakob, Daniela Korovsky, Maria Pilar Mestre, Andy Pruss, Monica Raiola, Sofía Saborido) solido y con mucha química, se acoplan como familia a la perfección, con mas o menos oficio,todos resuelven con naturalidad y redondean trabajos de alto nivel. Un vestuario que suma y mucho de Lara Sol Gaudini y una escenografía que acompaña y sugiere de manera ideal.


Súper recomendable, la magia del teatro en todo su esplendor,no se la pierdan. Martes a las 20hs.en EL GALPÓN DE GUEVARA (Guevara 326 C.A.B.A)


A.R.

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Mazel Tov: Entrevistamos a Adrián Suar, quien dirige su segundo film que también protagoniza junto a grandes estrellas



Por @soynancybenegas
Actor, productor, director y sin dudas, una de las figuras que ha cambiado la forma de crear contenido para la televisión. Adrián Suar celebra el éxito de su segunda película Mazel Tov, luego de su destacado trabajo en “30 noches con mi ex”. La Butaca Web tuvo la oportunidad de entrevistarlo y conocer más sobre su mirada, su trabajo y los desafíos detrás de este proyecto.


Amable y carismático, responde mirando a los ojos con un tono de voz suave. Comienza diciendo que si bien Mazel Tov tiene cosas en común con su vida no es autobiográfica. Nos contó que priorizo en todo momento contar el valor de los vínculos familiares, a través de una historia que pueda, además de entretener, movilizar a quienes la ven.
Pero ¿qué significa Mazel Tov? Es una expresión en hebreo que quiere decir buena suerte o felicidades. Se usa especialmente para celebrar momentos felices como casamientos, nacimientos o logros importantes. “Es un título que pensé mucho, de hecho, no iba a llamar así. Era difícil porque no todo el mundo sabe lo que significa y es difícil pronunciarlo; pero siento que el nombre le queda bien a una película que retrata los eventos de la vida cotidianas que atraviesan las familias. El nacimiento, el casamiento, la muerte y la herencia son cuatro rituales que pueden ser judíos, católicos, italianos, situaciones de la vida que van más allá de la religión de cada uno.”


Expresó amable “La intención que tuvimos es que la gente pase por muchas emociones, que rían, que se sientan identificadas. Tiene una temática muy popular, Mazel Tov es una película muy Argentina”.
Pablo Solarz es el guionista de Mazel Tov y trabaja con Suar hace muchos años. Nos contó que, a lo largo de este tiempo compartido, se han hecho amigos y lograron una gran química laboral. “Nos entendemos muy bien, nos respetamos, estamos en un buen punto creativo con Pablo, un muy buen punto”.
Sobre su futuro nos comentó: “Me veo en la tele gestionando una ficción. Son difíciles los costos, es difícil financiarlo, sale muy caro hacerlo. No se dan las condiciones para generar lo que se generaba, pero vamos a ver cómo se puede articular para poder producir de nuevo.”


Asegura que se lleva bien con la crítica en general, aunque admite que le afecta cuando los comentarios vienen con malas intenciones. Con el tiempo aprendió a distinguir entre una opinión sincera y una que quiere lastimar.  Por más trayectoria que tenga, reconoce que aún se siente nervioso frente a los estrenos y que la intuición de que algo funcione siempre prima sobre la experiencia.
“No he perdió el impacto de seguir estando curioso por las cosas. Curioso de aprender de ver que está bien, que está mal. Lo digo genuinamente, no es una pose sigo estando curioso. Tengo mucha experiencia, soy un médico que ya opero mucho, pero me gusta seguir aprendiendo”.
Cerramos la entrevista preguntándole con quien le gustaría trabajar que no lo ha hecho hasta el momento, para alegría de los presentes aseguró “me gustaría hacer una película con Darin. Me debo una película con Ricardo.


Mazel Tov se estrenó el 17 de este mes con gran éxito. La película aborda la relación de cuatro hermanos que ante la muerte de su padre deben resolver viejos conflictos y secretos que salen a la luz, llevando a toda la familia a enfrentar secretos de su pasado. Una gran trama, muy bien contada. Como él mismos aseguró “es una historia con la que todos podemos identificarnos”.

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Crítica: Until Dawn: Noche de terror

Por Jorge Marchisio

Las adaptaciones de videojuegos siguen y siguen, y hoy toca hablar de uno que llega al cine, Until Dawn: Noche de terror. Y si bien siempre dejo en claro que soy habitué a los videojuegos, a este, precisamente, lo jugué. Así que desde ya les aviso, que esta reseña no va a indagar demasiado en cómo funciona como adaptación, y si como película de terror. Empecemos.



