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La cuenta regresiva ya empezó: en octubre, Mendoza vibra con la edición lanzamiento del Festival Montaña y anticipa un gran encuentro, el próximo sábado 18 de octubre, en el Multiespacio Cultural Luján de Cuyo.
Con un éxito de venta, se agotó la etapa 3 de tickets con descuento. Quedan las últimas entradas disponibles en Tuentrada.com.
De lo emergente a lo consagrado: un festival que conecta generaciones
Con una impronta contemporánea y local, el festival Montaña busca consolidarse como un encuentro nacional que celebra el paisaje, la música y la energía de la provincia, con la presencia de artistas nacionales e internacionales.
El line-up de este debut propone un recorrido único para todos los gustos con grandes artistas y bandas. Desde Uruguay, No Te Va Gustar dirá presente con su rock rioplatense y canciones que ya son himnos generacionales con 30 años de camino en la música.
Después de dos años, Trueno, referente del rap y trap argentino regresa a Mendoza y es una de las figuras destacadas del line up. El músico dará un show cargado de fuerza, lírica y beats con su logrado disco “El Último Baile”.
El Montaña no se guarda nada, porque tendrá la presentación de Dillom, el artista que rompió los moldes de la escena alternativa con su provocador estilo llega con los hit de su último álbum “Por Cesárea”, entre otros éxitos.
El Kuelgue dice presente en el Montaña. Liderado por Julián Kartun, regresan a Mendoza con su estilo festivo, para recorrer parte de su exitoso disco “Hola Precioso”.
Al ecléctico line up se suma la banda platense Cruzando el Charco, los referentes del rock electrónico Peces Raros y la cantautora cordobesa Zoe Gotusso.
El Montaña tendrá su lugar para la escena emergente, con la presentación del grupo Niños del Cerro. La banda chilena aportará el sonido indie al festival. Y el show de dos jóvenes artistas mendocinas. Por un lado, La Blunty y su sonido urbano. Mientras que la multifacética Magnolia Monti hará un repaso por los temas de su reciente placa “Nómada”.
El pasado miércoles, el Teatro Regina se convirtió en el escenario del estreno de «Libre Cautiverio», un musical que desafía las convenciones y nos sumerge en una trama de misterio y supervivencia. Esta obra nos transporta a un mundo distópico, donde un grupo de personajes vive oculto en una guarida, temiendo una amenaza externa. Su vida, regida por la vigilancia y el encierro, se ve alterada por la llegada de una misteriosa mujer herida.
Esta forastera, capturada y mantenida en cautiverio, siembra la duda sobre la naturaleza de la supuesta amenaza. ¿Es real o solo una excusa para seguir escondidos mientras los recursos se agotan? Este es el dilema central que impulsa el drama de los personajes. La obra explora las miradas y los conflictos internos de una comunidad dividida: mientras unos defienden la vigilancia y el statu quo, otros, incluso algunos que no han conocido otro mundo más allá de la guarida, se atreven a cuestionar la verdad y anhelan explorar lo que hay afuera.
La puesta en escena es un punto fuerte de la producción. El diseño de la guarida es meticuloso y detallado, utilizando elementos como una torre de vigilancia, una jaula y los adornos de un viejo teatro para crear una ambientación inmersiva. El uso de todo el espacio del teatro, incluyendo los pasillos entre butacas, sumerge al público directamente en el refugio de estos personajes. Las coreografías, especialmente las que incorporan el uso de armas con luces láser, son un espectáculo visual que complementa la narrativa.
El elenco principal, compuesto por talentos como Ivanna Rossi, Guido Botto Fiora, Matías Zajic, Bianca Cuscuna, Fernanda Provenzano, Federico Dryzun y Santiago Leguizamo, brilla en sus interpretaciones. Están excelentemente acompañados por un numeroso ensamble que potencia las escenas grupales y los momentos de mayor tensión.
