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Sinopsis En un mundo habitado por androides, la historia se centra en los robots Alex y BIbi, quienes a pesar de sus diferencias en un primer momento, logran verse unidos por una misma pasión, el futbol y la amistad. Juntos enfrentan las exigencias familiares que pretenden un futuro muy lejos de la cancha y las tribunas para la protagonista.
Reseña Pocas cosas unen con tanta pasión a la gente como el futbol y los grandes campeonatos de sus equipos favoritos, bajo esta consigna la trama destaca el valor de la amistad, el compañerismo y la importancia de trabajar por los sueños más allá de los resultados. Una historia simple con grandes valores, llena de colores y alegría.
Detalle El público infantil de la sala festejo con gritos y aplausos los logros de los protagonistas… literal, fui testigo de ese amoroso festejo. El doblaje de la exigente profesora está interpretado por la gran actriz Ana María Picchio.
Ficha Técnica Dirección: Diego Cagide y Diego Lucero Reparto: Annabel Gallardo, Ariel Cister, Lucia Baya Casal, Andrés Ciavaglia, Melina Macaggi, Ana María Picchio Año/País: 2024 – Argentina/España Duración: 84 minutos
Descripción: Tim Burton regresa al icónico mundo de *Beetlejuice* con una secuela que retoma la comedia, la fantasía y el terror que hicieron de la primera película un clásico. Con Michael Keaton, Winona Ryder, Jenna Ortega,Willem Dafoe y Catherine O’Hara de vuelta, el director muestra una energía creativa renovada, creando una historia que, si bien toca temas profundos, se mantiene fiel al humor macabro y extravagante de la original.
Lo bueno: Regreso de los personajes icónicos, la reunión de Michael Keaton, Winona Ryder y Catherine O’Hara en sus roles originales aporta una química palpable y nostálgica que impulsa la película. Burton logra mantener la esencia de *Beetlejuice* con un ritmo rápido y una energía alegre, mezclando animaciones tradicionales con efectos prácticos que recuerdan a su estilo único. La secuela no se limita a repetir la primera película. En su lugar, desarrolla una trama que aborda temas como el envejecimiento, la paternidad y el duelo, añadiendo una capa conmovedora a la comedia macabra.
Lo malo: Aunque el enfoque en animaciones tradicionales y accesorios de mercado de pulgas añade un encanto particular, algunos espectadores pueden encontrar que la falta de efectos CGI modernos hace que ciertas escenas se sientan anticuadas. La película, en su afán de mantener un tono macabro y caricaturesco, podría perder a aquellos que buscan una narrativa más coherente y menos enfocada en el humor absurdo.
Recomendación: *Beetlejuice 2* Es una comedia de terror ideal para los fans de la película original y aquellos que aprecian el estilo visual distintivo de Tim Burton. Si disfrutaste de la primera película, esta secuela ofrece una mezcla de nostalgia y frescura que la convierte en una experiencia imperdible.
Sinopsis: Las hermanas Dolores y María tienen muy pocas cosas en común, estas diferencias las lleva a tener vidas distantes y verse muy poco. Hasta que un día, la más joven de ellas, encuentra en las redes sociales de su sobrino Iván, que su madre, una mujer viuda de unos 80 años, se ha ganado miles de suscriptores haciendo monólogos controversiales sobre la vida de sus hijas. Esta repentina fama de su progenitora la lleva a unirse con su hermana para encontrar la manera de detener a su propia madre.
Reseña: En tono profundo sin perder la diversión, la historia fruye planteando mucho más que la falta de comunicación en tiempos de redes sociales y el cómo nos afecta la opinión ajena. La obra plantea como ante una causa en común podemos descubrir que tan desconocidas pueden ser, incluso, las personas que tenemos cerca.
