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La industria del videojuego se masificó en los últimos años. El sector indie está en quizás el mejor momento de su historia. Si bien esto es beneficioso tanto para jugadores como para desarrolladores, la competencia es feroz. Es por eso que cada vez es más difícil lograr que tu juego destaque.
Ante este panorama, las pequeñas desarrolladoras optan por apostar a una fórmula que se sabe ganadora. Toda esta introducción es para decir que Voidwrought es un clon de Hollow Knight. No un homenaje, no una inspiración. Un clon. Y esto tiene sus cosas buenas y malas, que veremos a continuación. Si les tengo que ser sincero, de la historia me enteré poco y nada. No porque considere secular la narrativa del título, sino porque se explica por partes y todo desordenado. Se supone que somos una criatura que sale de un… ¿huevo?, en las ruinas de una civilización, que conoceremos más en profundidad gracias a unos coleccionables que encontraremos por su mundo. Toda una excusa para justificar un punto fuerte: su estética.
El apartado artístico me fascinó. No nos es para nada ajena su “inspiración”, pero lograron crear un mundo que entra por los ojos, con una estética que no es nueva, pero que convence. Escenarios, enemigos y objetos están cuidados muy a detalle. No pienso lo mismo de la banda sonora, que hace lo mínimo e indispensable para acompañarnos durante la aventura, sin dejar siquiera una nota memorable. La jugabilidad es la propia que podemos esperar en estos plataformeros de dos dimensiones. Un gran mapa para explorar, con lugares inaccesibles hasta que vayamos desbloqueando diferentes habilidades, bla bla bla. Un metroidvania de manual.
El combate no tiene toda la profundidad que me gustaría. Presenta ataques especiales, reliquias que mejoran las habilidades de nuestro personaje y demás. Pero al ponerse al mando, no vamos a pasar del ataque básico y el dash. O al menos no se nos pide mucho más. Y eso resulta un tanto decepcionante. La aventura no pasará de las 10 horas, a menos que queramos completar el 100%, que nos demandará un puñado de horas.
En conclusión, Voidwrought está bien. Su sistema de combate está bien. Su apartado artístico está bien. Pero es un juego al que no debemos asistir con grandes expectativas. Cumple con lo básico para ser disfrutable.
En «Shin Chan: Nevado en Carbonpolis», nos adentramos profundamente en una nueva y curiosa aventura del travieso Shinnosuke Nohara, popularmente conocido como Shin Chan. Todo inicia cuando Nevado, su leal y adorable perrito, desaparece de forma misteriosa. La búsqueda lo lleva a Carbonpolis, un pequeño pueblo lleno de encanto y personajes singulares. Mientras trata de encontrar a Nevado, Shinnosuke se ve inmerso en situaciones absurdas, encuentros imprevistos y, por supuesto, momentos repletos de su característico humor travieso.
El juego fusiona exploración, diversión y un toque de misterio. A medida que recorres el pueblo, interactúas con sus habitantes y descubres sus secretos, deberás emplear toda la creatividad y el ingenio de Shin Chan para solucionar problemas.
Jugabilidad: «Shin Chan: Nevado en Carbonpolis» es como un día tranquilo en el parque, pero con la dosis perfecta de aventuras y travesuras. La jugabilidad se centra en explorar el pueblo, participar en minijuegos alocados y realizar pequeñas misiones que ayudan a desvelar el misterio de la desaparición de Nevado. Desde recolectar pistas hasta enfrentarte a desafíos que pondrán a prueba tus habilidades, el juego ofrece una experiencia accesible y relajada, ideal para desconectar un rato y simplemente disfrutar.
Gráficos y Sonido: El juego brilla gracias a su encantador estilo visual que parece sacado directamente del anime. Los escenarios están colmados de colores vivos y detalles que invitan a explorar cada rincón de Carbonpolis. La banda sonora acompaña a la perfección el ambiente tranquilo del juego, con melodías alegres y suaves que te hacen sentir como si estuvieras paseando por el pueblo en un día soleado. Los diálogos, repletos de humor y personalidad, son la guinda del pastel para los seguidores de Shin Chan.