Si bien la trama requiere un poco de tiempo para que el espectador se adapte a su contexto, una vez que se logra, la historia se revela como una experiencia mas que interesante. En conjunto, «Libre Cautiverio» es una propuesta original y musicalmente atractiva, que invita a la reflexión y mantiene al público cautivo de principio a fin.
Libro – Idea Original: Nicolás Manasseri
Música Original: Nahuel Tamargo
Elenco:
Ivanna Rossi es “Libertad”
Guido Botto Fiora es “Domingo”
Matias Zajic es “Pacífico”
Bianca Cuscuna es “Alma”
Fernanda Provenzano es “Brisa”
Federico Dryzun es “León”
Santiago Leguizamo es “Rojo”
Luli Zabala es “Rosa”
Gonzalo Rivarola es “Emme”
Ensamble:
Aldana Trillini
Jazmin Lorenzo
Cecilia Mariel Petrino
Alessandrina Deminicis
Agustin Lopez
Dirección musical: Facundo Cicciu
Arreglos vocales: Facundo Cicciu
Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ
Diseño y Realización de Vestuario: La Costurera Teatro – Fernanda Provenzano
Diseño Gráfico: Marian Morelli
Diseño de Luces: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano
Coreografías: Fernanda Provenzano
Asistencia General y de Dirección: Valentina Cavicchia – Nadia Zajic
La voz global de la bachata moderna regresa a Buenos Aires. Prince Royce, ídolo absoluto de la música latina, se presentará el 28 de septiembre en el Estadio Obras, en una noche que promete ser inolvidable. El artista llegará al país para presentar ETERNO, su esperado nuevo álbum, un homenaje en bachata a grandes clásicos del pop internacional.
ETERNO es mucho más que un disco: es un viaje emocional donde Royce reinterpreta himnos universales con su sello inconfundible. Con arreglos contemporáneos, toques de Spanglish y el ritmo irresistible de la bachata, el álbum reimagina canciones de artistas com Bee Gees, The Beatles, Backstreet Boys, Elvis, Fleetwood Mac y más.
“Este álbum es mi manera de rendir homenaje a esos éxitos eternos, dándoles un aire fresco. Fiel a mis raíces y estilo, quise darles nueva vida en bachata, tanto en inglés como en español”, expresó Royce.
Producido junto a su colaborador de siempre, D’Lesly “Dice” Lora, ETERNO contiene 13 canciones que combinan nostalgia, innovación y emoción. Un trabajo conceptual que conecta con sus inicios –recordando su icónica versión bilingüe de Stand By Me– y que reafirma su lugar como referente de la bachata a nivel mundial.
El primer adelanto del álbum, How Deep Is Your Love, debutó en el Top 10 de las listas Hot Tropical Songs y Tropical Airplay de Billboard, y ya es un éxito en países como Chile y República Dominicana.
Las adaptaciones a Stephen King siguen y siguen, y hoy nos llega otra, de un libro no tan conocido, pero que, debido a su simpleza, es extraño que nunca lo llevaran al cine (al menos con un gran presupuesto). Conocida como La Larga Marcha en su versión literaria, hoy nos llega a la pantalla grande, Camina o muere.
En un futuro distópico militarizado, Estados Unidos tiene una competencia obligatoria para sus adolescentes. Un miembro de cada estado es obligado (o se puede ofrecer) a participar en La Larga Marcha, donde no pueden bajar de cierta cantidad de kilómetros por horas si no quieren morir y uno solo puede quedar en pie.
Dirigida por Francis Lawrence (Los Juegos del Hambre entre otras), Camina o muere es de esos pocos casos donde la película supera a la obra original. Si, leyeron bien, y es que como dije, el libro de King si bien es bastante llevadero, no propone nada más allá que entretener un poco y listo. En cambio, esta adaptación, le agrega bastantes factores humanos y filosóficos a la trama, que hacen que la hora y cuarenta que dura, se pasen volando.
Si, el ritmo también es algo positivo, pero lo que más sobresale, son sus personajes. JT Mollner (guionista) dota a los mismos de una personalidad bastante sorprendente para el poco tiempo que tienen en pantalla, y los muchos que son. Si bien no todos sobresalen, hay al menos siete que son bastante identificables; aunque esto también radica en el trabajo de sus respectivos actores, donde sobresalen en especial, Cooper Hofman y David Johnson.
