Crítica: El reencuentro, de Richard Linklater.

Crítica de Andrés Prillo

El reencuentro de tres veteranos de Vietnam treinta años después del final de la guerra es el escenario elegido por Linklater para reflexionar sobre el paso del tiempo. Qué se perdió en el camino para una generación marcada por la guerra y su impacto sobre el imaginario de una nación.

“El presidente lamenta profundamente tener que informarle que su hijo fue asesinado en cumplimiento de su deber. El murió como un héroe al servicio de su país”.

Con este telegrama comienza el viaje de tres ex soldados que se ven reunidos por la muerte del hijo de uno de ellos en Bagdad. Este es el punto de partida para un incómodo reencuentro entre tres hombres unidos por un pasado oscuro y que tendrán que lidiar con culpas postergadas durante años.

Basada en la novela de Darryl Ponicsan, secuela de “The Last Detail”, “El reencuentro” es considerada una secuela no oficial de “El último deber”, protagonizada por Jack Nicholson en 1974. Los tres personajes de ese film vuelven a aparecer levemente modificados en un nuevo contexto histórico. El salto temporal de la guerra de Vietnam a la guerra de Irak le permite a Linklater reflejar paralelismos entre los dos conflictos bélicos.

Los tres llevan marcadas en su carne las secuelas de la guerra. Salvatore (Bryan Cranston) tiene una placa de metal en la cabeza, Mueller (Laurence Fishburne) tiene comprometida una pierna y Larry Shepherd (Steve Carell) perdió dos años en la cárcel por un confuso episodio.

Cada uno acude a una fuente distinta para encontrar su consuelo: el alcohol, la religión, el duelo. Son las heridas emocionales las que van a ocupar la mayor parte del relato, que transcurre en una serie de espacios cerrados (viajes en auto y tren) que deben hacer para recuperar el cuerpo del hijo de su amigo y llevarlo al pueblo donde nació.

Lo que inicialmente parece un encuentro formal para homenajear al difunto en un funeral, pronto cobra un giro doloroso cuando se descubre que la muerte del soldado quizás no fue tan honorable como el ejército afirmaba. A partir de ese hecho saldrán a la luz las frustraciones de una generación con las mentiras de su gobierno, el sacrificio irracional de la guerra, de los ideales perdidos.

Así, en esta historia simple, sin giros inesperados, aparece lo más disfrutable del film: la relación entre los tres personajes (y los tres grandes actores que los interpretan). Los diálogos sobre el pasado, la incomprensión del mundo actual, y el sinsentido de la guerra aparecen bajo un tono agridulce, pero nunca solemne. Siempre termina triunfando la humanidad y el carisma de tres hombres que deciden reencontrarse con sus fantasmas con una sonrisa.

Esto se puede ver en una de las mejores escenas, cuando recuerdan su visita a “Disneyland”, el apodo provocador que le pusieron a un prostíbulo en las afueras de su base en Vietnam. En este sentido, hay una gran ambigüedad en su mirada del mundo: quieren a su país sin ser nacionalistas, respetan al ejército sin ser militaristas. También recuerdan el pasado de manera contradictoria: como una época oscura de vicio y crueldad, y a la vez como una época excitante a la que añoran regresar.

Al encontrar su ataúd, pese a las advertencias, el padre del joven (Carell) decide mirar el rostro desfigurado de su hijo. A pesar de saber que será doloroso. Esa cara irreconocible bien podría ser el “rostro de una nación”. Puede verse como una metáfora de la pérdida de identidad y erosión de las convicciones de Estados Unidos que dominaron el imaginario de la “defensora de la democracia mundial” después de la Segunda Guerra. Lo que los historiadores llaman el fin del sueño americano.

Quizás lo que plantea “El reencuentro” es que el primer paso para superar un dolor, sea personal o histórico, sea enfrentarlo, mirarlo a los ojos sinceramente. Para poder seguir adelante y dejar, en algún grado, el pasado atrás.

