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La banda cuartetera se presentó los días 17 y 18 de junio en un colmado movistar arena en el que se vivieron dos noches a pura música y baile con la banda liderada por Nicolás Sattler y Chino Herrera. El público no dudó en bailar cada canción, haciendo del finde toda una fiesta al ritmo del cuarteto.
La banda que ha sido fundada en el año 2018 ha sabido conquistar al público rápidamente, ellos han comentado en el show que todo esto de logró con un arduo trabajo y que han agradecido al público por la posibilidad de llenar dos estadios movistar arena, con un show hecho para su gente y comentando estas palabras: «¡Porque los sueños se hacen realidad! ¡Muchas gracias de todo corazón a todos por hacer de estas 2 noches muy inolvidables para nosotros! ¡Nos vemos a la vuelta de nuestras vacaciones!”
En la noche sonaron temas como «Manos de tijera», «Me duele tu nombre», «Yo era» teniendo al público entonando las canciones. Toda la gente se encontraba de pie, incluyendo en las plateas del primer y segundo piso, reunidos con grupos de amigos y familia, con una bebida en mano bailando cuarteto durante casi dos horas.
Los invitados no faltaron en sus dos noches y tuvimos la presencia de artistas como Magui Olave, Luck Ra, Valentina Márquez, The La Planta, Valentino Merlo, Gaspar Gigena y Los Herrera (Sol Sattler, Fede y Fran Herrera) Q Lokura dieron dos noches a puro cuarteto, con una banda que se encuentra en constante crecimiento y pudieron demostrar que pueden ser el alma de la fiesta en un show de grandes dimensiones.
El martes fui a ver Tarcascones, de Ciro Zorzoli. Se trata de Zulma, Martita y Estela, tres amigas que se juntan en casa de Raquel a tomar el té, charlar y jugar a las cartas. Pero un suceso inesperado transformará la reunión en una hoguera donde se ejecutará a la hechicera culpable.
Me parecio excelente. No podia dejar de prestar atención a cada detalle. Por momentos me perdia el hilo de la historia por colgarme en la belleza de la estetica lograda a cada segundo.
Toda la obra es una gran burla a la burguesia actual. Una critica hacia esa burbuja social. Me resultó atractiva la elección de hacerlo desde adentro. Cada personaje exponiendo su realidad y sus contradicciones hasta el colapso. La considero un reflejo acertado de la realidad social actual.
La poesia de los textos te sumerge en un lenguaje particular, una realidad paralela que irrumpe con la habitual. Destaco los momentos en los que el personaje de Alejandra Flechner se descontractura rompiendo con la formalidad y muestra su más profunda sinceridad, logrando empatia desde un personaje nefasto. Me resultó atractiva la dupla con Paola Barrientos, pudiendo percibir una relación previa de confianza entre ambos personajes, volviendo complice al publico.
Con respecto al perro, hubiese preferido que se lo manipule y muestre menos para no romper la ilusion de que realmente se trata de un perro muerto y no un muñeco.
Senti que la obra pone en juego la separación entre realidad y ficcion, llegando a creer que realmente hay una reunion de 4 mujeres de un universo paralelo, sucediendo en simultaneo y que los espectadores estabamos “demás”, pero a su vez escuchando todo lo que hablaban, cómo vecinos chismosos
Se trata de una comedia negra, donde esas señoras paquetas hablan en verso, elevando una tarde de té canasta a la categoría de la épica y el disparate. Me hizo reir y por momentos llorar, al darme cuenta que me estaba burlando de mis propias desgracias
TARASCONES | Desde el 20/6, martes de junio y julio, 20h METROPOLITAN SURA (av. Corrientes 1343). Localidades $6000 disponibles en Plateanet
No soy un experto en el género fighting. De hecho, posiblemente en caso de que me preguntéis, me posicionaría en el otro extremo. Nunca he contado con el tiempo, dedicación y habilidad necesarios para bucear profundamente en los recovecos de combos, frames y secuencias de ataque necesarios para hacerse un lugar en este mundillo.
Esta situación es compartida por gran parte de la comunidad, para que engañarnos, cosa por la cual este género siempre ha mantenido su posición de nicho, frecuentado por comunidades pequeñas, pero muy agradecidas. Al margen de Super Smash, pocos juegos han conseguido reunir a un número considerable de personas. Este “éxito” no fue aleatorio, ya que desde Nintendo aprendieron como ofrecer la definición perfecta de un sistema fácil de aprender, pero difícil de dominar. Así pues, su influencia en el mercado está más que justificada.
