“La bohème”, de Giacomo Puccini

Este domingo 13 de agosto, en un domingo diferente, un domingo de elecciones,  que no impidió a muchos a las 19 hs estuviésemos en el Teatro Avenida, esperando que se suba el telón, para formar parte como espectadores de  La Bohéme.

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    En esta oportunidad, Buenos Aires Lirica es quien organiza en el Teatro Avenida  hasta el 19 de agosto, la puesta en escena de La Bohème, ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y texto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.

    Al ver una obra, no puedo disociar el espectáculo con su público. Cada función es única, dependiendo no solo de quienes estén arriba del escenario sino también del aplauso y calidez del espectador. La sala y los palcos estaban prácticamente cubiertos de público. No es un tema menor, la fama que tiene el público de ópera por ser uno de los más exigentes. En esta oportunidad en el final de cada acto el público aplaudía entusiasmado, de pie, gritando Bravooo!! a la compañía y a la orquesta.

    Este es el mejor sello para marcar la calidad de un espectáculo, donde al  finalizar cada acto, el tiempo es imperceptible porque el espectáculo hace que el público se traslade a otra dimensión en sintonía con la historia que se está narrando.

    Para aquellos que no conozcan la trama, es un relato sobre estudiantes de escasos recursos, que pasan frio, son jóvenes, alegres que viven en Parìs. Los personajes principales son Mimi y Rodolfo que viven en una buhardilla, están muy enamorados, él es muy celoso y no deseamos contar más de la historia para que cuando la vayan a ver  tengan la oportunidad de sorprenderse con su desenlace.

    Los diálogos de la pieza son simples pero de una extraordinaria poesía como así también la letra y música.

    En la puesta en escena y escenografía a cargo de Marcelo Perusso es destacable la banda musical que se suma a la propuesta  tocando  piccolo (flautín) , trompetas, y tambores.

    La dirección musical estuvo a cargo de Mario Perusso quien ha dirigido espectáculos líricos y sinfónicos en teatros de Europa, América Central y América del Sur. Fue director artístico del Teatro Colón y del Teatro Argentino de La Plata. La orquesta acompaña a la obra con violines, violas, violoncelos, contrabajos, flautas, oboe, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, percusión y arpa.

    Participa el coro de Buenos Aires Lírica, cuyo director Juan Casasbellas coordina las escenas corales con una puesta de más de cuarenta cantantes en escena, con sopranos, mezzosopranos, tenores, bajos y barítonos. A este enjambre de personajes puestos en escena maravillosamente ensamblados mencionamos a Rosa Bravo, Directora del coro de niños Petis Coeurs, que hacen más real la puesta con la inserción de niños y niñas en el escenario.

    El vestuario es excelente a cargo de Ramiro Sorrequieta quien ha obtenido premios y menciones por su labor como vestuarista y caracterizador.

    El personaje de Mimi es encarnado por la soprano Monserrat Maldonado quien participó como solista en el teatro El Círculo de Rosario en la Sinfonía Nro 2 “Resurrección” de Mahler. Su partener en el papel de Rodolfo es Nazareth Aufe quien desde 2005 integra el coro estable del Teatro Colón, Abordo los roles protagónicos de tenor en La traviata y Rigoletto (Verdi).  

    En el papel de Minette, amiga de Mimi, la soprano María Belén Rivarola, quien cantó los primeros roles de las óperas: Carmen, La traviata, la Bohéme. Y el barítono Ernesto Bauer, amigo de Rodolfo, cantó en el teatro Colon, Argentino de La Plata, Avenida, El Círculo de Rosario y Vera de Corrientes.

    Teniendo en cuenta que La Bohéme es la ópera que más se ha representado en nuestro país, retrotrayéndonos a la historia, cuando Giacomo Puccini, llegó a Buenos Aires en 1905 en lo que fue su primer viaje a través del Atlántico. Sigamos con la suerte de contar con más representaciones de esta niña mimada adoptada por el mundo lírico: La Bohéme y continuemos elevando las copas agradeciendo por otro domingo que hemos tenido la oportunidad en democracia de revalidar los votos de confianza.

Funciones: viernes 11, jueves 17 y sábado 19  de agosto a las 20 hs. Domingo 13 de agosto a las 19 hs.
Lugar: Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222. CABA).
Localidades: Precios desde $250 a $1900. En boletería del Teatro Avenida, martes a domingo de 13 a 20 hs., en efectivo o con tarjeta, o por Plateanet  al 5236-3000 owww.plateanet.com/Obras/la-boheme
Duración: Obra en cuatro actos y dos intervalos. 2 horas 45 minutos.
Todas las funciones están sobretituladas en español
 
FICHA TÉCNICA
Elenco: Monserrat Maldonado (Mimì), Nazareth Aufe (Rodolfo), Ernesto Bauer (Marcello), María Belén Rivarola (Musetta), Luis Loaiza Isler (Schaunard), Walter Schwarz (Colline), Sergio Carlevaris y gran elenco.
Dirección musical: Mario Perusso
Puesta en escena y diseño de escenografìa: Marcelo Perusso
​Diseño de vestuario:​ Ramiro Sorrequieta
​Diseño de Iluminación: ​Rubén Conde 
Prensa: Octavia Comunicación

Diana Decunto

Crítica:  Así de simple 

No sabría como comenzar a abordar esta reseña, debo confesar en que ha llegado a afectarme muchas cosas de las que suceden en Así de simple.  Una comedia que aborda la vida de una pareja desde los momentos más felices hasta los que no lo son tantos,  con una mirada que permite idemtificar las distintas emociones de los protagonistas a través de distintos personajes. Estamos ante una comedia con tintes de drama que retrata la realidad de muchas parejas simplificando el vaivén de emociones mediante el desglose de emociones, algo que quiza he llegado a identificarla con la pelicula Intensamente de pixar. Toma este recurso para brindar una historia rica en semtimientos y conmovedora para cualquier persona que ha vivido una relación.