Pros: La esencia y el humor del anime están perfectamente capturados. Minijuegos variados y entretenidos para todas las edades. Visuales encantadores que te atrapan de inmediato.
Contras: Si buscas algo más desafiante o con mucha profundidad, podría quedarse corto. Puede sentirse algo breve si solo te centras en la historia principal.
Conclusión: «Shin Chan: Nevado en Carbonpolis» no pretende ser el juego más grande o complejo del mundo, pero lo que hace, lo hace bien. Es una experiencia simple, divertida y colmada de nostalgia para los aficionados del pequeño travieso de Kasukabe. Ideal para pasar un buen rato sin complicarte demasiado, es un recordatorio de que a veces solo necesitas un toque de humor y travesuras para disfrutar de un juego.
DESCRIPCIÓN: “Código: Traje Rojo” (Red One, en inglés), dirigida por Jake Kasdan, es una película navideña de acción y aventura con algunos toques de comedia. Esta vez nos presentan a un Santa y una mitología mucho más moderna y tecnológicamente avanzada. La historia gira en torno a la desaparición de Santa (Red One) y la intensa búsqueda por parte de Cal y Jack para encontrarlo y así salvar la navidad. En el camino se enfrentarán a diferentes obstáculos y desafíos que deberán superar no solo para encontrar a Santa, sino también para encontrarse a ellos mismos y poder, incluso, redimir sus actos pasados.
LO QUE ME GUSTÓ: J.K.Simons como Santa es uno de los mejores puntos que tiene la película, tanto en nivel estético como en interpretación, no tiene mucho tiempo en pantalla comparado a otros personajes, pero lo poco que se muestra es de calidad. Por otro lado, he de elogiar la construcción del mundo mágico que propone la película, es interesante cuanto menos, y el trabajo que hay detrás, en cuanto a maquillaje y CGI/efectos, contribuye positivamente. Por último, quiero mencionar los diseños tanto de Gryla como de Krampus, en efecto son personajes llamativos y que pueden provocar cierto temor en los niños más pequeños.
LO QUE NO ME GUSTÓ: Poco puedo decir, algo a destacar es que en muchos momentos los efectos especiales y el CGI se notan para mal, casi como si no hubiesen tenido presupuesto o tiempo para pulir esas escenas. Por otro lado, Gryla, la antagonista principal, tiene muy poco tiempo en pantalla y no causa una gran impresión sino hasta el final de la película, siendo que es un personaje interesante que se pudo haber explotado bastante más.
¿A QUIÉN SE LA RECOMIENDO?: Sin duda es una película familiar; niños y adultos pueden disfrutarla por igual, la comedia está orientada hacia ambos públicos. Recomendada a todos aquellos fanáticos de la navidad y aquellos quienes quieran pasar un buen rato.
Esa filosofía de “soltar” esta familia no la escucho nunca. En una pequeña cabaña en el bosque, una familia intenta sobrevivir al mal que acecha aferrándose a largas sogas que los conectan con la casa. ¿Valdrá la pena ver esta historia o mejor soltar y dejarla pasar? Lo vemos debajo.
La historia: Momma, interpretada por Halle Berry, es la madre de una familia que vive en el medio del bosque en una adorable cabaña de madera, pero no todo es lo que parece ya que el mal acecha en ese bosque. Para poder sobrevivir, tanto Momma como sus dos hijos Samuel y Nolan deben estar siempre en contacto con la casa a través de largas sogas que están atadas a sus cimientos cada vez que salen al bosque a buscar alimentos que, debido a un crudo invierno, son muy escasos. El hambre hace que el hijo más pequeño, Nolan, cuestione a su madre y le diga que no hay nada allá afuera, ya que el supuesto mal sólo puede ser visto por ella. Su hermano mayor no quiere contradecir a su madre, incluso cuando ya no hay nada que comer. ¿Podrá esta familia sobrevivir a las amenazas, o el mal y el hambre finalmente los terminarán alcanzando? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? La fábula que se cuenta en la peli justificando la trama es atractiva y ofrece muchas posibilidades que después la peli no aprovecha en su totalidad. Los actores jóvenes hacen un muy buen papel y son los que tienen que llevar la mayor parte de la película.