Calificación: 7.5/10

TÍTULO ORIGINAL: Last Flag Flying

ACTORES PRINCIPALES: Bryan Cranston, Steve Carell, Laurence Fishburne

GÉNERO: Comedia Dramática

DIRECCIÓN: Richard Linklater

DURACIÓN: 125 Minutos

ORIGEN: Estados Unidos

DISTRIBUIDORA: Digicine

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

Crítica: Verdad o reto

Crítica de Nicolás Katopodis

Hoy se estrenó en cartelera la última película dirigida por Jeff Wadlow: entrelaza la conflictiva relación que tiene un grupo de jóvenes con una maldición que recae sobre ellos y los hacen plantearse una estrategia para sobrevivir que, más allá de sus secretos develados, puedan sobrellevar y ganar el conocido juego ‘verdad o reto’, pero con consecuencias mortales.

A punto de graduarse, Markie (Violett Beane) convence a Olivia (Lucy Hale), su mejor amiga de hace años, que vaya junto a sus amigos de vacaciones a Mexico, ya que “será la última vez que vamos a viajar juntas”. En la última salida de boliche, momentos antes de que la noche diga basta, el personaje interpretado por Lucy acepta la propuesta de un muchacho que conoció, y decide ir, junto a sus amigos, a “un lugar mejor”, para divertirse.

Esta cadena de sucesos, un poco trillados y causales, que vemos en las películas de terror muchas veces, desentrañan una maldición que los obliga a jugar el ‘truth or dare’, verdad o reto en inglés, por alguien que ya está maldito: en este caso Olivia. En paralelo, se muestran las relaciones que tienen algunos de los integrantes del grupo y cómo la obligación de decir la verdad ante algunas preguntas, repercuten de manera consecuente en cada uno de ellos.

Hacia una audiencia adolescente, la película de terror sobrenatural, cuyo director es Jeff Wadlow, que también participó en el guion, cayó en algunos lugares comunes que pocos cineastas saben saltearse; pero resaltó otras que hacen que la obra no sea un total desperdicio de tiempo para el espectador, como la manera en que se humaniza al ente maldito, pero sobre todo el final nada esperado, donde se utiliza internet como una herramienta narrativa, que en ninguna otra parte de la película se usó. Punto a favor.

Calificación 5/10

TITULO ORIGINAL: Truth or Dare

ACTORES PRINCIPALES: Tyler Posey, Lucy Hale.

GENERO: Thriller, Terror.

DIRECCION: Jeff Wadlow.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

100 Minutos

Apta mayores de 16 años

Reseña: Hombres de honor

Armando Discépolo (1887-1971) es uno de nuestros grandes dramaturgos. Escribió clásicos como “Mateo”, “El organito”, “Relojero”, “Stéfano”, diseñando con su obra un estilo, el denominado grotesco criollo, que marcó una época. La obra en cuestión no es una de sus cúspides creativas, pero nos acerca a un tópico caro al autor: el contacto con la miseria (en este caso, humana), no nos deja indemnes.

El honorable juez Varela, es viudo, tiene una consentida y gastadora hija a punto de casarse, y un hijo abogado con un auto nuevo, regalo del juez. Todo bien hasta allí, se trata de una familia acomodada en el Buenos Aires de principios de siglo XX. Pero el honorable juez tiene un lado oscuro: empedernido jugador de cartas, ha perdido grandes sumas de dinero, está en deuda con un prestamista inescrupuloso y lo timaron también sus compañeros de andanzas. Pero el sr. juez es un “hombre de honor” (así se llaman a sí mismos esta gavilla de pícaros). Honrará sus deudas, qué va. Una humilde mujer le solicita que contemple el caso de su marido, preso por ladrón, que robó (según ella) por sus hijos; la visita del oscuro prestamista, que lo adula y espolea; el amigo comprensivo que disponiéndose a ayudarlo, lo ubica en un lugar de decadencia personal …. y el juego de naipes, que como un sol abrasador, lo atrae cual hipnotizada mariposa.

El final ya está decidido desde un principio: antes la muerte que la deshonra. Estos asuntos del honor burgués, hoy nos suenan demodé y
desmesuradamente ridículos. En la Argentina de hoy nadie se suicidaría por una deuda. Menos un juez. Por lo que uno asiste a unos acontecimientos sin ancladura en la actualidad, asunto éste que la puesta no reflexiona.