Matar a mamá no es una comedia dramática del montón, más bien, es el trabajo bien logrado de la escritura precisa y lograda de Laura Oliva, bajo la dirección de Paula Ransenberg; con la gran interpretación del trio protagónico María Rosa Fugasot, Florencia Raggi y la maravillosa Inés Estévez. Detalle. Es un verdadero lujo ver en escena a las tres protagonistas. La historia está muy bien contada, quizás la velocidad del desarrollo, en algún momento, le quite ese toque de emoción al que te hacen llegar y salir muy… muy rápido.
Ficha Técnica Dirección: Paula Ransenberg Reparto: Inés Estévez, Florencia Raggi y María Rosa Fugazot Año/País: 2024 – Argentina Duración: 70 minutos Funciones: Viernes y Sábados a las 20 hs y Domingos a las 19.30 hs. Teatro Politeama, Paraná 353
Muy buena versión libre del cuento de Abelardo Castillo «Negro Ortega»; mantiene toda la esencia, los saltos temporales del relato original y nos transporta al mundo del boxeo de los años 50 con la gran disyuntiva que envuelve al protagonista. Ortega se debate entre lo que debe o no hacer, lo que corresponde o no; entre el bien y el mal; y lo resuelve como puede, a las piñas.
Una puesta en escena que acompaña el relato llevándonos a ese mundo de ring side y bares sombríos; personajes nostálgicos, acostumbrados a perder. Totalmente convincentes y deslumbrantes las coreografías boxisticas que le agregan un plus de atractivo a las ya de por si muy buenas actuaciones de todo el elenco ( Lorenzo Martelli, Santiago Maurig, Juan Mende, Federico Milman, Leandro Orellano y Fabian Petroni).
También esta muy logrado el aspecto musical con la interpretación de un par de tangos por los protagonistas acompañados de un bandoneon, que con sus sonidos acompaña y embellece la puesta. Dramaturgia y dirección de Maxi Rofrano. No dejen de ir a verla.
Por Nancy Benegas El lunes 26 de agosto tuvo lugar en el teatro Politeama la entrega de los Premios Sur, otorgado anualmente desde hace 18 años por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina; reconoce la labor del trabajo integral de las mejores realizaciones en cine del año anterior. Teniendo en cuenta los problemas que atraviesa hoy la realización de producciones cinematográficas en el país, cabe destacar que los nominados e invitados especiales al evento, mencionaron su presencia como un apoyo, en este difícil momento que atraviesa el cine por la falta de recursos económicos en la industria.
A lo largo de la noche, más allá de la esperada entrega de los premios en las diferentes categorías, se realizó un tributo a Charly García, donde reconocidos artistas como Elena Roger, Gloria Carra, Victoria Carreras, Rosario Ortega entre otros, interpretaron canciones del popular interprete bajo la dirección de Damian Mahler. Hubo reconocimientos especiales a la trayectoria, entre ellos al actor Ricardo Darín, la documentalista Carmen Guarini y a él director Adolfo Aristarain. Se rindió homenaje a películas nominadas al Oscar, que si bien no fueron las ganadoras de la estatuilla, llegaron a un lugar relevante en la industria como “La Tregua” a 50 años de su estreno, “Camila” que cumplió 40 años desde su primera proyección y la más nuevita con 10 años “Relatos Salvajes”. La película que se llevó la mayor cantidad de premios a su hogar fue Blondi, reconocida como mejor opera prima, Dolores Fonzi, quien también fue la directora del filme, ganó como actriz protagónica, Rita Cortese se llevó el premio como la mejor actriz de reparto y Toto Rovito fue la revelación masculina de la premiación. Las otras pelis favoritas de la noche fueron “Púan” y “Los delincuentes” que se llevaron tres premios cada una. Mención especial para “Cuando acecha la maldad” que fue elegida como la mejor película de ficción, y a su director Demián Rugna que fue elegido como el mejor. Detalles La maestra de ceremonia de la noche, Dalia Gutman, con talento y mucho humor supo manejar los pequeños errores a lo largo de la transmisión con mucha soltura. En este momento, “Relatos salvajes” esta en los cines remasterizada. Una gran oportunidad para disfrutar de una de las mejores películas del buen cine argentino. Si les gusta el cine de terror, “Cuando acecha la maldad” es una grata sorpresa para apreciar en Netflix.