¿Qué no me gusto? Se vuelve muy predecible y repetitiva. Los giros están muy anunciados, lo que hace que uno se aburra esperando que sucedan y ninguno de ellos presenta mayor sorpresa, ni siquiera termina de definirse por uno u otro camino a seguir. No termina de aprovechar al máximo la idea inicial y debería mostrar (no contar) un poco más de ese mundo.
¿Aporta algo nuevo al género? No, toma muchos elementos de películas como “La aldea” (2004) de Shyamalan o “Un lugar en silencio” (2017), usando cosas ya vistas o muy parecidas y careciendo de todo el suspenso que vimos en esas referencias.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de estos thriller fantásticos que quieran ver algo parecido a lo que ya vieron con una mitología y actores diferentes.
Disponible el 7 de noviembre en cines Calificación: 6/10 Duración: 101 minutos
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Golpe de suerte en París nos sumerge en un triángulo amoroso, compuesto por Fanny (Lou de Laâge), quien comienza una relación romántica con Alain (Niels Schneider), un escritor despeinado y soñador, y entra en una incómoda situación con su marido Jean (Melvil Poupaud), un asesor financiero calculador y estructurado.
lo que me gustó
Uno de los aspectos más destacados de la película es la dirección de fotografía a cargo de Vittorio Storaro, un maestro visual conocido por su trabajo en películas icónicas como El último tango en París y Apocalypse Now. Storaro emplea su característico uso de la luz y el color para enfatizar los contrastes entre los dos mundos de los protagonistas. La casa de Alain, el escritor, está bañada en tonos cálidos y dorados, lo que refleja la energía creativa y el desorden atractivo de su vida bohemia. Por otro lado, la casa de Jean está marcada por una paleta fría, azulada y metálica, que subraya la frialdad, el control y la racionalidad de su entorno.
Lo que no me gustó
El personaje de Fanny, que debería ser el corazón de la película, resulta una figura vaga y poco definida, cuyo conflicto no trasciende el simple «¿debo quedarme con mi esposo responsable o lanzarme a la aventura con el escritor apasionado?» A esta altura es difícil sorprenderse con cuestionado Woody Allen.
Hace unos días Only murders in the building dio cierre a su cuarta temporada, que en opinión de muchos (me incluyo), igualó y hasta por momentos superó a la primera entrega. Adiós a esa segunda floja iteración, y a una tercera que si levantó un poco la puntería. Veamos de qué va el caso y como resultó el desarrollo.
Luego del éxito de los tres podcasts previos, la historia de Mabel, Charles y Oliver va a ser adaptada como una película de Hollywood. Lo que parecía ser el esperado golpe de suerte de nuestro trío protagonista, dura poco porque Sazz, la amiga de Charles, desaparece para posteriormente saber que fue asesinada. Así comienza otra investigación en el edificio, y dentro del equipo técnico de la futura película.
Como suele pasar en las series y películas, cuando tenemos metalenguaje (es decir, la película dentro de la película) las cosas tienden a ser buenas, y la cuarta temporada de Only murders in the building no es la excepción. Así que prepárense para ver cómo se ríen de las propias ñañas y caprichos no solo de los actores, sino de los ejecutivos de Hollywood, que piensan sus producciones más con la billetera y la calculadora, que con el cerebro.
Otro punto fuerte de esta temporada, son los actores invitados. Esto es algo que se venía dando desde el inicio de la serie, con los cameos siendo hechos por gente cada vez más famosa y, por ende, cara. Se nota que el presupuesto fue aumentando exponencialmente. Aparte ya no solo se limitan a simples apariciones, sino que tienen una función dramática dentro de la historia. Obviamente no voy a spoilear quien sale, pero no van a esperar demasiado para verlo.