Las actuaciones son correctas. El vestuario y la escenografía están en sintonía con el discurso escénico.
Es dable observar que el mundo, tal cambalache circense, gira muy rápido. Y que el honor, cualquiera sea , su acepción hoy a nadie importa. Escuché por ahí que lo venden en una esquina, por moneditas…

Ficha Técnica

Autor: Armando Discépolo

Adaptación del texto: Matías Leites

Elenco por orden de aparición:

Mariano Ulanovsky – Varela

Greta Guthauser – Marta

Fabián Caero – Leandro

Marcos Horrisberger – Mario

Lorena Saizar – Sra. Herrera

Roberto Cappella – Diersi

Juan Pablo Kexel – Ardanaz

Martín Navarro – Macías

Escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi

Música original y diseño sonoro: Santiago Barceló

Diseño de luces: Gastón Ares

Diseño gráfico: Roberto Cappella

Fotografía y video: Leopoldo Minotti

Prensa y difusión: Duche&Zárate

Asistente de dirección: María Eugenia Gómez

Dirección: Matías Leites

Esta obra cuenta con el apoyo de PROTEATRO.

Funciones: Viernes a las 21 horas

Localidades: $ 250.- Estudiantes y jubilados: $ 220.-

En la boletería o por Alternativateatral.com

Teatro Del Pueblo – Av. Roque Sáenz Peña 943 – CABA – 4326.3606

A.R Belano

Crítica de “Rampage: Devastación”

Crítica de Agustín Villegas

Los kaijus llegan al genero comedia…

Cuando anunciaron que ‘RAMPAGE’ iba a ser parte del golpeado club de videojuegos llevados al cine me quede como si estuviese en un sueño en estado de coma. Pase horas jugando a este arcade, viajando de ciudad en ciudad lastrandome a sus habitantes y bajando edificios a trompada limpia en compañía de esos monstruos poseedores de carismáticos diseños e hilarantes expresiones caricaturezcas.

Para dejarlos mejor posicionados voy a contarles un poco de que va la historia del juego. Midway Games llevo a cabo el primero de todos en 1986, titulado lisa y llanamente ‘RAMPAGE’, el cual fue desarrollado para Atari, Nintendo Nes y, principalmente, para máquinas arcade. La idea consistía en seleccionar a una de las tres bestias protagonistas (el gorila George, el lobo Ralph y la reptil Lizzy, presentes en la película) para ganar puntos destruyendo edificios, autos, aviones, helicópteros e inclusive comiendo civiles, policías, militares y hasta las pertenencias de los departamentos afectados por los golpes. La idea era atractiva, por lo que once años despues la compañía se embarcó en sacar una trilogía de juegos en forma de reboot, que consistía en los subtitulados ‘WORLD TOUR’, mí favorito y el mejor para sacar la ira, el ‘UNIVERSAL TOUR’, que agregaba ciudades en la luna y el ‘TROUGHT TIME’, que permitía a un nuevo elenco de bestias viajar en tiempo y devastar ciudades históricas sin ningún tipo de piedad. Un tiempito despues, en el 2006, la empresa lanzó otro reboot algo inferior para Playstation 2, Nintendo Gamecube y WII, subtitulado ‘TOTAL DESTRUCTION’ que seguía teniendo buenas ideas pero no era comparable con la simpleza y el carisma de las primeras tres entregas. El humor negro y diseños exageradamente caricaturizados le dieron al título una personalidad única que fue bastante infravalorada a través del tiempo. La historia solía ser siempre la misma, un experimento en la empresa Scumlabs sale mal (una vitamina nueva, intoxicación por una nueva hamburguesa o un lago radioactivo) y unos humanos se convertían en unas divertidas abominaciones en forma de animales gigantes antropológicos que eran capturados por humanos y rescatados por monstruos a medida que iban sucediéndose los juegos. Pero estamos acá para hablar de lo que fue la película, por lo que voy a dejar de irme por las ramas.

