Análisis: Ready or not para ps5


Mas vale tarde que nunca. Es lo que muchos que ya peinamos canas jugando a esto de los videojuegos sentimos a menudo (mas veces de las que deberíamos, por cierto). Os pongo en antecedentes. Allá por 2001 este título fue lanzado en acceso anticipado en Steam por VOID Interactive (estudio irlandés fundado en 2016).

Mucha gente empezó a reseñarlo con muy buenas críticas ya que venía a cubrir el vacío dejado por grandes sagas como fue SWAT y más recientemente la malograda Rainbow Six. En este shooter táctico encarnamos a un aguerrido equipo de operaciones especiales del departamento de policía de una ciudad ficticia llamada Los Sueños (claro homenaje a Los Ángeles). Como ya os podéis ir imaginando deberemos resolver diferentes misiones cargadas de altas dosis de adrenalina, tensión y rehenes.


A nivel jugable nos encontramos ante un título solido donde deberemos coordinar un equipo de cuatro personajes para conseguir cumplir diferentes misiones (como por ejemplo un atraco en una gasolinera o un intento de asesinato de un senador de los EE.UU.) El componente estratégico está muy bien implementado porque no solo debemos llevar a cabo estas misiones, sino que deberemos conseguir rescatar a los rehenes y dar matarile a los malos.

Dependiendo de nuestra forma de jugar (más táctica o más directa), algunos de estos últimos se resistirán e incluso abrirán fuego cuando se vean acorralados. Este punto es muy positivo porque dota de personalidad a los NPC y nos ofrece la posibilidad de afrontar cada misión de manera diferente sin caer en la reiteración.


Respecto al apartado sonoro es un juego bien diseñado donde el sonido de las armas, los gritos de los rehenes y de los enemigos nos mantienen en tensión casi todo el tiempo. Como punto negativo cabe destacar que las voces no han sido dobladas al español (solo los textos) por lo que la inmersión se siente un poco coja en este sentido.
En cuanto a los gráficos se trata de un título bien diseñado donde los escenarios nos permiten desplegar a nuestro equipo por las diferentes zonas, hacer coberturas, rescatar a los rehenes y probar las diferentes armas que disponemos en nuestro arsenal.


Un punto muy positivo de este juego es que no se anda con rodeos. El nivel de realismo es muy alto (sangre, desmembramientos y fuego cruzado) por lo que el nivel de inmersión gana muchos enteros. Se nota que el estudio desarrollador ha hecho un gran esfuerzo para que los jugadores disfruten sintiéndose por momentos como un verdadero SWAT.
Para poder completar este título (que consta de 18 misiones) necesitaremos entre 15 y 18 horas, aunque los más completistas vais a necesitar en torno a 30 horas.


En resumen, nos encontramos con un shooter táctico en primera persona que supone un soplo de aire fresco para el género. Cuenta con buenos gráficos, una gran rejugabilidad, un apartado sonoro inmersivo y algunos aspectos negativos (falta de traducción al español y algunos momentos donde el uso del menú se hace bastante complejo). Todo esto hace que este juego se convierta en un título altamente disfrutable en esta época estival y podamos decir que juegue en la misma liga que otros grandes juegos AAA.


Os quiero 3000:)


Calificación: 7/10
Rodrigo Andrés Puebla


Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.

Reseña: Circo Anima: Abre tus alas



Por @soynancybenegas


Sinopsis
Abre tus alas es el nuevo espectáculo del Circo Anima creado por Flavio Mendoza. Un show plagado de magia, color y música, que reúne a talentosos acróbatas, trapecistas, contorsionistas y artistas de múltiples disciplinas. Una propuesta interesante que no puede faltar en tu agenda, para estas vacaciones de invierno.


Reseña
Escandalosamente atractivo, provocador e irreverente. Un cachetazo de belleza visual, tallado con la calidad estética y el cuidado tan característico de Flavio Mendoza. Sí, Flavio Mendoza, un profesional capaz de provocar asombro y emoción no solo a niños, sino también, a adultos fascinados ante esta puesta en escena.