Para no extendernos de más, vale decir que, en lo personal, si creo que esta temporada está al nivel de la primera, incluso por momentos superándola. Con la misma duración que sus predecesoras, la frescura de la serie sigue intacta. Se que a muchos no les cae bien alguno de los tres protagonistas, incluso en lo personal me pasa eso con Steve Martin, pero si logran superar los prejuicios, se van a encontrar con una serie que les va a sacar más de una carcajada.
Calificación 8.5/10
Lo mejor: la participación de los actores invitados, los giros en los últimos capítulos, Martin Short.
Lo peor: que tenemos que esperar todo un año para ver la próxima temporada.
Cinco son los sentidos a los que estamos acostumbrados. Cinco capacidades para interactuar con nuestro entorno que normalmente damos por sentado, sin ser conscientes de lo útiles que son hasta que los perdemos. Son más de cinco (muchas más) las películas que analizan como puede ser la vida sin uno de ellos. Sin ver, oír o tocar aquello que nos rodea, las cosas se complican. La franquicia de Un Lugar Tranquilo adopta esta idea, dándole un pequeño giro de tuerca: no es que perdamos nada, sino que nos enfrentamos a una especie que usa alguno de estos sentidos mejor que nosotros.
Concretamente, los Ángeles de la Muerte cuentan con un oído extremadamente sensible y un ansia letal incansable. Es por ello que, para sobrevivir, la humanidad debe relegarse al silencio. Toda vida alejada de la quietud más absoluta tiene los días contados, pues estas criaturas no pararán hasta dar caza a su objetivo. Y lo tenemos difícil para frenarlas por nuestra cuenta. Con esta idea nace la franquicia de Un Lugar Tranquilo, que actualmente cuenta con tres películas y ahora un videojuego, de la mano de Saber Interactive. En este, tomamos el papel de Alex, una superviviente que por cuestiones del destino debe abandonar su hogar y buscar un nuevo refugio, esperando con suerte que sus habitantes le permitan engrosar sus silenciosas tropas.
Para llegar hasta allí, o intentarlo, nos enfrentamos a una terrorífica aventura donde el sigilo será nuestro mejor compañero. Desde este punto, es innegable la influencia de títulos como Alien: Isolation, que planteaban una premisa similar. Quizá de forma algo desaventurada, puesto que este título ya apuntaba maneras hace diez años, con una ambientación inmejorable y un Xenomorfo que parecía aprender a pasos agigantados.
The Road Ahead no es una producción del mismo calibre, posicionándose más en el entorno del AA, tal como puede verse en su precio reducido de lanzamiento. No obstante, conoce sus carencias y apuesta por centrarse en aquello en lo que puede competir. Juegos de sigilo, tenemos muchos, pero no son tantos los que cuenten con el sonido como hilo conductor. La criatura es ciega, así que no vale la pena preocuparse por mantener un perfil bajo y esconderse en cada esquina. Es más eficiente tratar de no hacer ruido.
Para ello, contamos con un sonómetro, un instrumento capaz de comparar el sonido ambiental con el que nosotros mismos producimos. Siempre que este segundo se encuentre por debajo del primero, estaremos a salvo (o casi). Por desgracia para nosotros, no es tan fácil como parece, ya que el camino estará más plagado de obstáculos que el pasillo de tu casa a las 3 de la mañana cuando intentas no despertar al resto de la familia. La facilidad con la que puede delatarnos un estruendo inesperado nos obligará a desarrollar una fijación obsesiva con el entorno, tratando de identificar cual es la ruta más segura al siguiente objetivo. Esto, imposibilitará el avanzar rápidamente, ya que casi siempre tendremos que medir la velocidad de nuestros pasos, algo complicado para aquellos que, como yo, se sientan incómodos al inclinar los joysticks del mando ligeramente y no poder apoyarlos en su borde.