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Clara y Joaquín se conocen, se gustan, se seducen, se enamoran y comienzan a convivir. Clara y Joaquín son dos, pero son muchos a la vez: son todas las voces que los habitan. Son dos personajes con seis actores. Son los protagonistas de una historia que dispara la pregunta: ¿qué pasaría si todas nuestras voces hablaran igual de fuerte?

Así de Simple, de Sofía González Gil e Ignacio Bresso, escenifica, con mucho humor, los clásicos conflictos de las parejas a la hora de llevar una relación adelante; pero también nos invita a pensar qué es lo que sucede cuando el amor no alcanza.

 

La obra comienza con la llegada de tres hombres de similar apariencia e idéntica vestimenta que se reposan llorando en el sillón, sonando de fondo la canción Ella ya me olvidó de Leonardo Fabio, remarcando un inevitable rompiemiento de una pareja. Consiguiente a ello llegan tres mujeres con las mismas características que los hombres, desde ese momento identificamos que la pareja es una sola y que los demás personajes son el reflejo de sus emociones más presentes. Por un lado tenemos a quien controla la razón,  que intenta analizar las cosas con cautela y despues tenemos al apasionado, que se deja llevar por los impulsos, motivos por el cual la pareja no termina de cerrar su historia facilmente. Deste modo vivimos el antes y después de estos jovenes, desde cuando estaban enamorados y su relación seguía en la etapa del romance, alternando con los momentos en que la relación se ha vuelto conflictiva pero que aún así les cuesta despegar los lazos. Lo más interesante de la obra , es como a través del uso de personajes teóricamente imaginarios o no presentes, logran relatar esta historia con tanta simpleza y realidad. Es casi imposible que el espectador no logre identificarse con los personajes o las situaciones, ninguna relación es sencilla, somos personas cargadas de infinidades de emociones y allí se encuenta lo interesante de lo complicados que somos al relacionarnos con otros. La obra quema etapas constantemente , relatando con con mucho ingenio la intimidad de una intensa relación.

En cuanto a los actores , cada uno ha hecho un excelente trabajo con el papel y la personalidad que se les ha designado. Se entiende perfectamente el lugar que la pareja protagonista (La que vive en la realidad) combinando las personalidades y dejandose llevar por las decisiones de sus alter ego.  Todos se relacionan entre sí , aun así no llega a confundir al espectador sobre lo que se quiere contar, además de manejar perfectamente el humor que la puesta requiere.

El trabajo de dirección es verdaderamente impecable , Sofia Gonzalez Gil utiliza librememte los espacios de la sala más pequeña del Kairós, ya siendo un lugar hogareño para la actirz y ahora directora. El espacio se utiliza perfectamente para adentrarnos en la vida de esta pareja, y de sus personalidades, en el hogar donde su historia se desarrola desde el incio y donde los problemas han iniciado y culminado.  Las luces y la música acompañan el relato con armonía, lo simple se mantiene como escencia de la puesta, aunque debamos saber que lo sucedido en una relación no siempre es tan sencillo de entender.

Asi de simple es una historia sencilla, real y muy conmovedora. Estamos ante una ingeniosa que combina perfectamente la comedia y el drama que surge entre los dilemas de una relación.  Con excelentes actuaciones, acompañado del notable trabajo de dirección de Sofía Gonzales Gil, la obra nos invita a que podamos ser parte de una historia sincera y conmovedora que llegará al corazón de todo espectador.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

 

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

Reservas por Alternativateatral.com

 

Pettinato Café Concert, en Ciudad Cultural Konex

Este viernes 11 de agosto, a las 21 hs.,  junto a una amiga, con paraguas en mano, fuimos a  ver Pettinato Café Concert, teniendo muchas expectativas sobre el  excelente momento que ibamos a pasar.

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El espectáculo se ofrece en el Konex, lugar que hace honor a su nombre completo Ciudad Cultural Konex. Porque una vez que se accede a ese amplio patio a cielo abierto, uno se empieza a internar en el corazón del “arte underground”. Una de las características del Konex es ofrecer sin necesidad de ostentosas carteleras, espectáculos de alta calidad a  un precio accesible para el público, lo cual lo hace más meritorio, aun.  Luego de traspasar la frontera de la calle y penetrar a ese mundo mágico,  nos olvidamos de la lluvia y de los problemas de la semana. Esperaba la apertura de sala mientras me regodeaba viendo la variedad de pro-puestas artísticas para satisfacer a diferentes públicos.

 

Hay que aprovechar los dos viernes que quedan de agosto: 18 y 25  para aprovechar la oportunidad de ver a Roberto Pettinato subirse a un escenario para desplegar un monologo distendido, irreverente, descontracturado, donde se dicen muchas verdades que van aflorando.

 

El arte del monologo es uno de las expresiones artísticas más difíciles, porque el público focaliza todas sus expectativas en la persona que está arriba del escenario. Generalmente quienes acuden a un café concert, van a este tipo de espectáculos porque están cansados del trajín de la semana, no se la quieren complicar  y  buscan liberarse de las tensiones para entrar de lleno al fin de semana. El público pretende  desde una tarima, que el artista logre el milagro de hacernos reír. Porque la risa es contagiosa y es una excelente terapia sanadora.