Con un vestuario que deslumbra y se destaca en calidad y extravagancia. Desde una estética visual que cuida el detalle de los pequeños momentos, en donde cada elemento cobra vida detrás de un artista, con coreografías que derrochan talento y se atreven a ir a jugar con el riesgo.
La presencia de Flavio Mendoza enaltece cada instante que está en escena; siempre es grato descubrirlo en su constante búsqueda de la perfección, transmitiendo su entrega absoluta a todo lo que ofrece. Sin temor a las alturas, a la adrenalina, a cada truco con obstáculo que enfrenta desafiante, es hermoso encontrarlo entregándose a cada disciplina.


Todo en el universo de Circo Anima respira vida propia, y lo atractivo de ese movimiento constante lo hace bellamente pretencioso, no deja de sorprender desde todos los ángulos que es posible que todo pase y nos lleve a su universo inmersivo.


Pero hay algo mejor, entender el motivo que mueve la pasión e impulsa a un espectáculo que, en la calma del final, cuando en lo simple, se encuentra al artista hablando del verdadero sentido de todo. En ese pequeño instante de emoción uno entiende lo que mueve a un protagonista capaz de crear su propio mundo y compartirlo con los que quieran apreciar la belleza y su universo de magia.


Ficha Técnica
Dirección: Flavio Mendoza
Reparto: Acompañan a Flavio Mendoza en el espectáculo músicos, cantantes, bailarines y artistas que se desempeñan en múltiples disciplinas.


Duración: 120 minutos
Funciones: De Miércoles a Viernes a las 20 hs, Sábados y Domingos doble función a las 17 y a las 20 hs. en la Carpa instalada en el predio del Casino de Puerto Madero, Avenida Elvira Rawson de Dellepiane 1.

Reseña: Don Quijote en el Teatro Colón

Bajo el impulso visionario de Julio Bocca, el Teatro Colón ha presentado una revitalización de «Don Quijote» que trasciende la mera representación para erigirse como un hito en la recuperación del ballet clásico. Esta nueva producción, que ha capturado la atención de la élite cultural de Buenos Aires, se alinea con una línea de trabajo que busca honrar y reinterpretar las obras fundacionales del ballet académico, infundiéndoles una vitalidad contemporánea sin sacrificar la excelencia técnica que define a las grandes tradiciones.


La dirección coreográfica de Silvia Bazilis y Raúl Candal, anclada en la versión seminal de Marius Petipa, es una demostración de erudición y destreza. Su interpretación respeta la estructura y el espíritu originales, mientras que la incorporación de la icónica Variación de las copas de Mikhail Baryshnikov en la Taberna no es un mero adorno, sino un puente que conecta el rigor de la tradición con la innovación de las grandes figuras del ballet mundial. Este diálogo entre épocas y estilos, mediado por la repositora invitada Lorena Fernandez Saez y la producción del Sodre, eleva la obra a una esfera de sofisticación artística que deleita tanto al conocedor como al neófito.
El corazón pulsante de esta producción, sin embargo, es el formidable trabajo del cuerpo de ballet del Teatro Colón. Su cohesión y precisión, su capacidad para ejecutar con una sincronía casi telegráfica las complejidades de la coreografía, son un testimonio de su dedicación y del alto nivel de entrenamiento. No se limitan a ser un telón de fondo para los solistas, sino que se convierten en una fuerza dramática por derecho propio, un coro griego que comenta y amplifica la acción principal. Cada movimiento, cada arabesque, está imbuido de una musicalidad y una intención que demuestran una profunda comprensión del lenguaje coreográfico.


