Crítica: La primera profecía

Por Guillermo Verón



No me termina de cerrar porqué hoy en día muchos productores toman el riesgo de contratar gente poco experimentada para realizar ‘remakes’, «recuelas», precuelas y si alguna cuela, cuela (?). Porqué no han logrado ser un éxito o son mal explotadas. A mí no me disgustó el desenlace de «Halloween» de David Gordon Green pero debo reconocer que viró para lados que no fueron los que les prometieron a los ‘fans’. El mismo que decepcionó a todos por igual con la extraña «El exorcista: Creyentes».
Ahora una vez más van a tocar otro clásico del terror que parecía intocable. Quien se anima a esta difícil tarea es la joven Arkasha que venía de dirigir episodios de series como: «Brand new flavor», «Legion», «Briarpatch». Cortos como: «Daisy & D», «Crowns» y el premiado » Vessels».
¿Será realmente la indicada?



Margaret es una joven estadounidense que viaja a Roma para dar servicio a una iglesia. Una vez allí descubrirá eventos turbios, entre ellos la llegada del mal a la Tierra de una forma totalmente inesperada.

No sé cómo empezar; honestamente estoy indignado. Desde «X-Men: Dark Phoenix» que no salgo enojado de una sala de cine.
Sólo unos pocos personajes parecen poner lo que pueden. Pero, ni grandes nombres como Bill Nighy, Ralph Ineson, Sonia Braga o Charles Dance, tienen compromiso por esta producción. Parecen títeres sin almas y el que los maneja no sabe qué hilo da tal movimiento.


Las jóvenes Nell Tiger Free, Nicole Sorace, Ishtar Currie-Wilson o María Caballero tratan de aportar algo con lo poquísimo que tienen.
Un guión contradictorio que ni siquiera respeta su propia obra. Tanto los efectos digitales como los prácticos se notan. Abusa de planos detalle para no tener que mostrar más porque se vería todo. Va más allá de que sea una precuela de una obra maestra. Ni siquiera vale como cinta que no tuviese nada que ver con el «universo de Damien».


Hay personajes y referencias al largometraje de Donner, como «Ave Satani» (la mítica composición de Jerry Goldsmith) usada en una escena que diremos que queda bien.
Tiene un ritmo tedioso, dura sólo 10 minutos más que la de los 70 pero se siente eterna.
Sólo queda rezar para poder matar a esta bestia de una vez por todas. Sabemos que hay chacales dispuestos a jodernos.

Calificación 4/10

Crítica: Siempre habrá un mañana


Por Gustavo Condano

Siempre habrá un mañana, siempre y cuando sobrevivamos al hoy.
Está comedia dramática italiana se mete con problemas muy serios como el abuso, el rol de las mujeres en la sociedad y la violencia de género en tono de comedia italiana y, a pesar de ser blanco y negro, con algunos recursos trae al presente un problema que viene de hace rato pero también puede ser muy actual. ¿Lograra balancear todo esto o será un verdadero cocoliche? Lo vemos más abajo.



La historia:
Ambientada en los años posteriores a la finalización de la segunda guerra, cuando el ejército americano todavía ocupaba Italia en vísperas de las elecciones que traerán la vuelta a la democracia, una familia italiana luchaba día a día por sobrevivir.
Delia, interpretada por Paola Cortellesi, corre de un lado a otro de la ciudad para hacer los mandados y ganar algunas pocas liras para poder sobrevivir y que toda su familia salga adelante. Claro que las cosas están más que ajustada para darle de comer a sus tres hijos y la actitud autoritaria, por no decir violenta, de su marido Ivano, interpretado por Valerio Mastandrea, sólo hacen todo más complicado.
Pero una “buena” noticia les da esperanza, el compromiso de su hija más grande Marcella con un joven de familia “bien”, lo que para ellos le asegurará un mejor mañana. Delia por supuesto se pone en marcha para que todo esté impecable para el almuerzo donde conocerán a la familia del joven y se anunciará el casamiento. ¿Realmente este compromiso será la promesa de un mejor mañana o simplemente será otra falsa esperanza de futuro? Habrá que verla para descubrirlo.