Además, si no teníamos suficiente problema, nuestra protagonista es asmática. Esto nos obligará a estar pendientes continuamente de su estado de salud, que empeora si la forzamos a realizar grandes esfuerzos físicos o si enfrenta situaciones de estrés. Se trata de una mutación de un ya clásico medidor de cordura que me ha sorprendido gratamente por su originalidad. Pero más allá de estos padecimientos, destacan las ideas de diseño que nos permiten elaborar nuestro propio camino, usando sacos de arena, buscando zonas con gran ruido ambiental o provocando estruendos en un punto alejado. No obstante, conforme avanzan las horas, estas situaciones comienzan a tornarse repetitivas y el tedio al sentir que hacemos lo mismo una y otra vez aumenta imparable. Por suerte, no llega a grandes cotas debido a su reducida duración, entre 5-8 horas, según jugador.
Me atrevo a decir que el apartado jugable es el punto fuerte del título, en vista al resto de elementos de este. Narrativamente, presenta una historia predecible, sin mucha elaboración que no ha conseguido atraparme demasiado, pero tampoco me ha resultado aburrida. A la par está el apartado gráfico que, sin ser desagradable, nos deja unas expresiones faciales algo alejadas del estándar actual. Con todo ello, A Quiet Place: The Road ahead es un buen ejemplo de narrativa transmedia que anima al usuario a esperar la llegada de otros títulos originados en Hollywood, algo no demasiado habitual en estos últimos años. Pese a llegar de forma silenciosa (nunca mejor dicho), ha conseguido hacerse un pequeño lugar en el género del sigilo y el terror, que espero sirva de buena base en caso de que el equipo de desarrollo se aventure en otros títulos similares.
Ana, una joven estudiante universitaria, despierta en el baúl de un auto atada y amordazada. Lo último que recuerda es haber sido raptada mientras corría por el parque. Al llegar a destino descubre que ha sido secuestrada por una banda de trata de personas, se encuentra en una casa de adoctrinamiento para obligarla a prostituirse. Ana intentará ganarse la confianza para que alguien la ayude, intentará varias fugas y aprenderá de sus errores para ir superando obstáculos que la lleven a escapar pero a medida que el tiempo transcurre va comprendiendo que nadie se involucra. Ana descubre que se encuentra sola, en un círculo sin salida.
lo que me gusto
«Sin salida» es una película poderosa que aborda un tema tan relevante como el tráfico de mujeres, presentando una mirada cruda pero necesaria sobre esta problemática. La actuación de Minerva Casero como Ana es particularmente destacable; su interpretación transmite con intensidad el sufrimiento y la resiliencia de su personaje. Laura Novoa y Gustavo Bassani complementan el elenco con actuaciones sólidas, aportando profundidad a la narrativa.
Lo que no me gustó
El recurso del flashback, del ida y vuelta al pasado, aplicado en exceso, genera cierto agotamiento para el espectador. Ver como encienden el mismo cigarrillo 7 u 8 veces, llega a saturar, cuando por fin la trama empezaba a tomar ritmo, volvíamos nuevamente al pasado y asi se perdia el ritmo de la narración. Diferente hubiera sido si nuestra protagonista hubiese sido consciente de esos de esos flashbacks que la retrocedían en el tiempo.
La pieza teatral Souvenir de Mar, escrita por Rocío Agrasar y dirigida por Gustavo Pardi, es un unipersonal protagonizado por Alan Madanes. Nos sumerge en un viaje introspectivo de recuerdos y emocionales ligados a ese primer amor que desborda y nos lleva por delante sin darnos cuenta. Este montaje intimista revela, a través del único personaje en escena, un mundo de nostalgia y anhelos, donde el concepto de Mar se convierte en un símbolo de libertad y de conexión con algo (o alguien) más profundo y perdido en el tiempo.
La obra empieza con el personaje de Francis, sentado frente a nosotros. Comienza a contarnos el momento exacto en el que conoce a Mar, un pibe medio funky, el cual se enamora perdidamente y lo revuelca como una ola haciéndolo perderse, por primera vez, en las profundidades de su propio ser. Francis evoca y conmemora esos momentos que fueron, pero ya no están, nos habla desde la nostalgia y la melancolía del pasado.