La música de Ludwig Minkus, bajo la magistral batuta de Manuel Coves al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, es el cimiento sonoro de esta proeza. Coves dirige con un pulso enérgico y una sensibilidad que extrae toda la riqueza de la partitura, creando una atmósfera vibrante que impulsa la danza. La sinergia entre la orquesta y los bailarines es palpable, una conversación armoniosa que culmina en un espectáculo total. El diseño de escenografía y vestuario de Hugo Millán, sumado a la iluminación de Pablo Pulido, completa este cuadro de excelencia. La estética visual, que evoca la España quijotesca con un toque de modernidad, no es un mero decorado, sino un elemento integral que contribuye a la narrativa.


En suma, esta producción de «Don Quijote» en el Teatro Colón es más que una simple reposición. Es una declaración de principios artísticos, una afirmación del compromiso del teatro con la preservación y la evolución de una de las formas de arte más sublimes. Es, sobre todo, una celebración del talento inigualable de su cuerpo de ballet, cuya labor incansable y deslumbrante ha elevado esta obra a la categoría de acontecimiento cultural imperdible.

Crítica: Amores Materialistas


Por @cronicadeunavidacualquiera

No se puede vivir del amor.



La historia:
Lucy, interpretada por Dakota Johnson, tiene un trabajo inusual, es una casamentera profesional. Y una muy exitosa también, ya que ha llegado a “armar” su noveno matrimonio al que por supuesto está invitada. Pero no todo es luz en su vida, ya que ella misma está sola y dice que no se casará hasta conseguir un candidato rico.
Por supuesto, que en la misma fiesta de casamiento de su clienta conoce a la representación personificada de todos sus deseos materialistas, en la piel del personaje de Pedro Pascal, Harry, que sabe a la vez muy bien lo que ve en Lucy, alguien que entiende el juego y quiera hacer un simple intercambio comercial, o en otras palabras, se case con él.
Pero en esa misma fiesta también está su completo opuesto, John interpretado por Chris Evans, un aspirante a actor que trabaja de mozo para pagar las cuentas y que estuvo casado con ella. ¿Elegirá Lucy al hombre con el que siempre soñó o volverá a su viejo amor que no tiene un peso partido por la mitad? O lo que es más importante, ¿está película nos hará reflexionar sobre el materialismo asociado al amor, o se quedará solamente en el planteo inicial y no profundizará demasiado al respecto? Habrá que verla para enterarse.

¿Qué  me gustó?
Me gusta el tiempo que se toma la directora en las conversaciones, en mantener las miradas, sin que haya que llenar cada silencio con un dialogo vacío sólo para no aburrir a la audiencia. Claro que eso puede hacer que algunos la sientan un poco lenta, pero para mí es un acierto.
La química del elenco principal está allí, especialmente entre Lucy, el personaje de Dakota Johnson, y John, Chris Evans. Pedro Pascal tiene su charm tambien, aunque su participación es algo más reducida.

¿Qué no me gustó?
La peli se propone analizar el amor de una manera más profunda y adulta que una típica comedia romántica y hace planteos interesantes pero se queda en eso, no ahonda demasiado en la premisa y simplemente resuelve de la manera más obvia posible, como cualquier otra comedia romántica de Hollywood de las que tanto busca diferenciarse.
También se incorpora el tema del acoso al que se pueden exponer una mujer en una cita “a ciegas”, pero al igual que los otros temas que toca la peli, no se llega a ahondar demasiado en eso. 

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los que disfrutan de las películas románticas con una vueltita, eso seguro lo obtendrán con esta peli, claro que hay una posibilidad de que no queden satisfechos con el resultado.

Dato: Ni bien comienza la película hace una analogía con una pareja en la época de las cavernas que decide casarse. Y yo no sé cómo estaba de moda llevar la barba en esa época, pero que yo sepa la afeitadora se inventó en 1901. 

Calificación: 7/10
Duración: 116 minutos
Disponible 31 de julio en cines

George Harris Vuelve al Gran Rex con su Nuevo Show «El Pueblo de Uno»

Después de conquistar escenarios icónicos en EEUU y Europa, el renombrado comediante venezolano George Harris regresa a Buenos Aires para presentar su nuevo show «El Pueblo de Uno» en el Teatro Gran Rex.



