Reseña de “El regreso” dirigida por Agustín Alezzo

El regreso es una obra de Brian Friel, estrenada en 1977. Cuenta la historia de Frank Butler, un oficial del ejército irlandés que, tras lograr la hazaña de rescatar a un grupo de personas en una misión de Naciones Unidas, regresa a su pueblo como un héroe. Ese día de celebraciones termina siendo una tragedia gracias a que se destapa un secreto familiar que cambia su destino y arrasa con toda la gloria con la que regresa al hogar.

"Driftwood Beach"    pastel   19"x 25"

La obra transcurre en sólo esas 24 horas donde la vida y la muerte de este hombre se tocan en el mejor y peor momento de su vida. Pero la historia no transcurre de manera lineal, sino que se va representando de a episodios en los que los distintos personajes, miembros de la familia, hacen o dicen cosas que podrían haber cambiado el resultado de los acontecimientos. Y la decisión de qué episodios se representan y cuáles no es de un personaje/director, que va contando la historia según un registro escrito que encuentra de la misma. Este personaje, a quien llaman “el hombre”, se presenta en el comienzo de la pieza, llama a todos los personajes para presentarlos a ellos y luego los va llamando a cada uno según quién sea necesario para representar cada episodio.

Este recurso metalingüístico no es algo novedoso y muestra una clara intertextualidad con la obra “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello, estrenada en 1921 y que sí constituyó una novedad para la época, ya que presentaba procedimientos que, en el teatro moderno, no se desarrollaron completamente hasta la década del ‘60.

Hoy en día, en la vasta oferta teatral porteña, creo que es importante poner en escena obras que generen algún tipo de vínculo con el público y tengan relevancia en cuanto a la historia, cosa que cuesta encontrar en producciones de este tipo u otras como, por ejemplo, “Escenas de la vida conyugal” de Ingmar Bergman, estrenada en 1973.

Lo más destacable son las actuaciones, todas muy parejas y excelentes caracterizaciones, de estilo realista. Agustín Alezzo es un director con gran prestigio como maestro de actores y en esta pieza se puede observar que claramente el foco está puesto en su métier, la cual aplaudimos.

Funciones: de jueves a domingos, 20:30 hs. 
Última función: 25 de noviembre
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.
Entradas: Pullman $200-, Platea $250-. Día popular (jueves).

Ficha técnica:
Elenco:
Carlos Kaspar –  El Señor
Claudio Amato – Charlie
Alejandro Fain – Frank
Sol Fassi – Tina
Bernardo Forteza – Padre Tom
Stefania Koessl – Anna
Lorena Saizar – Helen
Federico Tombetti – Sean
Magela Zanotta – Myriam

Equipo Creativo:
Dirección: Agustín Alezzo
Asistente de Dirección: Edgardo Millán
Escenografía: Marta Albertinazzi 
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal 
Diseño de Vestuario: Analía Morales
Iluminación: Chango Monti
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers
Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio
Traducción de Texto: Marina Durañona
Producción Artística: Sebas Rojas

Sol Grünschläger

Crítica: El puente azul

AYÚDAME A MIRAR EL MAR

A principios del siglo XX, el flujo inmigratorio trajo a Antonio, desde la hermosa Italia entonces hambreada, dejando a María, su prometida, en su país. Ya en un tiempo contemporáneo al nuestro, Roni se marcha a vivir su aventura europea y en uno de sus tantos trabajos, conoce a Evangelina, una cantante italiana. Primero se hacen amigos, hasta que sin darse cuenta, un sentimiento más profundo los desborda.

El Puente Azul es una historia de distancias, de melancolía, de amores y soledad, de encuentros y alegrías, de individuos en búsqueda de un futuro soñado, arrastrados por un espíritu de aventura ó por una ilusión.
También narra la dureza de la vida del inmigrante a principios de siglo XX: jornadas de trabajo agotadoras, conventillos donde vivían hacinados, paga magra… y la distancia. Semanas, meses, para recibir una misiva de sus seres queridos. También cuenta los días azarosos, de descubrimiento y sorpresa de un argentino de este tiempo por Europa, en una suerte de viaje iniciático. Y el encuentro en Francia, de una mujer audaz como él, también inmigrante.