Puedo decir que hay un poco de Super Smash en Street Fighter 6. El mensaje ha calado profundamente en el lustro y medio que ha pasado desde la llegada y asentamiento de la anterior entrega. Los primeros (y los segundos) compases de Street Fighter 5 fueron cuanto menos, desastrosos. Es cierto que el hombre suele tropezar dos veces con la misma piedra, pero una caída en esta parte del camino podría significar un batacazo colosal. Aunque parezca que como jugadores estamos acostumbrados a perdonar lanzamientos cuestionables, que esta entrega haya llegado a nosotros en tan buen estado le ha asegurado un merecido puesto en la liga.
Hay peleas para todos. Gracias a los tres modos que incluye el título, todo aquel que quiera disfrutar de unos mamporrazos, tiene opciones de sobra para elegir. En primer lugar, aparece el modo World Tour, un alocado modo historia. El peso de esta es pequeño. Crearemos un personaje, personalizándolo y deformándolo a placer y nos dedicaremos a pasear por Metro City, dándonos de puños con todo aquel que se nos cruce (cuando digo con todos es con todos). En este desarrollo, iremos aprendiendo y dominando poco a poco las habilidades básicas, sirviendo como un buen método de conocer los esquemas de controles modernos.
Memorizar combos inhumanos y movimientos imposibles que poca piedad tengan con los sticks de nuestros mandos está guay, pero para todo aquel que quiera conformarse con algo más simple, aparecen estos nuevos modos de juego. Simplificando los golpes básicos y habilidades principales a la combinación de un joystick y un botón, tenemos una porción del combate cubierto. Para combos más complejos, bastará con apretar un gatillo y aporrear el botón de ataque.
Este sistema, ayuda notablemente a hacernos sentir que somos capaces de “hacer algo” desde el minuto uno. Desde luego, aquel que domine las mecánicas clásicas podrá ofrecer una lucha mucho más ajustada y difícil de contrarrestar. Street Fighter 6 te deja profundizar hasta donde tú quieras, lo que lo hace un título idóneo para la entrada en el género fighting.
Por otra parte, encontramos el Fighting Ground, que recoge todos los modos que definiríamos como “clásicos”, arcade, torres de batalla… Este modo ofrece la experiencia que muchos recordamos, de tiempos en los que el internet era reconocido como la redecilla interior de los bañadores. Desde este modo podremos personalizar cualquier tipo de batalla contra una CPU que poca piedad está dispuesta a mostrar o compartir pantalla para enfrentarnos a algún amigo en modo local.
Finalmente aparece el modo Battle Hub, encargado de gestionar todas las funciones online. En este punto es importante recalcar la excelente labor de Capcom, que ha introducido el rollback netcode, que asegura una conexión muy fluida, con muy pequeñas tasas de pérdida de frames, situación que permite peleas casi perfectas, prácticamente al nivel de una conexión local. Esto no es moco de pavo ya que los problemas de retrasos y ralentizaciones conforman uno de los mayores inconvenientes en los juegos de pelea online. De hecho, con el lanzamiento de la anterior entrega se nos presentaba un modo online prácticamente injugable, convirtiendo cada lucha en un quebradero de cabeza y una batalla perdida contra la marea.
No queda duda de que las mecánicas clásicas se han solidificado, pero también se sienten bastante bien plantadas las nuevas incorporaciones, como la barra de Drive, que nos permite asediar a nuestro rival con potentes ataques a la vez que nos da libertad para bloquearlos con un nuevo parry que permite contrarrestar en cuestión de milésimas la artillería pesada de nuestro contrincante. Pero estos golpes no son gratuitos, cada Drive attack o Drive parry gastará una porción de nuestra barra de Drive dejándonos vendidos y con prácticamente todo el pescado vendido.