 

Roberto Pettinato con su simpatía, su inteligencia, magnetismo  y virilidad logra que ese público a los diez minutos de iniciado el show, se relaje,  aflorando las carcajadas, risa a más no poder, a partir  de un monologo que no llega a ser tan monologo, porque Pettinato interactúa con su público estableciendo una comunicación interesante con la platea que le permiten al show man  potenciar el espectáculo.

 

Si alguien  me pregunta sobre cuales son los temas  que toca Pettinato en su monologo mi respuesta es dar un pantallazo  de  la realidad, sin recargar, las tintas en  ningún tema en especial.

La otra pregunta sería cómo hace para que hasta  las piedras se rían.   Mi respuesta seria en base al tono irónico con que toca algunos temas de la política nacional, critica algunos personajes de la farándula, relata anécdotas  de su vida personal, mofándose de sí mismo y de sus múltiples divorcios, ridiculiza algunas situaciones en la relación de pareja, toma humor a partir de su victimización como hombre rescatando experiencias que pasó con mujeres que pasaron por su vida. También hay que resaltar la seducción que despierta Pettinato. Los años le han sentado de maravillas,  está muy atractivo.

 

Se  crea un excelente clima en la sala, donde el público se integra con el humorista, donde ambos terminan riéndose  de la realidad.

 

El broche final, es cuando Pettinatto pela el saxo  cerrando el espectáculo después de tocar una pieza musical que permite al público ir despacito bajando de la nube, admirar el ingenio,  inteligencia y excelente sentido del humor de este señor artista del espectáculo.

 

Cuando mi amiga y yo, salimos de la función, nos aguardó una tenue garua, la cual ni le prestamos atención, muy satisfechas de habernos reído tanto. Nos fuimos a picar algo en el bar del Konex, nos volvimos a casa con una sonrisa a flor de piel para iniciar felices nuestro fin de semana, con muchas  ganas de recomendarlo a  amigos y conocidos para que pasen  una excelente velada.

 

Cierro mi nota diciendo PETTINATO, gracias. ¡No aflojes! ¡Seguì siempre igual!.

 

Diana Decunto

Teatro: La música del viento

“La música del viento” encierra una original comedia romántica con tintes dramáticos, donde se experimentan sensaciones como el amor, odio, egoísmo, envidia, drama y sobre todo que invita a reflexionar sobre la confianza intrapersonal, y derribar los prejuicios en materia del amor.

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Julia es una joven investigadora científica dedicada al trabajo académico. Para acceder a su doctorado realiza su primera salida de campo para recolectar muestras de suelo en un lugar del desierto de Atacama, en la puna jujeña. La acompaña Pedro, un joven vaqueano conocedor del mundo natural, quien será su guía y protección durante el tiempo que lleve la travesía. Los desencuentros entre dos culturas, dos formas opuestas de ver el mundo, los llevan a vivir una situación límite donde el mayor conflicto se manifiesta con el ambiente y donde el amor nace de la diversidad.

Cuando se observan obras de esta calidad, se hace evidente la sensibilidad de la directora, que puede llegar a lugares dentro de uno que solo un ser con esa capacidad puede lograr.

La dirección y el libro están a cargo de Merceditas Elordi, quien pudo haber caído en la clásica historia de “La Bella y la Bestia”, pero decidió darle unos giros interesantes con ribetes contemporáneos que mantienen expectante al público hasta el final.
Sin embargo, el punto más importante a resaltar en su trabajo es que, dentro de una producción donde hay dos actores en escena durante la totalidad del espectáculo, éste nunca pierde su atractivo, ni aburre a quien lo observa.
La aparición de los personajes desde que la gente ingresa a la sala, es tomado por el público como una propuesta interesante, que ya comienza a analizarlos desde el vamos.

Uno de los puntos altos del espectáculo es la labor de Edgardo Aguilar que, a través de una precisa puesta luces y también escenográfica en cuanto al aprovechamiento del espacio, genera una estética de aislamiento propia del desierto de Atacama. Para lograr ello, utiliza una gama de colores que van desde un frío celeste, hasta un cálido colorado, digno del infierno. Este complemento de iluminación dinámica y escenografía estática logra crear una realidad e introducir al espectador en ella.

Es altamente valorable la química que existe entre los protagonistas.

El personaje de Julia, representado por Sofía González, atraviesa un interesante recorrido interpretativo. En un principio, se muestra como una porteña “de edificio” que sólo piensa en su tesis y no tiene interés alguno por conectarse con la naturaleza, ni con su compañero, Pedro, a quien trata como un subordinado. Con el correr de la obra, Julia comienza a mostrar su lado más natural, saliendo completamente del molde anterior e ingresando en una etapa más sincera y humana. Es aquí donde se alcanza a comprender la estupenda calidad actoral de Sofía, quien interpreta sostenidamente dos facetas, y ambas resultan convincentes. Incluso también hay tiempo para sacarle sonrisas al público con sus saludos a la Pachamama.

El otro protagonista, Pedro (Patricio Paz), ya se gana la simpatía del público desde su primera línea. Conducido por un acento norteño que resulta amigable, logra un buen contrapunto con la irritable actitud Julia, en la primera parte de la obra. Así como su compañera, Pedro también comienza a desdoblarse y dejar de lado esos modismos antiguos de hombre cerrado de campo, y mostrar sus emociones, las cuales son interpretadas con una espontaneidad digna de un actor de su calaña.