Con formato de epistolario (no importa si son cartas, whatsapps, mensajes de texto, facebook, etc) la historia permite un viaje temporal y acortar las distancias, cruzar el puente azul del inmensurable mar.
Antonio y María, Roni y Evangelina, tendrán encuentros, desencuentros, palabras como caricias, pensamientos como flores, se tendrán a sí mismos para ofrendarse al otro.

Pocos elementos de vestuario son suficientes para que los personajes muten: un pañuelo, una campera, un prendedor, una gorra, un chaleco… y las canciones. El Puente Azul es un bello pretexto para escuchar hermosas palabras de amor,
canciones que expresan sentimientos encontrados, un decir evocador.

Las actuaciones de Dolores Ocampo y Mariano Mazzei son simplemente
cautivantes, transportan al espectador por diferentes estados con maestría. Un violín y un piano, más una escenografía despojada sirven para mostrar un mundo con todos sus matices. La música en vivo interpretada por Nicolás Reboredo (violín) y Fernando Abinarrate (piano) es de tal impronta, que impone el ritmo del espectáculo.

La dirección de Emiliano Dionisi es precisa y sugerente. Es claro que maneja a la perfección los recursos adecuados para construir un espectáculo de calidad.

Estreno: sábado 23 de septiembre, 20:00 h.
Funciones: sábados, 20:00 h.
Función en el marco de la Bienal de Arte Joven: sábado 30 de septiembre, 20:00 h. (entrada libre y gratuita)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)
Informes: 4524-7997. Boleterías, de lunes a viernes de 11 a 21 h.
Entradas: $200-.
Duración: 65 min.

Ficha técnica:
Texto y música: Fernando Albinarrate
Idea original: Mariano Mazzei
Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei
Piano: Fernando Albinarrate
Violín: Nicolas Reboredo
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra
Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi
Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Fotografía: Lau Castro
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Director asistente: Juan José Barocelli
Dirección general: Emiliano Dionisi

A. R. Belano

Reseña: Quetza, el conquistador

Una adaptación teatral de la novela de aventuras El conquistador de Federico Andahazi.

Quetza, un niño a punto de ser sacrificado a los dioses, es salvado por un anciano azteca. Narrada con agilidad y cálida expresividad, el oficio del juglar nos transporta a lugares, situaciones y entrañables personajes que se conjugan en un espectáculo que sacude la imaginación.

Agustín García (intérprete) se pone al hombro este exigido unipersonal con la bravura de quien se enfrenta solo a la tarea de cruzar un océano de espectadores desacostumbrados a oír largas historias. Es que actuar tiene un poco del oficio del marinero; como Quetza, el protagonista de este relato, Agustín se embarca en una misión sin saber hasta el momento del aplauso si sus palabras llegarán a buen puerto.

Nos zambulle en la vida de este niño, devenido en un joven que se siente atraído por los mares; que es un valiente guerrero; que es un sabio y un conocedor del futuro: un héroe trágico que anticipa el enfrentamiento entre dos dioses. El actor y el director realizan un trabajo excepcional para que podamos sentir cercano a ese hombre endiosado que se nos presenta. Acompañado por una escenografía mínima y un texto apacible y descarado, Agustín logra progresivamente que las distracciones pierdan su poder sobre nosotros.

Un viaje, el riesgo del cruce de la frontera, la civilización y la barbarie… La travesía es tan placentera que termina antes de que nos demos cuenta y nos apena que llegue a su fin. La música de Pequeña Orquesta de Reincidentes da por finalizada la función y apacigua el sabor amargo que nos da abandonar la sala.