La primera fecha del show, el sábado 23 de agosto, ya está TOTALMENTE AGOTADA con un éxito total de ventas, pero todavía hay una nueva fecha el lunes 25 de agosto.

George Harris es un comediante venezolano que ha logrado un éxito impresionante en su carrera. Con más de 75,000 espectadores en sus presentaciones en vivo en 2024, se ha consolidado como una figura destacada en el mundo del entretenimiento. Su talento ha sido reconocido con el prestigioso título de Mejor Comediante por Miami New Times en 2023.

«El Pueblo de Uno» es el nuevo show de George Harris, que ha cautivado audiencias en importantes lugares alrededor del mundo. Con presentaciones en recintos con capacidad para hasta 12,000 personas, este show es una experiencia única.
Entre los lugares donde se ha presentado se encuentran el Hard Rock Live en Hollywood, Florida, el Carnegie Hall en Nueva York y el Movistar Arena en Santiago de Chile.



Palabras de George Harris

«Poder presentarse nuevamente en este teatro tan icónico de Buenos Aires es un sueño hecho realidad. Prometo ofrecer un espectáculo inolvidable para todos los asistentes. Estoy emocionado de volver a compartir mi pasión por la comedia con el público argentino y de presentar mi nuevo show «El Pueblo de Uno» en uno de los teatros más emblemáticos de la ciudad.»


Sábado 23 de agosto (AGOTADO) y lunes 25 de agosto
Teatro Gran Rex – Av. Corrientes 857
http://www.elgeorgeharris.com
Tickets: tuentrada.com

Análisis: PATAPON 1+2 REPLAY para PC

Por Alejandro Corell




“PATA PATA PATA PON”

PATAPON es sin duda un juego fresco, ideal para el verano. Si me preguntáis a mí, os diría que lo relaciono únicamente con este periodo. Posiblemente, porque la primera vez que lo jugué fue en una calurosa mañana de julio, con una PSP con la que luchaba contra el aburrimiento y contra la posibilidad de que esta se derritiera.


No conocía de nada la franquicia, pero debajo de casa había un videoclub donde también alquilaban juegos y, ceremonialmente, lo visitaba una vez a la semana para elegir qué título me acompañaría durante los próximos días. Rápidamente su llamativa carátula me cautivó y me lo llevé a casa sin saber exactamente lo que estaba eligiendo.
Nunca he sido muy fan de los juegos de ritmo, con excepción de una pequeña obsesión por Elite Beat Agents (2006) y en un primer instante, me arrepentí de mi elección al descubrir que no se trataba de un RPG, sino de una fusión entre estos dos géneros. Por suerte, le di una oportunidad (poco más podía hacer, el dinero gastado no volvería) y sólo necesité un par de minutos y unos rítmicos golpes de tambor para cambiar mi opinión hacia el título. Cuando tuve que devolver el juego, tuve claro cuál sería mi siguiente elección: PATAPON 2.
Después de ese verano, perdí la pista a la saga y no volví a acercarme a ella. Hasta ahora. Pese a que el primer y segundo título gozaron de un remaster para PS4, la saga nunca salió de las consolas de Sony hasta la llegada de PATAPON 1+2 REPLAY. Por primera vez, es posible disfrutar de los dos primeros títulos de la franquicia en todas las consolas principales, añadido que facilita sobremanera la llegada de estos títulos a nuevos consumidores y, espero, dirige la saga hacia un repunte de popularidad.
Este remaster aboga, por ofrecer una experiencia 1:1 con la versión original, accesible en todas las plataformas, con audio y resolución mejorados, adaptados a los nuevos estándares. Decisión un tanto controversial, al tratarse de juegos originales de PSP.
“PON PON PATA PON”



