Por Jhon Wolf

Una comedia negra que mezcla acción, romance y gore con mucho absurdo

Resumen
Novocaine: Sin dolor propone una combinación explosiva entre comedia negra, romance atípico, acción y gore caricaturesco. Con un protagonista que no siente dolor, la película construye una historia despareja pero entretenida, que se apoya en el slapstick físico y el humor absurdo. Jack Quaid lidera esta sátira sangrienta que, aunque irregular en su desarrollo, se destaca dentro del cine comercial por su originalidad y espíritu provocador.

Lo que me gustó
Novocaine se atreve a romper con los moldes tradicionales de los géneros que combina. La premisa del protagonista que no siente dolor le permite al film explorar situaciones grotescas, exageradas y cómicas con gran libertad. Jack Quaid brilla cuando se aleja del héroe convencional y se entrega por completo al humor físico, con guiños a Los Tres Chiflados y los Looney Tunes. La película también destaca por su dirección arriesgada y secuencias de acción tan sangrientas como absurdas, donde el gore y el slapstick se mezclan con eficacia. Además, la dupla entre Quaid y Amber Midthunder funciona bien, aportando momentos de intensidad y química.

Lo que no me gustó
El principal problema de Novocaine es que muchas escenas giran en torno a la misma idea: el protagonista no siente dolor. Aunque esto da pie a situaciones cómicas, también puede volverse predecible y repetitivo. La historia a veces se apoya demasiado en ese recurso, sin desarrollar del todo sus otras capas narrativas. El cambio constante de tono entre comedia, romance, drama y acción puede generar una sensación de desequilibrio, y algunas subtramas quedan a medio camino.

A quién se la recomiendo
Novocaine: Sin dolor es ideal para quienes disfrutan de las comedias negras con altas dosis de violencia absurda y humor físico. Si te gustan películas como Nadie, Después de hora o las sátiras sangrientas con espíritu de dibujos animados, esta propuesta te va a enganchar. En cambio, si preferís relatos más equilibrados o acción más clásica, es probable que su tono excesivo y caótico no sea lo tuyo.

Puntuación: 6/10

La familia Paiva, integrada por Eunice (Fernanda Torres), Rubens (Selton Mello) y sus cinco hijos parece vivir sin demasiadas preocupaciones en Río de Janeiro a principios de los años 70 a pesar de que Brasil se encuentra bajo un régimen de dictadura militar. Un día, una banda parapolicial irrumpe en la casa de los Paiva y le pide a Rubens que los acompañe para un presunto interrogatorio ya que él es un ex diputado de izquierda que se declara como político retirado tras el golpe de estado. Rubens accede a acompañarlos tranquilamente de su hogar pero quien queda en casa al mando de la familia es Eunice, que preocupada sospecha que su vida y la de su familia cambiará para siempre desde esa tarde infame. Una tarde infame que no permitirá que sea olvidada por ella, por su familia, por Brasil y por toda Latinoamérica.

Aún estoy aquí, película brasileña dirigida por el aclamado cineasta Walter Salles mayormente reconocido por sus films Central do Brasil (1998) y Diarios de motocicleta (2004), vuelve a dirigir un largometraje de ficción tras 12 años luego de On the Road (2012). El guion del film está basado en el libro Feliz Ano Velho (Feliz año viejo) publicado en 1982, donde el único hijo varón de los Paiva, Marcelo Rubens, escribe una obra autobiográfica donde entre otros temas relata la desaparición forzada de su padre. El film recibió tres nominaciones para los premios Oscar; mejor película, mejor película extranjera y mejor actriz protagonista para Fernanda Torres.

Ainda Estou Aqui es una gran película que tiene muy claro su tema, la memoria. La obra de cierta manera humaniza al mal de la dictadura, no muestra monstruos ni torturas explícitas pero sí el dolor que épocas oscuras de la historia causan en las personas. La gran protagonista es Eunice que enfrenta en primera instancia la posible liberación de su marido mientras mantiene en pie a su familia y, tras los años, la búsqueda de justicia a la desaparición de su marido. La película es el horror de una madre (soltera o viuda, ¿O cómo decirlo no?) frente a la atrocidad amenazante de la dictadura en resguardo de sus cinco hijos; Vera (Valentina Herszage), Eliana (Luiza Kosovski), Nalu (Bárbara Luz), Marcelo (Guilherme Silveira) y Babiu (Cora Ramalho). Eunice no está sola, cuenta con Zezé (Pri Helena), la empleada doméstica de la familia que cuida a sus hijos y vive con ellos, además de algunos amigos de la familia con vinculación política así como la tuvo Rubens que la apoyan y acompañan.