Lo que hacen ambos es para sacarse el sombrero: camaradería, lealtad, un poco de competitividad y hermandad son cosas que veremos en el personaje de ambos. Gran trabajo por parte de ambos, a quienes muchos ya vieron lucirse en Licorice Pizza y Alien Romulus, respectivamente.
De todas formas, la película si tiene algunas cosas en contra. Una de ellas es lo desperdiciado que está Mark Hamill en el rol de El Comandante. Villano genérico y actor desperdiciado, que ya vimos que puede dar mucho más de si este mismo año. Si bien hay alguna explicación, no deja de ser el militar malo maloso y ya.
Camina o muere es una muy buena película, un poco manipuladora, pero buena al fin. Superando al material original en el que se basan, es una muestra clara que el universo de Stephen King es una fuente inagotable para la industria del cine.
Lo mejor: las actuaciones, los personajes, algunas muertes.
La historia: Santiago, el personaje interpretado por Benjamín Vicuña, es un obsesivo del orden que se enamora de una persona que es totalmente lo contrario, Ana el personaje de Celeste Cid, ella lo ama también y accede a mudarse con él en él a la casa de sus sueños pero como siempre hay un pequeño problema. Ana está embarazada de otro hombre.
Al principio no hay inconveniente por que el padre de la criatura vive en Miami, hasta que un día suena el timbre y adivinen quién está ahí, el tercero en discordia por supuesto. ¿Podrán estos tres convivir en armonía hasta que llegue la criatura o competirán entre los dos papás para ver cuál es el verdadero? Calculo que todos imaginan que es la segunda opción por supuesto, la verdadera pregunta es si valdrá la pena, esa la respondemos debajo.
¿Qué me gustó? Los actores protagónicos están bien, especialmente los papás. Al menos se los ve comprometidos con sus papeles aunque a veces el guión no ayuda. En este caso y contradiciendo un poco los lugares en el poster, los protagonistas de esta peli son los dos papás, benjamín vicuña y Lucas Akoskin. Celeste Cid también es protagonistas pero tiene menos tiempo en pantalla que los otros dos.
¿Qué no me gustó? La peli no se decide entre ser una comedia romántica con un triángulo amoroso, o ser una comedia familiar, que son dos tonos muy distintos, como si a mitad de camino decidieran pasar de uno a otro, lo que hace que todo se sienta forzado y muy lejos de la premisa original. Quizás hubiese sido más orgánico todo si el papá biológico hubiese aparecido cuando ella tiene al bebé. El humor no termina causando gracia casi nunca y algunos gags son reciclados de otras pelis del género.
Hay varias participaciones de comediantes o personalidades conocidas para el público argentino en pequeños papeles secundarios, algunos más graciosos que otros, pero en varios casos se confía más en el impacto de la figura que en que esté justificada su participación y realmente funcione.
¿A quién recomiendo esta peli? A los amantes de las comedias familiares que no convencen demasiado a grandes y chicos pero sirven para pasar el rato.
DATO: Luego de su pase por las pantallas de cine esta película se estrenará en Amazon Prime
Calificación: 6/10 Duración: 90 minutos Estrena el 18 de septiembre
¡VIVÍ EL PADRINO COMO NUNCA ANTES! EL CLÁSICO DE COPPOLA SE PRESENTA CON ORQUESTA SINFÓNICA EN VIVO EN BUENOS AIRES
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El 25 de septiembre, el Teatro Gran Rex revivirá la icónica banda sonora de Nino Rota con una proyección única de The Godfather acompañada de una interpretación sinfónica en tiempo real.