En resumidas cuentas, la labor de Capcom por llevar el género Fighting a un mayor público es encomiable. Street Fighter 6 recibe con las puertas abiertas tanto a nuevos jugadores como a aficionados de toda la vida. Mejorado, refrescado y listo para aguantar horas y horas de machaque, es una gran opción para volver al ruedo, a esos días donde nuestros oídos se llenaban con la vibración de la pantalla de tubo, las noches eran jóvenes y lo único importante era no volverse a casa sin haber machacado a tu amigo al menos una vez en toda la sesión (sin pasarse claro, que luego no volvía a invitarte).
La orquesta Delio Valdez, que nació en el año 2009 como una cooperativa de músicos y que aprovechó los ritmos y melodías de latinoamérica, llevando la cumbia y otros sonidos al público de una forma muy propia, llevó a cabo tres shows en el Luna Park con entradas agotadas. Nosotros fuimos parte del segundo show, en un increíble sábado donde la orquesta desplegó todo su talento y puso a bailar a todo el público en un espectáculo emocionantes y con muchos invitados especiales.
Para las 21 horas estaba programado el segundo show de La Delio en un Luna Park que venía llenándose desde temprano. Con la participación de djs invitados, la noche se venía preparando para que el público baile, tanto la gente que se encontraba en la zona de campo, como a aquellos que se situaron en las plateas. Alrededor de las 21:30 comenzó el show a pura cumbia, con temas que pusieron a moverse a todos desde el primer minuto.
Los invitados no se hicieron esperar, tuvimos la presencia de Onda Sabanera quienes interpretaron «El Campanero’. También dió su aparición Natalia Oreiro, quien junto a Ivonne Guzman cantaron «Cumbia de los dos». La cantante Mexicana Julieta Venegas (Ya tan argentina como el asado) dijo presente con «Amnesia Total». Uno de los últimos invitados de la noche fue Nahuel Pennisi con el tema «La Noche»
Durante todo el show que duró más de dos horas, fueron cambiado los artistas en el escenario, la temática del lugar y el ritmo de sus canciones, con movimientos dinámicos, que no le dejaban casi descanso al público. Al momento de la interpretación de «Inocente» una de las canciones que ha ganado gran popularidad, fue la mismísima Ivonne quien dió la gran puesta para este tema, donde dejo el tiempo para que el público lo cantara y culminara con una lluvia de papeles.
Pablo Broide dijo durante el show “14 años de cumbia ininterrumpida. No fue magia, fue trabajo en equipo. Acá no hay empresas multinacionales que ponen la plata. Somos todes los que llegamos a esta sala mítica. No es algo individual, es colectivo”. De esta manera podemos notar el crecimiento de un grupo de artistas con demasiado talento y amor por lo que hacen y que se ha demostrado en tres ocasiones con sus Luna Park agotados.
Suavecita, se estrenó el pasado 8 de junio en Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velasco 419, CABA), este unipersonal es protagonizado por Camila Peralta, escrito y dirigido por Martín Bontempo.
Esta comedia no tiene desperdicio alguno, ya que desde el momento cero las carcajadas se hacen oír por toda la sala. Suavecita, es una mujer que deambula por un hospital del conurbano ofreciendo mimos a los enfermos. El Dr. Rodríguez, intrigado por esta habilidad mística, decide utilizarla como parte de una terapia alternativa en pacientes terminales. La obra contiene pequeñas porciones de ciencia ficción y con una variedad de condimentos como risas, drama y erotismo. Una conjunción de vivencias que mantienen al público atento y a la expectativa durante una hora para llegar a la conclusión de que la obra es hiper original.
Existen dos realidades opuestas en Suavecita: el de una mujer con un don mágico y misterioso y la medicina tradicional en un contexto difícil. Sin embargo, la protagonista solo pretende arreglar su casa y darle una mejor calidad de vida su hija, mientras descubre el alcance de su poder. Camila Peralta, por su parte, realiza un trabajo asombroso y admirable, representando a diferentes personajes durante la obra. Mediante el manejo histriónico de su voz y cuerpo, provoca risas que brotan por todos los rincones de la sala. Pero, los unipersonales, requieren mucho más que el talento de la protagonista, es así como se luce el trabajo realizado por Uriel Cistaro en la dirección de arte, de Fernando Chacoma en el diseño de luces, de Germán Severina en la música y de Adam Efron en el diseño de maquillaje.
Las funciones de Suavecita se realizan días jueves a las 21 hs y las entradas se pueden conseguir en Nün Teatro Bar o en Alternativa Teatral.