La trama se centra en un grupo de amigos, encabezado por Clover, quien hace un viaje para cerrar la desaparición de su hermana mayor. Pero tras la pista de que podría estar viva, terminan en un extraño edificio, y, sobre todo, en un ciclo sinfín de muerte. Ahora deberán tratar de salir del mismo ciclo, sobreviviendo a la noche.

Bueno, al inicio de la reseña mentí un poco, porque si jugó un par de horas, dejando al videojuego eventualmente, pero viendo un gameplay hace poco para poder estar a tono con esta película. Y debo decirles que estamos ante una adaptación aceptable, pero mala película de terror. Paso a aclararme.

A sabiendas que estamos ante un juego muy de nicho, voy a hablar de forma vaga para que sus fans me entiendan; y es que las referencias están ahí. Es bastante ingenioso como implementaron el hecho de que tengamos que rejugar, todo en torno a una historia de terror sobrenatural.

El tema es que, como producto independiente del videojuego, Until Dawn: Una noche de terror, no funciona. Primero porque los personajes tienen la profundidad de un charco de agua; salvo la protagonista, ninguno tiene un pasado y apenas un atisbo de personalidad. A eso hay que sumarle que el factor terror, parece un pastiche de cosas tomadas de otras cintas, lo cual hace que Until Dawn: Una noche de terror, carezca de identidad.

A esto hay que sumarle, que a nivel dirección, Until Dawn: Una noche de terror es bastante mediocre. Plagada de jumpscares, ningún susto está bien trabajado o planeado. Todos son los clásicos sustos de que aparece una imagen grotesca, o un sonido fuerte y ya, asustense. Demasiado vago y mediocre.

Until Dawn: Una noche de terror es una adaptación decente, pero falla como película en sí. Si bien no es un total desastre en un género que suele darnos más malas obras que buenas. Eso sí, si son fans del juego, le van a sacar más jugo que el espectador promedio.



Lo mejor: la esencia del videojuego está presente.

Lo peor: cae en todos los clichés de una película de terror.

Calificación 5/10

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Análisis: The exit project: Backstreet


Para aquellos que aún lamentan la ausencia de la experiencia completa que prometía la demo de P.T., «The Exit Project: Backstreets» se presenta como una curiosa reinterpretación de su atmósfera única, aunque con una mecánica de juego distintivamente diferente. En lugar del claustrofóbico pasillo infinito que marcó a P.T., este título nos confina a un callejón con dos únicas salidas: una puerta al frente y otra detrás.


La premisa es ingeniosamente simple a la par que desconcertante: tras atravesar la primera puerta, el jugador debe agudizar su percepción para identificar cualquier anomalía que se haya manifestado en el entorno. Desde sutiles cambios hasta eventos más evidentes como una repentina nevada, el vuelo de cuervos o mensajes crípticos en las paredes, la detección de estas alteraciones dicta el camino a seguir. Si todo parece normal, la puerta frontal es el avance; si algo está fuera de lugar, la puerta trasera se convierte en la clave para progresar.


Este bucle de observación y decisión se repite diez veces consecutivas, y un error significa volver al inicio, lo que inevitablemente generará una sensación de inquietud y una necesidad constante de escrutinio. La mecánica central se centra en la agudeza visual y la memoria a corto plazo, transformando la experiencia en una suerte de «encuentra las diferencias» con una atmósfera de suspense.
En cuanto a la narrativa, «The Exit Project: Backstreets» se mantiene deliberadamente parco. Unas breves líneas sobre la necesidad del protagonista de «poner orden en su vida» antes de quedar atrapado en este bucle son el único atisbo de trasfondo. El final, abrupto con un simple «Continuará» tras un fundido a negro, deja más preguntas que respuestas y sugiere la posibilidad de una secuela o contenido adicional. Sin embargo, esta conclusión repentina podría dejar a algunos jugadores con una sensación de insatisfacción.


Visualmente, el callejón está bien realizado y presenta un nivel de detalle apreciable. Las anomalías, que van desde detalles casi imperceptibles hasta la aparición de nieve, el número 666 omnipresente o la caída de maniquíes, contribuyen a una atmósfera general inquietante, aunque quizás no terrorífica en el sentido más tradicional. La versión para PS5 ofrece mejoras en la tasa de fotogramas, la resolución y los tiempos de carga, pero incluso la versión de PS4 se muestra competente.