The Godfather LIVE lleva por primera vez la obra maestra de Francis Ford Coppola a los escenarios con música en vivo, haciendo su debut en el Teatro Gran Rex en Buenos Aires el 25 de septiembre. Ganadora de tres Premios Oscar® y otros numerosos reconocimientos, The Godfather sigue siendo una de las películas más grandes en la historia del cine. La icónica banda sonora de Nino Rota, acompañada de la música tradicional italiana y jazz, cobrará vida en el escenario, interpretada EN VIVO por la Orquesta B.A. Pops bajo la dirección de Damián Mahler, mientras la película se proyecta simultáneamente en alta definición en la pantalla gigante.
“Estamos muy emocionados de poder llevar esta magistral banda sonora y película a Buenos Aires,” dijo Justin Freer, director y productor de The Godfather LIVE. “El poder preservar y presentar la música de una de las películas más queridas de la historia, es algo verdaderamente emocionante. No hay música de cine tan instantáneamente reconocible como la melodía de apertura de Nino Rota tocada en trompeta, y pocas películas tan magistralmente hechas como The Godfather. La combinación de estos dos clásicos en el escenario en vivo en el Teatro Gran Rex será una experiencia visual y sonora como ninguna otra.”
The Godfather, lanzada por Paramount Pictures en 1972 con gran éxito tanto de público como de crítica, cuenta la historia de los Corleones y su rivalidad con otras familias criminales de Nueva York entre 1945 y 1955, mientras el personaje principal (Marlon Brando) transfiere el poder a su hijo menor (Al Pacino). También protagonizada por James Caan, John Cazale, Robert Duvall y Diane Keaton, la película ganó tres Premios Oscar®, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor (Marlon Brando), y consolidó la reputación de Coppola como uno de los nuevos directores que revolucionaron Hollywood desde finales de los años 60. En 2008, una encuesta de la revista Empire nombró a The Godfather como la mejor película de todos los tiempos, distinción que también le otorgaron Entertainment Weekly y Metacritic. Actualmente ocupa el segundo lugar en la lista de películas de todos los tiempos de IMDb.
El compositor Nino Rota alcanzó reconocimiento internacional en los años 50 y 60 por su trabajo con los directores italianos Federico Fellini y Luchino Visconti, componiendo para películas como Noches Blancas, El Leopardo, La Dolce Vita y 8 ½. Su música para The Godfather, que incluye el inmortal “Love Theme from The Godfather”, fue clasificada en el puesto 5 en la lista de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos por el American Film Institute.
“Estamos orgullosos de abrazar la evolución de la experiencia en vivo, y esperamos que este concierto rinda homenaje a los muchos músicos talentosos que dan vida a la música de las películas, mientras brindamos a todos la oportunidad de revivir una de las grandes obras maestras del cine.”
Acerca de CineConcerts CineConcerts es uno de los principales productores de experiencias musicales en vivo y digitales realizadas con medios visuales, y sigue redefiniendo el entretenimiento. Fundada por el productor/director Justin Freer y el productor/escritor Brady Beaubien, CineConcerts llegará a más de 4,8 millones de personas en todo el mundo a través de conciertos en más de 3,000 presentaciones en 48 países hasta 2025, y recientemente lanzó CineConcerts +PLUS, una red digital global con cientos de episodios exclusivos de podcasts y contenido producido. CineConcerts continúa trabajando con algunas de las orquestas y lugares más prestigiosos del mundo, incluyendo la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Filarmónica de Londres, y más. Acerca de Paramount Pictures Corporation Paramount Pictures Corporation (PPC) es una productora y distribuidora global de entretenimiento cinematográfico y una unidad de Viacom (NASDAQ: VIAB, VIA), una compañía líder en contenido con marcas de cine, televisión y entretenimiento digital de gran prestigio.
Acerca de Justin Freer (Productor / Director) Justin Freer se ha consolidado como una de las voces musicales más emocionantes de la Costa Oeste y es un director y productor muy solicitado de conciertos de música cinematográfica en todo el mundo. Como director, ha trabajado con algunas de las orquestas más conocidas del mundo, como la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Filarmónica de Londres y más. Es el fundador y presidente de CineConcerts, una empresa dedicada a la preservación y presentación en concierto de películas, curando y dirigiendo cientos de conciertos con bandas sonoras completas en vivo con películas.
Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que te sumerge en un mundo futurista de ciencia ficción. Con una jugabilidad rápida y emocionante, similar a la serie Doom, este juego te desafía a eliminar enemigos y explorar un entorno de neón. Controlamos a Aska, una androide con habilidades especiales con una ilimitada capacidad de regeneración.
Su consciencia puede ser trasladada a otros cuerpos y de este modo seguir con su misión si caemos en combate. Seguimos las órdenes de Nexus, una inteligencia artificial que nos implora liberar a los ciudadanos de Moebius. Debemos recuperar los núcleos de los ingenieros, unos robots gigantescos que nos proporcionarán la clave para liberar las conciencias de los ciudadanos de Moebius. Es una historia sin demasiadas aspiraciones, que además flojea en su último tercio. Cuando llegas a su final puede resultar todo muy confuso. La trama es un poco genérica. Y, de hecho, la historia se queda a medias. Añadir que durante todos los niveles vas a tener a un personaje hablándote de forma constante, lo cual puede llegar a ser cansado. A medida que avanzan en el juego, los jugadores pueden ampliar su arsenal y mejorar su cuerpo inmortal para enfrentarse a desafíos cada vez más difíciles. El movimiento del personaje nos hace sentir rápidos y ágiles. Existe la posibilidad de balancearnos con un gancho por puntos concretos del mapa, un dash. Esto también se da por las paredes y muros específicos. Igualmente, hay diferentes secciones donde estaremos enganchados a una especie de raíles aéreos para avanzar hacia adelante, apareciendo enemigos para frenarnos. La sensación de estar rodeado de enemigos, disparar y moverte al mismo tiempo está muy conseguida. Lo mejor es el gameplay que no presenta síntomas de agotamiento en toda la aventura. Podrás tener enemigos más o menos interesantes en sus diseños y patrones, pero vas a estar tan entretenido jugando con su sistema de combate que se equilibran las limitaciones y carencias.
El juego se desarrolla en un mundo artificial llamado Moebius, donde los jugadores deben explorar un mundo cibernético y descubrir los misterios del mundo subterráneo donde deberán enfrentarse a una variedad de enemigos y extraer núcleos de energía para ganar ventaja en la batalla. Si eres fan de la serie Doom, Metal Eden es un juego que debes probar. Su jugabilidad rápida y emocionante te hará sentir como si estuvieras en una batalla épica. Los gráficos del juego son impresionantes, con detalles y texturas que te harán sentir como si estuvieras en un mundo real. El sonido del juego es también destacable, con efectos de sonido y música que te sumergirán en la acción. El juego funciona sin problemas en la PlayStation 5, con una tasa de frames estable y sin caídas de rendimiento.
Conclusión En resumen, Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que ofrece una experiencia de juego rápida y emocionante en un mundo futurista de ciencia ficción. Con su jugabilidad adictiva y su entorno inmersivo, este juego es ideal para fans de la serie Doom y otros juegos de disparos en primera persona.
El juego ofrece un desafío adecuado para jugadores de todos los niveles, lo que lo hace divertido y emocionante para jugar. En general, Metal Eden es un juego de disparos en primera persona que vale la pena jugar si eres fan de la ciencia ficción y la acción rápida. Con su jugabilidad adictiva, su entorno inmersivo y su excelente rendimiento técnico, este juego es una excelente opción para aquellos que buscan una experiencia de juego emocionante y desafiante. ¡Así que no esperes más y sumérgete en este mundo futurista!
Se podría hablar mucho del camino reciente de Katy Perry, del tropiezo quizás injusto de su disco 143 y de un revival que muchos sentían pendiente. Pero tras el lanzamiento de su Lifetimes Tour, la conversación dio un giro. La gira, conocida por su espectacular producción —con efectos visuales deslumbrantes, una escenografía de primer nivel y la propia artista surcando el aire del estadio—, puso de manifiesto que su poder en el escenario seguía intacto.