Aquí es donde ocurre esa magia teatral, en donde el espectador siente la necesidad de un final feliz en esta historia de amor.
Una obra que está en cartel todos los sábados  a las 20 horas, en el teatro Patio de Actores, Lerma 568. C.A.B.A., Argentina.

 

FICHA TÉCNICA

Autora y directora: Merceditas Elordi.
Intérpretes: Sofía González y Patricio Paz.
Asistencia de dirección: Lucía Cibini.
Diseño de Iluminación y puesta de luces: Edgardo Aguilar.
Diseño y realización de escenografía: Edgardo Aguilar.
Diseño de vestuario: Edgardo Aguilar.
Arte gráfica: Paula Carranza.
Ilustración: Edgardo Aguilar.
Fotografía: Cristian Holzmann.

 

Nicolás Rodríguez Camino

Teatro: Crítica de BEATNIK

Hubo un movimiento que irrumpió en EE.UU. a fines de los ´40 y que entre sus
influencias tenía el nihilismo, la absoluta falta de fe en el ideario político de cualquier tipo y color, los mandatos culturales establecidos. Ese movimiento
contracultural se denomide “Generación Beat”, y se los llamó “beatnicks”de quienes lo integraban, como una forma despectiva de señalarlos.

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Sus principales y originales cultores: Jack Kerouac, William Burroughs, Allen
Ginsberg, Lucien Carr, David Kammerer, partiendo de la literatura, y más específicamente de la poesía, abrevaban en el uso de alucinógenos. con la justificación de expansión creativa, escritura automática, una liberalidad sexual explícita, alcohol, mucho alcohol, una mirada desdeñosa del “american way of life”, una apatía lúdica, juguetona hasta el límite de la violencia y todo, todo con la música de jazz como leitmotiv de sus postulados.
“En el camino”, de Kerouac, “El almuerzo desnudo”, de Burroughs (ambas adaptadas al cine por Walter Salles y David Cronenberg, respectivamente), “Aullido”, de Ginsberg, son algunas de las producciones del movimiento.
Se puede especular que la Generación Beat, golpeando las puertas del cielo de
una cultura americana, centrada en el concepto de propiedad y bienes de
consumo, será la vanguardia del hippismo, de la cultura rock y del replanteo de valores que los vientos de la Segunda Guerra, mostró como endebles para construir el supuesto mundo ideal.
La puesta en escena de Osvaldo Laport, basada en el texto de Francisco
Scarponi, se plantea como una serie de estampas, misceláneas de ese grupo de
amigos, decadentes y sofisticados, tan ilustrados como soeces, que comparten
ideas en común y una mirada peculiar sobre la vida.

El elenco trabaja con corrección. A tener en cuenta son algunos de los monólogos de los personajes: muestran los estados del inconsciente, sus debilidades, sus fortalezas. El de la actriz, Florencia Prada, que interpreta a Joan Vollmer, es potente y clarificador de las fisuras del movimiento.
La escenografía grafica la bohemia y leve sordidez que propone la estética
asumida, casi siempre envuelta en la bruma del humo de cigarrillos, que adjudica un dato que caracteriza a los personajes y alude a una metáfora de los sucesos: siendo escritores, ¿Qué es realidad? ¿Cuánto hay de ficción?
La dirección de Osvaldo Laport es criteriosa y resolutiva, para dar cuenta de la historia de este grupo de disconformes beatnicks.

ELENCO  
Joan Vollmer – Florencia Prada
Allen Ginsberg – Nahuel Mutti
Jack Kerouac –  Alejo Ortiz
William Burroughs  – Rodrigo Esmella
Lucien Carr  – Sebastián Francini
David Kammerer –  Martin Urbaneja
FICHA TÉCNICA
Producción General: Francisco Scarponi – Osvaldo Laport
Asistente de Producción: Mathias López
Diseño de Escenografía: Osvaldo Laport
Diseño de Iluminación: Osvaldo Laport
Diseño  de Vestuario: Zia Margaret
Utilería: Lucas Cosma
Community Manager: Agustín Medina Vives
Fotografía: Lissandro Kaell
Video y realización: Emanuel Aranda
Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia
REDES SOCIALES
Facebook @BeatnikArgentina
Twitter @Beatnikarg
Instagram @Beatnik.arg
Funciones: todos los jueves a las 21.30 hs.
TEATRO LUDÉ: Montevideo 842, C.AB.A

A. R. Belano

Crítica: Noche de paz

Un Fernet descansando en una mesa. Un decadente árbol navideño brillando a medias. Postales del gauchito gil rodeadas de velas. Una mujer mayor que quiere ser abuela. Un hombre mayor –su marido- que tiene problemas para respirar. El hijo de ambos cuya pareja no quiere ser madre. Y una embarazada que nadie entiende muy bien de dónde salió. Así comienza Noche de ¿paz?

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A Beti la desesperan dos cosas, poder ser abuela y no quedarse sola. Su esposo, Antonio, cada vez le cuesta más respirar, y parece quedarle poco de vida.

En la guardia de un hospital, el inesperado encuentro con Cilda, una extranjera embarazada, hará que en ella se despierte el convencimiento de que los milagros existen.

Beti decide alojar a la futura madre en su casa, y dar marcha a un plan secreto en el que incluirá a Josema, su hijo, quien está por llegar de visita junto a su pareja, Margarita, para pasar la navidad.