El primer acto del film es una experiencia bellísima y agradable, plantea un tono contrapuesto al resto del film y hace que funcione tan bien a medida que avanza la trama. Luego de ese primer gran acto la película se sostiene en la impoluta interpretación de Fernanda Torres que tiene tremendamente merecido todos los aplausos y reconocimientos. Una actuación desde lo físico, desde su mirada y silencios, desde sentimientos aparentemente invisibles o abstractos como el miedo, el dolor, la impotencia o frustración pero que gracias a su excelsa interpretación atraviesan la pantalla y conmueven. Eunice sabe que tiene que ser fuerte, muy fuerte y pese a que nunca lo hace explícito en todo momento se percibe. Salles demuestra que es un excelente director de actores porque no sólo con Fernanda saca interpretaciones precisas sino que con todo el reparto, incluidos los jóvenes hijos o con Rubens que pese a no tener muchos minutos de metraje lo que logra es digno de admiración porque su ausencia nos pesa toda la película.

Formal y técnicamente la película es excelente. Salles dirige con sobriedad y sutileza pero lo hace con un estilo precioso, donde los planos crecen por sí mismos estética y semióticamente. Me fascinó el trabajo de Adrian Teijido desde la dirección de fotografía logrando hacer parecer fácil lo complejo y sumando además secuencias en formato super 8 montadas por el editor Affonso Gonçalves que son para aplaudir. Desde la dirección de arte a cargo de Gabriel Garcia el trabajo es formidable y realmente se aprecia la construcción de los años 70 cariocas donde también aporta a la sensación de época la banda sonora con música brasileña influyente de esos años. 

Tal vez el único pero sea que el último acto se sienta denso, prolongado. Pero una vez finalizado el film se aprecia que es un gran cierre, y que es necesario esa conclusión de dos epílogos dándole prioridad a la importancia de la historia real por encima del mero dopamínico entretenimiento. 

A pesar de que la mayoría de acontecimientos son en los años 70, el final transcurre en el año 2014, donde Eunice tras décadas de lucha resiliente obtiene una justicia simbólica y agridulce pero que la deja en paz a ella y a su familia que nuevamente vuelve a sonreír pese a la circunstancias demostrando una fortaleza necesaria que perdura hasta nuestros días y debe continuar perdurando para exigir justicia por los horrores cometidos en dictadura que siguen impunes. 

La historia de Aún estoy aquí es dura pero trata con mucho respeto a sus protagonistas y aunque la situación sea angustiante siempre deja un pequeño destello de esperanza y una sonrisa para dejar claro que el mal no nos pasará por encima (otra vez).

Calificación: 8.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Por Nancy Benegas

Sinopsis
A través de la aventura que un gato debe enfrentar luego que su espacio fuera abatido por un desastre natural, el personaje nos sumerge en su propio aprendizaje para sobrevivir al ambiente y  las diferentes especies que lo acompañan. El felino junto a un perro Golden, un lémur algo acumulador, un capibara, un ave y una ballena serán parte de un recorrido en el que las diferencias serán parte fundamental del aprendizaje para trabajar en equipo, superar los miedos y forjar una relación de amistad.

Reseña
Las animaciones han dejado ya hace bastante tiempo de estar dirigidas solo para el público infantil. En la actualidad las historias que se cuentan son un atractivo irresistible para una audiencia también adulta, que espera maravillarse ante propuestas visuales como Flow, una historia simple, con personajes atractivos, proyectando un mensaje poderoso sobre los vínculos, los sentimientos, las diferencias, la empatía y el valor del cuidado al medio ambiente.

Para los amantes de los animales, van a disfrutar de la ternura propia de cada ejemplar, y también van a sufrir un poquito por la adrenalina que debe atravesar el gatito y sus compañeros a través del recorrido.  Como su director contó el mensaje “es dejarse llevar por la corriente y no imponerse al mundo”. Así es la propuesta dejarse llevar por este universo tan bien imaginado.

Y por ahí va la historia un cuento simple y profundo llevándonos a reflexionar sobre la vida misma mirando el camino que Flow elige recorrer cuando el destino lo saca de la zona de comodidad, valorando a aquellos que eligen acompañarlo en su aventura, aprendiendo a entenderse aunque no se comparta un mismo lenguaje, y ver que el que puede ayudarte no necesariamente será el de tu especie.