Quetza, el conquistador estará en cartelera durante los jueves de noviembre a las 21 hs. en El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530) –el lugar cuenta con un bar a la calle y los que lo atienden afirman que la especialidad de la casa es el gin tonic–. Las entradas tienen un costo de $220; también hay promoción de 2×1 con Club La Nación y se pueden reservar o comprar por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

Autor original: Federico Andahazi

Adaptación teatral: Daniel Kuzniecka

Intérprete: Agustín García

Iluminación: Daniel Kuzniecka

Fotografía: Marcelo Rembado

Vestuario y escenografía: Jorgelina Herrera Pons

Diseño gráfico: Guido García

Dirección y puesta en escena: Daniel Kuzniecka

Producción ejecutiva: Kazeta Prensa

Prensa y difusión: Kazeta Prensa

Lara Salinas

Crítica : Liga de la justicia

Uno de los estreno más esperados ha llegado , si bien luego de lo que fue Batman vs Superman, con opiniones divididas tanto del público como la crítica, esta cinta viene con muchas expectativas debido a la unión de famoso equipo de héroes de DC cómics. Con algunas sorpresas y otros errores, el film viene con el objetivo de entretener y dividir al público nuevamente.

Motivado por su renovada fe en la humanidad e inspirado por el acto abnegado de Superman, Bruce Wayne une fuerzas con su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentar a un enemigo más amenazador. Batman y Mujer Maravilla trabajarán juntos para encontrar y reclutar a un equipo de metahumanos para dar batalla a esta nueva amenaza. Sin embargo y pese a la formación de esta liga de héroes inédita -Batman, Mujer Maravilla, Aquaman, Cyborg y Flash-, puede que ya sea demasiado tarde para salvar al planeta de un ataque de proporciones catastróficas

El objetivo de la película ha sido unir a un grupo de héroes conformados por Batman, Superman , Wonder Woman, Cyborg , Aquaman y Flash. Si a la película la analizamos desde ese sentido , se puede decir que ha sido una adaptación efectiva y que se ha podido presentar perfectamente a los personajes aunque algunos no hayan contado con alguna presencia en anteriores films, siendo algo más sencillo de adaptar. Tanto Flash , Cyborg y Aquaman han tenido una muy breve aparición en Batman vs Superman , que más bien fue una mención sobre su existencia , ya que serán posibles candidatos cuando se deba armar un equipo si la amenaza lo requiere. La muerte de Superman ha supuesto un miedo en la población y esto ha resultado oportuno para que el villano Steppenwolf decida ir a la tierra con un CGI terrible y el afán de conquistar el planeta para trasladar su mundo allí. Eso basta para que nuestros ya conocidos personajes (Batman y Wonder Woman) comiencen a reclutar a su propio ejército , el problema es que.. ¿Porqué un par de desconocidos estarían dispuestos a luchar por una causa que no es suya ? El films se toma su tiempo para conocer a los personajes, de convencerlos para enfrentar a la amenaza y formar el equipo que todo seguidor de DC quería ver.

Flash (Ezra Miller) es el chico gracioso y novato del grupo, su personaje pasa por un momento en el que aún no es consciente de sus poderes, siendo su participación un inicio del personaje y que da pie a que su historia pueda desarrollarse en forma individual. Su participación es más que correcta , tratándose de la mejor incorporación nueva. Mucho se ha hablado de Jason Momoa en cuanto a su participación como Aquaman, su participación es correcta. Si en este caso resulta necesario la expansión de la historia del personaje para que podamos decir si su fichaje es el correcto o no. El film apenas nos introduce en el océano para conocer a los atlantes , cosa que nos deja con ganas de un poco más. El caso de Cyborg ha sido uno de los más desarrollados , ya que su creación tiene que ver con el conflicto principal del film. Vemos al personaje casi desde sus inicios , donde apenas está comenzando a descubrir sus poderes y que decidirá hacer con ellos. En cuanto a Batman , Ben Afflek se afirma como una buena elección para el personaje , cuya importancia ha sido relevante para la unión del equipo . Wonder Woman (Gal Gadot) simplemente más fantástica que nunca.

Debería creer que estoy cometiendo un spoiler pero en si creo que era algo más que obvia la aparición de Superman, por mas que en los trailers y en los pósters oculten su presencia. El problema del films radica desde su aparición , y la forma tan apresurada que busca para derrotar al villano y culminar el film. En Batman vs Superman ha sucedido algo similar , ha tenido un perfecto desarrollo de los personajes y los conflictos hasta llegar a su enfrentamiento, después de eso le ha sido imposible encontrar una forma coherente de resolverlo , llegando al tan criticado y absurdo asunto de las “Marthas” . Por suerte en este caso el villano no tiene una madre llamada igual , así que el grupo se las tendrá que arreglar un poco mejor para derrotarlo. Cómo presentación de personajes , la película se encuentra muy bien desarrollada, aunque el villano no convenza , su aparición era sabida que era una excusa para unir a nuestra amada liga de la justicia. Hacia su final decepciona un poco, volviendo a dejar un gusto agridulce la dirección de Zack Snyder , abusando del CGI en muchas escenas de acción.