El argumento del film sigue a David Okoye (Dwayne ‘The Rock’ Johnson), un primatólogo ex jefe de una unidad contra la caza furtiva fuera de Ruanda que tiene una amistad especial con el gorila albino George. La cosa se complica cuando, tras la explosión de una estación espacial dedicada a investigaciones experimentales de una perversa corporación, unos extraños artefactos caen en distintas partes de Norte América, causando que tres animales comunes y corrientes, entre ellos el simpático George, se conviertan en unas indestructibles criaturas gigantes dispuestas a destrozar todo lo que ven a su paso. Para detener ésta locura, Okoye se une a la Doctora Kate Caldwell (Naomie Harris), ex ingeniera del programa genético que originó el peligroso suero y a Harvey Russell (Jeffrey Dean Morgan), un irónico agente gubernamental con una actitud de acero.

Para ser francos, el juego original no se trataba de un ‘HALF LIFE’ en aspectos narrativos, por lo que los cambios en el concepto central de la historia (como que las bestias sean animales gigantes y no humanos mutados) no se me hicieron tan difíciles de digerir a medida que la película iba transcurriendo. Apenas salió el trailer me lamenté por la oportunidad que el estudio estaba perdiendo en llevar a cabo un film de monstruos tan generico, y si bien los diseños de las criaturas lo son, el humor negro y retorcido de la obra original se terminó aplicando parcial pero cómodamente al resultado final del film.

El hecho de que la película ponga el enfoque protagonista en los humanos y el enfoque antagonista en los animales fue lo que le bajó unos pares de puntos a la idea. Los monstruos pudieron haber tenido una personalidad que lidere con la historia de una forma mucho más innovadora al tratarse de una comedia, sin ser limitados a aparecer solamente en escenas de acción y destrucción. Banco a Dwayne Johnson desde siempre, puede que sea un actor medio pelo pero tiene un carisma infinito que le hace sostener cualquier producción, la amistad que tiene con el gorila George es lo mejor que nos dejo la película junto a los efectos especiales. Mailin Akerman y Jake Lacy interpretan a la dupla de villanos principales del film, unos hermanos totalmente opuestos pero que tenían como denominador común la tenencia de la empresa culpable de todo el quilombo. Ella es una sociopata capaz de mantener la calma en las situaciones de más presión y el es su contraparte, un cobarde que ya no sabía como lidiar con los pecados de su empresa.

La dirección, a cargo de Brad Peyton, no es algo del otro mundo, pero supo encaminar la película de una forma más que aceptable. Las escenas de acción están bien construidas y los escenarios de destrucción son atrapantes y creíbles. Me gusto ver una cantidad tan grande de efectos especiales en un entorno diurno, eso habla muy bien del laburo técnico de éstos. El guión no tiene que ser analizado demasiado, tiene errores que se perdonan debido a la naturaleza de la idea. Estamos ante una película hecha para entretenerse sin pensar demasiado.

“RAMPAGE – DEVASTACIÓN” es una película divertida, graciosa y simpática. ¿pudo haber sido mejor? Totalmente, pero el resultado final fue algo que es digno de verse al menos una vez para distenderse un poco de la cruel realidad.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Rampage

ACTORES PRINCIPALES: Dwayne Johnson.

GENERO: Ciencia Ficción, Acción.

DIRECCION: Brad Peyton.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

107 Minutos

Reseña: Teatro Bombón

Reseña de Agustín Arosa

Una tentación homónima ofrece el ciclo “Teatro Bombón”: piezas cortas hacen las delicias del espectador desde la tarde hacia la noche en el bellísimo Milion. Para los curiosos, ofrezco mi recorrido particular:

Un atractivo balcón se presta como espacio ad-hoc que mezcla nuestra presencia observadora con la situación pronta a iniciarse. Tres personajes se encargan de introducirnos a “Minibar” a través de cómicas situaciones. No abusan de nuestras miradas, pero nos guiñan un ojo con sus disparatadas resoluciones. Al humor subyace, sin embargo, una incógnita que nos interpela.

Somos dirigidos más tarde a un reducido cuarto donde difícilmente podríamos imaginar un desenlace a la propuesta de “Las de Barranco”; a penas entramos nosotros ¿dónde cabrían las actrices?. Sólo un enigma así puede ser planteado por profesionales sin dejarnos a medio camino, pues desde el primer segundo hasta la finalización de la pieza somos testigos de un emocionante despliegue dramático donde la sala se ensancha y nos volvemos diminutos. Las actrices, con envidiable experticia, exprimen situación, espacio, texto y a nosotros mismos. Lo único que queda en pie es un “begging for more”.