 

El angustiante intento del padre por armar un aparato de oxigeno usado; la lucha de Josema por no perder a su mujer en un concurso de baile, y las acciones delirantes de Beti para ver cumplidos sus sueños, harán que la nochebuena termine por convertirse, para algunos, en la última cena.

La obra se desarrolla en el amplio espacio que dispone el Chacarerean Teatre y cuenta con una bellísima y gran escenografía que recrea el living de un hogar que debe destacarse, así como vestuarios que dan cuenta perfectamente de los personajes. Esta, dirigida y escrita por Maximiliano Prioriello, se caracteriza por su dinamismo; sus numerosas entradas y salidas dan como resultado que siempre esté sucediendo algo. El humor y el patetismo de los vínculos familiares amarrados únicamente por la sangre y una historia común  generan momentos hilarantes que el texto no hace más que acompañar: “Sos tan vivo para meterme los cuernos y tan pelotudo para todo lo demás”

 

Noche de paz es protagonizada por Cristina Martinez Osses, cuyo personaje (Bea) desoye todo deseo ajeno, se centra en sí misma y manipula a los demás para lograr sus objetivos. Ella es quien se encuentra con la embarazada y la lleva a su hogar cuando se le apareció como “una virgen, como una nueva vida” ella es quien quiere que su hijo deje a esa mujer con la que hace tanto sale porque le recuerda a un travesti, ella es quien detesta a su marido a quien no se atreve a dejar… ella, ella, ella, ella. Su manipulación desencadena el conflicto en el entramado familiar que la rodea. Su actuación debe ser destacada. Los demás actores la acompañan de un modo parejo, atravesando diversos estados, logrando hacernos reír y a la vez sentir pena por ellos.
Noche de paz es una obra que detrás de una máscara de simplicidad y humor logra indagar en vínculos familiares desdibujados y conmover.

Ficha técnica

Elenco: Vicky Alsúa, Antonio Germano, Cristina Martinez Osses, Santiago Vicchi, Carolina Villanueva.

Voz Presentador: Eduardo Romero.

Diseño de Escenografía:Luisina Mellao, Maxi Prioriello.

Realización de escenografía: Daniel Gimenez.

DhCardell / ArteBarbados

3D escenografía: Nadia Pappalardo.

Vestuario: Sabrina Hovhannessian.

Asistente de vestuario: Mariana de Sancho.

Diseño de Arte & Gráfica: Luisina Mellao.

Diseño de Luces: Pablo Gómez.

Prensa: Susan Lonetti.

Asistente de dirección: Jonas Giaco.

Producción Ejecutiva: Ezequiel Paredes.

Autor y Dirección: Maxi Prioriello.

Funciones Domingos 20hs                          Entradas: $220.

CHACAREREAN teatre – Nicaragua 5565 (Palermo) – 4775-9010

Entradas en venta por Plateanet www.plateanet.com, Alternativa Teatralwww.alternativateatral.com

 y en la boletería del teatro.

 

Grace Ulloa

Reseña: Bollywood, de José María Muscari

Esta semana se ha tenido el gran placer de asistir a la función de Bollywood, una industria sin estrellas, una obra de teatro que toma el concepto de la famosa industria del cine hindú para presentarnos un show con mucho baile, humor  y artistas desconocidos. La obra de José María Muscari ha encontrado una nueva fórmula del éxito brindando un espectáculo con una gran producción pero donde la gente es la que le pone el precio a lo que ha visto.

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Como espectador tenemos el placer de disfrutar del show desde el momento que ingresamos a la sala para ubicarnos en los asientos, un grupo de bailarines ya nos están esperando desde un principio para que el ingreso sea como una fiesta, siendo un gran acierto para que esa entrada que puede llegar a tardar unos diez quince minutos se disfrute . Una vez que todos estamos comodamente en nuestros asientos, José María Muscari será el encargado de presentarnos el show a traves de una pantalla en el escenario, así comenzamos a conocer la importancia del concepto de Bollywood en relación a este espectáculo,  que si bien tiene algunos elementos relacionados a la industria del cine hindú,  el término de Bollywood es más bien usado para presentarnos a un elenco sin estrellas pero que aun así su finalidad es transmitir alegría. Es así como un grupo de actores y bailarines nos relatan sus experiencias, contándonos lo que realmente quieren ser a pesar de no tener la suerte de la fama, pero que tienen talento para triunfar en el ambiente del off.

Son 50 artistas los que se presentan en la sala del Teatro IFT , todos ellos fueron seleccionados a través de un masivo casting con la intención de producir un show de grandes dimensiones con artistas desconocidos. Todos ellos realizan un excelente trabajo , donde cada uno tiene algo para aportar en la obra tanto los actores como los bailarines. El concepto de bollywood se utiliza también para denotar la miseria  que existe en la india en cuanto a la pobreza y los dilemas sociales, estos artistas llegan a identificarse con aquellas miserias en cuanto a su profesión pero aún así logran llenarse de alegría haciendo teatro, del mismo modos en que todos los hindúes son felices con el cine de bollywood.

toca destacar la puesta de Muscari es una producción en el que se ha invertido mucho en vestuarios y aspectos técnicos, pero que su retribución depende totalmente del aporte del público. Si bien su entrada es libre y gratuita, la salida no lo es, la gente es la que debe ponerle precio a lo que ha visto y que será el pago por el trabajo a una gran cantidad de artistas y al equipo que está detrás de escena. La obra realmente vale devolverles el aporte sobre el entretenido show que nos han brindado aunque siempre quedará a conciencia del público que dependerá si el show le ha gustado y el dinero que se encuentra a su alcance para aportar a la gorra.