¿Cuáles son los actos que nos alejan del mal? ¿Qué recuerdos es mejor borrar para que podamos crecer? ¿Harías cualquier cosa con tal de agradarle al amigo de un amigo?
“En la búsqueda de un asesino en serie, la agente del FBI, Lee Harker, descubre una serie de pistas ocultas que debe resolver para poner fin a una aterradora ola de asesinatos”, es la sinopsis de Longlegs, esta aclamada película que desde su estreno en festivales internacionales viene con una gran recepción por parte de los espectadores, críticos y prensa.
Osgood Perkins, su director y guionista, entrelaza el género del thriller policial con el terror. Donde una agente se ve envuelta en un gran caso de un macabro serial killer que aparentemente nadie más puede resolver salvo ella, ya que por alguna razón a la que no logra encontrar respuesta, se siente vinculada al victimario.
Una película que es llevada excelentemente por su protagonista, la gran Maika Monroe, (a la cual le escribiría 100 películas más sólo a su mirada)acompañada por Blair Underwood y teniendo como antagonista a un misterioso personaje que se hace llamar Longlegs, siendo interpretado por el flamante y mítico Nicolas Cage en un papel tenebroso e histriónico apoyado en una particular y espectacular caracterización, donde al tener a Cage casi irreconocible lo notamos suelto, fresco y divirtiéndose al encarnar este oscuro personaje que a cuentagotas nos van revelando quien es.
Es un film que claramente tiene una raíz en The Silence of the Lambs de Jonathan Demmey a la vez en el cine de David Fincher como lo son Se7en y Zodiac, incluso se podría hacer un paralelismo con Misántropo de Damián Szifrón. Pero bajo la autoría de Oz Perkins este thriller es con un tono tremendamente satánico. La obra técnicamente, obviamente en pos de lo narrativo, es espléndida e impecable. Gracias a su fotografía, sonido y montaje se construye una atmósfera de tensión que no recuerdo haber experimentado tanto en una sala de cine este año. Se logra una tensión que nos acerca al terror sin tener que mostrarnos demasiado y esto queda clarísimo desde la primer secuencia.
Longlegs comienza con un primer acto excelso, prácticamente inmejorable, donde planta un tono sombrío, desangelado y desesperanzado perfectamente medido entre sus dos géneros. Está clarísimo que Oz Perkins sabe lo que quiere generar y lo logra con una puesta en escena que te pone los pelos de punta en cada plano y que no sólo se centra en una fotografía bonita o una trama enrevesada sino que crea una historia con profundidad cinematográfica, que cuando hablemos de X no sólo estemos hablando de X sino de algo más. Que haya una segunda historia por debajo de la primer lectura, que abra el abanico de la interpretación para el espectador y no lo tome de tonto generando un producto pochoclero que apenas deba masticar. Representación cinematográfica con simbolismos y analogías; puesta en escena. Dirección, básicamente. Algo perfectamente logrado en el mejor plano de la película, donde con dos luces, una puerta, una escalera y una llamada telefónica se crea algo más que la suma de las partes.
Peeeero… Lamentablemente parece que siempre hay un pero y en este caso siento que a partir del punto medio de la película el ritmo se resquebraja a cómo venía siendo y poco a poco se va acelerando pero en contra de su propia narrativa. Es verdad que Cage se devora la pantalla cada vez que aparece y hay una decisión por querer darnos un poco más de su personaje rompe el punto de vista de la protagonista y nos sitúa en el asiento del auto de Longlegs a mitad del film y desde allí cambia la forma en cómo es contada la historia. Pierde un poco el tono realista de thriller por adentrarse más en una resolución que busca lo explícito de la emoción del terror en contraposición de cómo fue sembrado en la primer parte del film, y al romper ese realismo, perdemos el componente terrenal y humano del terror que es en verdad el que más miedo genera. Ese terror que constantemente está entre nosotros en cada plano de la película. El mal, al ya no provenir de entre nosotros sino de algo más allá que no podemos controlar lo hace perder un poco porque entendemos que el mal, no importa en qué esté representado, siempre terminará imponiéndose.
