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Los argumentos de las novelas gráficas cuentan con un amplio abanico de posibilidades, cosa que no suele suceder en todas las artes. Y eso hace que, a veces, sea complejo adaptarlas al cine. Aunque digamos que hoy en día con los avances tecnológicos se puede hacer casi todo. ¿Se imaginan en CGI una amistad entre un robot y un perro? Sin esa técnica algo de eso fue lo que pensó Sara Varon cuando realizó el cómic allá por el año 2007.
Por otra parte, los que me conocen saben que tengo un cariño muy especial por el cine español; conecto con él de una manera que no me pasa con el de otras nacionalidades. Cuando vi «Torremolinos 73» con Javier Cámara me dije: «Tengo que seguir a este realizador». Me deslumbró con «Blancanieves» y me divirtió con «Abracadabra». Ahora, toca explorar la animación que viene recibiendo aplausos por la calidad de los trabajos que han lanzado estos últimos años. ¿Saldrá airoso en esta nueva meta en su vida?
Dog es un perro solitario que necesita amigos. Un día decide construir un robot para que sea su nuevo compañero. Todo parece bello e idílico hasta que un infortunio los separa.
Me encanta que la creadora de estos dos bellos seres haya estado detrás del guión. Le da al espectador una seguridad de que el resultado será similar al de las viñetas. No hay dudas de que es una belleza. Cada escena, el conflicto y los dilemas personales con lo que estos personajes se encuentran. No pudieron elegir mejor canción para transmitir el espíritu de esta historia. El clásico de «Earth, wind & fire» llamado «September»; su letra está muy relacionada con lo que sucede en el film.
La relación entre ellos es dinámica y nos ofrece mucha química en las miradas de uno con el otro. La cinta no tiene diálogos pero nos llega a través de las expresiones y/o onomatopeyas que emiten todos. Porque los secundarios también tienen qué «decir». La animación en 2-D es muy linda y nos genera nostalgia a los que tenemos cierta edad.
Es una hermosa aventura con su momento de ‘shock’, pero digna de un gran resultado. Si el perro es el mejor amigo del hombre, este largometraje será el mejor amigo para el público.
Hoy voy a hablaros de un juego duro, crudo y real. Un juego que toca en lo más hondo y nos rompe en trocitos y todo eso con una sencillez magnífica.
Torn Away nos sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Y para girar más la tuerca y hacerlo aún más doloroso seremos Asya, una pequeña niña a la que conoceremos con apenas 8 años y de la que viviremos una evolución de lo más dolorosa. Su padre es llamado a filas y ella es enviada junto a su madre a los campos de concentración. Estando allí reciben noticias de parte de su familia y Asya luchará por intentar volver a casa y vivir en paz al fin.
Clicka aquí y allí El juego es un point and click. Una jugabilidad sencilla que suele encajar perfectamente en este tipo de historias ya que, al ser tan básico, nuestra atención se enfoca a la narrativa. Por su parte, el problema que suelen presentar este tipo de jugabilidades es que tiene que estar muy lograda, porque si no al final se convierte en una mera necesidad que no se disfruta, para poder seguir avanzando y conocer la historia.
En esta ocasión, no está demasiado lograda y se nota algo tosca, especialmente cuando accedemos a estancias más o menos amplias donde la niña se mueve como si de un muñeco se tratase y debemos interactuar con distintos objetos y zonas. Poco a poco el jugador va haciéndose a los controles, pero definitivamente no está demasiado conseguido. Lo bueno es que, con esas fases, se intercalan otras de avance o actividades en primera persona. Si bien es cierto que algunas siguen quedando bastante extrañas, en general las de avance suelen ser muy llamativas y complejas, que le dan un toque muy bueno e interesante al juego.
También contamos con fases de sigilo, pero aportan poco o nada de variedad ya que nos encontramos de nuevo en un avance lateral mientras nos escondemos.