Cuando se anunció la etapa latinoamericana del tour, la noticia vino con una advertencia: el show no tendría el escenario completo ni toda la parafernalia original. La polémica no se hizo esperar, pero las dos fechas en el Movistar Arena de Buenos Aires se mantuvieron firmes. Es un recinto excelente para conciertos, aunque con una capacidad menor a la de otros estadios, lo que justificaba el recorte de producción para su llegada a nuestro país.
Sin embargo, para los afortunados que asistieron a la primera fecha, el 9 de septiembre, la experiencia fue más que satisfactoria. A pesar de la reducción del show, la producción brilló por sí sola. Si bien no pudimos ver a la artista volando sobre el público, el trabajo en las visuales, los cambios de vestuario y la sincronía entre músicos y bailarines demostraron un nivel de detalle impecable. Pero más allá de lo técnico, hubo un elemento que lo llenó todo: el inmenso carisma que Katy Perry irradia en cada momento.
El concierto comenzó con la cantante elevándose en un círculo para interpretar Artificial, dando la bienvenida al público de Buenos Aires. El show se estructuró en episodios, un concepto futurista y ciberpunk que va explorando las «vidas» de la artista. Le siguieron éxitos como Tear Eyes y Dark Horse, y luego un bloque de puros clásicos que levantaron al público: Woman’s World, California Gurls, Hot n Cold, Last Friday Night y I Kissed a Girl. La ovación fue ensordecedora, reviviendo algunos de los momentos más icónicos de su carrera.
La noche continuó con excelentes interpretaciones de temas como Nirvana, Crush y Wide Awake. Uno de los puntos más especiales fue la sección interactiva, donde el público tuvo la oportunidad de votar por una canción. Una ruleta virtual elegía un álbum y, a través de un código QR, los fans votaban por su tema favorito. Con mucho humor, Katy bromeó sobre la falta de conexión a internet en el recinto: «Aquí no dan wifi en los conciertos, ¿verdad?». Finalmente, el tema elegido fue Never Really Over.
El clímax de esta sección llegó cuando Katy subió a dos fans al escenario. Al darle el micrófono a una de ellas, llamada Guadalupe, la artista se sorprendió por su voz y la invitó a cantar juntas una canción que la fan se supiera. La elegida, The One That Got Away, no estaba en la lista original del show, pero es un himno para los fans. La versión improvisada a dúo fue uno de los momentos más conmovedores y aclamados de la noche. En los tramos finales, sonaron canciones como Part of Me y Rise. Antes del bis, Katy Perry envió un mensaje directo y lleno de ironía, haciendo referencia a quienes le dijeron que no podría llevar su show a Latinoamérica por ser demasiado costoso. «No me importa, los fans de aquí son muy importantes y necesitaba venir», expresó, demostrando su dedicación.
El cierre fue una escalada de emoción. La imponente Roar hizo vibrar el estadio, seguida de Lifetimes y un final a lo grande con el himno Firework, un broche de oro para una noche en la que Katy Perry reafirmó que su carisma y conexión con el público son una fuerza imparable.
Si hay un anime que es un total éxito en la actualidad, es Demon Slayer. Y si encima de ser un éxito, le sumamos la acertada decisión de que el final del anime consistía en una saga de películas y no algo que se ve en streaming, las expectativas estaban a la orden de todos. Y ahora, tras una buena espera, llega a nuestros cines Demon Slayer: Castillo Infinito.
Como bien saben los que siguen el anime, esta película se centra en la batalla dentro del Castillo Infinito, con los Pilares, los cazademonios normales y los aprendices, matando a todo lo que se le cruza (Lunas Crecientes incluidas) mientras buscan a Muzan. Mientras, conoceremos el pasado de algunos personajes de ambos bandos.
Antes de ir a ver esta joyita, tienen que saber un par de cosas. La primera de ellas, es que si o si tienen que haber visto el anime. Nunca vamos a tener la secuencia de “anteriormente en Demon Slayer”, así que, si planean llevar a algún pariente pequeño al cine para quedar bien, yo diría que se lo vayan replanteando. Y lo otro, y pasando a quizás lo peor de toda la cinta, es que dura demasiado.