Para los cazadores de trofeos, «The Exit Project: Backstreets» se presenta como una oportunidad inusualmente rápida para obtener un doble Platino, siempre y cuando se logre descifrar la secuencia correcta de decisiones.


En conclusión, «The Exit Project: Backstreets» es una propuesta curiosa que toma la semilla de la inquietud de P.T. y la desarrolla bajo un prisma de «encuentra las diferencias». Si bien no ofrece una experiencia aterradora, sí logra generar una atmósfera perturbadora. Su principal punto débil reside en su duración y en un final que se siente incompleto. El tiempo dirá si se expande en el futuro, pero por ahora, se erige como un breve y peculiar ejercicio de observación con un atractivo adicional para los completistas.

Calificación 6.5/10

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Reseña: Sandro: El gran show

«Sandro: El gran show»: Un vibrante homenaje que busca la esencia del ídolo

«Sandro: El gran show» se presenta como un espectáculo definitivo para celebrar la memoria y el legado del inigualable Sandro. Más allá de ser un despliegue de talento artístico y una producción de gran escala, la obra teje una sutil narrativa que acompaña el recorrido musical.



En el corazón de la propuesta encontramos a Alan (interpretado Alan Madanes), un actor seleccionado para encarnar a Sandro en una nueva producción. Si bien se reconoce en él un destello de la esencia del ídolo, esta aún parece estar en proceso de florecimiento. A medida que los emblemáticos temas de Sandro comienzan a sonar, irrumpe en escena otro actor, quien encarna una faceta más ligada al magnetismo y el sex appeal que caracterizaron al artista, presentándose como una opción más «natural» para el rol.

Este contraste genera en Alan una búsqueda interna por encontrar «su» Sandro, aquel que reside en su interior. ¿Logrará desenterrarlo? Esta interrogante le añade una capa dramática interesante a un espectáculo que ya de por sí brilla por sus números musicales y la emotiva evocación de la figura de Roberto Sánchez.

«Sandro: El gran show» parece tener la fórmula completa para cautivar al público: drama, momentos musicales que rinden tributo al repertorio del artista y, fundamentalmente, un elenco talentoso que logra mantener viva la llama de Sandro. La respuesta del público, entregado al canto y al baile, es un claro indicativo del poderío de la propuesta y de la invitación a revivir lo mejor de su música.

Es justo destacar el trabajo de todo el equipo detrás de esta gran producción que ha tomado el escenario del Teatro Coliseo. Una mención especial merecen Alan Madanes y Nacho Pérez Cortés, quienes, con sus particulares interpretaciones de Sandro, ofrecen diferentes matices del artista.

En definitiva, si eres admirador de Sandro o sientes curiosidad por sumergirte en su universo musical a través de un espectáculo completo y rebosante de talento, «Sandro: El gran show» en el Teatro Coliseo es una cita imperdible. ¡Parece ser una experiencia emocionante para conectar con el legado de un verdadero ícono!




Ficha Técnica

Idea original: José Luis Pagán, Luciano Foppoli, Juan Crespo.

Guión y dirección: Ana Sans y Julio Panno.

Dirección Musical: José Luis Pagán.

Dirección coreográfica: Verónica Peccollo.

Diseño de luces: Leo Muñoz, Julio Panno.

Diseño de sonido: Eugenio Mellano.

Diseño de vestuario: Ana Sans.

Diseño escenográfico: Mariana Tirantte.

Jefe Técnico: Gonzalo González.

Producción General: Silvina Dell´Occhio, Juan Crespo, Luciano Foppoli.



Redes sociales oficiales:

Instagram: @sandroelgranshow

Tik Tok: @sandroelgranshow

Facebook: @sandroelgranshow

Las funciones del show serán de jueves a sábado a las 21 y domingos a las 20 h y ya pueden adquirirse en Tiketek o en la boletería del Teatro Coliseo.

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Reseña: Las mujeres entre los hielos

Un viaje al abismo personal con una sorprendente calidez

«Las mujeres entre los hielos» nos sumerge en la experiencia de tres mujeres que regresan solas de una base científica en Alaska, un lugar que prometía ser un acompañamiento a sus vidas en pareja pero que se transformó en un inesperado precipicio emocional. La obra no solo nos transporta a la gélida inmensidad de un paisaje inhóspito, sino que también nos adentra en el frío interno que cada una de ellas experimentó.



A través de sus recuerdos y vivencias, somos testigos de los motivos que las llevaron a ese remoto destino, de los lazos que intentaron mantener vivos en un entorno desafiante. Sin embargo, la obra no se detiene en la mera descripción del sufrimiento. Con una honestidad brutal, nos muestra cómo cada una lidió de manera diferente con ese abismo: una huyó impulsivamente, otra fue despedida ante la evidencia de su profunda infelicidad, mientras que la última se consumió lentamente en la monotonía y la desilusión.