La belleza en ruinas Sinceramente lo que más me ha gustado del juego es el apartado visual. El estilo de dibujo encaja perfectamente con la historia que nos están contando. Unas líneas sencillas con una paleta de colores que destaca cuando y donde debe y todo rematado con unos escenarios muy logrados para el poco contenido que tienen. Y considero que esa es la maravilla, lograr transmitir tanto con tan poco para dar esa sensación de dolor, de vacío, de pérdida…
Además del grueso del juego consistente en lo que digo, tenemos una serie de animaciones que sí se sienten algo peor ejecutadas y que emborronan el trabajo logrado por lo demás. La BSO por su parte, pasa bastante desapercibida y se diluye en el entorno de destrucción y tristeza que genera la imagen.
Conclusión Sin duda alguna lo mejor del juego es la historia que cuenta y cómo consigue hacer que se encoja el corazón. En apenas 4 horas, empatizarás con la niña y su situación y con la de miles de personas que pasaron por ese sufrimiento.
Pero se queda un poco en agua de borrajas por todo lo demás. El juego tiene una historia muy potente, pero más allá de eso, carece de muchas otras cosas que ofrecen otros juegos de similar temática y queda bastante vacío. Una apuesta arriesgada que necesita pulir el tema del gameplay para futuros juegos y así ofrecer una experiencia redonda que hará totalmente disfrutable el juego.
“Aurora y Emma son una madre y una hija muy unidas, pero con puntos de vista muy distintos sobre la vida. Aurora, que está viuda, es una mujer temperamental pero de buen corazón, y Emma es una joven rebelde que está deseando salir de casa e independizarse; lo malo es que para conseguirlo sigue el camino más convencional: casarse. Por su parte, Aurora tendrá un romance otoñal con un ex astronauta. A través de los años, madre e hija intentan buscar la forma de soportarse y encontrar la felicidad”
Esta obra es una delicia de historia (recuerdo claramente la película protagonizada por las geniales Shirley MacLaine y Debra Winger y el maravilloso Jack Nicholson), entonces creo que fui con una gran expectativa y no digo que la obra de teatro no las cumpliera sino que creo que se quedó un poco a mitad de camino.
Rescato los momentos de comedia, muy bien transitados por dos grandes como Soledad Silveyra y Osvaldo Laport que le sacan jugo al conocimiento que tienen de cada uno por haber trabajado juntos mucho tiempo, es una delicia ver como confían uno en el otro y eso se agradece. Julieta Ortega está correcta , tiene una escena maravillosa para cualquier actriz, en una despedida aunque puede que no termine de conmover su participación.
Párrafo aparte para Damián Iglesias que convence y mucho en el rol del marido “vago” de Emma, se lo nota cómodo en el papel y transita la obra con solvencia. Dolores Ocampo correcta en los papeles que le tocan jugar (hace unos cuantos), me gustó mucho en la primera escena cuando acompaña al ex astronauta a la casa luego de una noche de copas, muy bueno ese personaje y ella transitándolo.
La escenografía es hermosa, igual que las luces que acompañan muy bien a la obra. Me gustaron mucho las escenas filmadas y pasadas como en cine porque completaban momentos muy importantes de la historia La ropa de Aurora-Soledad Silveyra es hermosísima y termina de armar el look perfecto para su personaje.