En un rato comenzará “Mis Tres Hermanas” y nos encontramos ahora en una bellísima sala al estilo “gritos y susurros” que desde ya es envolvente. La escena está comenzada en el modo de habitar de las actrices, y con naturalidad desprenden por lo bajo sus intrigantes relaciones (porque no basta con tener un Chejov de antemano). La pieza se desenvuelve ofreciéndonos una sensación ambigua en forma de un detallado y dinámico cuadro pictórico: la decadencia es bella y entrañable.

Sólo queda por ver “1990 Noches” y nos dirigimos unos escalones arriba. Nos sorprenden una performance atrevida y un ambiente bolichero que anticipan una ruptura en el recorrido. Una reina impúdica se desprende en relatos y recuerdos que brillan aún pero a la distancia. Qué fácil es caer en el putocómico, qué fácil es tener sólo simpatía para dar y quizás alguna risita sin poco compromiso (así de mezquinos somos); pero no, la pieza nos deja en evidencia mostrando su digno semblante, pues la marica educa con grito y lágrima. ¿Nostálgica? No, histórica, pues las memorias disjuntas son parte de un legado marginal que nos ubica a muchxs en el tren de la historia no legítima y ya no estamos solxs en el lado B. Esta estrella contribuye con su justa cachetada a todxs: ¡nena!, ¡ni sos la única ni la primera! (pero, ¡qué suerte!)

El ciclo “Teatro Bombón” es una cita obligada y hay para todos los gustos, quizás hasta se inicie en uno nuevo.

AGENDA
10º Edición »»» Periodo: 08 abril al 24 junio.
Lugar: Million (Paraná 1048, CABA)
Reservas: Alternativa Teatral
Entrada por obra: $120
Combos en valores de dos o más obras: 1 obra $120 | 2 obras $200 | 3 obras $270 | 4 obras $320

Crítica: El reencuentro

Crítica de Malena Batista

El deseo de Richard “Doc” Shepherd (Steve Carell) de enterrar a su hijo cerca de casa, tras fallecer en la Guerra de Irak, lo llevará a reencontrarse con sus antiguos compañeros Sal (Bryan Cranston) y Richard Mueller (Laurence Fishburne), veteranos de la Guerra de Vietnam.

En el transcurso de este viaje, hacia el Este de los Estados Unidos, a la par que recuerdan sus experiencias en el campo de batalla, analizarán la forma en la que el ejército ha marcado sus vidas después de 30 años. El reencuentro (Last Flag Flying), película estadounidense basada en la novela del mismo nombre del escritor estadounidense Darryl Ponicsan, dirigida por Richard Linklater, mezcla drama y comedia en sus 124 minutos de duración.

El trío se caracteriza de manera estereotípica por sus personalidades casi opuestas. Por un lado Sal (Cranston), un alcohólico dueño de un bar decadente que no ha hecho mucho con su vida luego de la guerra. Doc (Carell) ha pasado un tiempo en prisión pero luego formó su propia familia, pero luego acabó solo por el fallecimiento de su mujer y la reciente muerte de su hijo en la guerra de Irak. La búsqueda de Doc durante todo el film se centra en que Sal y su otro colega de entonces, Richard (Fishburne), ahora convertido en pastor religioso, lo acompañen al entierro de su hijo. Al confrontarse con el ataúd de su hijo, se enteran que su muerte fue un poco más complicada de lo que le dice el Coronel de turno y deciden llevar el cuerpo a enterrarlo junto al de su madre, iniciando la cadena de peripecias.

La historia al principio es interesante, pero luego la línea argumentativa se estanca un poco al no avanzar más allá del conflicto de Doc con el ejército. Ya que es una película extensa las subtramas de los otros dos personajes podrían haberse desarrollado, y así sumarle algún otro condimento más a la película que, para mi gusto, queda un poco chata y superficial sin poder llegar a la reflexión del espectador.