Bollywood es el nuevo y gran espectáculo de José María Muscari, que nos trae el concepto y la alegría de la industria Bollywoodense al teatro en el barrio de Once. Lleno de música, baile y humor, esta propuesta es ideal para pasar una entretenida noche. El público tiene el poder y el deber de otorgarle el valor a un show,  que de seguro no defraudará a nadie.

ELENCO COMPLETO

Mariela Asensio – Emiliano Figueredo

Johan Alexander Alvarado, Daiana Bellendier, Agustina Beluchi, Cami Berman, Joel Castañeda, Sasha Lis Cerrini, Walter Collia, Cecilia De Paoli, Desireé Du Val, Morena Esperón, Manuel Etchebarne, Nico Figueroa, Ayelén Ford, María Forte, Miranda Ghirimoldi, Lara González, Angy Jaume, Ronad Jenki, Esteban Lamarque, Fernando Liao, Facundo López, Ignacio Lopez Diez, Bianca Loponte, Mauro Martinak, Nacho Mena, Mateo Misael, Benjamín Morelli, Jonatan Nugnes, Ale Ordoñez, Santiago Paciullo, Amarú Patrono, Josefina Pittelli, Constanza Raffaeta, Andrés Reyes, Gisela Rietti, Andy Rinaldi, César Riveros, Pili Rubí, Julián Siliberto, Belu Spenser, Mariana Szuchmacher, Colo Vargas, Jesi Videla, Bianca Vilouta Rando.

 

FICHA TECNICA

Diseño de vestuario: Gustavo Alderete para La Polilla de Vestuario

Diseño de luces: Gisela Marchetti

Diseño de video: Cande Serra

Selección musical: Guillermo Salvador

Fotos: Fuentes2Fernández

Diseño gráfico: Lucila Gejtman

Prensa: Agencia AB – Alejandra Benevento

Operador de luces y sonido: Fernando Martín Sanz

Stage manager: Giuliana Betta

Asistente de coreografía: Victoria Broggi

Colaboradores: Joaquín Duhalde Longhi, Ariel Dabbah, Carina Torre, Taisa Isola, Micaela Ayala, Victoria Membrado Capó, Lourdes Boy Arditi, Carmen López Contreras y Lucía Adúriz

Realización de vestuario: Natalia González, Rodrigo Lico Lorente, Laura Martínez, Guillermo Corujo y Florencia Tonel

Asistentes de escenario: Sabrina Rado y Gimena González.

Asistente de dirección: Paola Luttini

Producción ejecutiva: Roni Isola y Enrique Jauregui

Coordinación de producción: Maxi Bartfeld

Coreografía: Magui Bravi

Dramaturgia y dirección: José María Muscari

 

Funciones

Viernes 22hs, Sábados 22 y 00hs, Domingos 20hs

(las entradas se retiran desde 2hs antes de cada función)

NUEVO ESPACIO IFT

Boulogne Sur Mer 549

El pequeño poni

El término “Bullying” es un concepto reciente que se asocia a un tipo de abuso del que hace mucho tiempo sucede. En la actualidad se ha tomado mucha conciencia sobre esta problemática que debe tenerse en cuenta en todo tipo de ambiente, siendo el escolar, uno de los lugares más predominantes que ataca a muchos niños en sentimiento de vulnerabilidad. El pequeño poni habla sobre el mismo bullying desde la mirada de unos padres que deben vivir en carne propia el sufrimiento de su hijo ¿Es posible proteger a los que más amamos aún cuando somos parte de ese problema?.

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Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo; una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección; un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

Alejandro Awada y Melina Petriella interpretan a dos padres que reciben la noticia de que su hijo de diez años es víctima de abuso en la escuela, este suceso aparentemente se debe a que el niño asiste al colegio todos los días con una mochila de la famosa serie My Little Pony. Un objeto tan simple resulta motivo de burlas de todo el ambiente escolar y sus padres se encuentran en la obligación de hacer algo para solucionar ello, el problema es que en la pareja no hay acuerdo mutuo en la forma que deben actuar por el bien del chico. A medida que la obra y las dificultades del escolar avanzan , surge el dilema en que si el problema es la víctima o el victimario. Si para estar bien hay que seguir la corriente de la mayoría o realmente las minorías tienen un motivo para merecer el maltrato que reciben, y son ellos los que deben cambiar de actitud. La importancia del relato recae en el peso que tienen los padres en cuanto al bienestar de sus hijos, es la toma de decisiones un elemento vital que puede ayudar a corregir el problema o ser parte de el. Su argumento se encuentra muy bien planteado, mientras que la referencia a la serie infantil se utiliza como un símbolo para conectar una historia que trata de la unión y la amistad con su contracara en nuestra realidad.

El peso de la obra también recae en las actuaciones de Awada y Petriella, ellos son solo una parte de la problemática que va mas allá de lo que pueden pensar o sentir. El público ve la historia desde el reflejo que aporta la mirada de estos personajes, el niño, la escuela y todo el entorno están presentes pero a través de ellos. Entre estas dos personas existe una competencia sobre la razón y cuál es el pensamiento correcto, las discusiones cobran el sentido de que ambos tienen sus argumentos para defender aunque el otro no esté de acuerdo y que además, sea perjudicial en cuanto al bienestar de su hijo. El vaivén de emociones hace que ellos logren bajar a tierra y reflexionar sobre lo que han hecho realmente mal y que para poder seguir adelante deben unirse. El trabajo actoral esta perfectamente marcado en esta cuestiones y se obtiene lo que buscaba ser.