¿Qué me gustó?
Los personajes secundarios, especialmente las mujeres amigas de Delia, que también tienen planteada su historia completa e interesante, que a veces se cuenta en un sólo plano pero que se entiende perfectamente.
La disrupción a este planteo de cine clásico italiano a través de música estridente que aparece por momentos o escenas de baile, que nos llevan a pensar en la disrupción de un pasado que tuvo que cambiar su mirada sobre el rol de las mujeres en la sociedad y la violencia de género.

¿Qué no me gustó?
Hace una mirada bastante lineal en cuanto a los personajes masculinos, especialmente el marido y su padre Ottorino, que sólo quedan como los malos de la película sin mayores matices.

¿Aporta algo nuevo al género?
Hace referencia al neo realismo italiano pero intervenido por esas disrupciones de las que hablábamos antes. Lo que no sólo dice algo ante la disrupción de una costumbre antigua sino también le da un dinamismo a la trama que hace más ameno el film en general y permite hablar de temas muy complicados sin caer en lugares comunes.

¿A quién recomiendo está peli?
A todo el que le guste el buen cine italiano y una trama sencilla pero muy efectiva y actual. Aunque parezca mentira o no tanto, muy nuestra, bien podría estar ambientada en cualquier barrio porteño o del conurbano y no perdería su esencia.

Calificación: 8/10


Estreno: Se estrena dentro del marco del festival de cine italiano del 4 al 10 de abril en Cinépolis Recoleta.
Duración: 118 minutos

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.

Reseña: Los mosqueteros del rey


“La obra nos presenta a cuatro actores que tratan de dar inicio a la función. Sin embargo, una serie de incidentes se los impide, ya sea porque olvidan los textos, se confunden con los momentos de entrada y salida, hay contradicciones o comentarios sobre la información del relato. Poco a poco, intentan montar la célebre novela de Dumas, pero las complicaciones se incrementan hasta el momento donde deben tomar una decisión radical.”


Cuando se estrenó hace treinta años era un infantil, ahora se presenta como para adultos pero siento que sigue siendo para niños
Jorge Suárez nos tiene acostumbrados a trabajos fantásticos, creo que acá está muy desaprovechado lo mismo que Nicolás Scarpino. Párrafo aparte para Nicolás Cabré que cuando trabaja “en serio” es un gran actor, no es éste el caso, porque con el recurso de hablar como un nenito no se le entiende nada y es una lástima, Villarreal es un muy buen imitador.


Destaco claramente la música del genial Martín Bianchedi  y que cantan en vivo y el vestuario cuando están en “personaje”, unas capas y unos sombreros maravillosos
La gente se ríe y mucho, el teatro estaba casi lleno


Para mí, un pasatiempo que se queda a mitad de camino


LIBRO: Manuel González Gil
DIRECCION: Manuel González Gil
MÚSICA ORIGINAL: Martin Bianchedi
COREOGRAFÍA: Rubén Cuello
ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
ILUMINACIÓN: Eli Sirlin
PRENSA: Raquel Flotta
COMUNICACION: Raquel Flotta
PRODUCCIÓN GENERAL: Espectaculos Gallo – Juan Manuel Caballé


Teatro Astral; Corrientes 1639
Funciones jueves 20.30hs, viernes y sábados 20hs, domingos

Por María Barci

Reseña: Brotherhood

Mi hermano, mi compañero, mi amigo

Los hermanos son los compañeros de la vida, un vínculo de sangre que jamás se rompe… A veces son nuestros rivales y las personas más opuestas a nosotros mismos. Tener seis hermanos significa preferencia por algunos y distancia con otros, por suerte solo tuve una hermana la cual quiero mucho pero no logro entenderla. Brotherhood describe todo este caos familiar pero en el fondo, el amor se esconde.



»Brotherhood es un momento en la vida de siete hermanos, el momento en que los padres comienzan su etapa de deterioro. Los siete enfrentarán la pérdida desde la vivencia que cada uno tuvo como hijo, desde los lugares que ocupan, sus propios miedos, egos, inseguridades, y vivencias». Es la sinopsis de la obra original de Anahí Ribero la cual se presenta en el Teatro Beckett.

Con un elenco de siete hermanos o más bien actores, conformado por Agustin Corsi, María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Alfredo Sánchez. Cada uno diferente entre sí, en edad, morfología y trasfondo pero con un mismo problema: ¿Quién se hará cargo de cuidar a los padres?