El pasado dos de junio se estrenó la obra ‘La desobediencia de Marte’, original del dramaturgo y escritor mexicano Juan Villoro. Este estreno coincidió con la inauguración del auditorio del Centro Cultural de La Ciencia como nueva sala de Teatro perteneciente al Teatro Nacional Cervantes.
Ciencia y teatro están estrechamente relacionados, la realización teatral consiste de ensayo y error, esto es parte del método científico, la aplicación del ingenio para poder llevar a cabo una apuesta. Parafraseando las palabras del Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Daniel Filmus durante la presentación de esta obra, todas las artes están estrechamente relacionadas con el pensamiento.
« Ciertas rivalidades son extraordinariamente productivas. Johannes Kepler y Tycho Brahe se necesitaban y temían. Movidos por la admiración y la desconfianza, se reunieron en 1600 en el castillo de Benatek, Bohemia, para descifrar las órbitas de los planetas. Kepler era científico teórico; Brahe, científico empírico. El segundo conocía el curso de las estrellas mejor que nadie, pero sólo el primero podía interpretarlas. Si uno prevalecía, el otro sería olvidado. Para llegar a la ecuación definitiva era necesario sortear» Esta es la sinopsis descrita por Juan Villoro en la adaptación dirigida por Marcelo Lombardero.
Osmar Núñez es Tycho Brahe y Lautaro Delgado Tymruk es Johannes Kepler. Dos científicos del siglo XVII uno aprendiz del otro, uno triunfante en el campo de la investigación astronómica y el otro un teórico refutado. Sin importar los descubrimientos y desaciertos de ambos, queda el mérito de ser estudiados hoy en día, pero más allá de eso, la relación entre ellos se puede traspasar a cualquier escenario del 2023.
Nuñez y Delgado poseen una química increíble, los actores marcados por la diferencia de edad y trayectoria se ponen a la par en estos personajes que conjuegan entre la recreación dramática y el Teatro contemporáneo.
Lo primero que nota el espectador es la abstracta escenografía de Matías Otálara, está compuesta por elementos astronómicos hechos en tablas como relojes y telescopios, mobiliario medieval y utilería. Luciana Gutman es capaz de llevar a cabo un vestuario acorde a lo que sería un maestro y su pupilo en un castillo, ambos desafiando a la iglesia con sus teorías.
La Desobediencia de Marte es la perfecta sintonía entre arte y ciencia, pues de grandes científicos se pueden realizar dramas profundos y por que no, llevar estas historias al tiempo actual. Disponible los viernes a las 20 horas en El Centro Cultural de La Ciencia del barrio Palermo.
Silvestre y La Naranja promete hacer historia con un espectáculo único e inolvidable el 15 de septiembre a las 20:30 hs. (PREVENTA 1 AGOTADA, PREVENTA 2 YA DISPONIBLE) presentando en vivo su nuevo álbum «Sueño Cítrico» en el icónico Estadio Obras, escenario que ha sido testigo de los grandes momentos de la música Argentina.
«Vencimiento» es el focus track de «Sueño Cítrico«, y cuenta con la colaboración de Esteman (cantante y compositor colombiano quien comparte grandes éxitos con Sofia Reyes, Los Angeles Azules, Miranda, Mon Laferte, Javiera Mena, entre otros). La canción juega con la fecha de vencimiento de un amor, «cuando el sabor se diluía lento, volvió tu aroma, elixir inmortal», haciendo referencia a una conexión que no se termina por el simple paso del tiempo y renace constantemente.
La canción combina elementos del pop latino con la música urbana, generando puentes estilísticos en los que Silvestre aún no había incursionado. Intercalando entre estribillos pegadizos y líneas de vientos, «Vencimiento» vuelve a mostrar la rica versatilidad del grupo, a la vez que hace eco de su identidad cancionera.
El videoclip filmado en la Ciudad de México, vemos a Silvestre y La Naranja y Esteman en un juego entre realidad y sueño, haciendo referencia al concepto onírico de «Sueño Cítrico». El video comienza con una realidad nostálgica en una taquería y se traspola a una fantasía de Esteman, en donde vemos a los Silvestres tocando en un salón y al artista colombiano encontrándose con su amor en un plano irreal.