En conclusión, Liga de la justicia es una película que si bien no va a decepcionar a todo el público, no supone una gran sorpresa para la aparición del famoso equipo de héroes de DC . Estamos más bien ante un inicio donde se comenzará a expandir este universo en siguientes películas , de ese modo funcionan muy bien. A pesar de los fallos cometidos nuevamente , la cinta es llevadera y entretenida, así que vayan tranquilos a su sala de cine más cercana.

Nota: 7.5/10

TITULO ORIGINAL: Justice League

ACTORES PRINCIPALES: Henry Cavill, Gal Gadot, Ben Affleck.

GENERO: Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Zack Snyder.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 16 de Noviembre de 2017

Apta para mayores de 13 años

Daniel Alvarez

LEIDENSCHAFT = Pasión, Fervor

Danza teatro, a través del movimiento, sugiere imágenes y situaciones. El público acompaña a la mutación que van sufriendo los personajes en el tiempo y espacio persiguiendo la libertad como manera de expresión.

El título de la obra LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos.

El Grupo G5 son tres bailarines/actores y dos actrices/bailarinas encargados con su físico de transmitir al público emociones y mantener un diálogo inusual: el sentimiento a través del movimiento. El texto físico es interpretado por Flor Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

El despliegue en escena es excelente, la coordinación de los bailarines, la fuerza de las escenas, la iluminación con que se nutre la coreografía, el uso escaso de diálogo en palabras pero exacto para entender las situaciones. Con una banda sonora y musicalización en vivo de Roberto Galván ajustada en forma precisa como una pieza de reloj donde todo funciona perfectamente y en armonía.

La idea y dirección también es de Galván y está Inspirada en `Cuentos de Amor de Locura y de Muerte` de Horacio Quiroga. Transcribiendo sus propias palabras “Cuentos de Amor de Locura y de Muerte se asociaron a mi inconsciente para elaborar una obra que amalgama los dos mundos que me hablan, el alemán y el argentino”.

La obra mediante movimientos de danza contemporánea o perfomáticos, valiéndose de un excelente vestuario y escenografía, donde libremente vuelan sentimientos tales como amor, violencia , donde se manifiesta el desprecio por la mujer, la pelea entre machos cabríos y en contraposición a escenas eróticas.

Esta obra se presenta todos los domingos en el ELKAFKA ESPACIO TEATRAL LAMBARÉ 866, a las 21 hs. Donde bailarines demuestran las otras formas existentes de expresión sin necesidad de la palabra y como se puede recitar poesía a partir de como vibren en escena los cuerpos físicos.

Ficha técnica:

Idea y dirección: Roberto Galván

Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur

Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván

Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván

Voz en off y textos originales: Roberto Galván

Espacio escénico: GM Villa Elisa

Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván

Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato

Funciones:

Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs

Precio de la entrada: $250.-

Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-

http://www.alternativateatral.com

ELKAFKA, Espacio teatral.

Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439

Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com

Diana Decunto

Todo lo que nadie ve, de Javier Rodríguez Cano

Los viernes a la noche cobra vida en escena la primera pieza teatral redactada por este actor y director de prolongada trayectoria que, gracias a su experiencia en el arte escénico y a las bellas interpretaciones de su texto que realizan Lourdes Invierno (la Madre) y Julian Fuentes (el Hijo), mantiene en vilo al público a la espera de un derrumbe edilicio.

“Todo lo que nadie ve, vos lo ves, cada nervio que sufre, lo sanás” dice la canción Joga de Björk, y parece reducir, con sencillez, el vínculo primordial entre un hijo y su madre. Sin embargo, lo sabemos, las relaciones no son tan sencillas como las canciones.