La dirección está a cargo de Nelson Valente (Reconocido por la exitosa obra El loco y la camisa), su intención es destacar la puesta a través de sus actores, con una simple escenografía logra contar más de lo que puede verse. Un recurso escenográfico destacable ha sido el uso de un cuadro del niño, que en los cambios de escena , su rostro se transforma reflejando también el estado emocional general a medida que la obra avanza. Esto permite que los actores y el público puedan identificar los cambios de tiempo y espacio, mientras se reflexiona sobre los actos ocurrido anteriormente.

El pequeño poni es una interesante propuesta que nos permite reflexionar sobre este tipo de abuso pero desde otra mirada, la de los adultos que son responsables, ya que sus decisiones son vitales para poder afrontar esta problemática como debe ser. Con las destacadas actuaciones de Melina Petriella y Alejandro Awada estamos ante un polémico drama, que invita al espectador a disfrutar de buen teatro, con la posibilidad de pensar un poco mas sobre un tema que nos afecta como sociedad desde siempre y que resulta necesario tomar conciencia de ello.

Melina Petriella – Alejandro Awada

AUTOR: Paco Bezerra
ADAPTACIÓN: Ignacio Gómez Bustamante
DIRECCIÓN: Nelson Valente

DIRECTORA ASISTENTE: Nayla Pose
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VIDEO: Maxi Vecco
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Marcelo Cuervo
DISEÑO DE VESTUARIO: Daniela Dearti
OPERADOR DE VIDEO: Mariano Luna
DISEÑO GRÁFICO: Diego Heras
FOTOS: Alejandra López
PRENSA: SMW
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Luciano Greco
COORDINACIÓN TÉCNICA: Alberto López
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Romina Chepe

Funciones: Sábados 22.15 hs, Domingos 18 hs

Entradas: $ 450. En boletería del teatro o por www.plateanet.com

Daniel Alvarez

Crítica: El mar de noche

El Mar de Noche es un grito ahogado. El desamor diseccionado. La soledad escandalosa con la que se topa un hombre lejos. La espera y su agonía. Los intentos antes de hundirse. El silencio que retumba después de cada palabra. No poder nombrar, porque lo que queda cuando el amor se ha retirado es un campo arrasado, escombros, la nada, un hueco.

el mar de noche - crédito Alejandra López

Un hombre sentado en un sillón, a medio vestir, en un cuarto de hotel ubicado en alguna playa, allí recibe el sonido del mar rompiendo sus olas. Se percibe una desolación, un malestar, algo pasa aunque no sepamos qué. Busca una crema para curar una mancha en su cuerpo, pero al no encontrarla se pone nervioso y el relato se va transformando en algo más profundo, en una historia de amor, de desconsuelo. No diferencia el miedo de la angustia, pero sabe que el miedo se va y la angustia permanece. Espera a alguien, a un joven que lo ha dejado, y a pesar de la tristeza lo seguirá esperando hasta apagarse.

El relato contado con una voz que siente cada palabra que dice y la sutileza en los gestos va dibujando la muerte lenta del personaje. No hay ira, no hay odio, no hay culpa, no hay gritos, ni resentimientos, sólo unas lágrimas atravesadas por el agotamiento y dolor de una persona que es un desecho de lo que era, un hombre marcado por el desamor que necesita dejar de sentir tanta angustia, un cuerpo dejado en la agonía esperando la muerte.

Loza ha confesado que comenzó este trabajo con dos materiales como punto de partida: De Profundis, de Oscar Wilde, y Muerte en Venecia, de Thomas Mann. Y la idea de lo que puede provocar la falta de amor. El material fue escrito en distintas etapas. El texto le llegó luego a Cacace.

En la sala Apacheta, logran demostrar que menos es más, con la luz del ventanal que da a la calle, sentado en ese sillón, con una hermosa e incómoda intimidad, Machin se luce en una actuación majestuosa y logra sumergirnos en una pieza de amor desgarradora, no necesita nada más para contarnos ese fracaso amoroso, el cuál sacude al espectador con ese texto tan poéticamente desolador. Una obra que conmueve, que toca distintos aspectos que todos alguna vez hemos travesado, dedicada a solitarios, a quién alguna vez fue abandonado, insomne y sobreviviente del desamor.

Autor: Santiago Loza

Dirección: Guillermo Cacace

Actuación: Luis Machín

Diseño de vestuario: Magda Banach

Diseño de iluminación: David Seldes

Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowski

Diseño sonoro: Patricia Casares

Diseño gráfico: Leandro Ibarra

Fotografía: Alejandra López

Prensa: Duche&Zárate

Asistencia de dirección: Gastón Re

Producción comercial: Marcelo Riva

Dirección de producción: Romina Chepe

2 Funciones: Viernes a las 23 hs. y domingos a las 18 hs.

Entradas: $ 310.- Jubilados y estudiantes: $ 250.- / Reservas por Alternativa Teatral