Atravesado por aquello que le hacemos al planeta y las consecuencias de las cosas que hoy ignoramos sin darnos cuenta que son las mismas que nos permiten seguir viviendo mirando hacia el futuro.
Nominada a los premios Oscar como Mejor Película de Animación junto a otras tremendas producciones como Intensa mente 2 y Robot salvaje; Flow esta ternada además, como Mejor Película Extranjera representado a Letonia, es poco frecuente que una animación este nominada en esta terna. Competir en dos rubros tan potentes, la ubican dentro de las posibles ganadoras a la estatuilla y ciertamente la merece.

Detalle:
La cinta se destaca por estar completamente renderizada con Blender, un software libre y de código abierto que permite crear contenido 3D, como animaciones, efectos visuales, etc.
Extra: Flow y el perro Golden  están inspirado en las mascotas del director de la película Gints Zilbalodis
Ficha Técnica
Dirección: Gints Zilbalodis
Año/País: 2024 – Letonia
Duración: 83 minutos

Un desconocido muchacho, Bob Dylan (Timothée Chalamet), llega a Nueva York haciendo dedo para conocer a su ídolo musical, Woody Guthrie (Scoot McNairy), que está internado en un hospital de la ciudad. El veinteañero Bobby, al visitarlo también conoce a otro reconocido cantante folk llamado Pete Seeger (Edward Norton) y frente a ambos este jóven canta una canción que compuso con su guitarra para Woody y los maravilla tanto que Pete Seeger decide apadrinarlo de alguna manera para que empiece a tocar en el circuito de la música folk en Nueva York, donde este completo desconocido poco a poco empieza a conseguir el respeto de todos, revolucionar la música y ganarse su propio nombre; Bob Dylan.

El director James Mangold que tras seis películas de acción y aventura donde le ha ido muy bien vuelve a un género que ya conoce, el biopic musical, y 20 años después de Walk the line, biopic de Johnny Cash, ahora dirige y coescribe junto a Jay Cocks un nuevo film sobre la vida y obra de Bob Dylan.

De principio a fin es una película clásica de Hollywood, donde el director quiere ser invisible y no quiere llamar demasiado la atención pero que aún así su estilo está ahí. Gran trabajo con la puesta en escena, dirección de arte hace un excelente trabajo desde las locaciones, utilería, vestuario y peluquería para reconstruir la década de los 60. Lógicamente el departamento de sonido es muy importante en esta obra y se le da la suficiente importancia para que se note pero algo que se destaca gratamente es la elección del casting, además de tener estrellas tiene buenos talentos en sus papeles. 

A Complete Unknown tiene un gran reparto donde todos los intérpretes están impecables. Y al decir todos son todos, no sólo Chalamet, que me ha sorprendido para bien por su entrega con la película y ha demostrado ser un actor de oficio brindando todas sus herramientas para esta compleja interpretación como la es la personalidad de Dylan. Por otro lado, aunque el papel de Norton no haya sido escrito para llevarse todas las luces logra cautivar. También destaco a Monica Barbaro que en el papel de Joan Baez logra una merecida nominación a los Oscar como mejor actriz de reparto sumándose así a Norton nominado a mejor actor de reparto y a Chalamet como protagonista. Se suman al cast con excelentes performances Dan Fogler, la encantadora Elle Fanning y Boyd Holbrook que con 10 minutos de metraje interpretando a Johnny Cash crea a este como un personaje mucho más interesante y que uno percibe vivo comparándolo con las más de 2 horas de Joaquin Phoenix en el mismo papel en Walk the line también bajo la dirección de Mangold en 2005.

La mirada de Mangold es interesante, nos trae una biopic sobre un músico que se centra principalmente en sus canciones, en su obra y no en la vida de Dylan bajo el escenario. Donde la mayoría de los films de este estilo recurren en contar las experiencias de los músicos con sus adicciones o las múltiples parejas e infidelidades de una estrella de rock. Que sí, también tiene de eso pero en su justa medida. Pues, no es tarea fácil hacer una película sobre una persona que aún está con vida y en actividad. No hay ascenso y caída.

Un completo desconocido es casi un musical, casi pero no, y no porque trate sobre la vida de un músico sino por la utilización de la canción como herramienta narrativa en la historia. Tal vez la música no haga avanzar narrativamente el film pero sí captura el viaje histórico de Dylan en aquellos años de su carrera. Su obra musical no es sólo un acompañamiento de las escenas o sólo la puesta en escena de un hito histórico para Dylan sino que también es aprovechada como una forma de narrar para el autor de la película, una que en todos sus apartados está muy bien dirigida; arte, fotografía, montaje y guion, siendo este último tal vez al que le quepan más altibajos aunque siendo uno muy sólido y entretenido.