Una madre y su hijo acaban de sufrir la muerte del padre de la familia. En algún momento el hijo aprendió que el dolor se paga con la enfermedad y la enfermedad con el aislamiento y desde entonces mantiene a su madre alejada de la realidad. Él cree que eso es lo mejor para ella. Ella, en cambio, pugna, sin fuerzas pero con insistencia, por salir.

La acción transcurre en el dormitorio que antes fuera del matrimonio: un papel tapiz raído y sucio, objetos que caen por su cuenta, paredes que truenan por dentro y una grieta que da cuenta de un derrumbe inminente. Algo se desmorona.

La puesta en escena indaga en los matices que tiene la sobreprotección a través de distintos gestos, tonos de voz, posturas del cuerpo y del vínculo simbiótico que se establece entre dos personas que solo se tienen mutuamente. La habitación del empapelado raído, los muebles viejos, las goteras y las hormigas hace las veces de cárcel casera custodiada por un hijo atento y afectuoso, pero no por eso algo machista y agresivo (si es que se puede hablar de violencia en términos graduales).

La canción que le da el nombre a este evento teatral también hace alusión a los “paisajes emocionales”; y este espectáculo nos ofrece un vasto avistamiento de los diferentes estados por los que una mujer, que es prisionera de sus recuerdos y de los psicofármacos, puede atravesar. Lourdes Invierno personifica con tanta naturalidad a la Madre que desdibuja su rol como actriz; la verosimilitud de su arte da la sensación que estuviera actuando de sí misma, cuando dista completamente de aquella mujer a personifica en escena. Por su parte, Julian Fuentes se desenvuelve con sumo profesionalismo y se vislumbra que tiene un gran talento por explorar y desarrollar.

Todo lo que nadie ve estará en cartelera hasta el 24 de noviembre en Vera Vera Teatro (Vera 108, barrio Villa Crespo) los viernes a las 21 hs. Las entradas tienen un costo de $200 –hay promoción para estudiantes y jubilados a $180– y se pueden reservar por la página de Alternativa Teatral.

Ficha técnico artística

Actúan: Julian Fuentes, Lourdes Invierno

Diseño de luces: Christian Gadea

Realización de escenografía: Federico Falasco

Realización de objetos: Lorena Pavesi

Fotografía: Gustavo Maggi

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción general: Carola Parra

Dirección de arte: Gustavo Maggi

Dramaturgia y dirección: Javier Rodríguez Cano

Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 50 minutos

Lara Salinas

Crítica: Paterson, dirigida por Jim Jarmusch

La rutina de la vida, el día a día, el trabajo, el descanso, el amor y la poesía. Todo eso es Paterson, la última película del siempre original Jim Jarmusch.

Desde el nombre de su última ficción Jarmusch está jugando con la dualidad, ya que Paterson es el nombre del pueblo donde vive Paterson, el protagonista de la película, encarnado por Adam Driver quien es conductor de colectivo. Las repeticiones aquí no serán casualidad y se darán más a lo largo del film. De hecho, a base de repeticiones se construye la película. La vida de una persona normal, sin muchas complicaciones, con días simples y comunes, repetitivos como los de cualquier trabajador, son el eje principal de la historia: el despertador no suena, pero Paterson se despierta siempre a la misma hora; el camino al trabajo es siempre el mismo; la ruta del colectivo es igual todos los días; a la noche un rato de charla con su novia, el paseo con el perro, el bar y luego ir a dormir. Poco pareciera suceder en la vida de Paterson, pero él sabe observar lo cotidiano de una forma diferente, encuentra en lo usual una visión renovada, porque Paterson es un poeta, y la poesía se nutre de cualquier aspecto de la vida, hasta de lo que pareciera ser más sencillo y banal.

Durante esa rutina de la vida diaria, Paterson llena las hojas de su cuaderno con distintas poesías, reflexiones que hace de lo que le sucede. Una caja de fósforos se convierte en un poema de amor, la poesía de una niña en una profunda inspiración poética. Paterson siente en su interior esa necesidad que vive en los artistas de expresarse en un lenguaje propio, profundo, mientras el tiempo pasa y la vida sucede a su alrededor.