Puntuación: 6

TITULO ORIGINAL: Last Flag Flying

ACTORES PRINCIPALES: Laurence Fishburne, Bryan Cranston, Steve Carell.

GENERO: Drama, Comedia.

DIRECCION: Richard Linklater.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Digicine

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

125 Minutos

Reseña: Heridas del Viento

“Heridas del Viento” de Juan Carlos Rubio desde el domingo 8 de abril a las 19 horas, subió a escena en el Teatro Buenos Aires, contando con la presencia del actor Miguel Ángel Jordán, quien cumple 60 años de trayectoria. Lo acompaña como partenaire, el actor Mariano Fernández con una carrera muy meritoria que lo respalda, logrando estar a la altura artística de Miguel, que no es poca cosa.

La obra habla de aquellas heridas, que no cicatrizan, que perduran en el tiempo y que ni la muerte se las puede llevar. Es la historia de David que nunca había logrado tener una comunicación abierta con su padre, “una familia acostumbrada a hablar de temas banales”. Pero el punto de inflexión que da comienzo a la obra, es la muerte de su padre. A partir de ahí, reacciona y descubre que no sabía nada de él y se le despierta la necesidad de conocerlo. David ha sido designado por sus hermanos para revisar los papeles de su padre y dividir los efectos personales entre sus hermanos. David descubre que su padre mantenía cartas con un hombre. La obra ronda en el encuentro de esos dos hombres, en los intereses opuestos y a su vez los puntos comunes de encuentro entre estos dos seres, que amaron a la misma persona, pero desde dos lugares diferentes. Uno como hijo y el otro en un rol que no se tiene claro y que es la trama a desenredar sobre si fueron amantes o no.

Una obra que discurre tratando sobre el amor, la discriminación, el desencuentro, la muerte versus la vida, el coraje y la mentira.

Esta obra se estrenó en el Teatro Auditorium de Mar Del Plata donde Miguel Angel Jordán fue reconocido con el premio Estrella de Mar 2018 a la actuación protagónica masculina de drama.

Una obra que llevará a la reflexión, con la escenografía, puesta en escena y dirección de Gastón Marioni, un director de amplia trayectoria. Gastón ha tenido el privilegio, en esta oportunidad, de dirigir a una leyenda del teatro, como a Miguel, agregado pluscuamperfecto en materia del arte dramático, cada vez que se levanta el telón.


Ficha técnico artística
Autoría: Juan Carlos Rubio
Actúan:Mariano Fernandez, Miguel Jordán
Vestuario:Cristina Galindo
Escenografía:Gaston Marioni
Fotografía:Espacio F
Diseño gráfico:Eduardo Asplanato
Prensa:Duche&Zarate
Puesta en escena:Gaston Marioni
Dirección:Gaston Marioni


Clasificaciones: Teatro, Adultos

(TEATRO) BUENOS AIRES
Rodriguez Peña 411 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 5218-5214
Web: http://www.teatrobsas.com.ar/
Domingo – 19:00 hs – Desde el 08/04/2018


Reseña de Diana Decunto

Reseña: “Cenicienta”, representada por Baires Sur Novus Ballet.

En esta oportunidad tenemos la satisfacción de comentar la representación en ballet de “Cenicienta”, basado en el cuento, para niños, homónimo de Charles Perrault Dentro del repertorio del Baires Sur Novus Ballet mantienen este clásico que se está representando en el Centro Cultural Borges, todos los domingos de abril, a las 15 horas.

Esta Cenicienta tiene la particularidad de perder su zapatilla de punta en lugar del tradicional zapatito de cristal. Apunta hacia el público infantil y está pensada la obra para ser compartida con la familia.

Esta puesta en escena de Baires Sur Novus Ballet no se priva de nada, se podrá disfrutar de ver en un estilo de humor, la maldad de las dos hermanastras y la disputa de ambas por querer conquistar el amor del príncipe. Mientras una pobre Cenicienta, huérfana, reducida a criada, sufre humillaciones por parte de su madrastra y de sus dos hijas. Hasta que llega a la vida de Cenicienta, su hada salvadora.