En Brothethood se juegan los recuerdos de la infancia y las vivencias del hoy. Siete adultos emparentados pero distantes, muchas excusas y peleas, secretos que salen a la luz y muy en el fondo, el difícil amor de hermanos. Ribero sabe como capturar el clima familiar que consiste en tener padres de tercera edad  en un ambiente de disputas de mesa. Cada actor estará sentado de frente en una silla e irá soltando todo lo que sienten y sin mirar al otro, los pensamientos se hacen altavoz.


Demián Ledesma Becerra es el encargado de la puesta en escena. Esta se basa en una animación que irá detrás de una pared en blanco donde están sentados los actores. El diseño gráfico irá acompañado con emoticones, chats de WhatsApp y efectos para cada personaje. Esta apuesta es ingeniosa y divertida, ayuda a darle más dinamismo  a la obra.

Brotherhood es una comedia dramática que nos hará reflexionar sobre el vínculo que tenemos con nuestros hermanos, los recuerdos que traemos desde la infancia y las risas que se vuelven cómplices en momentos difíciles. Una obra cargada de energía, humor, lágrimas  y mucha hermandad.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Antígona en el baño

“Antígona en el baño”: una comedia que despierta la risa de los Dioses.


La trama de la obra se desarrolla íntegramente en un baño – cabe destacar una escenografía perfecta – donde Ignacia, una famosa diva de la televisión sufre una crisis de nervios antes de su regreso al teatro después de años de hacer solo televisión. Y nada menos que con el papel de Antígona. A pesar de considerar su presentación teatral como un evento de gran importancia para toda Latinoamérica, la protagonista se encuentra completamente desorientada y confunde los nombres de los personajes de la obra en un divertido trabalenguas que despierta carcajadas entre el público.


En este espacio íntimo y privado como es el baño, solo su asistente y un terapeuta excéntrico tienen acceso, intentando calmarla mientras la tragedia griega irrumpe en sus vidas.El acierto de la obra radica en cómo el contexto de la tragedia griega se entrelaza con la vida de una estrella de otros tiempos, cuya búsqueda de legitimidad artística se ve contrastada con la frivolidad de la fama y la exposición mediática.


El primer acto transcurre entre la protagonista (Verónica Llinás) y su asistente (Esteban Lamothe) que intenta calmarla con métodos poco convencionales. Y el ritmo de la obra se intensifica con la llegada del terapeuta (Héctor Díaz) un coach ontológico quien ofrece extraños métodos para calmar los nervios de la actriz, añadiendo un elemento de surrealismo a la trama.
Los tres brillan cada uno en su papel, generando momentos de humor catártico gracias a sus interpretaciones. Risas aseguradas por casi 75 minutos!!


TEATRO ASTRAL: Av. Corrientes 1639, Buenos Aires, CABA
PROTAGONISTAS:
• Verónica Llinás
• Esteban Lamothe
• Héctor Díaz
FICHA TÉCNICA:
• LIBRO: Facundo Zilberberg – Verónica Llinás
• DIRECCION: Laura Paredes – Verónica Llinás
• ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
• VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
• ILUMINACIÓN: Eli Sirlin
• PRENSA: Raquel Flotta
• COMUNICACION: Raquel Flotta
• PRODUCCIÓN GENERAL: Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

ANDREA PARISE CALAMERA

Reseña: El cazador y el buen nazi

Por María Barci

“Un día de mayo de 1975, el famoso cazador de nazis Simón Wiesental recibió una inesperada visita en su oficina del Centro de Documentación de Viena. Su visitante era nada menos que Albert Speer, el ex arquitecto y ministro de Armamentos de Hitler.
¿Cuál era el motivo de este encuentro? ¿De qué hablaron? Qué se dijeron? ¿Qué diálogo era posible entre un victimario y una víctima del Holocausto?

Esta hermosa obra es protagonizada por dos grandes actores, Jean-Pierre Noher (como el cazador) y Ernesto Claudio (como el buen nazi)

Es una obra emocionante, dolorosa, que te deja pensando en la impunidad de los psicópatas para asumir sus culpas y en la fortaleza de los sobrevivientes.