Jarmusch es un artista y su lenguaje el cine, con el cual nos transmite, de forma sutil y simple, esa segunda visión de la vida, esa visión más despierta e interesante, en la cual lo que se observa no es siempre igual, porque todo cambia, porque el tiempo corre, como las cascadas que se sienta a ver Paterson todos los días en el horario del almuerzo. Esta película transmite esa sensación, la de que todo lo que nos sucede es un acto mágico e inesperado del cual no conocemos nada y gracias al cual podemos conocer mucho de nosotros y del mundo. Paterson cree saber cómo serán los días, pero en la semana que vivimos con él, habrá pequeños cambios, inesperados, repentinos, mínimos que harán que se encuentre más consigo mismo.

Estamos ante una de las películas más sólidas del director norteamericano que sabe cómo mantener su originalidad y características personales más allá del éxito y reconocimiento internacional que ha tenido. Sabe cómo mantener su cine en una línea independiente y opuesta al cine convencional, pero no por eso es de difícil acceso al público. Es un director que no pretende y no defrauda, su cine es simple, directo, sobrio y claro y Paterson es uno de los mejores ejemplos de esto. Una película pasiva y silenciosa, bella en todos sus aspectos, gracias a la cual saldremos de la sala con una sensación de tranquilidad y paz.

9/10

Ian Quintana

Reseña: Vidé/la vuelta móvil

Cuando el público ingresa a la sala para ver Vidé/la vuelta móvil se encuentra con una puesta en escena diferente a lo convencional: el escenario se ha desplegado por la sala, separando las butacas de los espectadores, enfrentándolos y colocándolos en la ladera de un camino por el cual transitará la vida de un hombre que sólo tiene un deseo: morir en paz.
Ese hombre es el militar y dictador Jorge Rafael Videla.

En esta pieza el humor y lo dramático se mezclan para narrar uno de los temas más importantes y sensibles de la historia argentina: la dictadura cívico militar de 1976. De forma sutil pero directa esta obra escrita por Vicente Muleiro recorre la vida y muerte de Vidé(la) (Carlos Vignola) cuyo único deseo es morir de forma digna. Para lograrlo, recibe la ayuda, los consejos y las burlas de Biondi (Carlos March) un curioso personaje que funcionará como un espejo, por momentos idéntico, por otros opuesto, de aquel serio y severo militar. En el intercambio dialógico entre estos dos personajes, en las inteligentes frases directas e indirectas a hechos o personas de la década del 70, en el juego con el lenguaje y con las palabras reside lo esencial de la historia.

Pero no sólo el texto es notable en esta obra. La puesta en escena, realizada originalmente por Norman Briski, contiene una variedad de recursos que se despliegan lenta y paulatinamente con el fin de ubicarnos en el contexto al que hace referencia la historia. La infancia de Videla, su aprendizaje militar, su llegada al poder, la dictadura y hasta el instante previo de su muerte es narrado aquí con ayuda del vestuario y los elementos escenográficos, que se alejan del típico atrezo del teatro independiente por su calidad y cantidad. Carlos Mauch, quien también dirige la obra, es un camaleón que se adapta a las varias situaciones históricas, transformándose en distintos personajes con sólo modificar el tono de voz, el idioma o la posición del cuerpo. Se destaca su trabajo actoral por la versatilidad y la impecable manera de hacer viajar al público por múltiples personalidades frente a las cuales el general Videla se mostrará inmutable y serio, siempre respetando lo establecido. La variedad de recursos y la originalidad de la puesta en escena hacen de la obra una exquisita demostración de las posibilidades del teatro.

Una obra para no dejar pasar: todos sus elementos se conjugan de manera eficaz y clara; es simple y directa por momentos, compleja y profunda por otros; la velocidad de los diálogos y el dueto actoral completan este grotesco que recorre casi cincuenta años de historia argentina.