Es una excelente idea, que han tenido Luján Costa(directora general) y Anyi Larocca(directora de Arte) porque invitan, a los niños, como si fuese un juego, a adentrarse en el mundo del ballet.. ¡Qué mejor! Para !a fantasía de un niño, que hadas, madrastras, príncipes y Cenicientas, en palacios recreados por el ámbito teatral y bailados en punta de pie, para permitirles acceder a un mundo mágico pero a su vez tangible, no es un dibujo animado, ni es el 3D del cine, son personas de carne y hueso. A los niños les permite acceder a otras actividades diferentes a las que están acostumbrados, despertándoles la creatividad, despegándolos, por una hora, de las plays, celulares y televisión.

La obra es interpretada por jóvenes bailarines Martina Casado (La Cenicienta) , José Ramirez y Alberto Alandia (El príncipe), Nanu Miranda y Maru Echenique ( hermanastras) quien le dan un toque de humor, al estar peleándose todo el tiempo y Axel Nuñez , en el rol de una madrastra ridícula y una hermosa hada madrina en manos de la bailarina Antonella Danese. Las hadas de las estaciones son representadas por las bailarinas Laura Lifchtiz, Ivonne Di milta, Melisa Guccione, Valentina Piombo mientras que las cortesanas son Anahí Torres, Helena Molina, Celeste Riscino, Ornella Acerbi.

Quedan tres funciones, ayudemos a nuestros hijos a que se despeguen del suelo, estando sentados en una butaca teatral, porque eso será lo que les permitirá llevar la carga de la adultez con la mochila llena, con una infancia feliz, compartiendo momentos hermosos junto a sus familiares queridos.

Una tarde de domingo que prometía ser húmeda y lluviosa, de pronto, salió el sol, cuando se subió el telón.


Ficha técnica

ELENCO

Martina Casado (La Cenicienta)

José Ramirez y Alberto Alandia (El príncipe)

Nanu Miranda y Maru Echenique (Las hermanastras)

Axel Nuñez (La madrastra)

Antonella Danese (El hada madrina)

Laura Lifchtiz, Ivonne Di milta, Melisa Guccione, Valentina Piombo (hadas de las estaciones)

Anahí Torres, Helena Molina, Celeste Riscino, Ornella Acerbi (Las cortesanas)

DIRECCIÓN GENERAL: Luján Costa

DIRECCIÓN DE ARTE: Anyi Larocca

DISEÑO GRÁFICO: Benjamín de Benedetto

DISEÑO Y REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Ana María Nebuloni, Luján Costa

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: Anyi Larocca

PRODUCCIÓN GENERAL: Baires Sur Novus Ballet

PRENSA Y COMUNICACIÓN CCBORGES: Patricia Ludueña

PRENSA Y COMUNICACION BAIRES SUR NOVUS BALLET: Carolina Pastoriza

JEFE TÉCNICO CCBORGES: Alejandro Molinari

PRODUCCIÓN ARTES ESCÉNICAS CCBORGES: Alejandro Batiz


Reseña: Diana Decunto

Reseña: Anatomía del destino.

Reseña de Mariano Zamora

La llegada al teatro te sumerge en un mundo en el que todo es posible, en donde una persona puede hacer de cien, o de ninguna. En el Teatro El Ópalo nos encontramos con Anatomía del Destino, de Gabriel F. Chapo, en donde dos personajes son más que dos. Clara Díaz hace de Clara, una psicóloga Española que trabaja en el área de Recursos Humanos de una multinacional, y le dan la tarea de reducir gran parte del personal de una sucursal en Argentina. Federico Justo la acompaña en escena, interpretando varios personajes que acompañan a Clara y dan mundo y música a su relato.

El conflicto se plantea desde el comienzo, en la desagradable tarea (para algunos) que le toca a la protagonista de reducir la cantidad de puestos de trabajo de una empresa. Clara se choca con esta barrera, y a partir de allí se va a representar la revolución interior de una mujer de clase media (para arriba) que se ve ‘’obligada’’ a aceptar el pedido por parte de su jefe, pero que nos muestra, a través de diferentes recursos, como ese aceptar se va transformando en un despertar ideológico. Federico Justo se presenta en escena como un actor multifacético que da al mismo tiempo, con su voz y guitarra, música ambiental e incidental a diferentes momentos de la obra, dotándola de un escenario musical en vivo muy agradable.