Los que saben afirman que un buen final debe ser tan inesperado como inevitable, y el final de Longlegs es claramente inevitable pero no sé si tan inesperado ya que no es tan difícil unir los puntos una vez está planteado el panorama. Y si hay algo que no hago cuando me siento en una butaca de cine es jugar a la futurología, imaginando posibles finales e intentando ser más inteligente que el propio film, en este caso Perkins sólo plantea tres puntos y los tres se unen en línea recta, no hay sorpresa más allá de un forzado y cantado plot twist. El aura satánica se adueña de la resolución del último acto intentando darle una verosimilitud dentro de su propio relato y aunque en el guion todo cuadre como debería desde la pantalla no me pareció tener un clímax a la altura de la apertura del film. Aún así, Longlegses una excelente película para experimentar en una sala de cine y con ella Oz Perkins afirma su lugar como cineasta del género al cual habrá que seguir atentamente su carrera a futuro ya que muestra un gran oficio como autor y director cinematográfico.
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
La llegada de Carín León a la Argentina suponia la primera cita que tendría el artista mexicano dando un show en Buenos Aires, eligiendo el escenario del movistar arena para traer el show de «Boca Chueca Tour»
El estadio del movistar arena se encontraba lleno y antes de comenzar el espectáculo se sentía cierta euforia entre los fans debido a que era el primer show en Buenos Aires. Una vez comenzado el espectáculo, notamos la imponente puesta en escena en la que el artista quedó rodeado de alrededor de 30 músicos acompañadolo también con un gran apartado visual. De esta manera disfrutamos de un show de alrededor de 2 horas y 30 minutos de duración y sirvió la presentación de su último material discográfico «Boca Chueca» que también le dio el nombre al tour con el que llegó a Buenos Aires.
El show contó con 30 canciones en vivo en las que sonaron temas como «Qué vuelvas» «Primera cita», también ha interpretado temas de su nuevo álbum. Uno de los invitados especiales de la noche ha sido Abel Pintos, con quien cantó «Te lo agradezco». Otra de las sorpresas fue el Cover de «En la ciudad de la furia» Una de las míticas canciones de Soda Stereo y que fue muy bien recibida por todo el público.
Todos los miércoles a las 21hs, NÜN Teatro Bar alberga a “La hermana infame”.
¿Cómo hacer un homenaje? ¿Qué contar? ¿Qué no? ¿Qué ocurrió? El recuerdo como lugar incierto, cambiante, jamás verdad única y, sin embargo y a la vez, verdad de ese “yo”. Recuerdo como forma de mantener vivo lo que ya no. Una obra biográfica. Una hermana, Gilda, rememora a su hermana muerta Sofía. Sofía en un pasado fue Raúl, Sofía fue licenciada en letras y profesora universitaria, Sofía falleció. Gilda no endulza su historia, expone el dolor, el silencio, la alegría y la contradicción del amor. Gilda y Sofía: la memoria, la vida, la muerte. Un monólogo agrietado. Momentos donde el pasado se cuela y se vuelve presente, donde el “yo- Gilda” enuncia, narra y, también, calla. Silencios. Un viaje por la relación de estas dos hermanas desde la perspectiva de Gilda. Todo lo complejo y, quizás, por eso tan profundo, inexplicable y, en algún punto, inenarrable del amor. Una mujer sola rodeada de libros. Respira, se mueve tranquila, con naturalidad, casi como si nos recibiera en el living de su casa y nos invitara a ser parte de un relato que ella quiere, quizás necesita, contar. Gilda habla desde su humanidad, no le da lugar a clichés ni subrayados, habla de su hermana desde ella, con todas las contradicciones que la atraviesan. La historia se despliega, los momentos suceden como imágenes. El público acompaña, quiere escuchar la risa rota, el amor dolido, las preguntas que retumban como eco. “La hermana infame”, una obra de teatro que es homenaje sin los formalismos que los homenajes suponen. Un recuerdo vivo, tierno y contradictorio. “Ser o no ser” quizás sea siempre la cuestión. O no. ¿Acaso importa? “La hermana infame”- NÜN TEATRO BAR (Juan Ramirez de Velasco 419)- Miércoles 21:00hs.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Dramaturgia: Sebastián Suñé/ Dirección:Elena AcuñaActúan: Gilda Scarpetta/ Vestuario y Escenografía: Vera Aricó/ Audiovisuales: BORIA AUDIOVISUAL/ Visuales: Leticia Barbitta/ Música original: Mauro Conde/ Diseño De Iluminación: Matías Sendón/ Asistencia artística: Leticia Barbitta/ Producción: Carola Parra/ Diseño de movimientos: Aymará Abramovich
En esta ocasión probamos el título Honeyland para Nintendo Switch. Un juego con un aspecto casual pero que trae un peculiar rompecabezas en la que debemos ser estratégico y esperar nuestro turno para hacerlo.