Ficha técnica

Autor: Vicente Muleiro
Elenco:
Vidé – Carlos Vignola
Biondi – Carlos March

Escenografía: Guillermo Bechthold
Vestuario: María Claudia Curetti
Maquillaje: Elena Sapino
Diseño original de luces: Norman Briski
Diseño sonoro: Daniel Giménez
Banda de sonido: Martín Pavlovsky
Operación de luces y sonido: Daniel Giménez
Asistencia de dirección y escenario: Agustina Barach – Guillermo Bechthold
Títere: Guillermo Bechthold
Voz en off: Eduardo Aliverti
Música de noticiero: Gastón Cordera
Diseño gráfico y fotografía de flyer: Martín Garrocho
Dirección: Carlos March (sobre la Puesta original de Norman Briski)

VIDÉ / LA VUELTA MÓVIL

Funciones – Viernes 10 y 17 de noviembre a las 21:30 hs.

Entradas: $200

Teatro El Alambique – Griveo 2350 (Villa Pueyrredón) – 4571-8140

Reservas en www.teatroelalambique.com

Más info en: www.facebook.com/vide.la.vuelta.movil

Twitter @alambiqueteatro / Instagram: elalambiquecultural

Ian Quintana

Reseña: La furia del volcán

En su segunda temporada teatral “La Furia del Volcán” escrita por Gerardo Grillea y Marina Munilla logran traer a escena una Ingrid Bergman en una faceta diferente de la actriz ganadora al Oscar en Hollywood, por Juana de Arco.

Un volcán en erupción y sus cenizas

La historia transcurre en la década del 1950. Relata la vida de una actriz famosa, de origen sueco, en el cenit de la fama, casada y con una hija, que decide dejarlo todo para juntarse con el director de cine italiano Roberto Rossellini. El nombre de la obra justamente se debe porque Rosellini e Ingrid filmaron en isla de Stromboli, y justo el volcán entró en erupción durante el rodaje.

La actriz Marina Munilla ha sido nominada en los ACE 2017 como revelación femenina. Marina encarna el personaje de Ingrid Bergman, contando los pormenores sobre los sufrimientos padecidos por su separación y el escándalo que levantó en la sociedad norteamericana al extremo de haber sido declarada persona no grata en EEUU, lo que la obligó a radicarse en Italia. Las acusaciones de mujer adúltera la llevaron a la lucha por la tenencia de su hija.

También la obra narra los vaivenes sentimentales de Ingrid Bergman junto a Rosellini y la ruptura de la relación en 1957 cuando terminan separándose.

La ambientación es la adecuada a la época, el vestuario es excelente, la dirección de Gerardo Grillea ha logrado una obra intensa de una trama consistente con un cuerpo actoral sólido de la protagonista y de todos quienes la acompañan.

Una obra que se vale de herramientas digitales para traer imágenes reales de la actriz que para aquellos que no la conocen permite dar una visión más acabada de la historia y para quienes la hemos vista una y otra vez en Casa Blanca, con esa mirada tan particular, que cautivo a Hitcock, nos iremos del teatro envueltos en esa magia de cine de oro hollywoodense, habiendo conocido el detrás de cámara, sobre los padecimientos de una mujer que fue una defensora de sus derechos en una época donde cruzar la línea se pagaba con un costo muy alto.

Temporada 2017

Sábados 20 hs

Teatro No Avestruz.

Dirección: Humboldt 1857. Palermo

Reservas al: 4777 6956 – reservas@noavestruz.com.ar

Reservas y compra online: www.noavestruz.com.ar/reservas

Localidades: $190 General y $160 est. y jub

Facebook: www.facebook.com/lafuriadelvolcan

Twitter:@furiadelvolcan

Ficha artístico técnica:
Elenco: (Por orden de aparición)

Marina Munilla / Patricia Giovetti / Roberto Mauri / Gabriela Granda / Mariano Gómez Kotiuk / Matias Rodríguez Davila / Azul Badino Buono / Rubén Otero / Mirella Calentino.

Escenografía: Claudio Hanczyc / Voz en off: Pablo Gandolfo / Maquillaje: Adriana Alamos / Edición de videos: Álvaro Martínez Rota / Animación y diseño gráfico: Bruno Ravaglia / Fotografía: Valentina Gómez Kempel / Prensa & Difusión: Simkin & Franco / Asistente de Dirección: Yamille Martínez / Dramaturgia: Marina Munilla – Gerardo Grillea / Dirección: Gerardo Grillea

Diana Decunto

Teatro: Crisis, de Flor Berthold

Pocas horas para la muerte de un padre provocan tormentas donde los personajes navegan en un mar encrespado de “crisis” y demuestren como navegar para alejarse de la tormenta.