Clara, inmersa en una situación contradictoria entre su puesto empresarial capitalista, y su inclinación y reflexión de la sociedad lejos de la guillotina monetaria, va a bifurcar su accionar entre el seguir las ordenes de la empresa, y el encontrarse a si misma ante la desobediencia laboral. Este incendio ideológico es lo que va a iluminar el desarrollo de la obra, jugando con el tiempo de representación, creando burbujas reflexivas, desarrollando a Clara como un reflejo de un despertar espiritual que a muchos les pasa y pone patas para arriba su actual visión del mundo.

Federico va a llenarnos de personajes el jardín de esta obra, pero principalmente va a ser el viento que empuje las velas de Clara y la llene de situaciones que alimentan su desarrollo. Vamos a encontrar en esta obra una revolucionaria reflexión de lo que hacemos y podemos hacer con las herramientas que tenemos en nuestras manos y muchas veces no vemos, mostrando lados combativos y reflexivos, retratando la fragilidad de personas comunes que se encuentran finalmente con el reflejo de una sociedad maquillada por los números empresariales, pero que despierta y combate la oscuridad de la individualidad capitalista, a pesar de todo.

Ficha técnica:
Actores: Clara Díaz, Federico Justo
Música en vivo: Federico Justo
Dirección de Arte y Escenografía: Emilia Pérez Quinteros
Diseño y realización de iluminación: Carolina Rolandi
Diseño y realización de vestuario: Daniela Chihuailaf
Asistencia de vestuario: Franco Solís
Asistencia de escenografía y realización: Martín Fernández Abuchdid y José Basoalto Ortega
Diseño gráfico: Facundo Mazzeo
Fotografía: Facundo Mazzeo
Prensa: Correydile
Producción Ejecutiva: Malón Teatro
Dramaturgia y Dirección: Gabriel Fernández Chapo
Duración del espectáculo: 70 minutos

Domingos 20 horas

Teatro El Ópalo – Junín 380 –

Entradas: $120 (único valor)

Reservas: 4951-3392 / www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra53165-anatomia-del-destino

Crítica: Un lugar en silencio

Crítica de Agustín Villegas

Calladito te ves más bonito.

Una familia es víctima de circunstancias tétricas cuando el planeta se ve atacado por una misteriosa amenaza que se despierta con el mínimo sonido generado. Viviendo en el medio de la nada y comunicándose mediante susurros o lenguaje de señas éste elenco de actores grosísimos nos lleva de paseo por un film de terror que nos remonta a la época en donde el sonido lo era todo en una película.

John Krasinski no solo demuestra que es un actorazo en el ámbito dramático, sino que también se luce como director dandole el tono justo a cada una de las escenas de la película. Emily Blunt como siempre brilla, su gesticulación no le erra nunca y brinda credibilidad suficiente como para empatizar éste enigmático terror que acosa a éste post apocalíptico mundo. Y el cuarteto protagonista se completa con la joven Millicent Simmonds y Noah Jupe, los hijos de los personajes de Blunt y Kasinski que cuentan con unas personalidades fuertes.

Marco Beltrami se encarga de la banda sonora, la cual no es perfecta pero le da un toque especial a la excelente mezcla de sonido que estuvo por encima de las expectativas. Si bien no soy fan del genero de terror me gusta mucho éste resurgimiento del cine silencioso mediante el miedo, es algo inmersivo y entretenido de sentir.

Recomiendo fuertemente “Un Lugar Tranquilo”. Preferí no hablar mucho de la historia que la revelación de cual es la amenaza es algo digno de ser visto por ustedes, y por primera vez voy a callarme los dedos y dejar que ustedes saquen sus propias conclusiones … eso sí, apaguen el condenado celular cuando entren a la sala.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: A Quiet Place

ACTORES PRINCIPALES: Emily Blunt, John Krasinski.

GENERO: Terror, Suspenso.

DIRECCION: John Krasinski.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 05 de Abril de 2018

90 Minutos