Lo que hace aún más interesante a «Las mujeres entre los hielos» es su inteligente equilibrio entre la crudeza del trauma y una dosis justa de humor. Esta combinación permite al espectador conectar con la vulnerabilidad de los personajes sin caer en un dramatismo excesivo, ofreciendo una experiencia teatral que entretiene a la vez que invita a una profunda reflexión sobre la naturaleza de los vínculos y la búsqueda de la felicidad personal, incluso en los lugares más inesperados.

La escenografía, aunque minimalista, resulta sumamente efectiva. El fondo blanco evoca la frialdad literal de Alaska, pero también se convierte en un lienzo en blanco que simboliza el vacío emocional en el que se encuentran estas mujeres. Este limbo escénico subraya la sensación de aislamiento y la lucha interna de cada una.

En definitiva, «Las mujeres entre los hielos» se presenta como una obra más que recomendable, una propuesta teatral interesante que se puede disfrutar los sábados a las 20 horas en Teatro Animal. Es una invitación a reflexionar sobre cómo los entornos, incluso aquellos que pueden parecer hermosos desde fuera, pueden convertirse en un espejo de nuestra propia infelicidad y cómo la búsqueda de un escape, aunque dolorosa, puede ser la única vía hacia la sanación.

Ficha técnico/ artística
Elenco: Virginia Vallés (Lourdes), Luz Diéguez (Clara), Alejandra Moreno (Lisa)

Iluminación: Florencia Carboni

Escenografía: Sofía Brandoni

Vestuario: Sofía Brandoni

Realización de escenografía: Lalo Montoli
Diseño gráfico: Florian Bernárdez

Fotos: Morizze Borzone Müller

Redes: Chiara Rossi

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Claudio Yanes

Asistencia de dirección: Lalo Montoli

Dirección: Claudio Yanes

Dramaturgia: Agustina Muñoz

Duración del espectáculo: 60 minutos



Redes sociales del espectáculo: IG @entre.loshielos

Redes sociales del elenco: @ale.morenoc @luzdieguez @vir.valles @claudioyanes.actor @lalo.montoli

Funciones:

Sábados 20 h.

Animal Teatro – Castro 561 (Almagro) –

Entrada general: $12.000 / $10.000 est. y jub

Reserva: http://www.alternativateatral.com

Link directo: https://publico.alternativateatral.com/entradas94328-las-mujeres-entre-los-hielos?o=14

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Reseña: Matria


Por @soynancybenegas


Sinopsis
Tres mujeres separadas en el tiempo pero unidas en un mismo desafío, romper con los mandatos establecidos y poder encontrar su voz propia. Un recorrido íntimo y profundo por el universo femenino que nos invita a reflexionar sobre el poder de cada decisión que tomamos y el camino que elegimos construir.


Reseña
Un viaje profundo y conmovedor por la vida de tres mujeres que, a través de sus monólogos nos sumergen en historias marcadas por los vínculos familiares, los mandatos impuestos y el valor de tomar las decisiones difíciles, incluso cuando implican dolor, resistencia y dejar atrás el camino conocido.
Con una escenografía precisa y minimalista, la propia narración y puesta en escena, le da vida al espacio permitiendo que las propias historias se adueñen del lugar. Cada una de las protagonistas se transforma se forma convincente en el rostro de una época, con relatos intensos y emotivos, con el que se logra empatizar gracias a sus interpretaciones sinceras y emotivas.


La bella intervención de María Judez, brindando acompañamiento musical, y ese instante de reflexión con los personajes, llenos de humor e ironía, le da frescura y simpatía al momento. La dirección de Pilar Juaristi aporta una mirada clara, que logra una obra bien construida, con el tiempo exacto para que cada narración encuentre su ritmo propio y el desarrollo necesario para llegar al público de manera directa y profunda.
Matria es un relato directo y valiente que nos invita a reflexionar, romper o transformar mandatos para contar historias con finales diferentes. Una buena propuesta que engrandece el teatro independiente una vez más.


Ficha Técnica
Dirección: Pilar Juaristi
Reparto: Florencia Otero, María Thustra, Mariana Judez, Adriana Menendez
Duración: 50 minutos
Funciones: Domingo 20 hs en la Sala Teatral Belisiano Club de Cultura, ubicado en Avenida Corrientes 1624.

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