Pese a ser perfectamente jugables, los esquemas de control de muchos juegos de la consola se sienten algo toscos a día de hoy. No es que hagan falta demasiados botones para jugar a PATAPON (técnicamente, con cuatro podríamos servirnos), pero habría agradecido un nuevo sistema de menús, más manejable y la opción de acceder a estos en mitad de un nivel, por si es necesario pausar la experiencia.
Más allá de estos inconvenientes, la experiencia PATAPON sigue siendo muy disfrutable a día de hoy, siempre que nos adentremos en esta con las miras abiertas. PATAPON se podría definir como un RPG rítmico, en el cual dirigimos a nuestro ejército a través de cuatro tambores, controlados por los cuatro botones de acción principales del mando.
Cada uno de ellos servirá para usar un tambor con diferente sonido, y la combinación de estos, manteniendo un ritmo adecuado, se traducirá en órdenes para nuestros soldados: avanzar, atacar, defenderse o retroceder, entre otras. Con ello, tomamos el papel de general del ejército PATAPON (o de dios, si les preguntas a ellos). Japan Studio consigue, con una premisa tan sencilla, un sistema fácil de comprender, difícil de dominar.



Tras unos primeros enfrentamientos muy sencillos, las cosas comenzarán a complicársenos enseguida y después de nuestra primera derrota, nos daremos cuenta de que algo falta, necesitamos algo más para poder superar los desafíos. Ese algo tiene nombre: farmeo insano.
Y es qué PATAPON, como otros RPG de la época, recurre al aumento brusco de las estadísticas enemigas; esto nos obliga a dedicar más tiempo del esperado a repetir unos mismos enfrentamientos si mejorar a nuestros personajes lo suficiente para poder avanzar. Esta situación llega a cotas exageradas con algunos enfrentamientos, como el primer gran dinosaurio, logrando que el juego se parezca más a un Monster Hunter que al tipo de producción a la que apunta. Tal fue el revuelo que causó esta situación que en siguientes entregas fue posible encontrar referencias a una cuasi extinción de estas criaturas por su caza descontrolada.
“CHAKA CHAKA PATA PON”



No obstante, PATAPON sigue destacando por su brillante premisa, ofreciendo una experiencia jugable que a día de hoy se mantiene a la altura del resto de juego de su/s genero/s. Si ya conocíais la saga, no creo que tengáis muchas dudas para haceros con esta versión, por una vez más accesible y multiplataforma.
Si es la primera vez que escucháis este nombre, es una gran oportunidad para descubrir la obra musical de JAPAN STUDIO. Incluso si no sois grandes fanes de los juegos rítmicos, PATAPON 1+2 REPLAY puede convertirse inesperadamente en vuestra puerta de entrada al género. ¿Escucháis ya los tambores? Cuentan algo profundo, algo como: PATA PATA PATA PON.


Calificación: 8,5/10

Crítica: La mujer de la fila


Por Pablinteve

Andrea, una mujer de clase media, está atrapada en una pesadilla. Su hijo, Gustavo, es encarcelado injustamente. Para visitarlo tiene que hacer la fila afuera del penal, al igual que las demás mujeres, pero ella se siente muy diferente. Comienza a darse cuenta del difícil mundo que padecen los familiares de detenidos y, poco a poco, se va acercando a ellos, que la ayudan a enfrentar y sostenerse durante el tiempo que le lleva sacar a su hijo de la cárcel. Pero un giro inesperado obliga a Andrea a enfrentar el límite de su propio amor y fortaleza.



Lo que me gustó
La filmación, que concluyó en julio de 2024 , contó con la guía de Andrea Casamento, así como con la participación de las mujeres de la ACIFAD,  Asociación Civil de Familiares Detenidos .
Es una peli cruda, que por momentos incomoda, sobre todo, a los que estan lejos de esas realidades, a los que se sienten excentos, y sorprende en su desarrollo. Oreiro siempre cumple, y creo que es la mejor actuación en la que la ví jamás.