Dos grandes actores que se sacan chispas, ellos solos, en casi una hora y media de función, en un contrapunto realmente interesante y muy ejemplificador.

El encuentro sucede en las oficinas de Simon Wiesental (el cazador) adonde llega una tarde Albert Speer, después de haber estado en prisión por haber pertenecido al régimen de Hitler.

Hay una carta con una confesión que sale a la luz en ese momento y de la que Speer no se hizo cargo en su juicio y que cambió radicalmente su condena, pero no quiero adelantar nada más, porque tienen que verla. Van a ver a dos actores muy creíbles en sus personajes, con una historia excelentemente contada y con una gran dirección de Daniel Marcove.

Muy emocionantes las palabras finales de Jean-Pierre Noher  cuando cuenta que esta historia le toca realmente muy de cerca al actor y ya no al personaje, algo que tampoco quiero adelantar pero que les aseguro  que es tan emocionante como todo lo que pasa arriba del escenario.

Están en su tercera temporada, esta vez en el Teatro Metropolitan (antes estuvieron entre otros lugares en El Tinglado)

No se la pierdan, vean buen teatro, vean a gente talentosa que honra el escenario

ACTUAN: Jean-Pierre Noher y Ernesto Claudio

AUTORIA: Mario Diament

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Héctor Calmet

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Miguel Morales

DISEÑO VESTUARIO: Daniela Taiana

PRENSA: Marcos Mutuverría

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mauro J. Pérez – Alberto Teper

FOTOGRAFÍA: Gianni Mestichelli

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Christian De Miguel

MUSICALIZACION: Jean Pierre Noher

DIRECCION: Daniel Marcove

REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Volodymyr Hlavadskyy

REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: Paula Molina

VOZ EN OFF: Gabriela Licht

Teatro Metropolitan

Av. Corrientes 1343

Funciones: domingos 17 hs

Crítica: Godzilla y Kong: El nuevo imperio

Por Jhon Wolf


‘Godzilla y Kong: El nuevo imperio’ ofrece una experiencia cinematográfica épica que lleva a los espectadores a un emocionante viaje por todo el mundo, donde los colosos titanes, Godzilla y King Kong, dominan la pantalla con su imponente presencia. Con una trama centrada en la acción y la espectacularidad visual, esta película es un festín para los amantes del género, ofreciendo emocionantes combates y momentos inolvidables que cautivarán a la audiencia desde el primer momento hasta el último.




Lo que nos gustó:

La película ofrece una experiencia visual impresionante, con combates épicos entre Godzilla y King Kong que mantienen al espectador pegado a la pantalla. Las escenas de acción son intensas y emocionantes, y el director, Adam Wingward, logra capturar la esencia de estos titanes de manera magistral. Además, el cambio en el enfoque de la trama, dándole más protagonismo a los monstruos y menos a los personajes humanos, resulta acertado y contribuye a mantener la atención del público.

Lo que no nos gustó:

Aunque el cambio en el enfoque de la trama es positivo en términos generales, algunos personajes humanos pueden resultar un tanto cliché o poco desarrollados. Además, la película podría haber profundizado más en la historia de los monstruos y en su relación con el mundo que los rodea. Algunos espectadores podrían echar de menos un mayor desarrollo de los aspectos emocionales de los personajes no monstruosos.

¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?

Recomendamos esta película a los amantes del género de monstruos y a aquellos que disfrutan de espectáculos visuales impactantes. También es una buena opción para quienes buscan una experiencia de entretenimiento puro y sin complicaciones, con emocionantes peleas y efectos especiales impresionantes.

Reseña: Avenida Q

Avenida Q es un musical que se estrenó por el año 2003 en el off de Broadway y que fue todo un suceso al presentar una historia en la que incluyen marionetas, que son peluches al estilo de plaza sésamo, conviviendo con humanos y con situaciones cómicas dirigidas al público adulto. En 2010 se hizo la primera adaptación en Argentina y es ahora cuando regresa para demostrar lo ingenioso que es este espectáculo y lo que el talento de nuestro país puede hacer para hacer de esta obra tan cerca y tan actual.