Hace mucho que no veía a Soledad Silveyra en teatro y es bueno volver a hacerlo. Es la primera vez que veo a Osvaldo Laport en teatro y está muy convincente en su papel de ex astronauta seductor. Les diría que es una obra para ver, porque la historia es maravillosa y siempre es bueno ver teatro y apoyar a nuestros artistas
Teatro Multiteatro COMAFI Versión: Federico Gonzáles del Pino y Fernando Masllorens Elenco:L Soledad Silveyra, Osvaldo Laport, Julieta Ortega, Dolores Ocampo, Damián Iglesias Dirección: Corina Fiorillo Música Original: Ángel Mahler Producción ejecutiva, Marcelo Iambrich, Ángel Mahler, Liliana Mahler Asistente de Producción: Flor Ungar Asistente de Dirección y Stage Manager: Virginia Magnago Diseño de Escenografía: René Diviú Escenógrafa residente: Vanesa Abramovich Asistente de Escenografía: Sabrina López Hovhannessian Diseño de iluminación: Ricardo Sica Asistente de iluminación: Diego Becker Diseño de vestuario: Mercedes Colombo Operación técnica en cabina: Yan Eiras Vestuaristas: Celeste Buffoni y Patricia Berterreche Asesoramiento coreográfico: Diego Bros Maquinistas de compañía: Martina Araujo Diseño de sonido: Hernán Altamirano y Jonatan Macon Técnica sonido: Soundac tour rental Prensa: SMW Silvia Santos & Raúl Casalotti Diseño gráfico/programa: Martincostas.ar Fotografía: Alejandra López Comunicación digital: Rocio Abrodos y Nicolás Mansilla Progr. Audiovisual en sala: Moreno Pereira Audiovisual: Matías Sánchez de Bustamante Aisitente de Dirección/cámara: Sebastián Pessacq Producción de video: Foli Romero DF: Gonzalo Ansaldo Gaffer: Rodrigo Carini Reflectoristas/eléctricos: Alvaro Carini, Lautaro dell ‘olio y Gustavo Carnero Producción: Angel Mahler y Marcelo Iambrich Producción general: Angel Mahler
Una comedia super divertida! Desde el minuto uno el público no para de reírse!
Cada personaje tiene una caracteristica única y destacada que deslumbra: El abogado (Fabián Arenillas), la empleada(Celeste Campos) , su dueña( Alejandra Majluf) , el hijo ( Nicolás Maiques) y el difunto (Julián Weich) no hay uno que no se coma la escena.
La historia se centra en una muerte traumática a partir de la cual se disparan sucesos e imprevistos desequilibrados que llevan tanto a la reflexión como a la risa. Es humor negro.
La coreografía implementada en escena nos permite transportarnos a los dibujos animados de nuestra infancia, sumando así un «plus» en ciertas ocasiones. Corridas rápidas, caidas, peleas simuladas..
La ambientación y decorado presentan lo justo y necesario,no requiere de más ni de menos. Gran idea de mostrar cambio de cuartos de la casa solo con un objeto escenografico, el escenario no tiene mucho espacio para solicitar demás.
La super recomiendo, es para reir y disfrutar un rato, es sano y agradable. No es apta para todo público. Agradezco haber presenciado el inicio de una gran obra, felicidades a todo el equipo de trabajo ❤
Funciones: Viernes y sábados 22:30 Teatro Regina
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Dramaturgia: Andrea Szyferman Actúan: Fabián Arenillas, Celeste Campos, Nicolás Maiques, Alejandra Majluf, Julián Weich Vestuario: Kris Martínez Iluminación: Leonardo Muñoz Pelucas: Fabián Sigona Maquillaje: Alejandra Kaluza Diseño de escenografía: Alejandro Goldstein Realización de escenografia: Jerónimo Tedeschi Redes Sociales: Carolina Guzmán Música original: Mariano Gianni Fotografía: Nacho Lunadei Diseño gráfico: Camila Prunesti Asistencia de vestuario: Maria Candelaria Atencio, Iara Bennett Prensa: AGENCIA AB – Alejandra Benevento Producción ejecutiva: Candela Bravo, Roberto Salomone Producción general: Feldman – Santacruz Producciones Dirección general: Diego Reinhold
Tuvimos el gusto de asistir al estreno, en el Teatro Bar “Asterión”, del Music Hall “Abasto de amores y encantos” escrito y dirigido por Jorge Camisay. Una historia de amor, desamor y frenesí con 15 artistas en escena y una infinidad de momentos tanto grupales como individuales.
Algunos de los tracks que acompañaron y marcan la impronta de la propuesta fueron: Give me love- Ed Sheeran; Sweet dreams(are made of this)- versión de Marilyn Manson; Crazy in love- Beyoncé y Rolling in the deep- Adele. Todos “hits” que disfrutamos escuchar. Las partes vocales estuvieron bien, falta trabajo en cuanto a afinación y pronunciación. El sistema de sonido fué adecuado, dos micrófonos condensers de aire para las partes grupales y micrófonos dinámicos para las partes solistas y de duetos. Las luces estuvieron muy bien, buena cantidad de recursos lumínicos y efectos de humo.