Tiene fascinantes momentos plagados de una verdad que sólo se encuentra en el cine pero su punto bajo puede ser la construcción de la estructura narrativa que parece carecer de un conflicto de importancia para la película, para el protagonista y para el espectador, al menos hasta el último acto donde claramente Dylan tiene un conflicto delante y una motivación para ser el artista que es. Con el avance de la historia y su meteórico ascenso hacia la fama, Dylan se vuelve ajeno y alejado a lo que vemos en un principio, aunque fue catapultado por la música country a la que también ayudó mucho a crecer y de cierta manera a no ser olvidada, el músico no quiere ser encasillado en sus hits de folk rock y seguir tocando siempre las mismas canciones, no quiere cantar a pedido, quiere hacer la música de su gusto, no la que le demandan y en el Festival Folk de Newport hace una importante declaración de intenciones que fue un antes y un después para la música estadounidense.

Mangold ha tratado muy bien a Dylan con A complete unknown, tal vez demasiado. No es la típica película sobre una estrella de rock, justamente le falta eso, un poco de rock. Quien también ha tratado muy bien a Dylan fue Thimotée Chalamet que canta y toca todas las canciones y lo interpreta sin caer en la burda imitación pero sí analizándolo, Antes de entrar a la sala temía de ver a Chalamet haciendo de rockero fachero para redes sociales y no una interpretación de Bob Dylan en los años 60 pero tras el primer plano del protagonista en ese auto tal preocupación se diluyó y pude disfrutar de la película como se debe. A uno le dan ganas de usar anteojos negros todo el día y comprarse una moto canchera después de ver la postura de Chalamet fumando cual Dylan. 

Pero también y siendo más importante por el contexto musical y artístico actual, a uno le dan genuinas ganas de que vuelva a importar el talento, que la postura contestataria no sea un aparato de marketing sino la expresión de una obra. Ojalá que resurjan artistas inspirados que puedan crear e interpelar con menos, tal vez sólo con el talento de las ideas, su voz y una guitarra. Muy buena película.

Calificación: 8/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.

Por Jhon Wolf

Una entretenida película que muestra la codependencia de la tecnología

Compañera perfecta es un thriller con toques de terror y comedia negra dirigido por Drew Hancock. La historia sigue a Iris (Sophie Thatcher), Josh (Jack Quaid) y sus amigos, quienes planean un tranquilo fin de semana en una casa junto al lago. Sin embargo, lo que comienza como una escapada relajante se transforma en una experiencia caótica con la presencia de una inteligencia artificial que pone en jaque la dinámica del grupo.

La película aborda el impacto de la tecnología en la socialización humana, explorando cómo la inteligencia artificial puede convertirse en un reflejo de nuestras emociones y comportamientos. Aunque no es tan profunda como otras obras del género como Ex Machina (2014) o Her (2013), la cinta plantea preguntas interesantes sobre las nuevas formas de relaciones en la era digital. Además, rinde homenaje a clásicos como Terminator 2: El día del juicio (1991), mostrando la influencia del género en su desarrollo.

Lo que me gustó
Sophie Thatcher entrega una actuación sólida, transmitiendo con precisión los cambios emocionales de su personaje. La película mantiene un ritmo ágil y equilibra bien el thriller con el humor negro. Aporta una reflexión interesante sobre la soledad y la dependencia emocional hacia la tecnología. Aunque no es una obra revolucionaria, logra entretener y sorprender con algunos giros inesperados.

Lo que no me gustó
El guión presenta algunos problemas argumentativos y ciertas inconsistencias en su desarrollo. No alcanza la profundidad filosófica de otras películas del género, quedando en un nivel más superficial. Algunas ideas interesantes sobre la inteligencia artificial y la humanidad se presentan, pero no se exploran del todo.

¿A quién se la recomiendo?
A quienes disfrutan de thrillers con elementos de ciencia ficción y toques de comedia negra, fans de películas que cuestionan la relación entre la tecnología y la sociedad, sin ser demasiado densas quienes busquen una cinta entretenida con una historia intrigante y buenas actuaciones.

En conclusión, Compañera perfecta no reinventa el género, pero ofrece una experiencia entretenida con una visión moderna sobre la dependencia tecnológica y la soledad. Con una buena protagonista y un desarrollo dinámico, es una película que vale la pena ver y que puede generar interesantes cuestionamientos al finalizar.

Calificación 7/10