Si, Demon Slayer: Castillo Infinito dura unas casi dos horas y cuarenta, que, por desgracia, se notan demasiado en el tramo final. Esto se da, en especial, porque se abre todo un arco nuevo, que parece sacado de la galera, en vez de algo natural. Se entiende que le quieran dar contexto y origen a algunos personajes, pero no creo que flashbacks de veinte minutos fuera la mejor solución.
Y ahora, empecemos con lo bueno, que es casi todo lo demás. Lo primero a destacar es la animación. La película se ve brutal, y no solo me refiero a las escenas de pelea (lo más sabroso de todo), sino a la estética en general. El diseño del dichoso Castillo rinde bastante, siendo una mezcla de laberinto y a la vez, arena móvil de videojuego; un deleite para los que son de dicho nicho. Aparte que, por momentos, la animación pareciera ser imágenes reales, más que otra cosa.
Quizás pueda sonar un poco fanboy, pero esta película es lo que todo seguidor de la saga quería ver. No solo porque amplía la historia y no es un “hagamos una peli que no sabemos si es canon, solo para robar”. En ese sentido, Demon Slayer hace lo correcto, y aparte dando de las mejores peleas que vamos a ver en el 2025.
Demon Slayer: Castillo Infinito va directo a lo mejor del año. Con las dos grandes pegas de estirarse en su tramo final, y dejar afuera al público nuevo, nada de eso puede opacar todo lo bueno que ofrece.
¿Que estaban pensando los polacos antes de las invasiones alemanes? Una pregunta que genera horror, pero, durante ese encierro, ¿Qué hacían ante el tedio y la monotonía?
»Las casas se desmayan porque el odio ha entrado; el país está ocupado y yo tengo miedo al futuro. Esta espera tensa rebota como un eco asesino en las habitaciones; no tengo a dónde ir, no hay a dónde ir. Mientras afuera el lujurioso plomo baila sensual, adentro todos estamos abrumados, pero de golpe, una idea me perforó como una bala, como una sigilosa misión». Alejandro Radawski reflexiona para definir lo que es la Pelea de la carne.
El autor rosarino/polaco trae un drama que se adapta muy bien a la comedia oscura; el contexto histórico lo permite. Navega en las mentes de la sociedad aterrorizada ante el peligro inminente de la invasión, la monotonía del encierro y la pérdida de la cordura.
Radawski y el harén de actrices que lo acompañan, junto a Marcos Diaz se meten en las cabezas de estos personajes trastornados por la religión, el deseo, la guerra y la perversión. Es una pelea por la carne si, también una pelea por el control.
Valentina Cutuli, Marcos Díaz, Malena Lopez, Giselle Scarcella, Tatiana Schreiner y Mariana Turiaci protagonizan la obra. Los actores son frenéticos ante la dirección y el libreto de Radawski. Van a perseguir a una cámara broadcast todo el tiempo hablándole directamente para llevar el relato a primera persona, sus soliloquios son televisados.
Mientras mueven las sillas y una tabla para adaptar el escenario austero a su antojo, se apoyaran de lámparas para enfocar sus expresiones de terror en la oscuridad. El vestuario es otro personaje más, permite que se rompa el género de los personajes pero además, Emilse Benítez es digna de un aplauso ante la elegancia y sotisficación de sus telas, maneja muy bien su monocromático del negro.
Cualquiera puede participar en la obra y con esto me refiero al público, este forma parte del mismo al pisar el escenario, no sientan pudor ante las tablas porque los actores, sin salirse del personaje. harán que completen la narrativa de la historia. Contará como parte del CV esta aparición de extra en la pelea de la carne.
Radawski escribe, dirige, produce, monta el escenario y el sonido de su obra. La pelea de la carne es una mezcla entre la comedia, el terror y el lenguaje meta teatral que no es fácil de mantener pero el rosarino sabe como hacerlo y ofrece un producto original.
La pelea de la carne está disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro Beckett.
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