Apacheta Sala Estudio – Pasco 623 – CABA / 4943-7900

Julieta Ale

Teatro: La madre que los parió

Sábado a la medianoche, es la hora ideal para la previa antes de salir en una ciudad tan nocturna como Buenos Aires. El teatro es una gran opción tanto para iniciar la noche o culminar un largo día,  lo imprescindible es divertirse. La madre que los parió es una comedia que toma la amistad como punto de partida para mostrarnos un conflicto donde se han roto los códigos. Estos amigos recomponen de manera desopilante los hechos tratando de encontrar al culpable, y sobre todo hacer reir al público

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Luego del fenómeno de “Chicos Católicos” llega “La Madre que los Parió”, una comedia irreverente, picante, delirante y muy divertida que integra reflexiones acerca de la amistad, la lealtad, sus reglas y sus códigos. El espectáculo transita su segunda temporada, es una experiencia altamente cómica en la que se destaca la versatilidad con la que los protagonistas cambian de personaje en tan sólo segundos, para ponerse en la piel de los integrantes de la misteriosa fiesta que tuvo lugar la noche anterior.
Seis amigos, un traidor… ¿Hasta dónde somos capaces de perdonar a un amigo?.
Miguel, Ricky, Brian, Bruce y David son convocados por Dennis a su departamento. Desconocen la razón de la cita. Son las once de la mañana de un Domingo y la noche anterior, en ese mismo lugar, hubo una fiesta de las que suele ofrecer el anfitrión habitualmente. Pero en esa fiesta algo sucedió, algo que puede poner en peligro la amistad de este grupo de amigos, el Grupo de los Seis. El relato avanza entre un anfitrión en busca del culpable y una serie de flashbacks que recomponen escenas de la noche anterior. Y en su transcurso, irán emergiendo voces, disputas, sospechas cruzadas y un estricto sistema de códigos que regula la amistad de este grupo. El misterio se irá develando, como un rompecabezas. ¿Alguien rompió en esa fiesta el peor de los códigos? ¿Son inocentes hasta que se demuestre lo contrario ó son culpables, hasta que se demuestre su inocencia?
Un grupo de amigos que se conocen desde la infancia, están pasando por un momento de tensión al enterarse que una copa (El cáliz que ha sido símbolo de su amistad ) se ha roto, y uno de los integrantes del grupo es el culpable. Dennis, una persona excesivamente dramática, es quien se horroriza por los hechos que han sucedido y obliga a sus amigos a recrear la fiesta que ha tenido lugar la noche anterior , y así poder encontrar al traidor que rompió aquel preciado cáliz.  A través de flashbacks, los muchachos recrean esa dichosa fiesta personificando a todos aquellos que estuvieron presentes, tantos personajes femeninos como masculinos. En esa noche el descontrol se ha desatado, y es eso , lo que más disfrutamos de la obra ya que nos muestran con mucho humor una alocada fiesta que ha terminado en “tragedia”.
En cuanto a las actuaciones, a muchos de ellos se los ha visto antes en la obra Chicos católicos, apostólicos y romanos, como en el caso de Agustín Sierra, Juan Paya y Juan Guilera; que han aprovechado de su anterior comedia para realizar una obra en la que han llegado a superarse a sí mismos , brindando su característico humor.  Los nuevos integrantes del equipo son Andrés Rovetto, Federico Barón y Lucas Merayo, siendo grandes aciertos en los que cada uno de ellos aporta lo necesario para hacer de esta obra desopilante y muy entretenida. Todas estas personas forman parte de un grupo heterogéneo de amigos, en los que cada uno tienen sus personalidades definidas y totalmente diferente a los demás, notando las diferencias en cuanto a las clases sociales y tipo de orientación sexual. Aún así la manada se complementa perfectamente, donde las cosas que los distinguen sirve para burlarse y reírse de ellos mismos, algo que típicamente sucede en cualquier grupo de amigos.
Además del innegable humor que esta puesta posee, unos de los aspectos más destacables en la obra, es la estructura que se ha creado para contar esta historia de principio a fin. Existen momentos en que se rompe la cuarta pared y la linea del argumento al servicio de la historia, para relatar aquella fiesta donde la locura se ha desatado y conectarlo perfectamente con el presente, teniendo como objetivo principal encontrar al traidor.
La madre que los parió es una ingeniosa y muy divertida obra que celebra la amistad a partir de un conflicto típico de esta relación.  Con grandes actuaciones y una estructura a modo de flashbacks, esta obra tiene aseguradas muchas risas por parte del público, siendo participe de las locuras de estos agradables amigos. Es una obra ideal para distenderse un fin de semama tanto para una previa antes de salir como para culminar un largo día con riendo.

ELENCO
Federico Barón
Juan Guilera
Lucas Merayo
Juan Paya
Agustín Sierra
Andres Rovetto
FICHA TÉCNICA
AUTOR: Juan Paya
DISEÑO DE LUCES: Lucas Balestrino
ARREGLOS MUSICALES: Nicolás Sanmartí
DISEÑO GRÁFICO Y COMUNICACIÓN VISUAL: Juan Paya
ESCENOGRAFIA: Augusto Latorraca
FOTOGRAFIAS: Nacho Lunadei
STAGE MANAGER: Julieta Rossi
STAGE MANAGER/ACTOR ASISTENTE: Diego Sanchez
PRODUCCIÓN COMERCIAL: Patricia Jiménez para ESCENA
CATORCE
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Karen Barg
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Agustina Granja
ASISTENTES DE DIRECCIÓN: Florencia Morelli
DIRECCIÓN: Héctor Díaz

Funciones : Viernes 23hs y     
Sábados 0: 30hs
Teatro Metropolitan Sura ( Av Corrientes 1353)
 
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