Lo coreográfico y el vestuario se destaca por el trabajo en equipo que demanda esta obra y destaca también por su versatilidad, haciendo buen uso del espacio y de recursos para lograr diferentes momentos y climas. Buen ritmo, buena energía y una intención y un manifiesto de y hacia la cultura alternativa y del arte urbano.
Una propuesta no profesional pero con mucha puesta y compromiso en un género nada fácil como el Music Hall, que involucra y exige varias disciplinas en cada uno de los integrantes de este gran elenco. Un elenco con futuro y ganas.
Se pasó bien y se recomienda. Las funciones son los miércoles 21hs en Asterión Teatro, dirección Zelaya 3122.
Con texto de la israelí Anat Gov y traducción del entrañable Juan Freund; nos llega esta puesta que plantea una situación impensable pero muy interesante: una sesión de terapia de un compungido Dios con una terapeuta agnóstica.
Al comienzo coquetea con pasos de comedia desopilantes que juegan con la confusión que provoca la situación en la psicóloga, pero de a poco y casi sin darnos cuenta, la obra va ganando en profundidad y nos lleva por un camino cargado de cuestionamientos y reflexiones sobre el sentido de la vida, la fe y sus limites y la condición humana. También la prolija puesta de Carlos Kaspar va creciendo en emoción y termina haciendo lagrimear a mas de un espectador, consecuencia acentuada por una musicalizacion acertada.
Un elenco ( Lili Popovich y Juan Ignacio Pagliere) que se destaca en sus interpretaciones, que funcionan entre si con características diferentes, pero que se complementan a la perfección; componiendo personajes creíbles y queribles, con los que el espectador logra identificarse y emocionarse. En fin, un espectáculo mas que agradable y emocionante, que vale la pena ir a ver y dejarse llevar por esos caminos de risas y reflexiones. Muy recomendable.
Domingos 20:30 hs. Nun teatro bar, Juan Ramirez de Velasco 419
Una experiencia cinematográfica inigualable: Disfrutar de Kimetsu no Yaiba en la pantalla grande es una experiencia alucinante, especialmente gracias a la grandilocuencia visual y la calidad de animación que ofrece la película.
Momentos emocionantes y tronchantes: La película nos brinda tanto momentos emocionantes, especialmente en las secuencias de lucha, como secuencias humorísticas de lo más tronchantes.
Avance del arco del Entrenamiento de los Pilares: El primer episodio del nuevo arco sabe mantener el interés y ofrece varios momentos interesantes para la trama, dejando a los espectadores con ganas de más.
Lo que no me gustó:
Contraste de emociones: Si bien el final emocionante del arco anterior contrasta con un inicio más sosegado para el nuevo arco, esto puede generar cierto bajón emocional en los espectadores.
¿A quién recomendamos ir a ver esta peli?
Recomendamos esta película a todos los fans de Kimetsu no Yaiba que deseen disfrutar de la serie en una experiencia cinematográfica inigualable. También es ideal para aquellos que disfrutan del anime de acción y buscan momentos tanto emocionantes como divertidos en la pantalla grande.
Una comedia para reflexionar sobre los vínculos de pareja.
Ana Karenina en Halloween, cuenta la historia de una pareja que hace dos años tuvieron un hijo y sus vidas cambiaron radicalmente. Una para bien, la otra para mal. La trama comienza cuando Inés y Lorenzo, que son los protagonistas de esta obra, llegan de una fiesta de disfraces bien entrada la madrugada. Lorenzo a la mañana siguiente tiene una entrevista para un programa de televisión con mucha audiencia y debe prepararse lo mejor posible, pero, algo sucedió en la fiesta que no lo deja concentrarse del todo y más viendo que Inés esta disfrazada de Ana Karenina.
¿Y por qué a Lorenzo le inquieta y molesta este hecho? Porque Inés tuvo que cancelar un importante contrato para protagonizar una serie basada en Ana Karenina por su embarazo y nacimiento del hijo, lo cual la llevo a no trabajar más por centrarse en el cuidado de este. A diferencia de Lorenzo que gracias al matrimonio y paternidad le favoreció para mejor y se hizo muy conocido y mantiene desde entonces una agenda política muy agitada.