Lo que no me gustó

Visualmente es cuidada, sí, pero de una forma que resulta pretenciosa, como si quisiera forzar una sensibilidad poética que no se sostiene en el contenido. Todo suena impostado, como si la película quisiera gritar “mirá qué sensible soy” pero sin tener una historia o un conflicto real que lo respalde.
En resumen, La mujer de la fila es una de esas películas que buscan ser arte por acumulación de silencios y miradas largas, pero que se olvidan de contar algo que realmente conmueva o interese. Bonita por fuera, vacía por dentro.

puntaje 6/10

Reseña: Pedro entre páginas


Un Pedro, muchos Pedros en cada historia

El pasado miércoles, tuve la oportunidad de asistir al unipersonal de Emmanuel Maximiliano  ‘Pedro entre páginas’.  Una adaptación de Peer Gynt de Henrik Ibsen; una ingeniosa forma de condensar este clásico noruego en un drama cercano a nosotros.



»Pedro Giménez es un bibliotecario que, cansado de su rutina y atrapado en sus pensamientos, se sumerge en una fantasía donde su vida comienza a entrelazarse con la historia de Peer Gynt. Como si emergiera de las páginas de los libros que lo rodean, Pedro se embarca en una búsqueda de aventuras sin notar que lo valioso siempre estuvo cerca».
Esta es la sinopsis del unipersonal dirigido por Mariano Terré.

El actor está encerrado en un círculo, torres de libros lo rodean. Mariano Terré es la encargada de llevar la escena de Pedro entre páginas bajo una puesta simple pero que entiende el material y lo vuelve físico.

Una fortaleza que no lo dejará salir del costumbrismo de su vida y su obsesión con el pasado. Emmanuel Maximiliano  construye una narrativa personal que evoca al pasado, a aquello que fue bueno y que ya no está y aquello que pudimos tener y que lamentamos hoy.

Pedro es un hombre cualquiera, uno que vive historias ajenas de autores latinoamericanos y universales pero que no vive la suya, ¿Hay algo más que páginas polvorientas?
El eterno dilema del pensador: Vive por los pensamientos para sobrepasar la realidad.

Lo interesante de Pedro entre páginas es la habilidad para transmitir los sentimientos de un personaje complejo, la forma en que entiende a Peer Gynt y lo adapta para hacerlo menos ajeno usando una comedia seca y escenarios locales.Una dirección  más cercana de  aquellos dilemas  existenciales que hemos atravesado.

Pedro entre páginas está disponible los miércoles a las 20 horas en Teatro Ítaca.

Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.

Análisis: Somber Echoes para PS5


Somber Echoes se adentra en el concurrido género Metroidvania con una propuesta intrigante que, si bien no revoluciona sus mecánicas, las ejecuta con una solidez que te atrapará. Este juego de plataformas en 2.5D nos sumerge en un universo donde los dioses han caído, y la humanidad se aferra a la existencia a bordo de la vasta nave espacial Atromitos. Encarnamos a Adrestia, una heroína con la tarea de explorar, combatir amenazas extradimensionales y tomar decisiones que moldearán el destino no solo de la nave, sino del universo mismo.


Jugabilidad: Exploración y Combate Estratégico
Desde el inicio, Somber Echoes deja claro que, a pesar de la destreza de Adrestia, la exploración es el pilar central de su experiencia Metroidvania. El mapa se despliega progresivamente a medida que Adrestia adquiere nuevas habilidades, abriendo caminos y secretos antes inaccesibles. Sin embargo, no subestimes la necesidad de dominar su arsenal. Aunque el combate directo no es la constante, estar preparado es crucial.


Adrestia cuenta con un variado conjunto de herramientas que te obligarán a pensar estratégicamente. Su fiel Gladius permite encadenar ataques cuerpo a cuerpo, mientras que el potente Árbitro, un arma a dos manos, desata un devastador ataque aturdidor. Para el combate a distancia, la Lanza Legionaria es ideal para ataques calculados, y la Explosión Nocturna, un arco y flecha que consume parte de tu armadura, ofrece un ataque a distancia con un costo.