Hay que poner en contexto, pensemos que estamos en una especie de plaza sésamo pero que ahí conviven tanto muñecos afelpados, peludos y también seres humanos de forma natural. Todos tienen trabajos, tienen que vivir en una sociedad, pagar la renta y demás temas de cualquier vida adulta. La avenida Q es un sitio de una gran ciudad (pensemos en Nueva York) donde van a vivir aquellos que no tienen para pagar un alquiler costoso y es el asilo de aquellos que son pobres y desempleados. Es así como conocemos en un principio a Princeton, quien se muda a esta dichosa avenida y es el disparador para que podamos conocer a los personajes que integran la obra. En cuanto a la historia de Princeton, tenemos a un joven recién recibido y que quiere encontrar la meta para su vida, y que también tiene una relación Kate Monster, una joven docente que quiere abrir una escuela para estos muñecos peludos llamados Monsters. Tenemos a la pareja de humanos que viven peleando pero aún así tienen una intensa relación, a un residente que no logra salir del closet y está enamorado de su compañero, un Monster que solo piensa en pornografia, y un encargado que antes fue una estrella de la música.

Si bien esta obra no cuenta con una historia macro que engloba todo el espectáculo, sino más bien se centra en los personajes, dándole tal vez más protagonismo a Princeton y Kate Monster. El atractivo de la obra son los dramas invididuales de cada uno de los personajes, que en muchas ocasiones estos se cruzan generando momentos muy divertidos. Tenemos grandes momentos musicales, como la canción dedicada al porno, o la del show cabaret de una de las muñecas que sirve para denotar que no se trata de un show infantil aunque nos encontremos con una puesta colorida y con tiernos peluches.

En cuanto a las actuaciones hay que destacar la labor de todo el elenco, tanto de aquellos que hacen su personaje caracterizados como humanos y a aquellos que tienen una o más marionetas en su interpretación. Las coreografías están perfectamente sincronizadas y los actores también aportan sus dotes actorales al lado de su contaparte muñeco, aportando mayor profundidad a la interpretación de los personajes.

Avenida Q es una gran obra musical que está llena de nuestro talento y que logra darnos un gran espectáculo con un sello propio y que brilla tanto por su puesta en escena como por su encantador relato que nos hace reír y emocionarnos a la vez. Tengo que decir que es uno de los espectáculos imperdibles que se puede ver los martes en el hermoso teatro maipo.

ELENCO:

Princeton/Rod: Nacho Pérez Cortes

Kate/Lucy: Lali Vidal

Trekkie/Nicky: Manu Victoria

Manu: Manu Ntaka

Brian: Julián Rubino

Osito/Bulbaseca: Stefi Ribisich

Osito: Juan Martín Giménez

Kimchi: Andy Cho

Ensamble: Caro Liask, James Cowan y Joaco Catarineu

FUNCIONES

MARTES 20.30 HS

Teatro Maipo, Esmeralda 443, CABA

Entradas desde $ 9.000 – Sistema y link de venta:

https://www.plateanet.com/obra/27990

Reseña: Hacer el amor en el refugio atómico

Por Lorena Arcaro

Hacer el amor en el refugio atómico tiene como únicos actores y protagonistas a una pareja joven que aparentemente se llevan bien pero ella  se obsesiona con comprar un refugio atómico para protegerse de las bombas nucleares según el contexto que se vive en ese momento.

El personaje termina por convencer a su pareja de obtenerlo y quedan como los únicos sobrevivientes gracias a eso. Luego las cosas se complican porque cada dia que pasa es mas aburrido en el refugio  y si bien tenian el sueño de ser papas ahora todo se desvanece, para que sirve vivir si no hay mas vida.. una obra que te muestra la importancia de muchas cosas que damos por sentado como la luz, la gente, la televisión, el agua, la comodidad y lo vulnerable que es el ser humano cuando lo invade la soledad.

Es admirable que los actores nunca salgan de escena y con muy poco en la escena cuentan una historia más profunda de lo que parece en un comienzo, todo se transforma pero nunca dejan de amarse.