En esta obra y lo que es muy interesante, es la manera en cómo se relata el hecho de tener un hijo y cómo la vivencia es totalmente diferente para la Madre como para el Padre. Ya que uno tuvo que resignar sus sueños y anhelos mientras que al otro no tuvo ningún inconveniente y en este ámbito la obra hace resaltar algunas preguntas que los espectadores se hacen mientras transcurre esta: ¿Cuál es la entrega en la maternidad y cuál es la de la paternidad? ¿Las madres tienen alguna posibilidad de volver a soñar y tener metas? ¿El padre da lo que se necesita o es solo una imagen de rigor? Al final la respuesta –por así decirlo- la tiene uno mismo al llegar al final de la obra.
Funciones: Todos los sábados 20hs. Teatro: El Camarín de las Musas. Escrita: Eva Halac. Dirigida: Eva Halac. Elenco: Federico Salles, Florencia Torrente. Fotografía: Guillermo Monteleone. Duración: 77minutos.
En los últimos 365 días hemos podido disfrutar de la vuelta al ruedo de las mayores estrellas del género fighting. Street Figther, Mortal Kombat y, ahora también, Tekken 8 forman parte de la trinidad del guantazo limpio. Si bien entregas anteriores de estas franquicias fueron menos efectivas a la hora de posicionar los juegos de peleas en el lugar que merecen, parece que esta nueva generación vino con las ideas más claras y con los deberes hecho.
La llegada de cada nuevo juego siempre auguraba la vuelta a la época de oro del fighting, escoltado por el nuevo rollback netcode, responsable de que las peleas online fluyan más y mejor que nunca. Con Tekken 8, la situación no ha hecho sino que mejorar. Llevo unos cuantos días abriéndome paso a puñetazo y patada limpias y sólo me nace decir que Tekken 8 es más brutal, fluido y disfrutable de lo que podía siquiera haberme planteado.
Cada jueguillo, tiene su librillo. Esta frase se ajusta con gran precisión al género de peleas. Si bien todo se basa en partirse la cara con el rival, la forma de hacerlo puede ser muy distinta de un título a otro. En un punto de la balanza, tendríamos a Super Smash Bros, apostando por hacer las cosas lo más sencillas posibles, ofreciendo un sistema fácil de entender, difícil de dominar. Tekken, posiblemente, se encontraría en el extremo opuesto. Cada personaje cuenta con tantos combos distintos que no abrumarse en un primer instante es ardua tarea. No obstante, esta complejidad ofrece a cambio una escena competitiva muy disfrutable, tanto de ver como de jugar.
Eso sí, para llegar a ese punto hace falta tiempo, mucho tiempo. Por ello, vamos a tomarnos las cosas paso a paso. Un buen punto de entrada a esta octava entrega de Tekken es su modo historia. Que movida. Creo que nunca terminé de entender la historia de Tekken, por lo que antes de comenzar con esta última, dediqué algo de tiempo a repasar todo lo vivido hasta ahora. Me sorprende gratamente como un juego de peleas puede combinar artes marciales, animales animatrónicos, demonios de otra dimensión y no sé cuántas guerras mundiales, mientras intenta mirarte a la cara seriamente, sin que se le escape la risa. Azazel ha vuelto, pero más allá de ser el villano principal, es su fuente de poder infernal lo que nos concierte. El padre de Jin Mishima quiere hacerse con su fuerza y tratar una vez más, de dominar el mundo y alzarse en la eterna guerra contra su hijo.
A lo largo de las cuatro o cinco horas que puede durar esta historia, nos acostumbramos a los controles, principalmente, de Jin. Algo muy útil, tanto para disfrutar de la narrativa sin complicarse mucho como para hacerse un pequeño esbozo de su set de movimientos es el nuevo esquema de combate simplifcado que ofrece el título, el cual siempre se encuentra disponible y permite acceder a una versión muy reducida del plantel de movimientos de cada luchador, lo que ayuda al jugador a familiarizarse con las bases de un personaje, pero castiga a causa de su reducida variedad. Dentro de un juego donde un combo puede llevarnos a pulsar diez botones en cuestión de dos frames, es imposible ofrecer la misma experiencia a través de cuatro comandos distintos.