El fallecimiento del padre de Omar es inminente. Ana, es su pareja. Ambos han viajado para que Omar pueda tener la oportunidad de visitar y despedirse de su padre.

En la tranquilidad de ese lugar, aflora “la crisis” de pareja. A esa crisis, se suma la de Omar con su hermano Davi porque se echan culpas mutuas y en realidad ninguno de los dos puede afrontar la muerte de su padre.

Por otro lado, se muestran sentimientos confundidos o no, entre la cuñada Ana y Davi.

Lucia, una hija adolescente de Omar con su ex, Marcia. La trama cuenta como Lucia estaba alejada de su padre por un hecho turbio del pasado aparentemente inventado por Marcia y a esa crisis agregamos la crisis de una madre, Marcia, obsesivamente controladora sobre su hija.

La escritora Flor Berthold va regando estas semillas de crisis en la obra, en algunos casos de a poco y en otros como una enredadera se desborda.

Santiago Fondevila es el actor que encarna al personaje de Omar muestra como se hunde y emerge del momento de crisis, en una interpretación muy creíble.

Lo acompaña en el personaje de Ana, la actriz Florencia Benitez, quien en la ficciòn trata de insinuar un rol de moderaciòn ante la crisis y termina desbarrancando, en una excelente interpretación.

Guillermo Berthold es el actor que hace de Davi, ese hermano que enfrenta todo el tiempo a Omar, resaltando todo el tiempo lo negativo que ve de èl. Es un papel muy creible

Bianca Brandimarte interpreta el persona adolescente, en un papel difícil, en donde encarna el personaje que debe tratar de navegar en un mundo de adultos donde ella es vulnerable con un entorno que intenta protegerla y a su vez la lastima.

Y por último, Cecilia Bassano encarna a Marcia, la ex. Marcia se encuentra en un congreso y vía Skype se comunica con su hija Lucia. Es muy interesante la propuesta porque de alguna manera deja abierta la brecha para discutir sobre la crisis comunicacional entre las personas y si ahondamos en el tema sobre el dialogo en el seno familiar.

Recomendamos esta obra donde las crisis son excelentes muestras de desafío teatral. La directora Flor Berthold le ha querido imprimir una marca propia de dinamismo a la obra, lograndolo. Donde las crisis no son lacrimogenas sino mechadas de humor, se caen y se rearman, las hay de todos los gustos,, dulces y saladas. Donde el mensaje final si se quiere es que mientras exista el amor, esas crisis pueden ser oportunidades para reafirmar los vínculos afectivos.

El nombre del teatro El grito se encuentra en Costa Rica 5459 en Palermo, saliendo del circulo tradicional de teatros y con una casa hermosamente ambientada con esculturas, cuadros en un formato antiguo, logrando en el espectador que una noche de teatro, en esta primavera, se torne en una salida de placer para el alma y los sentidos.

Ficha Técnica:

Estreno: viernes 13 de octubre

Funciones: viernes, 22:30 hs. (hasta el 15 de diciembre)
El viernes 27/10 no habrá función.

Lugar: Teatro El Grito (Costa Rica 5459, CABA)

Entrada: $200 | Descuento jubilados y estudiantes: $160

Reservas: 4989-2620 | Alternativateatral

Duración: 60 min.

Ficha técnica

Elenco:

Santiago Fondevila – Omar, el papá
Florencia Benítez – Ana, su mujer
Guillermo Berthold – Davi, su hermano
Bianca Brandimarte – Lucía, su hija
Cecilia Bassano – Marcia, su ex
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de vestuario: Facundo Veiras
Diseño de iluminación: Patricio Pérez
Asistente de escenografía: Vanessa Giraldo
Realización de escenografía: Realizaciones Bravas
Fotografía y diseño gráfico: Queli Berthold
Edición de sonido: Emilio Zinerón
Asesoramiento técnico: Rocco Brandimarte

Prensa: OCTAVIA Comunicación
Asistente de dirección: Emilio Zinerón
Dramaturgia y Dirección: Flor Berthold

Diana Decunto