Ficha artístico – técnica:
Texto: Álvaro Menen Desleal
Adaptación: Oscar Suncín
Actúan: Florencia Calvi y Facundo Cohen
Diseño de iluminación: Gabriela O’russo
Fotografía: Ollantay Sánchez Valle
Arte visual: Maria Florencia Calvi y Guillermo Llauradó
Diseño gráfico: Gerson Soto
Prensa y redes: Pablito Lancone
Dirección: Oscar Suncín

Entradas por Alternativa
https://www.alternativateatral.com/obra85099-hacer-el-amor-en-el-refugio-atomico


Redes sociales de la obra:
@refugioatomico.obra @fleurcalvi @facucohen.ok @oscar.suncin

Crítica: Godzilla y Kong: El nuevo imperio

Por Gustavo Condano


Cuando los grandes se pelean, es mejor no estar en ningún lugar conocido del mundo.
No habrá punto de referencia que quede intacto, por lo menos los que no hayan sido destruidos ya en otras películas, después del paso de estos gigantes que siempre eligen pelearse en las capitales del mundo. Pero esta vez la pelea no será entre ellos sino que un nuevo enemigo querrá derrocar a los reyes de los monstruos.  ¿Valdrá la pena verla? Lo vemos más abajo.



La historia:
¿Realmente interesa? Bueno, ahí va.
La doctora Andrews, interpretada por Rebecca Hall, nos explica convenientemente en televisión donde se encuentran nuestros queridos titanes actualmente. Godzilla está en la superficie durmiendo cómodamente en el coliseo romano y enfrentándose de tanto en tanto con monstruos que amenazan a la humanidad, claro que cada enfrentamiento destruye un monumento o lugar conocido. Kong, por su parte, está adaptándose a la vida en el centro de la tierra donde se explica que hay un ecosistema de apariencia prehistórico pero aun así interconectado con la superficie por varios portales. La doctora afirma que siempre y cuando cada uno mantenga su lugar no va a haber un enfrentamiento entre ellos, ya se imaginan que va a pasar.


Nuestro gigante más peludo es claramente el rey del lugar pero se siente muy solo, ya que busca una familia que aparentemente no va a encontrar nunca. Un diente astillado hace que Kong tenga que volver a la superficie y el veterinario más extravagante del mundo desde Ace Ventura, lo atiende.


El gorila gigante vuelve entonces a su hogar y los acompañan la doctora, su hija adoptiva que es la última nativa Iwi, el veterinario, un militar autoritario y el excéntrico podcastero Bernie que estaba en la peli anterior. Los humanos bajan hasta el centro de la tierra porque quieren explorar un nuevo sector que no estaba accesible antes. Mientras tanto Godzilla está en una carrera contra el tiempo para cargarse de toda la energía nuclear que puede porque entiende que se viene una nueva amenaza. ¿Nuestros gigantes favoritos se unirán para enfrentarla o se seguirán enfrentando entre ellos? Todos los que vieron el tráiler entienden que se unen pero dejemos el halo de misterio por ahora.

¿Qué me gustó?
La expresividad de los gigantes es realmente notable, especialmente en el caso de Kong. Pese a toda la exposición que hacen los humanos podemos entender lo que le pasa sin ninguna necesidad de dialogo.
Las escenas de acción, que se dan como enfrentamientos de lucha libre al igual que en la película anterior sigue funcionando muy bien y es en gran parte lo que queremos ver.

¿Qué no me gustó?
La intrincada explicación que intentan hacer sonar científica e inteligente y sólo logra confundir, todo para lograr explicar sin éxito algunas licencias de credibilidad que se toma el guion, sólo para avanzar la trama o traer a la pantalla viejas glorias nostálgicas de la franquicia.

¿Aporta algo nuevo al género?
Un buen desafío es definir a que género pertenece, esto es una suerte de mezcla entre película de desastre, película de super héroes y película de aventuras. En este caso tiene una lógica similar a la anterior entrega que funcionó muy bien, para qué cambiarlo si funciona habrán pensado.

¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
A los que disfrutaron de la peli anterior por supuesto, claro que no hace falta conocer mucho para poder disfrutar esta entrega. Con saber que la tierra es hueca y hay un mundo inexplorado debajo de la superficie basta.
Si está dentro de sus posibilidades, es muy buena la experiencia de verla en IMAX 3D. Estos gigantes merecen una pantalla gigante y es una peli verdaderamente hecha para los anteojitos 3d, no van a perder oportunidad de pasarte todo lo que puedan por delante de sus ojos.

Calificación: 7/10
Estreno: Jueves 28 de marzo en cines
Duración: 115 minutos

Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.