El sistema de paradas es un elemento clave del combate y un componente que añade profundidad táctica. Un bloqueo en el momento justo aturde brevemente a los enemigos, incluso a los jefes, abriendo una ventana para desatar el caos. Cada adversario te da pistas sobre cuándo es el momento ideal para parar o evadir. Una parada fallida puede resultar en un simple bloqueo, pero un error mayor te dejará aturdido y vulnerable, especialmente si te enfrentas a varios enemigos a la vez. Dominar esta mecánica es fundamental para la supervivencia.
Además de las armas, Adrestia posee habilidades de movimiento esenciales para la exploración y el combate, como la capacidad de flotar para descensos controlados y la habilidad de atravesar ciertas puertas tras potenciar su Lanza Legionaria.


Apartado Visual y Sonoro: Una Estética Atrapante


El apartado visual de Somber Echoes destaca por su personalidad propia, aunque con claras influencias de títulos como Ori o Ender Lillies. La mitología del juego se entrelaza a la perfección con el diseño artístico, creando una atmósfera única. Los diseños de los monstruos son uno de los puntos más fuertes: auténticas abominaciones que refuerzan la sensación de terror que los habitantes de Atromitos sienten hacia estas criaturas. Arañas de carne, seres con «hachas de carne», ojos flotantes y otras figuras grotescas pueblan la nave, con una variedad que mantiene la frescura en cada encuentro.
Aunque los controles quizás no alcancen la profundidad o el refinamiento de los titanes del género, la inmersión en el mundo de Somber Echoes es casi inmediata. La música acompaña de forma excelente la ambientación, variando entre melodías tenues que realzan la exploración y composiciones más intensas que se disparan en los momentos de combate cruciales.


Conclusión
Somber Echoes es un buen juego que cumple con lo que promete. Si bien sus mecánicas no reinventan la rueda, la forma en que entrelaza la exploración, el combate estratégico y una narrativa interesante en un mundo con una identidad visual marcada, lo convierte en una aventura entretenida y gratificante. Es un título que entiende el alma del Metroidvania y te sumerge en su universo post-divino con una propuesta sólida.


Calificación: 7/10

Crítica: División Palermo (Temporada 2)


«División Palermo» fue una de esas gratas sorpresas que nos dejó Netflix en su primera temporada. Una comedia con chistes que funcionan, una estructura ágil de episodios de menos de 30 minutos, y una trama central de caso delictivo resuelto por un grupo de inexpertos, fue la fórmula del éxito. Su humor negro, que no temía burlarse de las discapacidades y de cómo la sociedad a menudo invisibiliza a quienes las tienen, fue uno de sus puntos fuertes. También se reía del falso progresismo y de cómo algunas instituciones instrumentalizan la inclusión para su propio beneficio, utilizando a un elenco de personajes que, sin quererlo, formaron una guardia vecinal única: el ciego, el que usa silla de ruedas, el extranjero y otros más.


La segunda temporada se enfrentaba a un gran desafío. Si en la primera funcionó ver a estos «mimados» por la división resolviendo un caso policial, ahora, con su experiencia y reconocimiento, la fórmula necesitaba algo más grande. En esta entrega, el protagonista, interpretado por Santiago Korovsky, es reclutado por los servicios de inteligencia para investigar un nuevo caso. La trama, aunque no sorprende tanto, mantiene intacta su incorrección política, incluso más presente que antes.
La serie repite su exitosa fórmula de maratón con seis capítulos de media hora cada uno. Se profundiza en la participación de los personajes de la guardia urbana, y se introducen nuevos rostros que contribuyen al humor, especialmente al burlarse del sistema político y del uso de la palabra «inclusión». Es precisamente en la burla a sus propios personajes donde la serie encuentra su mayor diversión. Si bien existe el riesgo de que la fórmula se agote en el futuro, por ahora, «División Palermo» sigue funcionando y nos sigue haciendo reír.