El objetivo del juego es ayudar a un oso a llegar a su preciada miel para que pueda consumirla. Para eso debemos atravesar una pista donde nos otorgan una serie de movimientos en cuadriculas que debemos elegir bien para poder llegar con los pasos justos. Es así como avanzamos en una serie de niveles que va aumentado la dificultad y nos hace pensar sobre como vamos a lograr el objetivo. El juego funciona bastante bien en su función de entretener y ser estratégicos, y más allá de su simplicidad, nos ha entretenido.
Vamos a decir que en cuanto al aspecto visual, se ve como un juego móvil y el diseño del oso es bastante feo. Aún así su gameplay es funcional y cuenta con sonidos que son agradable para lo que esta jugando.
Puede que no tenga mucho más que decir, pero honeyland es un juego super sencillo que tiene la finalidad de que usemos la mente para que podamos llegar al objetivo. Su cuadricula de movimientos es interesante y nos termina enganchado por unos tantos niveles donde el desafio es mayor, aunque su aspecto sea algo cutre.
El pasado 21 de agosto pudimos presenciar »Manual para armar un sueño «, obra original de la compañía andaluza La Zaranda. Gracias al Complejo Teatral de Buenos Aires se dio el estreno en el Teatro Regio el cuàl estará solo por tres funciones, los miércoles hasta el 8 de septiembre.
»En el breve espacio que va de un camarín al escenario, un actor realiza un viaje infinito por la historia. Un sueño tan delgado como el hilo de un barrilete, aunque capaz de resistir tempestades». Así resume Eusebio Calonge su texto original.
Es importante señalar que »Manual para armar un sueño» es una obra que valga la redundancia, posee una narrativa y estilo onírico. Nos vamos a sumergir en la mente del hombre entre sus pesadillas, anhelos y viajes astrales. Para ello tendremos a dos actores que interpretan a un mismo personaje y un narrador presente en la última parte interpretando a Morfeo o al mismo diablo.
Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos son los actores veteranos de esta obra. Los tres se van a desenvolver en un escenario a oscuras, con una narrativa poética y exageraciones. tal cual representa un sueño. Con su jocosidad andaluza harán reír a los asistentes del Teatro Regio.
Paco de la Zaranda además de productor y director de la obra, es el escenógrafo de la misma. Solo una luz amarilla y lámparas guiarán a los personajes dentro de una escena que no podremos ver, es en esa oscuridad donde ocurrirán efectos prácticos para darle el aspecto físico a la narrativa. Metales, leds, lámparas de cabeza, tablas y fierros son los elementos que se mezclan en tablas, solo se va a revelar cuando se enciendan las luces de sala
Manual para armar un sueño es una obra diferente y muy andaluza que llega a Corrientes y con la calidad que solo puede traer el Complejo Teatral de Buenos Aires.
Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web. .
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