Alan Madanes nos ofrece una actuación poderosa, muestra una sensibilidad única capturando la esencia de un personaje atrapado en una especie de diáspora emocional. La habilidad del actor para moverse entre registros de vulnerabilidad y contención resulta fundamental para sostener la carga dramática de la obra. A través de su recorrido en el espacio, sus pausas y movimientos, logra transmitir el peso de los recuerdos dotando a éste personaje de una humanidad palpable y de una tristeza evidente.
La dramaturgia de Rocío Agrasar se caracteriza por una poética que combina lo melancólico con lo evocador, en una narrativa fragmentada que acompaña al personaje en cada pensamiento y añoranza. La dirección de Gustavo Pardi, contribuye a una atmósfera íntima; opta por una escenografía minimalista y una iluminación tenue y variada que enfatiza el carácter introspectivo de la obra. Los espacios y objetos en escena adquieren un rol casi simbólico, ayudando a construir una narrativa visual que acompaña los silencios y pausas del texto dramático. Este tratamiento escénico permite que el público experimente la sensación de estar inmerso en la propia subjetividad del protagonista, en donde las luces se convierten en las sombras del propio Francis y los sonidos sutiles pero invasivos nos asechan constantemente.
Estos elementos escénicos ayudan a mantener la atención del público en la atmósfera simbólica de/del Mar. Es interesante la posible doble interpretación sobre el concepto Mar debido a que aparece, no sólo como un personaje, sino también como un espacio físico y lugar emocional en donde Francis vuelve una y otra vez.
Souvenir de Mar evoca imágenes y sensaciones que nos llevan hacia la contemplación del pasado desde una perspectiva poética y emocional. A través del monólogo, logra que el espectador se sienta inmerso en la nostalgia y en el anhelo de reencontrarse con el propio “Mar” de cada uno: aquello que simboliza lo que no pudo ser o lo que alguna vez perdimos pero que, al mismo tiempo, nos hizo crecer.
Tuvimos el placer de probar el juego Nikoderiko: The magical world, un título de plataformas que se intercala entre el desplazamiento lateral y frontal y que ofrece una experiencia muy divertida.
Niko y Luna surcaron los cielos en busca de un tesoro. Tras pasar varios peligros finalmente logran conseguirlo, hasta que una banda de lagartijas piratas se los arrebata. Ahora deben explorar cada isla hasta recuperar su preciado cofre.
En la aventura, son claras las referencias que se tienen a Donkey Kong, aunque busca ir un poco más allá en el avance frontal , dónde sugiere un cambio que está muy bien implementado, otorgando niveles muy divertidos. A los enemigos los podemos derrotar deslizándonos o saltándoles encima. Tambien tendremos jefes finales con patrones algo diferentes, pero que tampoco serán de mucha dificultad. Estás aventuras están repartidas en 7 islas, en las que nos encontramos con varios niveles dentro y van variando entre ambientes que van desde lo colorido hasta lo frio de la nieve.
Estos niveles te haben rebotar de un enemigo a otro, balancearte en una soga o tener que colgarte de una columna al estilo de los juegos clásicos de plataformas en 2D. También existen algunos giros más tridimensionales , similar a Crash Bandicoot , ya que te acercarás o alejarás de la pantalla mientras te persiguen criaturas que te muerden los dientes o buscas objetos coleccionables ocultos para añadirlos a tu intento de completar el juego. Y más allá de vivir de la nostalgia, el título sobresale por si solo. Nikoderiko tiene un modo cooperativo bueno para llevar a otros a jugar, siendo una opción muy buena para compartir la diversión.
La música del juego también es algo que se destaca , con melodías muy alegres y que resaltan en cada uno de los ambientes. En cuanto a la parte técnica, si bien no cuenta con el detalle como los últimos titulos de Donkey, Mario o Crash Bandicoot pero es un juego que hace un buen trabajo en sus apartados.
Nikoderiko es un plataformas en 3D muy divertidos, y es cierto que no viene a revolucionar la formula, más bien utiliza recursos de otros juegos a veces en modo de copia y otro en homenaje pero al final funciona todo de manera muy correcta.
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