Una vez completada la historia, decidí probar suerte en el modo online y, como no había duda, me hicieron tabaco. Me sentía poderoso, después de un par de horas con mi demoniaco protagonista y estaba dispuesto a probar mi habilidad con el mundo. Así pues, me enchufé a los combates online, modo simple activado y mi sonrisa e ilusión no tardaron mucho en borrarse. Efectivamente, un jugador ligeramente más experimentado tiene una gran ventaja frente a cualquiera que desee luchar con esta versión sin complicaciones.
Junto a esta adición, el combate también cuenta con un estilo refrescado gracias al sistema heat, una barra de calor que nos permite, una vez por ronda, convertir nuestros ataques en unos mucho más fuertes, frenéticos y listos para combinar con otros nuevos movimientos. Al recargarse al inicio de cada ronda, obliga al jugador a utilizarlo siempre que pueda y consigue que cada combate pueda cambiar de tornas de un momento para otro. Sumado a esto, el sistema de vida recuperable fuerza a los luchadores a adoptar medidas ofensivas ante la menor oportunidad.
Eso sí, la experiencia, más allá de los innumerables trompazos que recibí, fue cuanto menos excelente a nivel de fluidez. El sistema de matchmaking, lobbies funcionan estupendamente, y el roll-back netcode ayuda a que los retrasos entre jugadores y sus conexiones sean casi inexistentes, al menos en las partidas que he podido disfrutar. Tekken 8 es el primer título de la franquicia en utilizar Unreal Engine 5. Así pues, con esta nueva entrega Bandai Namco nos ofrece uno de los figthing games con mayor nivel de detalle, en texturas y animaciones. Cada puñetazo, patada o caída se siente más pesada que nunca, más imparable. No cabe duda de que esta década (que ya va casi por la mitad) terminará con los juegos de peleas coronando un nuevo olimpo. De momento, lo mejor que podemos hacer es esperar echando unas peleítas.
Reseña por Santiago Merlini Duración: 103 minutos Dirección y Guión: Tim Brown
¿Qué se van a encontrar cuando vean The Retirement Plan?
Se van a encontrar con una comedia de acción con notables altibajos, más bajos que altos, que depende de la presencia escénica y carisma de su protagonista, el inoxidable Nicolás Cage, para mantener al público en su Butaca. En materia actoral también podemos destacar a Ron Pearlman como un matón simpático que desarrolla una relación paternal con la pequeña nieta de Cage, la cual tiene secuestrada.
Trama Pero demos 1 paso para atrás, hablemos de la trama. En Miami Ashley y Jimmy, una pareja de jóvenes padres en apuros, roban un pendrive con información comprometida a un matón local con la esperanza de que la venta de este dispositivo signifique su salvación monetaria. La pareja acuerda desaparecer, resolviendo que el único escondite posible son las paradisíacas Islas Caimán, en las que vive el Padre de Ashley (Nicolas Cage) el cual ella no ve desde hace más de 20 años. Pero como siempre las cosas se complican y solo la hija de la pareja logra abordar el avión hacia las Caimán mientras que Ashley y Jimmy son capturados por la organización criminal. Luego de un interrogatorio, los matones descubren el paradero de la niña y en consecuencia del Pendrive. Ahí es cuando comienza la acción.
La película de ahí en adelante se convierte en un juego de gato y ratón donde los matones van en busca del personaje de Cage.
El guión rápidamente se vuelve repetitivo, abusando de recursos como el cambio de ciudades y la presentación de nuevos personajes para darle ritmo a la narrativa. Lo mejor que tiene para ofrecernos es un Cage en un rol de abuelo asesino que se encarga de matones torpes que intentan matarlo mientras que al mismo tiempo busca recuperar el tiempo perdido con su hija y recomponer su relación.
Es una producción destinada a fans del actor que puedan disfrutar comedias de acción sin demasiadas pretensiones ni cargadas de originalidad en sus planteos. Aun así, la película es disfrutable debido a su acción constante y a su tono satírico acerca del mundo del crimen.
Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones acerca de ella. Saludos.
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