Marzo de 1994, Looking Glass Studios tiraba una bomba al mercado de los videojuegos el cuál quedaría para siempre en la historia del gaming, el primer System Shock, una proeza en los shooters en primera persona, ya que se trataba del primero en adoptar graficas 3D al género, y que serviría de inspiración para juegos más modernos como los Bioshock, Deus Ex, Prey, entre otros. Casi 30 años pasaron de ése acontecimiento para encontrarnos hoy con su Remake de la mano de Nightdive Studio.
En este juego encarnaremos el papel de un Hacker, capturado por las fuerzas de seguridad de la Corporación TriOptimum, nos veremos obligados a hackear y desactivar los parámetros éticos a una Inteligencia Artificial llamada SHODAN, encargada de la estación espacial Citadel a cambio de dejarnos vivir y de una mejora cibernética. Lamentablemente, es esta misma acción la que nos conducirá al infierno en donde nuestra aventura se desarrollara, ya que seremos arrojados dentro de la estación espacial y estaremos a merced de la malicia de SHODAN, la cual iremos conociendo lentamente a medida que avancemos por los pasillos de esta laberíntica epopeya.
Habiendo contado un poco de que va la historia de System Shock, nos toca hacer foco en el remake en cuestión y sus novedades, jugabilidad y aspectos más importantes. Es cierto que de hace años se adoptó de forma muy orgánica la idea de remakes de juegos ya con varios años de salida, trabajos que toman las historias de clásicos y cambian radicalmente el gameplay para adaptarlo a tiempos más modernos, y esto es algo que System Shock Remake lo hace distinto. No solo conserva la historia original del primer juego, también el diseño de niveles y la mayoría de las mecánicas, incluso hasta el movimiento de nuestro personaje, y no pudieron haber acertado más. System Shock fue tan revolucionario para la época, que gran parte de sus mecánicas, puzles y otros contenidos dentro del juego, funcionan de forma orgánica al punto de no necesitar ser modificados más allá de lo visual y sonoro. Citadel, estación espacial que supo ser bella y habitada por humanos, ahora no es más que un laberinto infestado por hordas de mutantes y ciborgs asesinos creados por SHODAN, esconde un sinfín de recovecos, los cuales debemos investigar y descubrir sin muchas pistas más allá de nuestra propia curiosidad y guiados por un mapa que se volverá nuestro mejor aliado. Y este es uno de los puntos más importantes de System Shock, que con pocas instrucciones, confían de las habilidades del jugador para darle un gameplay tremendamente inmersivo y gratificante. No es un juego sencillo ni fácil, por eso es que en el remake dieron opciones de dificultad para varios aspectos del mismo, desde facilitar el nivel de la IA de los enemigos, hasta hacer más simple y sencillo los distintos puzles del mismo. Algo que a mi parecer es bastante acertado, ya que las mecánicas del mismo requieren astucia y cierto grado de aprendizaje.
La exploración del mapa es clave, el juego nos impulsa a que decidamos que camino tomaremos en la siguiente intersección, aunque lo más recomendable es explorar lo máximo posible, de esta manera podremos encontrar las distintas mejoras para nuestro hacker, armas, municiones e ítems que nos harán la aventura un tanto más cómoda. Hablamos de los puzles, y nos vamos a encontrar particularmente con dos tipos diferentes. El primero que nos vamos a topar en nuestra aventura, son unos en forma de tablero eléctrico, donde tendremos que llevar la energía del punto A al punto B dentro del tablero, modificando la ruta de recorrido eléctrico para poder desbloquear una compuerta y poder seguir avanzando en nuestro camino y exploración. El segundo tipo de puzle es más una especie de minijuego, donde nos meteremos al ciberespacio y será una experiencia similar a un Shoot ‘Em Up en 360° (trayendo recuerdos de un hermoso y antiguo juego llamado Descent) donde tendremos que abrirnos camino para poder desactivar algún sistema que este bloqueando nuestro camino en el mundo real.
Administrar nuestro inventario será una tarea que a medida que avancemos se volverá un reto en sí mismo, desde ordernarlo manualmente para poder seguir recogiendo hasta decidir que elemento recoger para vaporizarlo por chatarra o simplemente llevarlos al punto de reciclaje más cercano para intercambiarlo por monedas, las cuales nos permitirán adquirir diversos ítems como municiones. Las armas también ocuparan lugar físico en nuestro limitado inventario, que funciona de la misma forma que el de Resident Evil 4, como para darles un ejemplo fresco, así que llegara un punto de inflexión donde tendremos que decidir si continuar con la primer pistola que nos ofrece el juego y que tanto nos ayudó a destruir estos abominables mutantes, o dejarla ir por un nuevo rifle de asalto automático el cual aniquila todo en su frente pero que siempre vamos a estar contando cada bala que utilicemos, al menos al principio.
System Shock Remake es todo lo que uno espera de un excelente remake, adaptando la jugabilidad a tiempos modernos sin perder la esencia del gran clásico que supo ser, dándole al jugador verdaderos retos y recompensándolo por superarlos, en una ambientación fascinante y fresca. La exploración, el clima tenso, los audio logs de los antiguos habitantes de Citadel, el descaro y magnifica maldad de SHODAN, los brutales enemigos, los puzles complejos y difíciles, una ambientación visual y sonora de película, todo esto hicieron a System Shock una pieza maestra que hoy por suerte podemos disfrutar de una manera completamente actualizada. Gracias Nightdive Studio por restaurar esta obra de arte y dejarla en su máximo esplendor.
La máscara social y la falsedad es algo que no pasa de moda con los años. Mientras más pasa el tiempo más nos escondemos tras esa ilusión de convertirnos en un estereotipo de “buena persona” con tal de recibir la aprobación del otro que convive con nosotros. Esta presión de aprender lo que el sistema nos dicta para alcanzar el ascenso social está presente desde años muy lejanos y la comedia ha sido un gran punto de fuga para descomprimir todas las obligaciones que nos imponen y desvelar, de a poco y con mucha paciencia, esa máscara que tanto nos oprime. Esto es lo que el dramaturgo Molière escribió en su comedia – ballet “El Burgués Gentilhombre” allá por los años 1600 y, ahora, Pablo González Casella nos brinda una versión libre en donde el juego, la corporalidad y el ritmo pisan fuerte en el escenario.
Esta adaptación relata la historia de obsesión de un Burgués por ingresar a la corte del rey y codearse con nobles, que lo lleva a gastar todo el dinero de su familia en profesores e individuos que se dedican a estafarlo. Jourdain aspira a llegar a ser una persona elegante y, para esto, finge esfuerzo con mucha pereza y desinterés en distintas prácticas. Sus profesores le enseñan cosas básicas sin demasiado esmero, ya que se dan cuenta de que las clases son parte de la construcción de un personaje que quiere aparentar ante su familia para sentirse superior a ellos, culto y refinado. Sus acciones ponen en riesgo su matrimonio y el amor que su hija Lucila siente por Cleonte; dicha relación es rechazada porque Cleonte no pertenece a la nobleza. Hasta que una farsa creada en escena se llevará a cabo para que las cosas salgan bien.
En la puesta Mar Bouvet, Gianfranco Dacci, Zoe Ferrari, Trinidad Giannone, Franco Giansetto, Clara González Casella, Ornella Salerno y Camila Elizabeth Sarmiento ponen el cuerpo para darle vida a diferentes personajes que conviven con la locura del Burgués. Es destacable el recurso que utilizan, debido a que todos los personajes en escena se pueden convertir en el Burgués. Esto expone el artificio del teatro ya que sus roles no quedan fijos en las tablas, sino que están en constante movimiento, mutan en distintas pieles en todo momento brindándole un tinte único al protagonista de la obra. Nos da a entender que las reglas del juego pueden cambiar en cualquier circunstancia y que, al fin y al cabo, el papel de Burgués no es más que una persona común y corriente con un montón de decorado encima. Esta manera de “socializar” el Burgués da cuenta de que todos, en algún momento, cargamos con una máscara que no nos pertenece.
El despliegue actoral y musical es muy acorde a esta nueva versión contemporánea del relato. Lxs actores y actrices componen un elenco vibrante y potente, poseen un trabajo corporal muy presente debido a que el texto los obliga a estar en constante movimiento para no perder la dinámica de la puesta. Juegan mediante la expresión, reducen sus diálogos a través de lo gestual potenciando la labor de sus cuerpos y rostros al máximo. La obra encuentra los pequeños guiños contemporáneos para acercarse al público y parecerse, aunque sea un poco, a la realidad que nos rodea. En esta ocasión, la música y las canciones son el acompañante perfecto para explotar el trabajo físico y expresivo que componen la esencia de la pieza teatral.
“El Burgués Gentilhombre” nos invita a jugar con la tragedia, a exponer la falsedad de las personas a través de la comicidad y el ritmo al mismo tiempo. Demuestra que todavía existen algunos aspectos del siglo XVII que no cambiaron, siguen vigentes hoy en día y nos rigen como sociedad. Al fin y al cabo, la obra evidencia que ningún título de nobleza o riqueza puede alcanzar lo que verdaderamente importa: el amor genuino entre lxs seres humanos.
«El Burgués Gentilhombre» tuvo su última función en el Teatro Anfitrión el sábado 27/5. Para más información sobre nuevas funciones pueden seguir la cuenta de la compañía de teatro «Bertolt»: (@Teatrobertolt) o ver la información en https://www.alternativateatral.com/obra81325-el-burgues-gentilhombre
Luego de su debut en la novena edición del “Ciclo de Unipersonales Perspectivas” en el Espacio Tole Tole Teatro, Brasil comienza su temporada en Silencio de Negras todos los domingos a las 18hs.
Él relata la obra que nunca estrenó sobre un viaje que nunca fue. Un idioma desconocido, dioses, playas, morros, calor, dudas, miedos, amor, extrañar. Posibles aventuras, posibles personajes, posibles anécdotas en esa tierra ajena a la que él imagina haber conocido. Un viaje que no fue o que quizás, acaso, está siendo en el aquí, en el ahora, ya, en el presente de la escena.
Performance, teatro físico, clown, narración, danza. Brasil es una obra multidisciplinaria. Ián Martin es preciso y técnicamente impecable, sin por eso dejar de habitar y de ser cuerpo expresivo: un actor, no un gimnasta. Él encarna la multiplicidad de (no)recuerdos de ese (no)viaje de esa (no)obra. Desde el público emerge otro cuerpo: Martina Femayor es la directora de esa obra que nunca fue. Sus indicaciones desde butacas y sus irrupciones en escena le dan dinamismo y ritmo al relato de él. Ella es quien conduce la batuta (¡Y bien que lo hace!). En ella habita la dualidad: el hartazgo y el amor. La química entre ambos intérpretes conmueve, sorprende, hace reír y reflexionar.
Además del relato del viaje, la obra expone y se ríe de los conceptos del “éxito”, de lo colectivamente asumido como “teatro”, “arte” y “artista”. Brasil interpela todo el tiempo al público, los actores se dirigen a él directamente y preguntan: “¿Esto es teatro?” Se pone en crisis la noción de verdad: si el recuerdo del viaje es tan vívido, ¿realmente no ocurrió?
Es para destacar el uso austero de objetos que construyen el todo: una silla, una mesa y unas lámparas led que los propios actores manejan recordando todo el tiempo que esto es teatro. El diseño de iluminación (Sol Miranda) genera el pasaje entre ese presente de la obra que no fue con ese pasado de la obra que habría sido. A través de las luces: el mar y su azul, el amor y su rojo, la naturaleza y su verde. Por último, para destacar la música original (Teo Roux) que genera dinamismo y enriquece cada momento.
«As coisas que não existem são mais bonitas”. ¿Viajar para escribir una obra o escribir una obra para viajar? ¿Una obra que no fue y está siendo cada vez? ¿Este viaje se hizo? Sí, no, no se sabe. Lo único seguro es que en escena, esa (no)obra y ese (no)viaje se vuelven concretos en el encuentro con el público. Un recuerdo que se materializa en tanto se vuelve cuerpo y presente en escena. Brasil es una invitación cálida a pensar(se). El público sale con gusto a mar en la boca, arena en la piel y la sensación de haber viajado durante el rato efímero y eterno que dura la obra.
“Brasil”- Domingos 18hs– Teatro Silencio de Negras (Luis Sáenz Peña 663) Ficha Técnica: Autoría: Ián Martin// Actúan: Ián Martin y Martina Femayor// Diseño De Iluminación: Sol Miranda// Diseño musical: Teo Roux// Fotografía: Lara Karakachof// Diseño gráfico: Catalina Palermo// Asistencia técnica: Emilia Cabrera// Dirección: Martina Femayor.
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